Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos


51.- Johnny Marr El guitarrista de The Smiths fue un genio de la era post-punk ya que no buscaba apantallar con solos, pero sí podía sonar como una banda completa. Cuando niño, Johnny escuchaba discos Motown y no sólo trataba de reproducir los solos de guitarra, sino también los de piano y cuerdas, con la […]


POR Staff Rolling Stone México  



Johnny Marr51.- Johnny Marr

El guitarrista de The Smiths fue un genio de la era post-punk ya que no buscaba apantallar con solos, pero sí podía sonar como una banda completa. Cuando niño, Johnny escuchaba discos Motown y no sólo trataba de reproducir los solos de guitarra, sino también los de piano y cuerdas, con la mano derecha. Sus voluptuosos arpegios fueron tan esenciales para el característico sonido de The Smiths como el barítono de Morrissey.

Escucha: “This Charming Man” y “How Soon Is Now?”.

Clarence White52.- Clarence White

Clarence White ayudó a moldear dos géneros: su rasgueo acústico con plumilla, que mostró por primera vez en la adolescencia tiempo en que él y su hermano formaron los Kentucky Colonels, fue clave para convertir a la guitarra en el instrumento líder del bluegrass. Abrió paso al rock country y transfirió su precisión melódica a la guitarra eléctrica. Como renombrado músico de los años sesenta, tocó en el Sweetheart of the Rodeo de The Byrds en 1968.

Escucha: “Time Between”, “This Wheel’s on Fire” y “Chestnut Mare”.

Otis Rush53.- Otis Rush

En el chicago de los años sesenta, “las reglas habían sido marcadas” para bandas de jóvenes blancos, comentó Mike Bloomfield a Rolling Stone en 1968, “tenías que ser tan bueno como Otis Rush” y no era cosa fácil. Rush, nativo de Mississippi que se estableció en Chicago a finales de los años cuarenta, era un temible guitarrista eléctrico –con
un rasposo y agudo tono como las certeras notas de Muddy Waters y B.B. King– así como un aplastante compositor.

Escucha: “I Can’t Quit You Baby”, “Double Trouble” y “Homework”.

Joe Walsh54.- Joe Walsh

Al tocar con The James Gang, trío de Cleveland, Joe Walsh combinó la furia de The Who con los efectos técnicos y el toque R&B de The Yardbirds, como demuestra en “Funk #49” de 1970. La facilidad bluesera de Walsh quedó demostrada con su éxito solista “Rocky Mountain Way”, de 1973. Pero fue cuando se unió a The Eagles en 1975 que en verdad se sumergió en el rock clásico.

Escucha: “Rocky Mountain Way” y “Funk #49”.

John-Lennon55.- John Lennon

Cuando Jann S. Wenner, fundador de Rolling Stone, le preguntó a Lennon cómo se calificaría como guitarrista, Lennon respondió “No soy bueno en la técnica, pero puedo hacer una guitarra aullar y moverse. Yo era la segunda guitarra, lo que es importante. Puedo guiar a una banda”. Y era verdad, Lennon era la bujía y el empuje de The Beatles, agregando crudeza a canciones pop.

Escucha: “Help!”, “Day Tripper” y “Yer Blues”.

Albert Collins56.- Albert Collins

En 1968, Jimi Hendrix habló sobre su admiración por una luminaria bluesera de Houston, desconocida fuera de esa área, “hay un chico que quiero que la gente lo conozca. Es muy bueno, uno de los mejores guitarristas del mundo”. Albert Collins, quien falleció de cáncer pulmonar en 1993, tocaba con el pulgar y el dedo índice en lugar de usar una plumilla, para agregar un chasquido a sus penetrantes y agudos solos. Su fluido y creativo estilo influenció a Hendrix, en ocasiones de modo evidente.

Escucha: “Frosty” y “Sno-Cone Part 1”.

Rory Gallagher57.- Rory Gallagher

“Trabajar por años me parece un desperdicio”, comentó Rory Gallagher a Rolling Stone en 1972, “para sólo convertirse en una especie de estrella”. En lugar de eso, el guitarrista irlandés, quien entonces tenía sólo 23 años, se volvió legendario debido a sus giras que no tenían fin.

