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Slash, Joe Satriani y Sammy Hagar participaron en el nuevo disco de Don Felder


El exguitarrista de Eagles también invitó a Chad Smith, Mick Fleetwood y Bob Weir a colaborar en este proyecto.


POR Andy Greene  



Fotos: Raph PH / Ralph Arvesen / Laurent Robert (CC)

Slash, Joe Satriani y Sammy Hagar participaron en el nuevo disco de Don Felder

El exguitarrista de Eagles, Don Felder, tenía un objetivo simple cuando creó su próximo álbum solista American Rock ‘n’ Roll, que se lanzará el 5 de abril. “Quería atraer a la mayor cantidad posible de personas para compartir la experiencia conmigo”, dice. “Sabía que debería ser brillante, alegre y divertido o que no valdría la pena hacerlo. Debe ser una labor de amor, y no de trabajo”.

Ese no fue el caso en 2012 cuando lanzó Road to Forever, su primer lanzamiento en solitario desde que dejó a Eagles una década antes. Queriendo mostrar sus habilidades después de años de brutales batallas legales con sus viejos compañeros de banda, él mismo tocó casi todas las partes de guitarra. “Fue un álbum muy limitado”, dice. “Yo pensaba como, ‘puedo tocar el ritmo y la melodía. Puedo hacer todo'”.

Esta vez, trajo a todos, desde Slash y Bob Weir hasta Sammy Hagar, Joe Satriani, Chad Smith (esencialmente reuniendo tres cuartas partes de Chickenfoot en el proceso) y Mick Fleetwood para unirse a la diversión. Slash toca en la pista que da nombre al disco, que recorre la historia del rock desde los días de Woodstock y Jimi Hendrix hasta Guns N ’Roses y el presente. “Slash vive muy cerca de mí”, dice Felder. “Se acercó, trajo su guitarra, se enchufó en uno de mis amplificadores y nos intercambiamos algunos solos. En realidad, toca en la parte de la canción donde se menciona a Guns N ’Roses”.

La ambiciosa canción comienza con Fleetwood en la batería, pero Smith asume el control a medida que la canción avanza. “Queríamos un poco de rock and roll al estilo Mick Fleetwood de la vieja escuela en los primeros versos”, dice Felder. “Y cuando Chad entra, se convierte en una especie de Chili Peppers más moderno y duro”.

Otra canción, “Rock You”, es un dúo con Hagar que incluye a Satriani en la guitarra. Estaban trabajando en el estudio cuando entró Weir. “Dije: ‘Hola Bob, ¿puedo hacer que cantes este coro con nosotros?'”, Dice Felder. “Y él lo hizo. Fue muy divertido. Todo el tiempo que hicimos el disco, quien fuera que entrara al estudio, aportaba algo al disco”.

Otras canciones incluyen la suave y acústica “The Sun” y la balada “Falling In Love Again”, que Felder escribió en el piano. “Estas son el tipo de canciones que nunca hubiera podido hacer si hubiera usado el mismo enfoque que en mi álbum anterior”, dice. “Hay mucha más variedad esta vez”.

Felder saldrá de gira a finales de este mes para una serie de conciertos en América del Norte. Como siempre, dedicará la mayor parte de su set a los clásicos de Eagles como “Hotel California”, “Victim of Love” y “Tequila Sunrise”. “La gente quiere escucharme tocar las piezas de guitarra icónicas que toqué cuando estaba en Eagles . Conocen esos solos nota por nota”, dice. Pero también está planeando incluir tres o cuatro canciones del nuevo álbum junto con “Heavy Metal (Takin’ a Ride)” y cortes de su anterior disco en solitario.

No ha tocado con Eagles desde el 31 de diciembre de 1999 y es poco probable que eso cambie en algún momento. Felder no sólo presentó una serie de demandas en contra de la banda después de que fue expulsado, sino que también escribió un libro revelador sobre su tiempo en el grupo que dañó las relaciones aún más. “Felder simplemente está amargado porque lo echaron del grupo, así que decidió escribir un desagradable libro, que creo que es un golpe muy bajo y barato”, dijo Don Henley a The Guardian en 2015. 

A pesar de las casi dos décadas de desencanto, Felder dice que está listo para hacer las paces con Henley y los otros miembros sobrevivientes de Eagles. “Intenté comunicarme en numerosas ocasiones con Don y con Glenn [Frey] antes de que él falleciera”, asegura Felder. “Envié mensajes a través de canales personales, canales legales y cualquier otra forma que pudiera pensar. Sólo quiero darles mis mejores deseos y decirles que no tengo ningún mal sentimiento hacia ellos. No hay razón para seguir adelante con rencor”.

“He oído decir que lo único que viene de tener ira y odio contra alguien es que termina por quemar a quien lo siente. Eso significa que el único que sufre por mantener esos sentimientos de amargura es uno mismo. He dejado ir todo eso. Les deseo lo mejor y tocaría con ellos sin pensarlo dos veces. Pero si le preguntamos a Don Henley, estoy seguro de que él tiene una opinión diferente”.


¿Qué bandas veteranas estarán presentes en los aniversarios de Woodstock?


Michael Lang prometió a actos del Woodstock original para la celebración de sus 50 años, pero ¿de cuáles estaría hablando?


POR Andy Greene  



Foto: cortesía The Who / Eva Rinaldi / Craig ONeal (CC)

¿Qué bandas veteranas estarán presentes en los aniversarios de Woodstock?

El festival de Woodstock ha estado sobre la cuerda floja desde que la desastrosa edición de 1999 casi arruinó la marca para siempre, pero ahora que ya casi se cumple el 50 aniversario, dos eventos en competencia intentan recuperar el espíritu del original de 1969. Uno está siendo organizado por el cocreador original de Woodstock, Michael Lang, y se llevará a cabo del 16 al 18 de agosto en Watkins Glen, Nueva York, mientras que el Festival de Música y Cultura de Bethel Woods ocurrirá en los terrenos originales de Woodstock ese mismo fin de semana.

En una entrevista reciente con Rolling Stone, Lang, quien tiene el derecho legal de llamar a su festival “Woodstock”, descartó al evento de Bethel Woods por ser demasiado pequeño para lo que él está tratando de lograr. “Son buenos administradores del sitio original y construyeron un hermoso pabellón de artes escénicas”, dice Lang. “Pero es un cobertizo de 15 mil asientos. Eso no es un Woodstock”.

En su Woodstock, Lang ha prometido “bandas veteranas” del festival original junto con homenajes a Joe Cocker, The Band y Janis Joplin. Mientras tanto, el show de Bethel Woods ha prometido “artistas prominentes y emergentes que abarcan múltiples géneros y décadas”. Aunque ninguno de los festivales ha anunciado alineaciones, es probable que ambos festivales tengan actos que se presentaron en Woodstock en 1969. Echemos un vistazo a los grupos de esa era que todavía existen y que posiblemente podrían regresar (de una forma u otra). Nota: estamos dejando fuera a grupos que están completamente inactivos como Sweetwater, Quill, The Incredible String Band y Paul Butterfield Blues Band. 

The Who
Estado de la banda: no hay ninguna banda del Woodstock original que siga siendo tan popular en las giras como The Who. ¡Este verano, estarán tocando en arenas, anfiteatros e incluso algunos estadios con su Moving On! Symphonic Tour.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: 50. El baterista Keith Moon murió en 1978 y el bajista John Entwistle lo siguió en 2002, pero Roger Daltrey y Pete Townshend han continuado con nuevos miembros.

