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El legado de George Harrison a 17 años de su muerte


Recordamos al virtuoso músico con cinco grandes colaboraciones.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía Universal Music

El legado de George Harrison a 17 años de su muerte

George tiene un misterio dentro de sí el cual es inmenso. Lo más interesante de este misterio es ver cómo lo va revelando poco a poco. Abriéndose, creciendo, creando cosas maravillosas de la nada”, mencionó John Lennon en una entrevista en 1968 cuando se le preguntó sobre la personalidad de su excompañero de banda.

Cuando The Beatles comenzó a crear un nombre en su natal Inglaterra, George Harrison era el integrante con la personalidad más introvertida del grupo, característica con la que se le identificó el resto de su vida. Silencioso y misterioso, George se mostraba como un experimentado músico a pesar de su corta edad. Con el paso de los años y el éxito rotundo de la banda, Harrison logró acrecentar su talento y empezó a colaborar como cantautor junto a Paul McCartney y Lennon en sus proyectos en solitario.

Si bien sus explosiones de excelencia como cantautor aparecieron en los sesenta en canciones como “Here Comes the Sun”, “Something” y “While My Guitar Gently Weeps”, el talento del músico era innegable. Creando himnos atemporales que permanecen intactos en la memoria colectiva.

Lo cierto es que mientras Harrison formó parte de The Beatles, sus habilidades de composición se limitaron principalmente a proporcionar color para las composiciones de sus compañeros.

Su carrera en solitario revela las profundidades de su introspección y el alcance de su creatividad. Tras la separación de The Beatles, Harrison fue de los primeros en cosechar un éxito como solista. Su álbum en solitario, All Things Must Pass de 1970, es fácilmente su trabajo más elogiado. Su carrera incluye temas que rápidamente se volvieron éxitos como “My Sweet Lord”, “Got My Mind Set On You” y “Give Me Love (Give Me Peace on Earth)”.

Su música lo llevó inspirar a infinidad de artistas y a hacer colaboraciones con personalidades de la talla de Eric Clapton (uno de sus amigos más cercanos) y Bob Dylan. No obstante, a partir de mediados de los setenta, dejó de ser un personaje público y evitó el campo hasta su muerte a causa de cáncer el 29 de noviembre de 2001.

Hoy recordamos a George Harrison, ese chico introvertido que más tarde pareció ser el tesoro oculto más progresivo de una de las bandas más importantes de la historia. A continuación presentamos cinco grandes colaboraciones del virtuoso músico.

Theme For Something Really Important” – Duane Eddy.
Los dos guitarristas se unen para crear esta maravillosa canción del álbum homónimo de Duane Eddy de 1986. El dueto de guitarras enmarca el ritmo suave de la canción, el cual lo convierte en uno de los mejores temas de Eddy.

 

Roll Away the Stone” – Leon Russell
Esta canción incluida en el primer álbum en solitario de Russell contó no solo con Harrison en la guitarra, sino también con Ringo Starr en la batería, Bill Wyman en el bajo, Chris Stainton en los teclados y Eric Clapton en la guitarra.

 

Try Some, Buy Some” – Ronnie Spector
Este sencillo fue compuesto en su totalidad por Harrison, el cual después de debatir si debía o no contribuir en la parte musical finalmente se decidió por tocar la guitarra y grabar la versión de estudio.

 

King of Broken Hearts” –Ringo Starr
Harrison colaboró con su excompañero Ring Starr en su disco Vertical Man de 1998. Para este tema, George ejerce el papel de guitarrista principal.

Badge” – Cream
Harrison y Eric Clapton coescribieron este tema juntos. Tiempo después, la canción fue incluida en un disco de Cream, grupo liderado por Eric Clapton.


El lente que acompaña a Coldplay


Platicamos con Mat Whitecross, director de ‘A Head Full of Dreams’, sobre este documental y su relación con el colectivo británico.


POR Andrea Calderón  



Foto: Julia Kennedy / cortesía de Warner Music

El lente que acompaña a Coldplay

Después de dirigir Supersonic, documental de 2016 que narra la relación entre los hermanos Gallagher y la historia detrás de Oasis, Mat Whitecross decidió llamar a Chris Martin para proponerle realizar una película sobre Coldplay con el material que él mismo había grabado y recolectado en los 20 años que ha acompañado al colectivo británico. Todo ese tiempo siguiendo a la banda de cerca con su cámara en mano sirvió para que el cineasta pudiera recabar imágenes y archivos de momentos íntimos que nunca antes habían sido vistos, los cuales fueron seleccionados meticulosamente y posteriormente editados para finalmente tener como resultado: A Head Full of Dreams.

Platicamos con el director inglés sobre sus inicios en el cine, la relación personal que ha forjado con Coldplay, la libertad creativa detrás de su documental y las cosas que tienen en común Oasis y la banda liderada por Chris Martin.

La conexión fue inmediata y el destino sabio. La suerte jugó a favor de Mat y el resto de los integrantes de Coldplay para que sus caminos se juntaran hace 20 años. Dicen por ahí que las casualidades no existen y eso es algo que Whitecross afirma cuando narra la anécdota sobre cómo conoció a Chris Martin. El inglés sostiene que conocerlo en aquellos años de juventud no se siente para nada como azar, se siente más como una buena jugada del destino. “Me mudé a Londres para estudiar cine y empecé a vivir en un edificio cercano a la Universidad. Fue muy extraño y creo que el destino jugó un papel importante ahí porque a la hora, o tal vez dos horas, de estar en la ciudad me topé con Chris, Jon y Will en las escaleras del edificio. Ahí, me ayudaron a subir mis maletas y fue cuando finalmente crucé algunas palabras con ellos. Recuerdo que Chris era una persona muy feliz. Todos sabemos que ese tipo de personas son difíciles de olvidar. Su personalidad me llamó la atención desde el primer momento. Recuerdo que se me quedó muy presente que tenía como vecinos a tres chicos que estaban formado una banda, porque yo amaba la música y todo lo que tuviera que ver con ella. Con el tiempo nos volvimos buenos amigos”.

En aquellos años, la versión más joven y soñadora de Mat Whitecross tenía una meta en mente: convertirse en director de cine. Su amor por el séptimo arte lo orilló a querer experimentar en la técnica y fue así como realizó sus primeros trabajos, los cuales incluían en su mayoría a Coldplay, banda que se convirtió en la mayor fuente de inspiración y experimentación para el novato cineasta. “Comencé a filmarlos porque tenía el sueño de hacer cine. Quería grabar para mejorar mi técnica, ser autodidacta en mis tiempos libres y así crecer como director. No había un segundo en el que no tuviera mi cámara en mano. Me encantaba recolectar recuerdos y situaciones de la gente que me rodeaba. Ellos eran mis amigos y en ese entonces, yo grababa todo a mi alrededor, incluyéndolos a ellos y su proyecto musical. Poco a poco empecé a grabar ensayos en su cuarto y algunos shows pequeños en los inicios del grupo. Con el tiempo grabarlos se convirtió en un especie de hobbie para mí, el cual disfrutaba mucho”.