Escucha: “Bullfrog Blues”, “Laundromat” y “Walk on Hot Coals”.

Peter Green58.- Peter Green

A finales de 1966, Green reemplazó a Eric Clapton en The Bluesbreakers de John Mayall, éste le dijo a su productor: “Puede que no sea mejor [que Clapton]. Espera… él será el mejor”. Junto con el original Fleetwood Mac, se convirtió en el guitarrista de blues más progresista de Gran Bretaña, con una agresividad al estilo blues de Chicago exaltada por el espíritu aventurero de discos como Then Play On, de 1969. Green entró después en una oscura etapa de problemas de salud mental y física, para volver en los años noventa.

Escucha: “Albatross” y “Rattlesnake Shake”.

Robbie Robertson59.- Robbie Robertson

Cuando Bob Dylan describió el “salvaje sonido metálico” de The Band, en realidad se refería a la guitarra de Robertson, como su solo en “Just Like Tom Thumb’s Blues”, de su gira en 1966. Pero para cuando The Band grabó sus propios LPs, Robertson redujo su enfoque y evolucionó en un intérprete rítmico consumado.

Escucha: “The Shape I’m In” y “Like a Rolling Stone (Live 1966)”.

Ron Asheton60.- Ron Asheton

“La parte que yo canto son sólo unas cuantas notas una y otra vez”, comentó alguna vez Iggy Pop al referirse a “TV Eye” de The Stooges, “pero Ron creó un mundo entero alrededor”. En manos de Asheton –tal como en himnos proto-punk como “I Wanna Be Your Dog” y “No Fun”– el clásico acorde de tres notas se convertía en una embestida súper poderosa, zumbando, implacable, casi mística. Puedes escuchar el salvaje estilo de Asheton presente en el estilo de Kurt Cobain, Thurston Moore y Jack White.

Escucha: “No Fun”, “TV Eye” y “I Wanna Be Your Dog”.

Dickey Betts61 .-Dickey Betts
“Yo soy el guitarrista famoso”, comentó el fallecido Duane Allman, “pero Dickey es el bueno”. Los dos pasaron menos de tres años juntos en The Allman Brothers Band, pero establecieron una conexión épica, improvisando, intercambiando solos y tocando sus famosas secuencias a doble guitarra. Tras la muerte de Allman en 1971, el grupo continuó con Betts.

Escucha: “In Memory of Elizabeth Reed” y “Jessica”.

Robert Fripp62.- Robert Fripp

Desde el primer ensayo de King Crimson, en 1969, Fripp ha sido la voz instrumental que distingue a la banda, una singular mezcla de distorsionada complejidad y magistral técnica. Dicha dualidad se puede escuchar en el álbum de rock progresivo más avanzado que jamás se haya hecho: Larks’ Tongues in Aspic, de 1973. La línea guitarrística más famosa de Fripp es el gancho que construye con un pedal fuzz en “Heroes”, tema que le dio nombre al disco de Bowie. Fripp “empezaba sin siquiera saberse la secuencia de acordes”, cuenta el productor Brian Eno.

Escucha: “21st Century Schizoid Man” y “Heroes”.

Johnny Winter63.- Johnny Winter

Entre todos los viajados caucásicos que impulsaron el blues de finales de los años sesenta, Winter era el más blanco y rápido de todos. Canciones como su cover de 1961 a “Highway 61 Revisited” son sorprendentes piezas que muestran sus rasgueos eléctricos a la velocidad de la luz. Jimi Hendrix lo llamó para acompañamiento y Muddy Waters reconoció su talento a primera vista, convirtiéndose en su amigo y colaborador: “Ese tipo ahí en el escenario, que tengo que verlo de cerca”, dijo Waters más tarde, “¡Toca ocho notas en lo que yo toco una!”.

Escucha: “I’m Yours and I’m Hers” y “Fast Life Rider”.