¿Tocarán? Parecen un ajuste natural para Woodstock 50 como uno de los principales artistas del cartel, pero ya lo han descartado. “¿Cuál sería el punto?”, dijo Daltrey. “Ya no puedo trabajar afuera en el calor como en ese agosto. Me mataría. Pero creo que deberían hacerlo con bandas jóvenes. No veo por qué deberían tenernos allí”. 

The Grateful Dead
Estado de la banda: Los cuatro miembros principales Bob Weir, Phil Lesh, Mickey Hart y Bill Kreutzmann no han tocado juntos desde los conciertos de Fare Thee Well de 2015, pero poco después Weir, Lesh y Kreutzmann formaron Dead and Co. con John Mayer y siguen atrayendo gente a sus conciertos. Lesh continúa dando conciertos selectos en teatros con Terrapin Family Band.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Este es un tanto complicado porque ahora están de gira en dos grupos y el tecladista de la era de Woodstock, Tom Constanten (cuya estancia en la banda duró poco más de un año), no está en ninguno de ellos. En pocas palabras, Dead and Co tiene el 43 por ciento de la alineación de Woodstock y Phil Lesh and Friends tiene 14.

¿Tocarán? Dead and Co. tiene una larga gira de verano en puerta, pero concluye el 7 de julio en Boulder, Colorado. Es posible que toquen en Woodstock 50 el mes siguiente, mientras que Phil Lesh y The Terrapin Family Band tocarían en el evento más pequeño de Bethel, pero nadie lo sabe en este momento.

Santana
Estado de la banda: Santana era casi desconocida cuando tocaron en el Woodstock original, pero el festival (y la película que produjo) ayudó a convertirlos en superestrellas. Ha habido algunos períodos de escasez en los últimos 50 años, pero han tenido una buena racha desde su extraordinario álbum de 1999 Supernatural.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Este también es complicado. Actualmente, Santana sólo tiene a Carlos Santana de aquel lineup de Woodstock, el 17 por ciento. Pero en 2016, él se reunió con el cantante y organista Gregg Rolie, el baterista Michael Shrieve y el percusionista Michael Carabello para un nuevo álbum y un concierto en Las Vegas, lo que los lleva al 67 por ciento de la alineación de Woodstock.

¿Tocarán? Carlos Santana confirmó a Rolling Stone que su banda tocará en la versión de Bethel. “Voy a invitar a quien esté aquí, ya sea a Joan Baez o a miembros de Sly Stone, y voy a tocar música de Santana”, dice.

Crosby, Stills, Nash and Young
Estado de la banda: Para decirlo suavemente, están pudriéndose. No han tocado con Neil Young desde 2013 y dos años después, los miembros restantes se enfrentaron y disolvieron CSN. Este es su 50 aniversario y parece que lo celebran sin hacer absolutamente nada.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Por milagro, los cuatro siguen vivos. Pero si quieren ser técnicos, el baterista de Woodstock, Dallas Taylor, está muerto y el bajista Greg Reeves está vivo, por lo que el 83 por ciento de la alineación de Woodstock aún está aquí.

¿Tocarán? Las posibilidades de que CSN/CSNY toque en alguno de los dos eventos es casi nula, pero podemos imaginar a Young y Promise of the Real o Crazy Horse tocando en Woodstock 50 y al menos uno de los miembros de CSN tocando en Bethel Woods. Sólo no deberían tener a Graham Nash el mismo día que David Crosby. Eso podría causar algo de tensión detrás del escenario.

Creedence Clearwater Revival
Estado de la banda: No es bueno. John Fogerty no ha tocado con sus compañeros de banda Doug Clifford y Stu Cook desde su reunión de 1983. Eso fue antes de que los problemas legales los separaran y que la negativa de Fogerty de tocar con ellos en su ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll llevara a Cook y Clifford a formar Creedence Clearwater Revisited. Fogerty toca en grandes teatros y anfiteatros y Creedence Clearwater Revisited está en los casinos. 

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: El guitarrista Tom Fogerty murió en 1990, pero Creedence Clearwater tiene el 50 por ciento de la alineación de Woodstock y John Fogerty tiene el 25 por ciento cada vez que interpreta un espectáculo en solitario.

¿Tocarán? Podemos ver a Fogerty tocando en cualquiera de los eventos de Woodstock, y Creedence Clearwater Revisited es probablemente demasiado desconocido para este tipo de shows.

Canned Heat
Estado de la banda: Casi ninguna canción trae recuerdos del original Woodstock como el clásico de Canned Heat, “Going Up The Country”, por lo que probablemente ha sido tan difícil para ellos ser vistos como algo más que una reliquia de una época pasada. Todavía están de gira, pero a menudo es en cruceros o clubes pequeños.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: La bandera de Canned Heat está siendo ondeada por los miembros originales Larry “The Mole” Taylor y el baterista Adolfo de la Parra junto con nuevos miembros. Eso significa que sólo el 40 por ciento de la alineación de Woodstock todavía está en el grupo.

¿Tocarán? Probablemente encajarían mejor en el evento de Bethel Woods, pero al igual que Creedence, podrían ser simplemente una fuerza demasiado reducida para ser contratados.

Mountain
Estado de la banda: Las cosas no están muy bien en el mundo de Mountain en este momento. No se han disuelto oficialmente, pero los rockeros de “Mississippi Queen” no han tenido un concierto desde 2010. Al año siguiente, el vocalista Leslie West fue amputado de su pierna derecha debido a la diabetes. Él todavía sale de gira, pero ahora bajo su propio nombre. El baterista de Mountain, Corky Laing, se presenta bajo el estandarte Corky Laing Plays Mountain.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: En realidad, hay cero miembros de Woodstock en el Mountain de Corky Laing, el baterista no se unió a la banda hasta unos pocos meses después del festival, pero el proyecto en solitario de Leslie West tiene el 25 por ciento de la alineación de Woodstock simplemente porque está él.

¿Tocarán? El 50 aniversario de su concierto más famoso podría ser suficiente para que Laing y West vuelvan a la escena juntos, pero lo más probable es que eso ocurra en el evento de Bethel Woods.

Sly & the Family Stone
Estado de la banda: Sly & the Family Stone no han existido realmente desde 1983, pero en la década de los dosmil una versión llamada Original Family Stone comenzó a tocar con algunos miembros antiguos. De vez en cuando, el solitario Sly Stone se uniría al grupo. Ellos han tocado principalmente en casinos y cruceros en estos días y ha pasado bastante tiempo desde que Sly se ha acercado a un escenario.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Lamentablemente, la muerte de Cynthia Robinson en 2015 significa que el saxofonista Jerry Martini es el único miembro de la alineación de Woodstock que aún se encuentra en cualquier tipo de versión de la antigua banda. Eso es 14 por ciento.

¿Tocarán? A menos que Michael Lang pueda convencer a Sly Stone para que vuelva al escenario, este grupo estará en Bethel Woods por mucho.

Jefferson Airplane
Estado de la banda: Se necesitaría una extensa presentación de PowerPoint y aproximadamente seis horas para explicar todos los giros y cambios que Jefferson Airplane dio después de su actuación en Woodstock, digamos que las bandas actuales Jefferson Starship y Starship Featuring Mickey Thomas tocan en clubes y cruceros.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Cuando combinas el número de veteranos de Woodstock en Jefferson Starship y Starship con Mickey Thomas y multiplicas ese número por 10 mil, aún obtienes cero. Hot Tuna, sin embargo, tiene a los veteranos de Woodstock Jack Casady y Jorma Kaukonen. Eso es el 28 por ciento de la alineación de Jefferson Airplane de Woodstock. Grace Slick podría actuar técnicamente en uno de los festivales, pero está completamente retirada.