Sin embargo, el cine no era lo único que llamaba la atención de Whitecross en la Universidad. El entonces adolescente apostó primero por la música, sin tener mucho éxito. Fue entonces cuando comprendió que podía permanecer anclado a la música pero con un enfoque distinto, uno que incluyera algo con lo que sí se sentía realmente a gusto. “Es curioso porque amo la música, de verdad es de mis grandes pasiones en la vida. De hecho sé tocar dos instrumentos y eso es algo que la mayoría de la gente no sabe sobre mí. Supongo que siempre tuve esta idea de ser músico o involucrarme en ese mundo, pero para serte honesto, nunca fui lo suficientemente bueno. Nunca me idealicé siendo famoso o logrando cosas grandes si me dedicaba a eso. Ahora lo entiendo, el camino que tenía que seguir era otro. Hoy me siento feliz de saber que puedo seguir en contacto con la música pero de una manera distinta, de una forma más personal, la cual involucra lo que más amo hacer que es filmar”.

El director de 41 años menciona que en sus inicios nunca tuvo la intención de trabajar con Coldplay e incluso no tenía idea del impacto que el grupo iba a generar en él y en su crecimiento profesional. Fue más bien una cuestión de complicidad que poco a poco fue tomando forma y terminó por involucrarlo demasiado hasta que no hubo vuelta atrás. Fue a partir de que Mat grabó los primeros videos musicales del grupo que encontró finalmente lo que lo hacía sentir pleno. “Antes de que Coldplay fuera firmado, Chris y yo grabamos un video musical en donde él recorría las calles de Londres e interpretaba una canción acústica. Nunca imaginé el impacto que iba a tener, de verdad. Recuerdo que me encantó todo lo que involucró llevar a cabo ese visual. Fue a partir de ahí que tomé la decisión de seguirlos con mi cámara. Los acompañé en promociones, durante sus primeros videos y en gira, eso me permitió recolectar mucho material valioso. Supongo que la primera vez que salí a la calle con Chris e hice ese video, sentí algo que me obligó a querer seguir acompañándolos durante mucho tiempo”.

Resulta impresionante visualizar la cantidad de material que Whitecross tenía en sus manos después de 20 años filmando de cerca a Coldplay. Casi 100 horas de material recabado yacían en su estudio, que año tras año no hacían más permanecer en el olvido. Así pasaron los años hasta que finalmente, y después de varias vueltas en su cabeza, el director decidió aventurarse. “Siempre habíamos tenido una ligera intensión de hacer un filme con todo el material que reunimos en los primeros diez años pero la verdad es que nunca habíamos tenido la posibilidad de sentarnos, platicarlo y realmente tomarle la importancia necesaria al documental. Después pasaron más años y con ellos la posibilidad de recaudar aún más material, lo que suponía hacer un filme mucho más nutrido e interesante. Fue ahí cuando acordamos hacerlo”.

Una vez con el visto bueno de la agrupación, Mat se enfocó en la idea general que iba a regir a A Head Full of Dreams y cómo ese concepto iba a ser rescatado como parte de la narrativa que guiaría a la nueva cinta. “Queríamos compartir el mensaje detrás de la banda y sus shows. Esa era el concepto general de la cinta. Dejar en claro que la unidad es una característica que forma parte de Coldplay desde sus inicios y hasta hoy en día. Queríamos que sus fanáticos entendieran que la complicidad que se ilustra en el documental es una consecuencia de haber sobrepasado muchos obstáculos como grupo en los últimos 20 años”.

El director menciona que originalmente el filme iba a centrarse sólo en una corta etapa de Coldplay, sin embargo, después de trabajar en ello por algunos meses, Mat decidió que la cinta fuera una especie de homenaje a su trayectoria y no sólo un limitado vistazo al amplio trabajo del grupo. “En un inicio, Chris y Jon querían que la película se centrara en la etapa entre la producción y el lanzamiento de Ghost Stories y la creación y gira mundial de A Head Full of Dreams. Creo que esa etapa en específico ayudó a que el filme se hiciera realidad, y fuera tal y como lo conocemos hoy en día. Ese cúmulo de experiencias fue un remolino de sentimientos que trajo consigo cambios personales que ayudaron a que los miembros del grupo maduraran en todos los sentidos. La era de Ghost Stories es obscura y melodramática, mientras que A Head Full of Dreams trata más sobre sanar y lograr que tu mente vuelva a ti para ser capaz de encontrar nuevamente la felicidad. Al ver esta dualidad nos dimos cuenta que esa era la verdadera historia detrás de Coldplay. Fue así como llegamos a la idea final, hacer un filme que pudiera mezclar emociones y que contara tanto sus tropiezos como sus más grandes hazañas. También querían hacer un homenaje a su pasado y a toda la gente que ha estado con ellos durante su trayectoria. Ellos siempre decían: ‘No somos 4 nada más, somos todos los que involucran su trabajo para hacer parecer sencillo el nuestro’. Eso me parece maravillosamente halagador”.

Como todo proceso artístico, el inglés cuenta que A Head Full of Dreams fue transformándose desde su inicio hasta el corte final, generando algunos cambios que nutrieron al filme de escenas vibrantes y visualmente enriquecedoras. “Chris se encontraba en los Los Ángeles mientras que todos los demás miembros estaban repartidos por el mundo. Esa situación resultó especialmente complicada para mí, ya que el proceso de postproducción del filme debía incluir la opinión de todos y yo quería que cada uno de ellos pudieran ser parte de él. Al final eso no fue un problema porque los cuatro me dieron mucha libertad creativa para decidir sobre qué material agregar y cuál funcionaría con la narrativa del cortometraje. Me dieron la confianza necesaria para construir un lenguaje cinematográfico y después entregárselos. Incluso, me dieron un año más para pulir detalles y demás cuestiones con las que no me sentía muy cómodo. Eso me permitió acudir a la gira de A Head Full of Dreams por Latinoamérica, lo cual nutrió de escenas llenas de emoción y pasión al filme. Eso fue un punto a favor que no hubiera sido posible si no me hubieran tenido la paciencia que me tuvieron”.

El director cuenta que el proceso de selección del material que incluyó en el documental fue especialmente complicado. “Mi editor fue de gran ayuda, ya que teníamos alrededor de 100 horas grabadas. Fue tremendamente difícil decidir ya que cada video tenía no sólo un peso histórico sino también emocional para la banda. Recolectamos todo, lo vimos y a partir de ahí empezamos a seleccionar los clips que creímos eran los mas indiciados para incluir en el corte final. Aquellos que fueran con la narrativa y el mensaje que queríamos transmitir. Una vez finalizado se lo mostré a la gente detrás del documental, me refiero a los productores y demás personas involucradas para finalmente acercarme a Phill y Will, quienes me dieron su aprobación. Fue Chris quien nunca aprobó el filme porque nunca lo vio y seguramente no lo hará. De igual modo sentí seguridad, porque cuando lo llamé parar saber si ya lo había visto me dijo: ‘Haz lo que quieras Mat, siéntete libre. Voy a confiar en ti y en todos. Si tú sientes que este corte final representa nuestra historia y en lo que creemos como banda entonces que quede’”.