Duane Eddy64.- Duane Eddy

Si acaso había alguna duda a finales de los años cincuenta que la guitarra era el instrumento esencial del rock & roll, Duane Eddy dio fin a la discusión, basta escuchar su sencillo de 1958, “Rebel Rouser”, con un timbre country y vibrante trémolo. “Chet Atkins usaba el vibrato de modo selectivo mientras que Duane Eddy lo usaba para golpear la música”, comentó Dave Davies de The Kinks. El impacto de los éxitos de Eddy, como “Forty Miles of Bad Road” y “Peter Gunn” pronto se escucharía en la música surf y en guitarristas como Jeff Beck y George Harrison.

Escucha: “Rebel Rouser” y “Peter Gunn”.

Slash65.- Slash

Puede que haya pasado mucho de su tiempo en Guns N’ Roses sin camisa y ebrio, pero Slash trajo el buen gusto y la moderación de regreso a la guitarra de rock pesado. “Era un sonido simple de rock & roll a comparación de lo que todos los demás tocaban”, comenta Slash. Podía tocar riffs como Joe Perry y entrelazar el estilo de los Stones con Izzy Stradlin. Solos líricos como la épica gloria de “November Rain” permanecieron en la esencia de la canción. “Es difícil tocar solos de otra manera”, afirma Slash, “se escucharía mal”.

Escucha: “Sweet Child O’Mine” y “Welcome to the Jungle”.

Leslie West66.- Leslie West

Marcó por primera vez el rock garage de mediados de los años sesenta con el cover que The Vagrants hizo a “Respect”, de Otis Redding. Para 1969, West era el imponente vengador en Mountain. En temas como “Mississippi Queen”, West tocó severas líneas de blues con aparente facilidad y aptitud de R&B en medio de un bosque oscuro de distorsión de amplificadores. “Los riffs eran increíbles”, comentó Dave Davies, “podía tocar piezas lucidas e intrincadas, pero no buscaba atención. Tocaba con sentimiento”.

Escucha: “Mississippi Queen” y “Nantucket Sleighride (To Owen Coffin)”.

T-Bone Walker67.- T-Bone Walker

Cuando B.B. King escuchó a T-Bone Walker, pensó: “El mismo Jesucristo ha regresado a la tierra para tocar la guitarra eléctrica”. Walker inventó el solo de guitarra como lo conocemos, construyendo un nuevo estilo de fraseo fluido, cambios blueseros y vibratos. Sus tonos claros y la invención melódica estuvieron presentes en su sencillo de 1942 “Mean Old World” impactaron a todos, mientras Walker refinaba su enfoque con hits como “Call It Stormy Monday”. “Llegué a este mundo muy pronto”, afirmó Walker, “yo diría que me adelanté 30 años”.

Escucha: “Call It Stormy Monday”, “T-Bone Shuffle” y “Mean Old World”.

John McLaughlin68.- John McLaughlin

Cuando John McLaughlin tenía 20 años, lo invitaron a tocar con Miles Davis, co-creando el jazz fusión en Bitches Brew y otros LPs de Davis. Pero obtuvo el título de Dios de la guitarra con su propia Mahavishnu Orchestra, donde hizo que su Gibson escupiera fuego como un dragón de múltiples cabezas. Como prodigioso artista, McLaughlin era único, mezclando rock psicodélico, R&B, gypsy jazz, flamenco y técnicas raga hindúes. Fue su maestría políglota lo que le valió gran respeto tanto de jazzistas como de rockeros, Jeff Beck lo llamó “el mejor guitarrista vivo”.

Escucha: “Right Off” y “The Noonward Race”.

Richard Thompson69.- Richard Thompson

Richard Thompson ha sido uno de los más deslumbrantes talentos del rock desde sus tiempos con Fairport Convention, una banda británica de folk rock que se orientaba a la música inglesa tradicional. Lanzando increíbles riffs, combinó la técnica de tocar con plumilla con veloces arpegios de rock. Sus solos de guitarra eléctrica, cuyo origen se orientaba más a la música celta que al blues, son asombrosos, pero su estilo acústico es aún mejor; nadie sabe cuántas lágrimas han sido derramadas por intérpretes que intentan tocar “1952 Vincent Black Lightning”.