¿Tocarán? Si bien es difícil imaginar a una de las bandas de Starship tocando en cualquiera de los festivales, Hot Tuna sería una excelente adición para el show de Bethel Woods. A veces tocan un conjunto de viejas melodías de Airplane, que serían perfectas para la ocasión.

Ten Years After
Estado de la banda: La banda de blues rock siempre fue más popular en su Inglaterra natal que en Estados Unidos y continúa tocando en teatros y clubes de toda Europa continental.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Sorprendentemente, los cuatro miembros de Woodstock se mantuvieron juntos hasta que el líder Alvin Lee (quien murió en 2013) abandonó el grupo en 2003. El bajista Leo Lyons se fue en 2014, dejando al tecladista Chick Churchill y al baterista Ric Lee para continuar con los nuevos miembros. Eso significa que el 50 por ciento de la alineación de Woodstock todavía está en la banda.

¿Tocarán? Ten Years After no ha tenido mucha influencia en Estados Unidos desde principios de los años setenta, por lo que, en el mejor de los casos, estarían en el evento de Bethel Woods.

Blood, Sweat & Tears
Estado de la banda: Blood, Sweat & Tears ha pasado por tantas facetas y miembros que hacen que Jefferson Airplane parezca simple. Siguen saliendo mucho de gira, pero principalmente en casinos y cruceros.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Cero. El guitarrista de la era de Woodstock, Steve Katz, solía reunirse con la banda actual, pero eso no ha sucedido en aproximadamente una década. En este momento, hay una banda completamente diferente que sale de gira bajo el nombre de Blood, Sweat & Tears. Pero el líder de Woodstock, David Clayton-Thomas, realiza una gira bajo su propio nombre y aún canta los clásicos.

¿Tocarán? Es posible imaginar a Clayton-Thomas y su banda solista en el evento de Bethel Woods, pero definitivamente no en el más grande.

Sha Na Na
Estado de la banda: En el Woodstock original parecían una banda de novelty del renacimiento de los cincuenta, pero rápidamente ganaron un gran número de seguidores en los años setenta e incluso tuvieron su propio programa de variedades. Ahora tocan en pequeños casinos, teatros y cruceros.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Había 12 miembros de Sha Na Na en Woodstock y hoy sólo el baterista Jocko Marcellino y el cantante Donald “Donny” York están en la alineaciónque sale de gira. Eso es el 17 por ciento.

¿Tocarán? Una vez más, podemos imaginar al grupo en el evento de Bethel Woods, pero no en Woodstock 50.

Los actos solistas
Melanie, Arlo Guthrie, Joan Baez, Country Joe McDonald y John Sebastian tocaron en el Woodstock original y permanecen activos hasta hoy. Actualmente, Báez se encuentra en medio de una gira de despedida y posiblemente podría tocar en Woodstock 50 como uno de sus últimos conciertos. Los otros son probablemente más aptos para el evento de Bethel Woods.


Greta Van Fleet habla sobre las comparaciones con Led Zeppelin


El líder de la banda, Josh Kiszka, espera la noche de los Grammy y revela con quién quiere cantar en la entrega de los premios.


POR Andy Greene  



Foto: Travis Shinn

Greta Van Fleet habla sobre las comparaciones con Led Zeppelin

El líder de Greta Van Fleet, Josh Kiszka, estaba durmiendo durante un raro día libre de diciembre cuando su teléfono comenzó a sonar sin parar de repente. “No comprendía lo que estaba sucediendo”, dice. “Pensé que el Papa había muerto o algo así”. El Papa Francisco estaba bien, pero Greta Van Fleet acababa de ser nominada a cuatro Grammys, todos relacionados con sus EPs de 2017: Black Smoke Rising y Friendly Fire. “Estas son algunas de las primeras canciones que lanzamos”, menciona Kiszka. “Así que es un poco impactante. No esperaba que obtuviéramos ninguna nominación”.

Las nominaciones fueron la culminación de un año increíble para Greta Van Fleet que vio a la banda de hard rock de Míchigan pasar de tocar clubes a vender tres noches consecutivas en teatros con capacidad para cinco mil personas, como el Aragon Ballroom en Chicago y el Fox Theater en Detroit. “Estamos viendo en la audiencia casi el triple de personas de las que vimos a principios de 2018”, asegura Kiszka. “Nos da una gran sensación de triunfo”.

Pero en el camino, se convirtieron en una de las bandas jóvenes más polarizantes de América, con muchos críticos que dicen que se parecen demasiado a Led Zeppelin (“Los pobres niños de Frankenmuth, Míchigan, ni siquiera se dan cuenta de que son más como una pesadilla que una banda de rock real”, se leía en una crítica mordaz en Pitchfork. Robert Plant dijo en tono de broma que la voz de Kiszka le recuerda a “alguien que conozco muy bien… son Led Zeppelin I“—lo cual Kiszka comenta que tomó como un cumplido. “Eso es encantador. No puedes decir eso más al estilo de Robert Plant que así”.

Esa actitud ha ayudado a la banda a deshacerse los detractores, Kiszka jura que ni siquiera leyó la reseña de Pitchfork: “Es desafortunado que traigan esa energía al mundo, pero es su prerrogativa, supongo”. “En última instancia, me gustaría pensar que hay sustancia en lo que estamos haciendo”. Dicho esto, él cree que es hora de que la gente deje de compararlos con Led Zeppelin. “Obviamente escuchamos la similitud. Es una de muestras influencias. Pero a estas alturas es como, ‘De acuerdo, lo hemos reconocido. Sigamos adelante'”.

Kiszka y sus compañeros de banda han comenzado a pensar en su próximo disco, incluso si van a estar ocupados haciendo una gira en el futuro inmediato. “Estamos estableciendo algunas bases para el próximo álbum”, dice. “Esperamos sacar un álbum este año. Esta vez, sentimos menos presión de la que sentimos con el último. No podemos esperar a explorar un poco más del universo Greta Van Fleet”.

También están ansiosos por que llegue la noche de los Grammy, aunque Kiszka es muy reservado ante la posibilidad de que actúen en el show. “Ha habido una pequeña charla, pero ha sido muy breve y realmente no sé qué va a pasar”. Las bandas jóvenes a menudo suelen ser juntadas con artistas más veteranos en los Grammys y si eso sucede, Kiszka menciona que su sueño es tocar con Florence and the Machine o con Chris Stapleton. “Siempre he querido tocar con Paul McCartney también”, agrega. “Tener la oportunidad de tocar ‘Let It Be’ con él un día sería increíble”.

Mientras tanto, su vida es una serie interminable de hoteles, viajes en autobús y camerinos tras bastidores. “Hay veces en que literalmente te despiertas y no tienes idea de dónde estás. Nos estamos llevando muy bien. Nos estamos volviendo fuertes. Ser familia ayuda, especialmente en que podemos comunicarnos en el escenario y en el estudio. Y por ahora, no estamos sintiendo ninguna sensación de agotamiento. Estamos ansiosos por volver al estudio, explorar y ser creativos”.


En buena forma


Roger Daltrey, líder de The Who, habla sobre la casi pérdida de su voz, su rutina de ejercicio y cómo su banda se ve contra The Rolling Stones.