Retratar con tu propia visión artística a dos de las bandas británicas más influyentes de los últimos años como lo son Oasis y Coldplay se dice fácil pero no lo es. Este es un logro que el inglés no da por hecho y nunca olvida lo significativo que fue para él realizar Supersonic junto con los hermanos Gallagher. “Hacer el documental de Oasis fue un sueño para mí. Soy un gran fanático de su música, crecí con ellos y sus canciones representan demasiado para mí. El tenerlos cerca y conocer una versión más íntima de ellos es de las cosas más maravillosas que me ha regalado mi trabajo”.

Dicha experiencia le sirvió de inspiración para querer seguir creando documentales sobre música. Puede resultar difícil entender cómo un cineasta puede reflejar de manera tan real la historia de dos bandas con personalidades completamente opuestas. Mat encontró algunas características que le permitieron encontrar un punto de partida para la realización de ambos filmes: “Creo que algo que tienen en común Coldplay y Oasis es que las dos son grandes bandas que han modificado la historia de la música. Tienen un impacto generacional enorme. No importa si no te gusta uno o el otro, de alguna u otra forma su su música ha tenido una influencia en ti. Eso es algo que quería reflejar en ambos filmes. Creo que los dos grupos sabían qué querían contar y tenían claro el mensaje que querían compartir. Es distinto con los Gallagher porque la película se tornó un poco cruda y con eso la gente creyó en automático que eran personas arrogantes y superficiales, pero al final era algo que ellos querían compartir con su público y eso es muy honesto. Ambos colectivos son sumamente trabajadores y se exigen demasiado para lograr un buen material. Chris, por ejemplo, respira música. Puedo decir con seguridad que cuando no está con su familia, está encerrado en un estudio creando música, imaginando música, perfeccionando música. Los Gallagher son igual, cada quien en su área. Eso es importante en esta industria y en el arte en general. No sólo se trata de suerte sino de trabajar duro para conseguir las cosas”.

Finalmente, Mat Whitecross termina compartiendo cuál es para él el mayor aprendizaje de la cinta: “A Head Full of Dreams busca ser un trabajo que exprese la idea detrás de Coldplay, la unidad y el amor que los une como banda. Quisiera que la gente se quede con eso al salir de la sala, con un mensaje de amor y unidad para entender que al final de todo, la música nos hace ser uno”.


Coalición de artes: Cuando lo visual y lo sonoro se encuentran


Debido a la relevancia de las portadas de los LPs, el artista gráfico debe rescatar la esencia de un músico para plasmarla en una carátula. Aquí 10 portadas de discos que fueron ilustrados por artistas sobresalientes.


POR Andrea Calderón  



Imagen: Claudia Meza

Coalición de artes: Cuando lo visual y lo sonoro se encuentran

El éxito de una material discográfico depende de muchos aspectos más allá de la música, uno de ellos es la portada, su diseño puede llegar a tener tal popularidad que su impacto se mantiene en la memoria colectiva a través de los años. Debido a la relevancia de las portadas de los LPs, el artista gráfico debe rescatar la esencia de un músico para plasmarla en una carátula. Es así como ambos se unen para crear un diseño que resulta irrepetible y memorable. Aquí 10 portadas de discos que fueron ilustrados por artistas sobresalientes.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
The Beatles (1967)
Peter Blake y Jann Haworth

Era el 30 de marzo de 1967 y Paul McCartney, Ringo Starr, John Lennon y George Harrison se encontraban listos para realizar la portada de su próximo álbum. El cuarteto quería algo diferente y que pudiera expresar la evolución musical por la cual estaba atravesando como banda. Para simbolizarlo, quisieron crear una portada que pareciera su propio funeral, metaforizando la muerte del sonido inicial de The Beatles. Con bigotes largos y vestidos con coloridos trajes de sargentos, el grupo llamó a Michael Cooper para realizar la sesión fotográfica sin imaginarse que se convertiría en una de las carátulas más recordadas de todos los tiempos.

El diseño fue obra del artista Peter Blake, quien días antes recibió un boceto del arte que Paul McCartney había dibujado en una servilleta. Con la colaboración de su esposa Jann Haworth, la también artista pop, crearon el arte de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Esta portada del mítico grupo reúne a numerosas personalidades como Edgar Allan Poe, Marilyn Monroe, James Dean, Karl Marx y Bob Dylan. Su realización costó tres mil libras, una suma bastante alta para la época ya que en aquel entonces hacer una portada costaba tan sólo 50. El precio se excedió debido a que The Beatles tuvo que pagarle a las distintas personalidades que aparecían en el arte para poder utilizar su imagen. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band revolucionó la industria de los discos ya que fue el primer material de estudio en presentar letras impresas en su empaque.

Sticky Fingers
The Rolling Stones (1971)
Andy Warhol

En 1971, The Rolling Stones publicó Sticky Fingers, un disco que con el paso del tiempo se convertiría en uno de los más icónicos de la historia. Parte de este éxito se debe a su arte, el cual fue obra del artista plástico Andy Warhol.

Fue en 1969 cuando Mick Jagger escribió una carta a Warhol pidiéndole que creara una carátula para un nuevo LP. El estadounidense accedió e ilustró el disco creando una de las portadas discográficas más populares de la música. En ella se muestra la fotografía en blanco y negro de una cremallera (real, que al bajarla, mostraba la ropa interior) de un pantalón de mezclilla. Contrario a lo que varios creen, el hombre que aparece en la portada no es Mick Jagger, muchos creen que fue el actor Joe Dallesandro.

La portada fue censurada en España durante la dictadura de Franco y se cambió por una que presentaba unos dedos saliendo de una lata de mermelada. Sticky Fingers fue el primer álbum en contener el mítico logo que identifica a la banda, el cual fue realizado por Jagger y el diseñador John Pasche.

Think Tank
Blur (2003)
Banksy

En 2003, Blur contactó al artista de street art Banksy para crear la portada de Think Tank. Permaneciendo fiel a su estilo, el cual se caracteriza por retratar en su arte las consecuencias de la guerra, la desigualdad social y los prejuicios impuestos por la sociedad moderna, Banksy realizó un graffiti en blanco y negro para motivos del séptimo material discográfico del colectivo. En él se ilustra a una pareja que intenta besarse, mientras utilizan enormes cascos de buzo.