Escucha: “Shoot Out the Lights” y “1952 Vincent Black Lightning”.

jack white70.- Jack White

Para finales del siglo pasado, el new metal y el post-grunge le habían dado mala reputación a los guitarras pesados, después Jack White apretó el botón de reinicio. Con cada riff salvaje, reconectó el rock pesado mostrando que una banda con base de blues podía librarse de lo que él denomina “mierda de blues blanco tocada con Stratocaster”. Y no permitió que sus tendencias análogas le impidieran darle un uso ingenioso al pedal DigiTech Whammy, el secreto de “Seven Nation Army” y las guías en “Ball and Biscuit”.

Escucha: “Seven Nation Army” y “Ball and Biscuit”.

robert Johnson71.- Robert Johnson

Por décadas, él era apenas conocido después de su muerte en 1938. Sin embargo, las 29 canciones que Robert Johnson grabó en 1936 y 1937 se convirtieron en las Sagradas Escrituras para los guitarristas del rock. Se asombraron por la forma en que hizo sonar la guitarra , como si fuera un ensamble, con slide y riffs que salen de la niebla. Dylan lo recuerda tocando en “King of the Delta Blues Singers”, que rescató a Johnson de la oscuridad: “Las vibraciones de las bocinas hicieron que se me enchinara la piel”.

Escucha: “Ramblin ‘On My Mind” y “Traveling Riverside Blues”.

john frusciante72.- John Frusciante

Los Red Hot Chili Peppers siempre supieron cómo hacer la fiesta; a John Frusciante le tocó convertirlos en una banda consolidada con un sonido que pudieran llamar propio. Frusciante es un estilista muy elástico y un arreglista dotado que empujó a los Chilis a explorar nuevos mundos; sino que reforzó su sonido con una llama encendida en el lugar exacto, el volcánico estilo de Hendrix se escucha en “Dani California” y con una notable elegancia como en los primeros acordes de “Under the Bridge”.

Escucha: “Dani California” y “Under the Bridge”.

kurt cobain73.- Kurt Cobain

No era un virtuoso, y ese es el punto: tomó la guitarra eléctrica a través de técnicas de trituración de notas y se las dio a los artistas, poetas y locos, Kurt Cobain se convirtió en uno de los interpretes más importantes de la historia. Cobain no inventó el rock alternativo. Pero con su amor a Cheap Trick, los Melvins y Kiss, le dio el poder metálico necesarios para conquistar el mundo. Su forma de tocar no era del todo ignorante: checa la progresión de acordes no convencionales de “Lithium” y casi todas las otras canciones de Nirvana.

Escucha: “Smells Like Teen Spirit” y “Scentless Apprentice”.

Dick Dale74.- Dick Dale

“Quería que mi guitarra sonará como los tambores de Gene Krupa”, dijo Dick Dale, y el estilo hiperpercusivo que inventó para sus maravillosas melodías, fue pionero en el sonido del rock surf. Dale tocaba lo más rápido posible, al volumen máximo; Leo Fender, una vez que intentó diseñar un amplificador que no fuera destruido por el volumen máximo de Dale. “Sus arreglos eran muy complejos, muy rebeldes”, dijo Alex Lifeson de Rush. “Todo eran reverberaciones y rasgueos staccato, pero con una reverberación que sonaba genial”.

Escucha: “Misirlou” y “The Peter Gunn Theme”.

joni mitchell75.- Joni Mitchell

Por David Crosby

Lo más fuerte que hice por Joni como productor en Song to Seagull,
de 1968, fue mantener a todos los demás fuera del disco. Ella era una folkie que había aprendido a tocar lo que ellos llaman un acuerdo indicado, donde eres como una banda en la forma de enfocar un acorde y una cuerda a lo largo de la melodía. Ella era tan nueva y fresca en la forma en que lo hacía. Es la razón por la que me enamoré de su música. Ella era un fantástica ejecutante de ritmo y crecía tan rápido. Había dominado la idea de que podía entonar la guitarra de la manera que ella quería, para obtener otras inversiones de los acordes.

Escucha: “I Had a King”, “Nathan La Franeer”, “Night in the City”, “Coyote” y “A Case of You”.



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