POR Andy Greene  



Foto: Raph PH (Creative Commons)

En buena forma

Roger Daltrey lanzó As Long as I Have You, su primer álbum solista en más de 25 años. Y a lo largo de los años y de mucho rock, fue el miembro de The Who que no tuvo que lidiar con un fuerte problema de sustancias. “Tenía que hacerlo para poder mantener a los demás en línea. ¡Intenta controlar a tres tipos en ácido desde el Monterey Pop Festival hasta Londres! Yo fui el que no tomó ácido. Todo lo que hice fue fumar marihuana. Nada de eso era lo mío. Afectaba mi voz y siempre quise ser un buen cantante. Era un maldito aburrido. Afortunadamente nunca me transformé en un pendejo, porque vi a tanta gente salir del baño: entraban muy buenos tipos y salían hechos unos grandísimos pendejos”, recuerda.

Has estado casado con tu esposa, Heather, desde 1971. Muy pocos matrimonios de rockstars han durado tanto tiempo. ¿Cuál es tu secreto?
No es fácil. Creo que el nuestro ha sobrevivido porque siempre he sido honesto con ella. Al final de cada gira –por mucho tiempo que estuviéramos fuera y lo que hubiera sucedido en ella– tomaba el primer avión disponible de regreso para estar con ella. Pero más allá de eso, adoro el camino que ella ha atravesado.

Estás en muy buena forma para tus 74 años. ¿Cómo lo logras?
La gente no me cree, pero no hago mucho. Estoy unos 20 minutos en el gimnasio dos veces por semana, con algunos pesos ligeros y la máquina de remo. Cuando era hojalatero, me puse en forma para una película donde personificaba a un prisionero que levantaba pesas. Y tengo ese tipo de cuerpo. ¡Lo siento!

¿Revisas lo que comes?
Sí, porque no quiero tener sobrepeso. Debes recordar que los cantantes no son como los guitarristas. Somos un instrumento andante. Mira a (Mick) Jagger. Fíjate cómo se cuida. Se ve magnífico para su edad. Él cuida su instrumento. Eso es todo lo que es.

Casi pierdes tu voz hace casi 10 años, antes de una cirugía de garganta. ¿Qué sentiste al saber que podrías perderla para siempre?
No me di cuenta de que tenía una afección precancerosa, pero se estaba poniendo muy, muy difícil cantar ya al final. Pero no estaba asustado. Sé que algún día mi voz se irá. No tiene sentido preocuparse por cosas así. Si lo tienes, puedes hacerlo tu amigo. Hacerlo tu enemigo, te vencerá. Antes de la cirugía, pensé: “Tal vez no sea capaz de cantar cuando me despierte, pero si así es como va a ser, así será”. Es como dice Tony Soprano: “¿Qué vas a hacer?”.


Cómo Charlie Puth encontró su sonido


El cantautor de Nueva Jersey decidió tomar las riendas de su carrera en sus manos y encontró el éxito.


POR Andy Greene  



Foto: cortesía Atlantic Records

Cómo Charlie Puth encontró su sonido

Charlie Puth tuvo un extraño sentimiento mientras leía las reseñas negativas de su álbum debut de 2016, Nine Track Mind: estaba de acuerdo con ellas. A pesar de lograr tres éxitos de radio, Puth –de Nueva Jersey, fanático del rock clásico, graduado del Berklee College of Music– se sentía inseguro de haber necesitado un ejército de compositores y productores para ayudarlo a crear el LP.

Eso cambió en su segundo álbum, Voicenotes, el cual Puth escribió y produjo casi por completo. El disco combinó elegante pop de los años ochenta con un sutil R&B de ojos azules, atados por el agradable falsete de Puth. Esta vez, las reseñas han sido increíbles y por sus altas ventas, alcanzó a ser disco de oro en cuatro días. Aquí te decimos cómo lo logró.

Pelea por el control
Ninguna disquera quiere dejar que sus artistas se produzcan a ellos mismos. Pero Puth se ganó la confianza de Atlantic Records cuando les mostró “Attention” a los ejecutivos, un ritmo disco sobre un examor que no quiere dejarlo en paz. “Querían escuchar más de eso”, dice. Llegó al Número Cinco, el lugar más alto de un sencillo de Puth como solista. “Le dio fe a todos. Si una canción está mezclada correctamente, un éxito se puede volver un súper éxito”.

Graba en casa
Después del éxito de su primer LP, decidió abrir un negocio en el estudio de su casa en Los Ángeles. Ahí, podía decidir las tomas con un pequeño grupo de músicos y modificar obsesivamente las pistas en ProTools por horas. “Las tarifas de estudio hubieran arruinado el álbum”, dice. “Estaría muy neurótico, pensando: ‘Acabo de gastar mil dólares y no se me ocurrió nada’. Por eso me encanta grabar en casa”.


Una estrella pop


Demi Lovato habla sobre haber crecido en el set de ‘Barney’ y por qué está orgullosa de ser bipolar.


POR Andy Greene  



Foto: cortesía de Universal Music

Una estrella pop

No hay mucho que Demi Lovato no esté dispuesta a compartir. La cantante pop de 25 años habla de todo en su más reciente LP, Tell Me You Love Me; desde la mala relación que tiene con su padre hasta su apetito sexual (en este disco figura su sencillo “Sorry Not Sorry”).

Además, Lovato ha permitido que sus fans la conozcan aún más de cerca en el documental Simply Complicated, que se estrenó a través de YouTube el año pasado. El filme detalla la construcción de su más reciente álbum y cómo fue que dejó de ser una adolescente deprimida y adicta a las drogas, para convertirse en una defensora de la salud mental que se mantiene sobria. “Quería estar completamente
vulnerable y ser honesta”, explica.

En tu documental hablas sobre tu adicción a la cocaína y una serie de desórdenes alimenticios. ¿Hay algo que no hayas querido contar?
Para ser honesta no, he sido bastante abierta con las cámaras. Las únicas veces que no permití que estuvieran ahí fue cuando escribía canciones, no quería distraerme.

Has estado en recuperación por tu adicción a las drogas desde hace unos años. ¿Cómo afecta tu vida diaria?
No es que tenga que alejarme del alcohol y las drogas, porque no me pongo en esas situaciones de riesgo. No voy a antros. Moldeo mi vida por que hago inventarios constantes en mi mente. Si quiero hacer una seña obscena en el tráfico checo conmigo misma: “¿Por qué quiero hacer eso? ¿Por qué estoy tan impaciente?”.

Mencionaste que estás harta de que te etiqueten como bipolar. ¿Por qué?
No estoy harta. Al contrario, estoy orgullosa de ser bipolar y poder hablar al respecto. Sufro de cambios de humor, tengo episodios de manías y por supuesto fases de depresión. He usado mi voz para ayudar a otros y me siento orgullosa de poder hacerlo.

En tu disco hay una canción titulada “Daddy Issues” y cantas sobre tener un tórrido amorío con un hombre mayor…
Crecí teniendo una relación extraña con mi padre biológico. Causó que tuviera problemas en mis relaciones, pero pronto razoné que el motivo de mi comportamiento era por lo que había vivido con mi padre.

¿Te afecta que los fans especulen sobre quién es el hombre sobre el que cantas en ese tema?
Si me molestara no cantaría al respecto. Ya estoy acostumbrada a las especulaciones.

Estuviste muy involucrada en la campaña de Hillary Clinton. ¿Dónde estabas la noche de la elección?
De hecho estaba en Nueva York con la campaña de Clinton. Fue algo tremendamente incómodo. Todos estaban devastados.