A pesar de que Banksy no se presta para crear arte comercial, tomó la decisión de aceptar la invitación de Blur porque se consideraba un gran admirador del grupo. “He hecho algunas cosas para pagar las cuentas y una de ellas fue el álbum de Blur. Era un buen disco e incluía bastante dinero como parte de la comisión”, mencionó. El folleto desplegable del álbum presenta el texto “Celebrity Harvest”, que era el nombre de una película propuesta para Gorillaz pero que fue rechazada. En 2007, la pieza original fue vendida en casi dos millones de pesos.

Conoce el resto de las portadas en nuestra edición de Noviembre.


En la intimidad de Coldplay: ‘A Head Full of Dreams’, el documental


Repleto de escenas que remiten a una nostalgia adolescente, el documental exalta el amor que existe entre los miembros del grupo y la complicidad que los une.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía Warner Music

En la intimidad de Coldplay: ‘A Head Full of Dreams’, el documental

A Head Full of Dreams
Coldplay
Mat Whitecross

Después de dirigir Supersonic, documental de 2016 que narra la relación entre los hermanos Gallagher y la historia detrás de Oasis, Mat Whitecross decidió llamar a Chris Martin para proponerle la producción de una película sobre Coldplay, realizada con el material que él mismo había recolectado durante los últimos 20 años del colectivo británico. Todo ese tiempo siguiendo a la banda de cerca con su cámara en mano sirvió para que el cineasta pudiera recabar imágenes y archivos de momentos íntimos que nunca antes habían sido vistos, los cuales fueron seleccionados meticulosamente y posteriormente editados para finalmente tener como resultado: A Head Full of Dreams.

El documental ilustra dos conceptos fundamentales: la realización de los sueños y la formación de una amistad sólida. Estas características sirven de marco perfecto para un filme que resulta especialmente inspirador. La cinta muestra una versión bastante positiva de Coldplay, con la cual ya estábamos familiarizados pero que termina enganchándonos aún más. A Head Full of Dreams hace un recorrido por la historia de la banda originaria de Londres, desde sus inicios y hasta su última gira mundial.

Conforme el filme avanza, los testimonios más íntimos de Guy Berryman, Johnny Buckland, Will Champion y Chris Martin ayudan a entender el proceso creativo que rige a la agrupación inglesa, involucrando al espectador de principio a fin. Además, el documental funge como un gran archivo histórico, convirtiéndose en un tesoro para los fanáticos más fieles del grupo. El humor es una pieza fundamental para la narrativa del documental, convirtiéndolo en un filme bastante fácil de digerir para el espectador.

Aunque la cinta toca algunos temas controversiales (como las adicciones de las que fueron presas algunos de los integrantes y problemas personales que desembocaron en temas representativos dentro de la discografía del grupo), A Head Full Of Dreams está narrado de una manera tan vibrante que termina convirtiéndose en una versión bastante esperanzadora del grupo. Repleto de escenas que remiten a una nostalgia adolescente, el documental exalta el amor que existe entre los cuatro músicos y la complicidad que los une.

Desde el primer concierto de Coldplay en un pequeño bar de Londres, pasando por la creación artística detrás de cada uno de sus álbumes, el impacto de conseguir el éxito tan repentinamente y la madurez que han alcanzado con los años A Head Full of Dreams, es sin duda un emotivo homenaje a los aciertos de Coldplay y una visión honesta ante los tropiezos que han enfrentado como grupo.


Rumbo al Corona Capital: Death Cab for Cutie


El grupo liderado por Ben Gibbard se presentará por primera vez en la Ciudad de México como parte del Corona Capital 2018.


POR Andrea Calderón  



Rumbo al Corona Capital: Death Cab for Cutie

PresentadoporDoritos

Lugar de origen: Bellingham, Washington
Discografía: nueve LPs y cinco EPs
Top 5: “I Will Follow You into the Dark”, “Soul Meets Body”, “Transatlanticism”, “The Ghosts of Beverly Drive” y “I Will Possess Your Heart”
Presentación: domingo 18 de noviembre, escenario Corona Light de 20:40 a 22:00 horas

Combinando letras sensibles, melodías armoniosas y una voz melancólica, cortesía de Ben Gibbard, Death Cab for Cutie surgió de la escena independiente de su natal Bellingham en 1997. Con el paso del tiempo, se convirtieron en una de las bandas más reconocidas de los dos mil en su género. Basta con escuchar cualquier pista dentro del gran repertorio del colectivo para darse cuenta de que el sonido de Death Cab for Cutie se rige por dos elementos centrales: sinceridad y perfeccionismo.

Es tal vez, la tendencia por una producción refinada en cada uno de sus materiales discográficos lo que distingue a este grupo del resto. El talento de cada uno de sus integrantes queda explícito en el gran involucramiento artístico que rodea cada LP, creando una diversa mezcla de estilos que dan como resultado un Death Cab for Cutie que se renueva con cada material pero que no olvida sus raíces ni pierde su esencia. Después de veinte años de carrera y varias piezas recordadas con nostalgia por los más fieles amantes de la escena independiente, el grupo sigue regalándonos canciones que ya forman parte de nuestras experiencias más personales.

El grupo tuvo sus inicios en 1997 como un proyecto en solitario de Ben Gibbard. El músico grabó su primer EP titulado You Can Play these Songs with Chords bajo el nombre de Death Cab for Cutie. El material fue todo un éxito y Gibbard pidió ayuda a su entonces amigo de la universidad Chris Walla para comenzar un proyecto en forma. Una vez juntos, el dúo invitó a Nick Harmer en el bajo y a Nathan Good en la batería, para finalmente completar el grupo.

Una vez establecidos oficialmente como Death Cab for Cutie, el cuarteto lanzó su álbum debut Something about Airplanes en el año de 1998, el cual tuvo un buen recibimiento. Este trabajo discográfico les abrió puertas y en el año 2000 consiguieron publicar We Have the Facts and We’re Voting Yes. Antes de su lanzamiento, el baterista Nathan Good abandonó la banda, cediendo su lugar a Michael Schorr.

Foto: cortesía Warner Music

En 2001, el colectivo publicó un nuevo disco titulado The Photo Album, pero no fue sino hasta 2003 cuando finalmente obtuvo el reconocimiento que merecía. Ese mismo año, Death Cab for Cutie lanzó Transatlanticism, su tercer álbum de estudio y con él anunció la llegada de un nuevo baterista: Jason McGerr. Este LP es considerado por muchos, como el mejor en su carrera y fungió como un parteaguas en la historia de la agrupación, logrando atraer la mirada de Atlantic Records, sello discográfico con el que firmaron en noviembre de 2004.

Con una nueva disquera y dispuestos a modificar su sonido e imagen, Death Cab for Cutie publicó Plans, su quinto álbum. Los sencillos “Soul Meets Body” y “I Will Follow You into the Dark” se convirtieron rápidamente en éxitos dentro de la discografía del cuarteto. Ese mismo año, Plans recibió una nominación al Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Música Alternativa. La banda se tomó un par de años para descansar y en 2008 regresó con Narrow Stairs, un material con un estilo mucho más oscuro y melancólico.