¿Qué aprendiste de trabajar en la campaña?
Que es mejor usar tu voz y perder algunos fans que no decir nada sólo por darle gusto a la gente. Sé que con esto vienen riesgos, pero de verdad creo que podemos hacer algo para cambiar este país.

¿Crees que una mujer pueda asumir la presidencia en un futuro cercano?
No sé qué tan cercano pueda ser ese futuro. Creo que Estados Unidos tiene mucho que crecer y madurar antes de que eso pueda suceder. Pero definitivamente pasará.

Eras una de las niñas que actuaba en el show ‘Barney y sus amigos’. ¿Cómo recuerdas esos días?
Con mucho cariño. En esos entonces, cuando iba a la escuela pública, me sentía más en confianza con los adultos que con los niños de mi edad. Se burlaban mucho de mí porque había salido en el show. Ahora que veo hacia atrás, sé que probablemente eran sólo celos de aquellos niños que también querían cantar y actuar en la televisión. Además, aprendí tanto cuando comencé a estudiar en casa que les podía enseñar cosas de matemáticas a los chicos de mi clase.

Como adolescente también protagonizaste Camp Rock al lado de los hermanos Jonas. ¿Prefieres verte en los episodios de Barney o en Camp Rock?
Definitivamente Camp Rock. Al menos hay algo de sustancia. Barney era divertido, pero las canciones y los bailes, ¡era demasiado!

Aseguraste que te tomarías un descanso de la música y que no “estabas hecha para este negocio”. ¿Por qué?
Creo que me afectaba demasiado lo que la gente pensaba de mí. Había llegado a un punto en el que dejaba que mis inseguridades ganaran. Quería que todos me quisieran y me salía contraproducente. Lo que decía en entrevistas se malinterpretaba, la gente desmenuzaba mis tuits para encontrar lo que querían escuchar. Ahora eso ya no me importa. No me enfoco demasiado en si la gente me quiere, ahora sólo quiero hacer mis cosas –y mi música.


Los secretos del ‘setlist’ de U2


Para su gira de verano, la banda se olvidó de los trucos e inventó un nuevo tipo de show: el más tranquilo y reflexivo en años.


POR Andy Greene  



Foto: Salvador Bonilla

Los secretos del ‘setlist’ de U2

1. “Love Is All We Have Left” (2017)
Casi cada concierto de U2 de los últimos 40 años iniciaba con una explosiva canción con la banda completa. Esta vez, quisieron subvertir las expectativas –entonces el show empieza con Bono parado solo en medio de la arena, cantando el melancólico inicio de Songs of Experience. “Muy calmado, muy meditativo”, dice The Edge.

2. “Gloria” (1981)
La parte inicial del set está cuidadosamente ordenada para evocar eventos recientes en
la vida de Bono, particularmente su “acercamiento con la muerte” que inspiró mucho de Songs of Experience de 2017. “Las primeras tres canciones lidian con la muerte”, cuenta The Edge. “Después nos sentimos como: ‘Ahora tenemos que regresar al inicio muy rápido, para empezar la historia desde donde realmente empieza, los primeros días’”.

3. “Beautiful Day” (2000)
Cuando la gira abrió en Oklahoma, U2 tocó su éxito de reaparición en 2000 como la cuarta canción de la noche. “No aterrizó del modo que queríamos”, dice The Edge. “Necesita un mejor preámbulo. Ahora, cuando llegamos a ella después de ‘I Will Follow’ y ‘Gloria’, sentimos que nos lo merecemos”.

4. “Until the End of the World” (1991)
“Realmente resalta todo lo que la banda hace mejor”, explica The Edge sobre este himno emotivo, el cual han tocado en casi cada presentación desde 1991. Con letras que aluden a la traición de Judas a Jesucristo, añade, la canción va de acuerdo con esta gira, particularmente por su tono de reflexión: “Tiene referencias a la mortalidad y todas las preguntas importantes”.

5. “Acrobat” (1991)
Hasta este año, cada canción de Achtung Baby había sido interpretada en los conciertos al menos una vez –excepto este intenso tema de desarrollo lento. “Fue un proyecto de regresar y entender cómo funcionaba”, dice The Edge. “Afortunadamente, como con la mayoría de mis partes de guitarra, es bastante simple”.

6. “You’re the Best Thing About Me” (2017)
“With or Without You” de 1987 ha sido una parte crucial del show en vivo de U2 por décadas, pero la desecharon junto con otros de sus queridos éxitos tras la gira del 30 aniversario de The Joshua Tree del año pasado. Ahora incluyeron esta canción de amor, la cual, según el bajista Adam Clayton, transmite “la versión actual” del sentimiento de “With or Without You”.

7. “Staring at the Sun” (1997)
U2 toca esta canción poco popular con material perturbador de neonazis marchando el año pasado en Charlottesville, Virginia. “Las fuerzas de la oscuridad se están reuniendo”, dice Clayton. “Mirar fijamente al sol sin tomar una postura no parece ser una buena opción”.

8. “Pride (In the Name of Love)” (1984)
Originalmente, U2 planeaba omitir su oda de 1984 a Martin Luther King Jr., ya que la ha tocado muchas veces antes. Pero durante los ensayos en Montreal, la banda se dio cuenta que era la salida perfecta de “Staring at the Sun”. “Muchas ideas poderosas vienen durante el proceso, cuando comienzas a armar todo junto”, declara The Edge.

9. “City of Blinding Lights” (2004)
Un sinfín de shows de U2 han ascendido a un clímax eufórico con “Where the Streets Have No Name” de 1987. Con esa distintiva canción fuera de escena, tuvieron que encontrar otra similar. “Decidimos hacer que ‘City of Blinding Lights’ fuera el final”, cuenta Clayton. “Bono siempre dice: ‘Empezó como una canción inocente pero ahora tiene peso’”.

10. “Women of the World”
Antes del encore, una grabación de esta canción por el poeta escocés Ivor Cutler se reproduce mientras la pantalla muestra slogans como: “La pobreza es sexista”. El video también incluye a la hija de The Edge, Sian de 21 años, parada solemnemente de negro. “Sian no es una artista por naturaleza”, dice The Edge. “Esa calidad en ella ha hecho que la imagen sea muy poderosa”.

11. “13 (There Is a Light)” (2017)
“Terminar con esta canción no es algo que U2 haría”, reconoce The Edge. “Tradicionalmente, terminaríamos con un gran crescendo. Este es un lugar muy contemplativo para las personas. Y eso está bien”.


Freddie va a Hollywood


Para Rami Malek, aprender a interpretar a Freddie Mercury en la próxima película biográfica, ‘Bohemian Rhapsody’, fue una odisea de dos años.


POR Andy Greene  



Foto: cortesía 20th Century Fox / Alex Bailey

Freddie va a Hollywood

Malek, conocido por protagonizar la serie estadounidense Mr. Robot, era tan sólo un fan casual de Queen cuando lo buscaron para representar a uno de los frontmen de rock más dinámicos; para lograrlo, aguantó sesiones interminables con un entrenador de movimiento (y tuvo que aprender a hablar con dientes protésicos gigantes).

“Tuve que recrear las cosas que él hacía sin planear en el escenario”, dice Malek. “Hubo muchos días que me dije a mí mismo: ‘Esto es una causa perdida’”. Malek no canta todas las partes de Mercury; los productores usaron la parte vocal de las grabaciones de Queen y la rellenaron con nuevas grabaciones del imitador de Mercury, Marc Martel.

El filme traza la vida de Freddie desde sus primeros días hasta su lucha por aceptar su sexualidad, el triunfante concierto de Queen en 1985 en Live Aid y sus últimos años antes de que Mercury muriera de complicaciones relacionadas con el SIDA en 1991. “Es una celebración de su vida y la música”, dice el productor Graham King. “No queríamos que se volviera demasiado oscuro”.

El reto más grande llegó a finales del año pasado, cuando el director Bryan Singer fue despedido a la mitad de la producción, supuestamente por no aparecer en el set; el director británico Dexter Fletcher quedó a cargo y terminó la película. “Se sintió un poco como si Freddie estuviera poniéndome obstáculos todo el camino durante esta cinta”, dice King. Por su parte, Malek terminó siendo un “súper fan” de Queen. “Veo a Freddie como el mejor intérprete de todos los tiempos”, dice. “Nunca dejaré de estar asombrado por este hombre”.


La reinvención radical de U2 en vivo


La banda ha descartado sus más grandes éxitos a favor de canciones menos conocidas. Detrás de un espectáculo en estadio para fans incondicionales.


POR Andy Greene  



Foto: cortesía de U2star.com

La reinvención radical de U2 en vivo

Antes de empezar los ensayos para su gira de 2018, Experience + Innocence, U2 tomó una audaz decisión: su nuevo show no podía incluir ni una sola canción de The Joshua Tree, el clásico de 1987 que ha sido la columna vertebral de sus conciertos por tres décadas. La banda se había pasado tocando el álbum durante 2017 –el cual incluye “Where the Streets Have No Name” y “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”– sin parar en estadios. “Hasta aquí hemos llegado”, dice el bajista Adam Clayton. “Si realmente querían esas canciones, lo hicimos. Se acabó. Ya lo superamos”.

El reinicio ha ayudado a U2 a lanzar una de las giras más radicales de todos los tiempos –especializada en tecnología y que recorre las esquinas desconocidas de su catálogo, junto con la mayor parte de Songs of Experience del año pasado. “Esta gira es para fans de nuestro más reciente trabajo”, dice el guitarrista The Edge, “los fans más comprometidos que realmente escuchan todo y se dirigen hacia los nuevos álbumes –y eso está bien”.

El show es una secuela de su gira Innocence + Experience de 2015, utilizando la misma pared masiva de video que divide una arena a la mitad. Pero mientras el tema de la gira estaba centrado en los primeros días de la banda en Dublín a mediados de los años setenta, el nuevo espectáculo es una travesía más oscura a través de la segunda mitad de la vida de Bono. Eso está claro en la primera canción “Love Is All We Have Left”. Bono canta solo la nueva canción, caminando por una pantalla mientras una voz incorpórea emite órdenes como “inhala” y “exhala” –instrucciones dadas a los pacientes ingresando a una máquina de tomografía por resonancia magnética.

Es aparentemente una alusión al misterioso encuentro con la muerte que le inspiró algunas letras en el nuevo álbum. Es un comienzo diferente al de la gira de 2015, donde la banda tocaba un mini set de sus primeras canciones en el escenario principal. “La última vez salimos como una banda de punk y tocamos 25 minutos de rock & roll”, dice The Edge. “Esto es lo opuesto a eso. Es un inicio muy tranquilo y meditativo”.


P&R: Shawn Mendes


La superestrella pop sobre por qué Canadá es el paraíso para compositores, tocar antes de Jack White y por qué no ha perdido la esperanza con Kanye.


POR Andy Greene  



Foto: Brian Ziff / cortesía Universal Music

P&R: Shawn Mendes

“Todavía soy muy joven en términos de ser un músico”, dice Shawn Mendes, de 19 años. ¿Qué tan joven es? Mendes habla de Justin Bieber como uno de sus primeros héroes musicales y habla sobre Kings of Leon como si fueran una banda clásica de rock. Pero el rompecorazones pop –quien surgió hace cinco años en la extinta aplicación social Vine– ha lanzado tres álbumes de una disquera grande, logrando hits de radio como “Stitches” y “Treat You Better”. Su nuevo sencillo “In My Blood” es su canción más estremecedora hasta ahora y ya ha acumulado más de 200 millones de reproducciones en Spotify. El éxito significa que Mendes no se siente sólo como una estrella de redes sociales: “Me quedé como Viner por mucho tiempo en la mente de las personas”, dice. “Siento que finalmente me libré de eso”.

Tocaste en Governors Ball un poco antes de Jack White y Yeah Yeah Yeahs. ¿Te intimidaba la idea de tocar en un lugar con fans de rock?
Totalmente. No sabía si alguno de los fans de Jack White iba a saber quién soy, pero el punto de los festivales es que es el momento para no ser un nombre pero para ser un músico y artista. Me subí al escenario e hice lo que sé hacer porque es todo lo que pude hacer. Tal vez algún día estaré en la posición de Jack White, y ese es el sueño.

Acabas de tocar para la reina Elizabeth II en su cumpleaños número 92. ¿La conociste?
No lo hice. Me paré junto a ella por 10 minutos mientras se preparaba para subir al escenario. Pero creo que no puedes hablar con ella a menos que ella te hable a ti. Entonces no lo hice. Al estar tan cerca de ella, me di cuenta que es sólo una persona regular.

¿Estuviste tentado a hablarle?
Muchísimo. Sólo quería saludarla de mano, pero creo que eso es contra la ley. [Nota: no hay ley que prohíba hablar con la reina pero es costumbre permitir que ella te hable primero].

Todo el tiempo te comparan con Justin Bieber. ¿Sientes que es injusto?
Una cosa que las personas tal vez no sepan sobre mí es cuánto admiro a Bieber. Creo que no le he dicho que fue mi principal inspiración para hacer lo que quería hacer. Me aprendí cada una de sus canciones de memoria. Me enseñó cómo tocar y cantar. Entonces cada vez que alguien me pregunta sobre él, siempre digo: “Es el mejor cumplido que puedes darme”.

Canadá ha producido un número excepcionalmente grande de excelentes compositores, considerando la población diminuta. ¿Por qué crees que es eso?
Pienso que porque es invierno por 10 meses del año y estamos forzados a quedarnos dentro y nos metemos tanto en nuestras cabezas y muy profundo en nuestras emociones. Estamos en contacto con nuestras emociones más y es por eso que somos capaces de ponerlo mejor en papel.

Mejor banda canadiense: ¿Rush o The Tragically Hip?
No importa lo que diga, voy a tener reacciones negativas, pero diría que The Tragically Hip. Aunque, de hecho, tengo una opinión bastante inválida porque soy muy joven. No creo que sea lo suficientemente fan como para responder eso.

La edad para beber alcohol en Canadá es 19 años. ¿Cómo te las arreglas para estar en Estados Unidos cuando no puedes tomar legalmente?
Bebo muchísimo cuando voy a casa y simplemente no tomo en Estados Unidos. Dejo salir todo cuando regreso a casa.

¿Cuál es la bebida de tu elección?
Me encanta el whiskey con ginger ale. Pero tuve que tranquilizarme porque no me siento bien la mañana siguiente, entonces empecé a tomar tequila y es mejor. Tomo Don Julio o Casamigos.

Sé que eres un gran fan de Kanye West. ¿Qué es lo que encuentras más inspirador sobre su música?
Sólo su creatividad. Su habilidad para no tener miedo de decir lo que quiere. Creo que muchas personas hacen música basada en lo que está funcionando y él es alguien que hace música en la que las personas se basan. Es inspirador.

¿Te sientes desmotivado por sus recientes tweets o declaraciones políticas?
Obviamente, hay muchas cosas con las que no estoy de acuerdo. Pero como artista, no estoy desmotivado por Kanye West.