Death Cab for Cutie se encerró en el estudio de grabación para preparar el que sería su próximo álbum de estudio, sin embargo, en 2014, Walla anunció su salida del grupo. Un año más tarde, Death Cab for Cutie publicó Kintsugi (aún con la participación de Walla), un LP grabado por primera vez por un productor externo llamado Rich Costey. Finalmente, en agosto de este año el colectivo estrenó Thank You for Today. Este nuevo LP representa el debut en las piezas de estudio de los nuevos miembros: Dave Depper y Zac Rae, quienes habían acompañado al resto de los integrantes en sus presentaciones en vivo desde 2015.

Datos curiosos sobre Death Cab for Cutie:

1. La inspiración detrás del nombre de la banda fue una canción interpretada por Bonzo Dog Doo-Dah Band incluida en su álbum de 1967 Gorilla. La letra del sencillo fue escrita por Vivian Stranshall y Neil Innes y está inspirada en la teoría que señala que Paul McCartney murió en un accidente automovilístico en los primeros años de actividad de The Beatles.

2. Todas las letras de Transatlanticism, el cuarto álbum de estudio de Death Cab for Cutie, narran de manera cronológica la historia de una pareja que tiene que lidiar con los problemas de llevar una relación a larga distancia.

3. El álbum Narrow Stairs (2008) fue el primero de la banda en llegar a la cima del Billboard 200 en Estados Unidos. A pesar del éxito del disco, el líder Ben Gibbard señaló que este LP era su “disco más deprimente”.

4. El éxito comercial de Death Cab for Cutie se disparó gracias a la promoción que recibió por la aparición de su música en The OC. El nombre del grupo comenzó a sonar gracias a que uno de los actores principales del programa (Adam Brody) era un gran fanático de la banda en la serie (y en la vida real). Las canciones del colectivo formaron parte de la banda sonora del show e incluso Gibbard y compañía llegaron a tener una aparición especial durante un capítulo.

5. En 2006 lanzaron un conjunto de 11 cortometrajes bajo el título de Directions. Este trabajo estuvo inspirado en las canciones incluidas en el álbum Plans. Cada uno de los videos fue dirigido por una persona diferente y fueron publicados uno a uno en su sitio oficial.

“I Will Follow You into the Dark”:

“Soul Meets Body”:

“I Will Possess Your Heart”:


The Smashing Pumpkins estrenó el video de “Silvery Sometimes (Ghosts)”


Este visual cuenta con la colaboración de Mark McGrath, vocalista de Sugar Ray.


POR Andrea Calderón  



The Smashing Pumpkins estrenó el video de “Silvery Sometimes (Ghosts)”

The Smashing Pumpkins publicó el visual de “Silvery Sometimes (Ghosts)”, sencillo que formará parte del próximo álbum de estudio de la agrupación originaria de Chicago que llevará por nombre Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun.

Este videoclip fue escrito y dirigido por el vocalista del grupo Billy Corgan, quien invitó a Mark McGrath, líder de Sugar Ray, para formar parte del mismo. McGrath está personificado como un animador que invita a The Smashing Pumpkins a dar un paseo por una casa del terror, todo esto como una forma de recaudar fondos para una organización benéfica. El visual intercambia tomas de la banda interactuando con criaturas extrañas que habitan en la casa y Mark McGrath disfrazado como un monstruo gigante.

“Silvery Sometimes (Ghosts)” es el segundo adelanto del próximo LP del grupo. Este tema se unió a “Solara”, pieza que The Smashing Pumpkins lanzó el pasado 8 de junio de este mismo año.

Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun será el primer material en 18 años en incluir a tres de los miembros originales del colectivo (Corgan, Iha y Chamberlin). El álbum fue producido por Rick Rubin y estará disponible a partir del próximo 16 de noviembre. Ya puede ser preordendo aquí.

Hace unos meses, The Smashing Pumpkins anunció que llevarían a cabo una breve gira para festejar el 30 aniversario desde su formación. Y recientemente, confirmaron la continuación de este tour en Londres, finalizando el 7 de diciembre en Phoenix.

Mira “Silvery Sometimes (Ghosts)”, el nuevo video de The Smashing Pumpkins:


Foo Fighters tocó en vivo “Enter Sandman” de Metallica con un invitado especial


El grupo liderado por Dave Grohl invitó al escenario a un joven fanático para interpretar el popular tema junto a ellos.


POR Andrea Calderón  



Foo Fighters tocó en vivo “Enter Sandman” de Metallica con un invitado especial

Foo Fighters tocó en vivo “Enter Sandman” junto a un invitado especial. La interpretación del tema originalmente lanzado por Metallica se llevo a cabo como parte del concierto que el grupo liderado por Dave Grohl realizó en el Sprint Center en Missouri.

Casi al finalizar el show, Grohl llamó a Collier Cash Rule, un fanático de 10 años de edad que se encontraba entre el público, para acompañarlo en el escenario. Una vez ahí, Grohl le preguntó: “¿Qué canciones sabes tocar?”, a lo que Collier respondió: “Me sé muchas de Metallica”. Segundos después, el niño comenzó a tocar el riff de apertura de “Enter Sandman” junto a la banda, enloqueciendo a los fanáticos que se encontraban en el recinto.

Grohl interrumpió a la mitad del tema para preguntarle a Collier si conocía alguna otra canción a lo que el niño respondió con el riff de “Welcome Home (Sanitarium)“, tema también interpretado por Metallica. Grohl, impresionado por la destreza del joven, no dejó de alabar su talento durante toda la presentación y como una muestra de agradecimiento le regaló su propia guitarra.

Durante este mes, la agrupación originaria de Seattle seguirá de gira por varias ciudades de Estados Unidos y Canadá, para finalmente concluir su tour en la ciudad de Calgary el próximo 23 de octubre.

Mira a Foo Fighters tocar en vivo “Enter Sandman” de Metallica:


Love of Lesbian: “Hoy estamos conscientes que seguir haciendo música es parte de nuestra naturaleza”


Platicamos con Santi Balmes sobre la inspiración para crear música y el significado que el público mexicano tiene para la banda.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía Warner Music

Love of Lesbian: “Hoy estamos conscientes que seguir haciendo música es parte de nuestra naturaleza”

Han pasado 20 años desde que Love of Lesbian se embarcó un viaje con la idea de convertirse en una de la banda más representativas de la escena musical española. Hoy, con miles de discos vendidos, múltiples giras por todo el mundo y el reconocimiento internacional, el grupo catalán no se conforma con los éxitos cosechados en su sólida trayectoria y se empeña en seguir creciendo.