Tienes mucha atención en internet por tu abdomen. ¿Comes carbohidratos?
Como muchos carbohidratos. Sólo que hago mucho ejercicio. Voy al gimnasio cada mañana y estoy obsesionado con tener un buen estado físico y mantenerme activo. Pero no soy el mejor cuando se trata de una dieta. Si hay papas fritas enfrente de mí, definitivamente no diré que no.

¿Cuál es el mejor concierto que has visto?
Vi a Maroon 5 tocar en Rock in Río en Brasil. Adam [Levine] sonaba increíble, toda la banda, todo fue fantástico. Kings of Leon, sin embargo, es mi banda favorita en vivo.

Te han tomado muchas fotos con Hailey Baldwin. ¿Estás saliendo con ella?
No estoy saliendo con ella. Somos muy buenos amigos. Es muy tranquila y madura y alguien que entiende a las personas de una forma muy motivante.


El problemático divorcio de Fleetwood Mac


La banda se ha separado de Lindsey Buckingham, pero eso no la detiene de lanzar una enorme gira este otoño.


POR Andy Greene  



Foto: Randee St Nicholas

El problemático divorcio de Fleetwood Mac

A principios de esta primavera, la mayor parte de Fleetwood MacStevie Nicks, Christine McVie, John McVie y Mick Fleetwood– se reunió en un teatro en la isla hawaiana de Maui con incertidumbre en su futuro. La banda se ha separado secretamente de Lindsey Buckingham, la voz y guitarra detrás de muchas de sus más perdurables canciones.

Según el grupo, la ruptura es esencialmente por un conflicto de horarios alrededor de una gira próxima. “Se supone que tendríamos ensayos en junio y él quería posponerlos hasta noviembre”, dice Nicks. “Es mucho tiempo. Acabo de hacer 70 shows [en una gira como solista]. Tan pronto como termino una cosa, me meto de lleno en otra. ¿Por qué nos detendríamos? Esto es lo que hacemos”.

Entonces los miembros de la banda invitaron a Mike Campbell, antiguo guitarrista de Tom Petty and the Heartbreakers, y a Neil Finn, mejor conocido como el líder de los creadores de éxitos de los años ochenta Crowded House, a pasar algunos días para fabricar canciones y ver si podían avanzar sin Buckingham. “Inmediatamente sentí como si ya los conociera de años”, dice Christine McVie, “aunque nos acabábamos de conocer”. La formación se embarcará en una gira de 52 fechas que comenzará el tres de octubre en Tulsa, Oklahoma y que continuará hasta mediados de 2019.

La expulsión de Buckingham marca el último capítulo caótico del drama de 50 años de Fleetwood Mac –o, como el baterista Fleetwood lo dice: los negocios de siempre. Cuando miembros clave iniciales como Peter Green y Jeremy Spencer se marcharon a inicios de los años setenta, Fleetwood tomó el teléfono y reclutó nuevos miembros. El grupo nunca dejó de trabajar, aún cuando Nicks lo abandonó a inicios de los años noventa y una nueva alineación fue telonera para gente como REO Speedwagon en el circuito del anfiteatro. “Mis instintos siempre han gravitado hacia delante”, dice Fleetwood. “Pero estaría mintiendo si literalmente no me hubiera dicho a mí mismo: ‘Esto necesita pensarse mucho’”. [Buckingham no ha respondido a peticiones de entrevistas].


Artefactos del viaje fantástico de Bowie


Vestuarios, letras históricas y más destacan en una exhibición hecha por el mismo Bowie.


POR Andy Greene  



Foto: Ron Frazier / Creative Commons

Artefactos del viaje fantástico de Bowie

Desde sus primeros días en la escena del pop de los años sesenta en Londres hasta las sesiones para su último LP, Blackstar, David Bowie se aseguró de guardar todo. Algunos objetos fueron aparentemente menos importantes como las llaves del departamento de Berlín que compartía con Iggy Pop en 1976, otros tan monumentales como el sintetizador EMS tipo maletín que Brian Eno usó para ayudarle a crear “Heroes”.

Para cuando David murió, la colección había crecido hasta aproximadamente 80 mil artefactos. Permitió que una parte se exhibiera en David Bowie Is, la cual inició en el Museo de Victoria y Alberto de Londres en 2013. Cinco años más tarde, llegó al Museo de Brooklyn, en la ciudad donde Bowie pasó sus últimos años. “Estaba pensando en la historia de su vida y visualizándola en retrospectiva al final”, dice Matthew Yokobosky, el jefe de diseño del museo.


Shows secretos y un retorno a lo básico


Matthew Bellamy, líder de Muse, menciona tres formas en que la banda se pone al día y, al mismo tiempo, piensa en el futuro.


POR Andy Greene  



Foto: cortesía Warner Music México

Shows secretos y un retorno a lo básico

Sin concepto, sin problema
Muse ha pasado la última década creando álbumes concepto complejos y sinfónicos que lo tienen todo, desde guerra de drones hasta revolución política. Pero en un giro radical, ha decidido dejar los grandes conceptos y lanzar nuevas canciones de forma individual, semanas después de haberlas grabado y trabajando con diferentes productores en el camino. “Me recuerda cuando la banda recién empezó, donde sólo estábamos pensando en una gran canción y no en un álbum completo”, dice el líder Matthew Bellamy. “Eso va a llevar a una apreciación consistentemente buena, porque todos los tracks tendrán sonidos y experiencias muy individuales”.

Buscando la verdad en la era de Trump
Bellamy, quien nació en Cambridge, Inglaterra, pasó mucho tiempo viendo noticias por cable mientras estaba de gira el año pasado. “Es difícil entender el nivel de burbuja con el que las noticias de Estados Unidos trabaja”, dice. “Estamos viviendo en un tiempo en el que mostrar los errores de alguien –usando la ciencia, por ejemplo– se está volviendo cada vez más difícil y a veces es percibido como algo insensible”. Decidió canalizar esos pensamientos en la nueva canción “Thought Contagion”, un gran himno sobre la evaporación de los hechos.


P&R: Logic


El creador de éxitos habla sobre su difícil crecimiento, ‘Star Wars’ y qué sintió con la burla de Cartman de ‘South Park’.


POR Andy Greene  



Foto: Facebook Logic

P&R: Logic

En enero de este año, Logic interpretó su éxito “1-800-273-8255” en los premios Grammy, y todavía está asimilando el momento. “Kendrick Lamar me dio un pequeño asentimiento de respeto”, dice. “Caray, es una de mis más grandes inspiraciones”. La presentación fue la culminación del primer año de triunfos de Logic (Sir Robert Bryson Hall II) quien apenas hace cinco años era un rapero en bancarrota que vivía en los sofás de sus amigos. Pero el pasado septiembre, su éxito escaló hasta el Número Tres en el Hot 100 y ha sido reproducido más de 550 millones de veces en Spotify. (La canción también ha triplicado las llamadas a la línea de prevención del suicidio, el título de la canción). ¿El siguiente paso? Abrir una oficina. Está llamando desde una tienda de cómics en Los Ángeles, donde está comprando decoración. “Quiero que el lugar se vea como la Cómic-Con”, dice Logic, un nerd que a menudo resuelve el cubo Rubik en el escenario mientras rapea. También está planeando una película que se desarrolle en una tienda de discos, donde él será la estrella. “No quiero atarme a una sola cosa”, dice. “Estoy emocionado y listo para ‘patearle el trasero’ al mundo”.

¿Cómo se te ocurrió escribir un éxito sobre la prevención del suicidio?
Me gasté seis cifras de mi propio dinero para conseguir un autobús y hacer una gira de fans para mi segundo álbum. Sorprendía a los fans en sus casas, comíamos y jugábamos videojuegos. Las personas no dejaban de decir: “Tu música salvó mi vida”. Yo pensaba: “¿Qué importa?”. Y luego pensé: “¿Qué tal si intentara salvar una vida con una canción?”.

Eric Cartman cantó una parodia de tu canción en South Park la temporada pasada. ¿Cómo te sentiste al respecto?
Fue agridulce. Al final del día, South Park se burla de todos. Tengo un buen sentido del humor, pero hay cosas con las que no se debe bromear. Es una canción sobre suicidio. Cruzaron la línea, pero aún así están hablando de suicidio entonces lo iluminaron un poco [el tema].

¿Cuál es la más grande diferencia entre Logic y Sir Robert Bryson Hall II?
La diferencia es que Bobby está un poco descuidado. Ahora, después de mucho trabajo, puedo hacer lo que quiera. Voy a empezar a viajar y divertirme. Siempre he querido actuar, entonces haré una película. Estoy terminando una novela y estoy emocionado por publicarla. No pueden poner mis talentos en una caja porque mis talentos me pusieron en una mansión, y no me dirán qué puedo y qué no puedo hacer porque están asustados de hacerlo ellos mismos.

Hace muchos años, trabajabas en Wingstop, ¿qué hacías ahí?
Limpiaba, sacaba la basura, cortaba las zanahorias y hacía las papas fritas. Era horrible. Solían gustarme las alitas sin hueso con salsa BBQ y miel, pero comí tantas que no he podido comerlas en años.

En 2015, fuiste hospitalizado después de tener un ataque de ansiedad. ¿Tu ansiedad está bajo control estos días?
He tenido menos ansiedad estos días porque estoy lidiando con ella. Nunca he sufrido de depresión, sólo ansiedad severa. He estado en terapia por años. Mi terapista me ha dicho: “Tú no tienes que estar aquí”. Estoy manejando mis problemas de frente, no huyendo de ellos.

En tus canciones, hablas sobre crecer en una casa con una madre alcohólica.
He visto a mi hermano vendiendo crack, incluso a nuestro propio padre. Mi madre tomaba pastillas. Yo dije: “No haré esto”. Yo sabía que no iba a golpear a las mujeres, aún cuando vi a mis hermanas y a mi mamá siendo golpeadas. Yo sabía que haría lo opuesto.

¿Has liberado el enojo hacia tus padres?
Lo solté porque estaban enfermos. Debieron haber recibido ayuda.

Eres un gran fan de Star Wars. ¿Qué pensaste de la última película?
Me gustó mucho. Disfruté el Episodio VII más, pero tal vez no soy imparcial porque J.J. [Abrams] es un amigo. Fue genial que se tomaran el tiempo de contar una historia en vez de precipitarse a un montón de acción.

¿Cómo te sientes sobre la decisión de matar a Luke Skywalker?
¿Quién dice que está muerto? ¿Yoda realmente murió? ¿Ben Kenobi murió? Aprendimos más sobre la Fuerza en esta película, y no es algo que esté en muchos libros. Es algo que cualquiera, no importa de donde venga, puede tener. En muchas maneras, me siento como Rey. Es increíble venir de la nada, ser nadie, y convertirte en alguien importante.


La batalla de The Black Crowes


Chris y Rich Robinson compiten en giras, celebrando la música que hicieron juntos.


POR Andy Greene  



Foto: Wikimedia Commons

La batalla de The Black Crowes

Chris Robinson no se puso muy feliz el año pasado cuando se enteró que su hermano, Rich Robinson, llevaría la música de su antigua agrupación, The Black Crowes, de gira con los otros exintegrantes; Chris hasta la llamó una “banda tributo de The Black Crowes”. Pero apenas un año después de que Rich anunciara su banda, The Magpie Salute, Chris formó su propia banda spin off, As the Crow Flies. “Chris tiende a hablar más de la cuenta”, declara Rich. “Y las acciones dicen más que las palabras.

Ahora él está en una banda tributo de The Black Crowes”. Es tan solo el último episodio de la guerra entre los hermanos Robinson, quienes se separaron por segunda vez después de su gira de 2013, cuando Rich dijo que Chris insistía en pagarle un salario al fundador y baterista Steve Gorman y tomar una parte más grande (del dinero) para sí mismo. “Finge ser un hippie de amor y paz a quien no le importa el dinero”, dice Rich, “mientras intenta llevarse el de todos”. Chris expresa que no tiene mala voluntad hacia él, aún cuando no han hablando en años. The Crowes continúa con una larga tradición de hermanos miembros de una banda que después se convierte en un campo de batalla. “Existe una lucha de poder entre los miembros de una familia”, con esa Rich. “Y es bastante triste porque los hermanos también hacen música increíble”.


La aventura pop de MGMT


Cómo el dúo psicodélico creó su mejor LP en años.


POR Andy Greene  



La aventura pop de MGMT

MGMT sabe exactamente cómo el mundo se siente acerca de todo lo que han hecho desde su LP debut de 2007, Oracular Spectacular. Los dos intérpretes de synth pop psicodélico —quienes se conocieron en Wesleyan University en Connecticut y fabricaron sus primeros éxitos “Kids”, “Electric Feel” y “Time to Pretend” en sus dormitorios— se volvieron los predilectos del indie en los años dos mil. Pero distanciaron a sus fans, a los críticos y a su propia compañía productora al lanzar dos decepcionantes álbumes experimentales, Congratulations de 2010 y MGMT de 2013. “Muchas personas nos olvidaron después del tercer disco”, declara el líder Andrew VanWyngarden. “Pensaron: ‘Ya no queda sabor de pop en ellos. No pasará de nuevo'”.

Los dos sintieron lo mismo, así que decidieron descansar un tiempo. El tecladista Ben Goldwasser se mudó a Los Ángeles con su prometida, y VanWyngarden compró una casa en Rockaway Beach, Queens, donde construyó un estudio casero y practicó surf. Un dúo, que previamente había creado canciones mediante sesiones de improvisación, aprendió a trabajar vía correo electrónico. “La separación geográfica tuvo una gran influencia en la música”, dice Goldwasser. “Realmente teníamos que concentrarnos cuando estábamos juntos”.

Cuando finalmente estuvieron de vuelta en la misma habitación para crear su siguiente álbum, el productor Patrick Wimberly (Solange, Blood Orange) los incitó a concentrarse en los principios básicos de escribir canciones. “Nos recordó la forma en la que escribíamos en la universidad, donde pensábamos en términos de los versos y los coros”, dice VanWyngarden. “No tratábamos de ocultar nuestras influencias pop como Talking Heads, Hall & Oats y la música de los años ochenta que nuestros padres solían escuchar y que todavía nos gustaba. Se sintió bien regresar a eso”. El resultado es Little Dark Age, por mucho su lanzamiento más pop desde Oracular Spectacular, lleno de ganchos musicales y frecuentes letras graciosas. El track inicial “She Works Out Too Much” es un puñetazo a alguien que usa las redes sociales para dar la ilusión de una vida perfecta (“Sick of liking your selfies / Should’ve gone with my gut”), y “TSLAMP” es la abreviación de “Time Spent Looking at My Phone”. “Esa canción soy yo lamentando mi existencia entera”.