Platicamos con Santi Balmes –vocalista del grupo– sobre lo que lo inspira a crear música después de tantos años, el significado que el público mexicano tiene para la banda y las experiencias que lo han marcado como artista.

Love of Lesbian es una mezcla de géneros que invita a la imaginación. Sus letras se remontan a temas cotidianos, con los cuales cualquiera se puede sentir identificado. Tal vez esa sea la cualidad que más los identifica, la capacidad de crear letras que narran lo habitual de una manera poética: “La forma en cómo contamos nuestras historias y cómo interpretamos nuestras canciones son sin duda la columna vertebral de nuestra música. Creo firmemente que eso es lo que nos ha hecho conectar tan fielmente con nuestros fanáticos durante tantos años. Somos sumamente conscientes que ese es un valor adquirido a nuestra música que nos ha hecho especiales”.

El colectivo festeja una larga carrera con el lanzamiento de El gran truco final, un DVD grabado en vivo que inmortaliza su presentación del año pasado en el WiZink Center de Madrid. Este show llegó en el mejor momento de su carrera y fue su primer concierto ante cientos de miles de personas, más de 150 mil. Se podría creer que con la extensa experiencia con la que cuentan los integrantes de Love of Lesbian, los nervios no jugarían un papel importante, pero no fue así: “Grabar El gran truco final fue una experiencia increíble, pero es algo que no lo haría cada año. Los nervios no dejaban de estar presentes y en general fue un proceso muy tenso. Me refiero a que cuando tienes la oportunidad de hacer un disco en el estudio puedes volver a grabar las tomas con las que no te sientes conforme, pero aquí es todo lo contrario. Aquí todo es jugártela a una bala en la ruleta. Para nosotros fue complicado porque sólo teníamos un día para grabar este disco, la idea no era grabar una gira por Europa, sino enfocarnos en Madrid y este mítico lugar. Sabíamos que era un evento especial y estábamos muy emocionados de poder presentarnos allí. Lo más difícil fue intentar olvidarnos de todo un segundo y disfrutar del momento, porque si de algo estaba seguro era que ese preciso momento no se repetiría jamás. Quise ser capaz de olvidarme de las cámaras y sólo concentrarme con la gente”.

Después de tanto años, la rutina es inevitable y en algunos casos, esta misma se puede volver el peor enemigo. Eso lo sabe muy bien Love of Lesbian. El grupo nunca ha considerado su profesión como una obligación. Más allá de eso, se preocupan por seguir creciendo a nivel profesional y como una consecuencia casi inmediata, nuevos álbumes nacen: “Yo no creo que seguir haciendo música durante tantos años haya sido en algún momento de nuestra carrera una obligación, es más bien una necesidad. Nunca hemos tenido compromisos firmados con cierto tipo de gente para seguir grabando –como en muchos otros casos pasa–, más bien es que esto de crear sale de nuestra propia naturaleza. Claro, así como te digo esto ahora puede que después llegue un momento en que tendré que mirar hacía atrás y poner una pausa. Sin embargo, hoy por hoy puedo decirte que no es una cuestión de obligación sino de decidir, siempre ser consciente de lo que haces. Hoy estamos conscientes que seguir haciendo música es parte de nuestra naturaleza”.

La autocrítica es un valor primordial para el desarrollo del grupo. Con una larga trayectoria, los integrantes de Love of Lesbian son conscientes de que los tiempos han cambiado y es necesario evolucionar junto a ellos. Puede que sus personalidades se hayan transformado pero su esencia sigue intacta. Dicha característica se ve reflejada en su repertorio, el cual a pesar de ser bastante amplio no pierde armonía en cada uno de sus temas: “Nos gusta ser autocríticos con nuestro trabajo y mejorar. Creo que esto nos ha ayudado a darnos cuenta que antes nos faltaba calidad, ahora podemos decir con toda honestidad que tocamos con una seguridad y una capacidad técnica mucho mayor, lo cual nos ayuda a hacerle justicia a las canciones de hace años. Nos dimos cuenta que tenemos un montón de canciones que son atemporales, ya que nunca hemos estado muy pendientes de la moda en turno. Eso nos hace felices. Es una maravilla darte cuenta que tu trayectoria está viva canción tras canción y que tu esencia se puede sentir a través de ellas”.

Hace más de cinco años que el colectivo se presentó por primera vez en México y desde ese entonces, la popularidad de la banda ha crecido enormemente en nuestro país. Antes de dar un concierto en el Auditorio Nacional, el vocalista no duda en hablar sobre la importancia del público mexicano en la carrera del grupo: “México es uno de los primeros lugares que nos ayudó a crecer como banda, ya que nos costó mucho llegar acá. El público mexicano ha crecido con nosotros al igual que nosotros con ellos. Es satisfactorio ver a los fanáticos de hace años seguir viniendo a conciertos y permanecer cercanos a nosotros año tras año”.

Santi Balmes ha tenido la oportunidad de viajar a innumerables lugares junto a sus compañeros, algo de lo que dice sentirse sumamente agradecido con la vida. A pesar del paso del tiempo, Santi siempre recuerda que lo importante en esta carrera son las emociones que expresas en tu arte y la conexión que puedas lograr con tu público: “Creo que la experiencia más maravillosa que me ha dejado la música en estos años de carrera es la capacidad de entender que nuestra música es capaz de romper barreras de todo tipo. Un día fuimos a tocar a Colombia y la frontera con Venezuela estaba cerrada. Dimos el show y después apareció una pareja de venezolanos que habían cruzado la frontera para vernos. Ellos no sólo habían viajado doce horas sino que también lo habían hecho ilegalmente, todo para poder estar presentes en nuestro concierto. Fue muy emocionante e impresionante. Cuando tú música es capaz de traspasar esas barreras de tiempo y espacio es cuando realmente entiendes lo que estás haciendo y comprendes la importancia de tu trabajo”.


Django Django anuncia el lanzamiento de un nuevo EP y comparte el video de “Swimming At Night”


El colectivo inglés también anunció el lanzamiento de un nuevo EP que llevará por nombre ‘Winter’s Beach’ y estará disponible el próximo mes.


POR Andrea Calderón  



Django Django anuncia el lanzamiento de un nuevo EP y comparte el video de “Swimming At Night”

Django Django publicó el video de “Swimming At Night”, canción que formará parte de un nuevo EP que el grupo liderado por Vincent Neff planea lanzar en octubre de este año. Este nuevo material discográfico llevará por nombre Winter’s Beach y será el sucesor de su más reciente álbum: Marble Skies

El nuevo visual fue dirigido por Gemma Yin Taylor, una cineasta, ilustradora y animadora británica que apuesta por la unión de la fotografía y el dibujo en cada uno de sus proyectos. La joven directora utiliza el arte del collage y la animación para crear una estética vibrante y original. Taylor ha trabajado de la mano de artistas como Paul Smith, Paul Weller y Louis Tomlinson, además de ilustrar la publicidad de marcas de moda.

“Para ‘Swimming At Night’, los chicos querían crear una pieza de imagen en movimiento que explorara los vibrantes mundos que existen dentro de nuestras cabezas. Con la inspiración de algunos videos de la década de los setenta y ochenta, utilicé técnicas de medios mixtos y una baja velocidad de cuadros para lograr una calidad táctil distintiva. Quería que el video incorporara las excentricidades de la canción, además de una sensibilidad pop audaz y brillante”, señaló Gemma.

El audiovisual de “Swimming At Night” es protagonizado por Vincent Neff, quien recorre un camino complejo y algo psicodélico. Durante su caminata, el vocalista se encuentra con el resto de la agrupación, mientras ilustraciones de animales marinos inundan cada cuadro del clip.

En una entrevista para el medio Dork, Dave Maclean, (baterista de la banda) compartió la inspiración detrás de la letra del nuevo tema: “El estribillo de “Swimming At Night” consiste en cerrar los ojos, estar a oscuras y nadar en tu propio mundo, en tus propios pensamientos”. También compartió cómo fue el proceso creativo detrás del nuevo clip: “La idea creativa surgió cuando estábamos en Palm Springs. La luz y los colores que vimos ahí fueron la inspiración detrás de algunas de las imágenes en el video. Eso, combinado con un dibujo antiguo de un colorido mar azul con criaturas marinas que Tommy encontró hace unos años, resultó la combinación perfecta. Gemma Yin Taylor hizo un trabajo increíble al darle vida a la imagen que teníamos en la cabeza. Es sumamente talentosa”.

Esta es la lista de canciones y el arte de Winter’s Beach:

1. “Winter’s Beach”
2. “Sand Dunes”
3. “Swimming at night”
4. “Buy”
5. “Flash Forward”
6. “Ghost Rider”
7. “Blue Hazy Highs”

Winter’s Beach estará disponible el próximo 12 de octubre y podrá ser adquirido en formato CD, vinilo y digital. Ya puede ser preordenado aquí. El próximo 19 de octubre Django Django se presentará por primera vez en nuestro país en el escenario del Plaza Condesa. Para más información sobre el concierto ingresa aquí.

Mira “Swimming At Night”, el nuevo video de Django Django:


Se publicó una nueva versión de “Beat of Your Drum” de David Bowie


Esta versión estará incluida en ‘Loving the Alien’, el próximo boxset del cantante.


POR Andrea Calderón  



Foto: Facebook David Bowie

Se publicó una nueva versión de “Beat of Your Drum” de David Bowie

Se publicó un nuevo tema de David Bowie. Se trata de “Beat of Your Drum 2018”, una nueva versión del sencillo publicado en 1987 e incluido en Never Let Me Down. Este tema funge como el más reciente lanzamiento póstumo del ícono de la música cuya producción corrió a cargo de Mario McNulty.

“Beat of Your Drum 2018” se presentará en un disco de edición limitada de 7 pulgadas, que también incluirá una reelaboración de “Zeroes”. Ambas canciones aparecerán en Loving The Alien, un boxset que reunirá piezas de la discografía de Bowie publicadas en los años ochenta y algunas de ellas inéditas.

“Las guitarras ambientales de David Torn comienzan la canción que ahora conduce a un mundo mucho más oscuro que su brillante predecesor”, dijo McNulty, quien trabajó con Bowie en los años previos a la muerte del cantante en 2016. “David cantó todos los coros en este material que he guardado”, añadió.

Este es el arte oficial de “Beat of Your Drum 2018”:

Loving The Alien fue producido por Parlophone y recopilará todo el trabajo que el músico realizó en los años ochenta, específicamente de 1983 a 1988. Esta colección masiva reunirá discos del ícono, piezas en vivo y algunas otras curiosidades relacionadas con el artista.

El material de Loving the Alien estará disponible en 11 CDs o 15 LPs, y presentará tres álbumes de estudio: Let’s Dance (1983), Tonight (1984) y Never Let Me Down (1987). Además de un par de producciones en vivo: Serious Moonlight y Glass Spider.

El boxset estará disponible a partir del próximo 12 de octubre y ya puede preordenarse a través de este enlace.

Escucha la nueva versión de “Beat of Your Drum” de David Bowie:


Ramón Amezcua anunció el lanzamiento de ‘Aries’, su nuevo EP


El nuevo material discográfico fungirá como el primero en ser publicado bajo el nombre de pila del músico tijuanense.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía Ramón Amezcua

Ramón Amezcua anunció el lanzamiento de ‘Aries’, su nuevo EP

Ramón Amezcua —conocido artísticamente como Bostich— anunció el lanzamiento de un nuevo EP como solista, el cual llevará por nombre Aries. Este material discográfico fungirá como el primero en ser publicado bajo el nombre de pila del músico tijuanense. Junto a esta noticia, Amezcua también compartió el primer sencillo: “Aries”.

Con una carrera musical de más de 20 años, Ramón Amezcua busca revolucionar su sonido con Aries, ofreciendo una potente muestra de electrónica pura, enfocada al género dance. El nuevo EP será el segundo lanzamiento de MILOVAT, sello discográfico local que fue creado para funcionar como un colectivo de artistas reunidos por la música.

Esta es la lista de canciones y el arte de Aries:

1. “Aries”
2. “Ofrenda”
3. “Dual”
4. “Trapezoidal”

Aries estará disponible a partir del próximo 28 de septiembre como un vinilo transparente y en plataformas digitales, y ya puede ser preordenado aquí. Escucha “Aries”, el nuevo sencillo de Ramón Amezcua:


Silk City y Dua Lipa estrenaron el video de “Electricity”


Este es el cuarto tema que Mark Ronson y Diplo comparten bajo su nuevo proyecto musical.


POR Andrea Calderón  



Silk City y Dua Lipa estrenaron el video de “Electricity”

Silk City —proyecto musical integrado por Mark Ronson y Diplo— publicó el visual de su nuevo sencillo “Electricity”, el cual cuenta con la colaboración de Dua Lipa.

El nuevo clip fue dirigido por Bradley & Pablo, un dúo creativo que produce material audiovisual para una amplia lista de artistas sobresalientes tanto en la moda como en el arte.

“Electricity” está ambientado en la ciudad de Nueva York (durante un apagón que ocurrió en 2003) y comienza con Dua Lipa cantando y bailando en un apartamento al ritmo del tema. Conforme el visual avanza, la energía de la cantante atrae a un grupo de personas que terminan haciendo una fiesta en el sótano del edificio. Ronson y Diplo aparecen muy pocos segundos durante el video. Ambos músicos se quedan atorados en un elevador mientras intentan unirse a la fiesta de Lipa.

“Electricity” también cuenta con la colaboración de Romy Madley-Croft —vocalista de The xx— y de la compositora Diana Gordon, quien trabajó en el disco de Lemonade de Beyoncé. El tema es el cuarto lanzamiento de Silk City como proyecto musical y se une a “Only Can Get Better” con Daniel Merriweather, “Feel About You” con Mapei y “Loud” con GoldLink y Desiigner.

Mira “Electricity”, el nuevo video de Mark Ronson, Diplo y Dua Lipa:


Willem Dafoe protagoniza el tráiler de ‘At Eternity’s Gate’, cinta biográfica de Vincent Van Gogh


La cinta es protagonizada por Willem Dafoe, quien dará vida a Vincent Van Gogh, uno de los pintores más icónicos de la historia.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía de CBS films

Willem Dafoe protagoniza el tráiler de ‘At Eternity’s Gate’, cinta biográfica de Vincent Van Gogh

CBS Films publicó el nuevo adelanto de At Eternity’s Gate, cinta protagonizada por Willem Dafoe que se centrará en narrar la vida y obra de uno de los pintores más icónicos de la historia: Vincent Van Gogh.

At Eternity’s Gate fue dirigida por Julian Schnabel, cineasta cuyo trabajo en La escafandra y la mariposa lo llevó a ser premiado en Cannes como Mejor Director y a ser nominado en los Globos de Oro, los BAFTA y en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Esta no es la primera vez que el director estadounidense retrata en alguna de sus películas la vida de un artista. En 1996, dirigió Basquiat, que se basa en la vida de Jean-Michel Basquiat y cuyo elenco integró a figuras como Jeffrey Wright y David Bowie.

La narrativa de At Eternity’s Gate es un viaje dentro del mundo y la mente de una persona que, a pesar de la locura y la enfermedad, creó algunas de las obras de arte más queridas e impresionantes de la historia. El largometraje toma inspiración de las cartas que Vincent Van Gogh envió a varios familiares y amigos cercanos, así como amantes. Es así como el filme ilustrará hechos, rumores y momentos que impactaron la vida del artista neerlandés.

Willem Dafoe compartirá créditos con Mads Mikkelsen, quien dará vida a un sacerdote que cuestionará a Van Gogh sobre su profesión. Otras personalidades que participarán en la cinta son Emmanuelle Seigner, Amira Casar, Niels Arestrup y Oscar Isaac.

At Eternity’s Gate llegará a las salas de cine el próximo 16 de noviembre y cerrará el Festival Internacional de Cine de Nueva York. Mira el nuevo tráiler:


“Now or Never Now”, el nuevo sencillo de Metric


Este tema formará parte de ‘Art of Doubt’, el próximo álbum de estudio del colectivo canadiense.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía de Metric

“Now or Never Now”, el nuevo sencillo de Metric

Metric lanzó una nueva canción que lleva por titulo “Now or Never Now”. Se trata del tercer adelanto de su próximo álbum de estudio al que han decidido llamar Art of Doubt y que será el octavo en su carrera.

A través de sus redes sociales Metric publicó un corto video con fragmentos del nuevo sencillo, acompañados de imágenes de Emily Haines en una playa y la letra de “Now or Never Now”.

Art of Doubt será el primer LP que Metric publique desde The Pagans en 2015. La agrupación grabó este nuevo disco en su propio estudio ubicado en Toronto junto al productor Justin Meldal-Johnsen.

Metric ha pasado gran parte del verano de este año apoyando a Smashing Pumpkins en su gira Shiny and Oh So Bright. La banda tiene un planeado visitar Estados Unidos para después comenzar una serie de conciertos por Europa en octubre. Art of Doubt estará disponible el próximo 21 de septiembre.

Escucha “Now or Never Now”, la nueva canción de Metric:


Fleetwood se presentó en vivo por primera vez desde la salida de Lindsey Buckingham


Esta actuación también significó el debut de Mike Campbell y Neil Finn como parte del colectivo.


POR Andrea Calderón  



Fleetwood se presentó en vivo por primera vez desde la salida de Lindsey Buckingham

El día de ayer, Fleetwood Mac se presentó en el programa de televisión de Ellen Degeneres con su nueva alineación. Esta aparición fungió como la primera vez que la banda toca en vivo junto a los nuevos integrantes: Mike Campbell (Tom Petty and The Heartbreakers) y Neil Finn (Crowded House). Los músicos se añadieron al colectivo después de que Fleetwood Mac despidiera a Lindsey Buckingham en abril de este año.

Como parte de su invitación al show, Fleetwood Mac interpretó “The Chain” y “Gypsy” —dos de sus canciones más populares— frente a un público reducido pero muy animado. Durante el performance, Mike Campbell y Neil Finn se incorporaron a la izquierda y derecha de la vocalista Stevie Nicks, respectivamente.

El próximo mes, Fleetwood Mac se embarcará en un tour por América del Norte, el cual comenzará el 3 de octubre en Oklahoma y constará de 52 fechas que mantendrán a Nicks y compañía de gira hasta abril de 2019. Por su parte, Buckingham comenzará una serie de conciertos en solitario a partir de octubre.

Mira a Fleetwood Mac interpretar “The Chain” y “Gypsy” en vivo:


‘American Horror Story’ comparte el tráiler de su próxima temporada: ‘Apocalypse’


La nueva temporada será un cruce entre ‘Murder House’ y ‘Coven’, primera y tercera entrega de la antología, respectivamente.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía FX

‘American Horror Story’ comparte el tráiler de su próxima temporada: ‘Apocalypse’

El pasado mes de agosto se anunció que la exitosa serie de televisión American Horror Story contaría con una octava temporada, la cual llevará por nombre Apocalypse. Junto a esta noticia, el creador del show Ryan Murphy también confirmó que el elenco incluye a figuras como Sarah Paulson, Frances Conroy, Taissa Farmiga, Emma Roberts, Evan Peters, Joan Collins y Stevie Nicks.

Es con este trasfondo que el día de hoy FX compartió el primer tráiler de la nueva temporada. Se trata de un video de poco más de un minuto que expone la nueva trama en la que se basará Apocalypse y los personajes que participaran en ella.

Durante el clip se da a conocer que la historia comenzará con el fin del mundo tal y como lo conocemos hoy en día, además confirma que Apocalypse será un cruce entre Murder House y Coven, que fueron la primera y la tercera parte de la popular antología, respectivamente.

Otro detalle que se puede observar en el teaser es que algunos actores estarán cumpliendo una doble función durante Apocalypse. Por ejemplo Farmiga, interpretará a Violet Harmon, de Murder House y a Zoe Benson de Aquelarre. Mientras tanto, Peters y Paulson darán vida a sus personajes en Murder House y Coven, así como nuevos roles.

La siguiente entrega de American Horror Story estará disponible en Estados Unidos el próximo 12 de septiembre a través de FX. Aún no se cuenta con una fecha oficial de estreno para Latinoamérica.

Mira el nuevo tráiler de American Horror Story: Apocalypse: