Archivo del Autor: Arturo Aguilar

Regresa el mito de excálibur


Guy Ritchie, Jude Law y Charlie Hunnam conversaron en exclusiva para Rolling Stone sobre ‘El rey Arturo. La leyenda de la espada’, una aventura medieval bajo una nueva óptica llena de acción.


POR Arturo Aguilar  



Regresa el mito de excálibur

Es difícil no pensar en un tipo específico de cine cuando se piensa en Guy Ritchie. En pocos casos en la industria del cine, el crédito “Una película de” entrega mayor información para el espectador que cuando se trata de un filme de este realizador británico.

Eficiente y apegado a un estilo narrativo, visual, dinámico y moderno, Guy Ritchie ha ganado fama y reconocimiento mundial con thrillers-que-también-son-comedias con mucha acción, sobre peculiares mundos criminales acompañados por textos británicos. Su firma es la elaboración de secuencias de acción (muchas veces peleas) que son narradas por los personajes y recreadas simultáneamente en flashbacks o flashforwards en cámara lenta.

Ritchie sabe cómo hacer atractivo y entretenido que alguien literalmente nos explique rápido y en síntesis la parte teórica de lo que estás viendo, ya sean las descripciones de los movimientos en una pelea, las etapas de un plan o os obstáculos para un escape.

Vimos esto en su versión más básica en 1998 con Juegos, trampas, y dos armas humeantes (su debut como director). Poco más tarde, en su mejor forma y estilo en Snatch: cerdos y diamantes con Brad Pitt y en Rockn’Rolla con Gerard Butler y Tom Hardy; y más recientemente en su adaptación más grandilocuente, comercial y popular con dos entregas de la saga Sherlock Holmes protagonizadas por Robert Downey Jr.

Salvo por un par de excepciones en su filmografía, sus películas suelen ser eficientes y exitosos productos de entretenimiento, por lo que la idea de una nueva versión cinematográfica del muy británico mito del rey Arturo con su particular estilo sonaba naturalmente atractivo y con un importante potencial.

El rey Arturo. La leyenda de la espada, que se estrena en México, es una nueva versión de la espada Excálibur que estaba enterrada en una roca y que sólo aquel genuinamente digno y con derecho al trono podría sacarla. Ahora con Charlie Hunnam como el joven Arturo y con Jude Law como Vortigern, el tío que a la mala se quedó con el trono y que despojó a Arturo de su natal derecho.

Durante una fría mañana en Londres, el director Guy Ritchie, Charlie Hunnam y Jude Law hablaron en exclusiva para Rolling Stone sobre qué los motivó a revivir o a participar en esta nueva versión para el cine de tan conocida historia. “Decidí hacer la película que me gustaría ver sobre esta historia. Amo la cinta de John Boorman (Excálibur, 1981) y me gusta el género, creo que es uno muy exigente. Pero quería contar lo que me interesaba y desafiar algunas cosas. Por ejemplo, en lugar de hacer que Arturo crezca en un castillo, que lo hiciera en un burdel. Me da la oportunidad de crear un interesante conflicto dramático. Crea el necesario conflicto para ilustrar el propósito de la mitología y de la historia en una forma más eficiente. En el fondo, me parece que a historia que muestra este mito es el paso del hombre a rey, el extra que se necesita, lo que hay que conquistar dentro de uno para lograr algo”, explica Ritchie, el ex director de videos y ex esposo de Madonna.

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Sigue volando y aprendiendo


Aaron Eckhart nos contó su experiencia haciendo ‘Sully’ junto a Clint Eastwood y Tom Hanks, así como de su actual momento profesional.


POR Arturo Aguilar  



Sigue volando y aprendiendo

Fotos: Cortesías de Warner Bros.

Durante el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia, Aaron Eckhart nos habló sobre su participación en la película Sully, de Clint Eastwood, al lado de Tom Hanks.

Sully, hazaña en el Hudson recrea el heroico vuelo de US Airways que en enero de 2009 milagrosamente lograra acuatizar sobre el Río Hudson en Nueva York tras perder ambos motores unos minutos después de despegar. Los 155 pasajeros y tripulación del vuelo sobrevivieron sin más que algunas lesiones menores.
Pero el filme también se asoma al proceso e investigación posteriores que buscaban mostrar que la decisión del capitán Chesley Sullenberg (Hanks) y su copiloto Jeff Skiles (Eckhart) fue la errónea, a pesar del saldo blanco en vidas humanas.

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¿Cómo llegas al proyecto? ¿Cómo te enteras que están haciendo esta película?
Estaba en una agencia de autos, llevando mi auto a servicio, cuando mi agente me llamó y me dijo: “Clint Eatswood quiere conocerte”. Mi reacción inicial fue de sorpresa, nunca imaginé escuchar esas palabras, estaba muy emocionado y aún no sabía sobre qué era el proyecto. Mi agente me dijo que era sobre el Milagro en el Hudson. Yo lo recordaba. Fue una gran noticia no sólo en Estados Unidos sino en todo el mundo, y de repente me dicen que Tom Hanks está en ella, y simplemente todo siguió mejorado como idea.

Fui a conocer a Clint y él es muy agradable, muy sencillo, lo fui a ver a su oficina, salió a recibirme y me saludó:
–”¿Cómo estás? ¿te gustaría estar en esta película?”.
–”¡Claro!” –le dije.
–”Muy bien, muy bien. Ahora lee el guion”.

Así de fácil. Y es lo mejor de mi trabajo, que literalmente, día tras día, no sé qué va a pasar. De repente te llama Sean Penn o te busca Oliver Stone, simplemente nunca sabes qué puede pasar. Cada vez que suena el teléfono, tu vida puede cambiar.

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¿Cuál es el reto actoral al interpretar historias y personajes reales?
Estás interpretando a una persona real y eso conlleva una responsabilidad. Eso siempre cuenta. Debes tener un respeto a eso. Y tienes que tratarlo como si tu vida dependiera de ello. Porque millones de personas verán esta película, y también el capitán Sullenberg y Jeff Skiles serán juzgados de cierta manera a partir de nuestras interpretaciones, y no me tomo esas cosas a la ligera.
Soy de los que se toma cada trabajo seriamente, debes hacer tu investigación, hacerlo personal y relevante para ti, hacer el mejor trabajo que puedas.

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Le das un peso importante a aprender mientras trabajas, ¿cómo fue con dos personas que además tú ya admirabas?
Lo mejor es que no sólo puedes admirarlos de cerca, sino aprender de ellos. Me la pasaba viendo todo lo que hacían, y se lo dije a Tom: “Me la paso viéndote, qué decisiones tomas, cómo enfrentas un momento adverso”, cómo Clint le habla a los actores y al equipo, cómo el staff le habla a él, cómo solucionan problemas de filmación sobre la marcha, porque todas esas cosas son algo que puedo utilizar en el futuro mientras dirijo, o que puedo enseñar a nuevas generaciones de actores: “Esto es lo que hago yo, esto es lo que hace Clint“.

Siempre pido que me cuenten historias, con Tom estábamos encerrados juntos por casi 12 horas en una cabina de avión, y le pedía me contara historias, o le contaba cuales eran mis problemas personales con la realización de cine en general, cuáles eran mis adversidades, cuáles mis debilidades, y le pedía me dijera qué haría él en tal situación, le preguntaba qué pensaba de “X”, y él lo compartía todo. Me respondía y ayudaba y él es el mejor en lo que hace, así que puedes salir con eso y aplicarlo. Nunca dejo ir una oportunidad, con quien sea que trabaje, ya sea Tom o Julia Roberts o Mickey Rourke, para hacer de esa experiencia un aprendizaje y preguntar lo que me interesa y apasiona.

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Sully ofrece una nota positiva alrededor de estas historias de crisis en aviones.
Estados Unidos y Nueva York aún viven con cierto trauma tras el 9/11 y aún hay sentimientos muy fuertes al respecto. Cada vez que algún avión vuela bajo sobre la ciudad de Nueva York es algo malo. En este caso la gente se asustó obviamente pero el avión logró aterrizar en el Hudson y todo salió bien y nadie perdió la vida. Y por ello fue una gran historia para Nueva York, porque aterrizaron, por la gente de emergencia que respondió inmediatamente, con los ferries llegando a ayudar, fue una auténtica historia neoyorquina. Y toda esa gente que estuvo ahí con los ferries y los botes de emergencia, los remolcadores, están en la película, Clint los hizo parte de la película. No sólo porque estuvieron ahí ese día, sino porque sabían cómo operar el equipo real y lo que él quería era recrear lo más fiel posible eso. Por eso este filme resuena de una manera muy especial con la gente de Nueva York y en general con los estadounidenses.

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Se nota que disfrutas este momento de tu carrera.
Estoy fuera de prisión (ríe). Soy libre. Así es como lo veo. Estuve en la cárcel de la industria por un tiempo, y es un placer colaborar y trabajar ahora con todas estas grandes personas y talentos. Este año hay cuatro películas en las que participo y lo estoy disfrutando. Soy mayor, tengo 48 años, he estado en este negocio por más de 20, trabajo con gente que admiro, y no era tan fácil al inicio, porque hay mucho miedo como un actor joven, no sabes qué decisiones tomar, tomas algunas por otras personas y no por ti, y ahora me siento contento con dónde estoy, sé quien soy, sé lo que quiero hacer y buscar.

Estoy muy conciente y agradecido de lo que significa sentarse en esta silla. Después de 20 años, no hay garantía de que me den un papel y esté en esta silla, o platicando contigo, o haciendo películas tan buenas como esta. No puedo dar eso por gratis, y creo que eso me hace disfrutarlo más.

¿Cómo describirías el momento actual que vive Hollywood?
He visto el negocio contraerse en los últimos años. Veo que el negocio del cine se está consolidando alrededor de estas sagas y franquicias de películas millonarias y de grandes presupuestos, y creo que el cine independiente, que tuvo su auge en los años noventa y principios de este siglo, coincidiendo con la etapa en la que mi carrera comenzó también, está disminuyendo, y está encontrando mayores dificultades. Así que nos toca ser mejores en nuestro trabajo, eso es lo que tenemos que hacer, ir un poco con la corriente, adaptarse y ser mejores, de manera que sea uno indispensable, y así nunca se podrán deshacer de nosotros (ríe).

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El productivo Sr. Marshall


Frank Marshall nos habló de lo que ha sido un año único en su carrera y del futuro de la saga ‘Bourne’.


POR Arturo Aguilar  



El productivo Sr. Marshall

Fotos: Cortesía © 2016 Universal Studios. Todos los Derechos Reservados.

Para muchos, el nombre de Frank Marshall quizá no diga mucho a la primera impresión, pero se trata de uno de los productores de Hollywood más influyentes de la industria.

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Marshall fue fundador, junto a su esposa Kathleen Kennedy y Steven Spielberg, de la compañía productora Amblin Entertainment en 1981. Se trata del responsable de que se hayan producido filmes tan referenciales en la cultura pop como E.T. El Extraterrestre, Volver al futuro, Indiana Jones, El imperio del sol, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y Cabo de miedo, por mencionar solo algunas.

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Por ello resulta interesante cuando el propio Marshall habla de 2016 como quizás el mejor año de su carrera. “Estoy muy contento con lo que he podido hacer este año. No es sólo el hecho de haber producido cuatro películas, sino la diversidad de los proyectos que cada uno apostaba por algo distinto. Estoy en los últimos detalles del lanzamiento de Assassin’s Creed, que creo sorprenderá a muchos que solo la imaginan como una película basada en un videojuego; The BFG con Steven (Spielberg) fue una experiencia extraordinaria; y ni qué decir de la buena respuesta que han tenido tanto Jason Bourne desde el cierre del verano hasta ahora y más recientemente Sully de Clint Eastwood, que tanto en taquilla como en crítica ha superado muchas expectativas”, puntualiza el también director de cine.

Pero Marshall ya se encuentra viendo hacia el futuro y en ese sentido, la saga Bourne parece que tiene aún cuerda para rato.

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“Me sentí muy bien sobre cómo le fue a la película. Ha sido muy exitosa, y me encanta contar estas historias, desde que iniciamos con The Bourne Identity sabía que éste era un mundo muy rico y que Jason Bourne es un personaje interesante y complejo, y que Robert Ludlum, el autor, ha escrito muchas historias sobre este mundo de espías, y si bien estoy muy satisfecho con la película cinco de la saga, Jason Bourne, creo que logramos dejar la puerta abierta al final para seguir explorando este universo y llevarlo hacia adelante y más lejos, y eso es algo que me parece fantástico que podamos seguir haciendo”, confesó Marshall en entrevista para Rolling Stone, aclarando que antes de ponerse a trabajar en la sexta parte de esta saga fílmica de acción, se tomará un tiempo de descanso.

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Sobre hacia dónde puede llevar una historia que parece haber alcanzado una suerte de resolución de su premisa inicial, Marshall explica: “Creo que el reto para nosotros es descubrir esa historia que es relevante en lo contemporáneo, en el escenario global, y que a la vez sea interesante, que permita llevar a la audiencia en este viaje a lugares que no ha visto antes, que aproveche lo que se ha construido y conoce de estos personajes para tratar de responder preguntas más profundas que ellos se hacen. Al público le gusta ver a estos personajes que siente que ya conoce de cierto modo a profundidad, en la misma realidad de dicha audiencia. Es importante que se mantenga como un personaje real, creíble y eso ha sido hasta ahora, la base del éxito y hay que seguir trabajando en ese mismo sentido”.

La cinta Jason Bourne ya está disponible para adquirirse en formato DVD y blu ray.

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Entre el sacrificio y la violencia


Mel Gibson y Andrew Garfield conversaron sobre ‘Hasta el último hombre’, cinta de enorme acción y profundas reflexiones.


POR Arturo Aguilar  



Entre el sacrificio y la violencia

Al pasar la puerta de la suite, Mel Gibson se encuentra preparándose un té junto a la ventana, mientras Andrew Garfield se levanta rápidamente del sofá en el que estaba sentado para presentarse. Es una tarde particularmente calurosa en Los Ángeles y Gibson disfruta de una refrescante brisa que entra mientras regresa al sofá, saluda y se acaricia la larga y canosa barba que se ha dejado.

Ambos están aquí para hablar de Hasta el último hombre, filme protagonizado por Garfield que significa el regreso de Gibson a la silla de director desde que realizara Apocalypto en 2006. El mismo año en que su carrera como destacado cineasta y regular protagónico sufriera un fuerte golpe tras la polémica suscitada por la serie de insultos antisemitas que profirió a un oficial de policía judío que lo detuvo mientras conducía bajo los efectos del alcohol.

Para Garfield (nacido en Los Ángeles pero criado en Inglaterra), quien perfectamente rasurado y como quien sigue los protocolos formales de todo educado joven británico, viste con pantalón, camisa y zapatos de vestir (lo opuesto de Gibson, quien usa unos jeans y un suéter), esta es una de las dos películas que protagoniza y que llegan a salas para cerrar este 2016 y que rápidamente han puesto su nombre entre la lista de los aspirantes a posibles nominaciones y estatuillas en la próxima temporada de premios de Hollywood (el otro filme es Silence de Martin Scorsese).

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Palmarés FICM 2016


Estos son los ganadores de la edición 14 del Festival Internacional de Cine de Morelia.


POR Arturo Aguilar  



Palmarés FICM 2016

Del 4 al 10 de noviembre, una selección especial de la programación del festival y los filmes ganadores, del mismo se presentarán en distintas salas de la Ciudad de México.

Películas como Sully, The Birth of a Nation, Neruda, Elle, Manchester by the Sea, así como las obras ganadoras de las secciones competitivas (El vigilante, La Región Salvaje, Bellas de noche) conforman el ciclo Lo mejor del FICM en la CDMX.

Las cintas podrán ser vistas en algunos complejos como Cinépolis, Cineteca Nacional, Cine Tonalá, el Centro Cultural Universitario de la UNAM, el Centro Nacional de las Artes y el Faro Aragón.

Puedes consultar la programación y horarios dando clic aquí.

La lista de ganadores del Festival Internacional del Cine de Morelia puedes verla a continuación:

SECCIÓN DE LARGOMETRAJE MEXICANO

Premio Guerrero de la Prensa a Largometraje Mexicano: La región salvaje, de Amat Escalante.

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Premio del Público para Largometraje Mexicano: Las Tinieblas de Daniel Castro.

The Darkness

Mención especial para Natalia Almada por la dirección de Todo lo demás.

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OJO a Mejor Actriz de Largometraje Mexicano para Adriana Barraza por su trabajo en Todo lo demás.

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OJO a Mejor Actor de Largometraje Mexicano para Leonardo Alonso por su trabajo en El vigilante.

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OJO a Primer o Segundo Largometraje Mexicano para El sueño del Mara’akame de Federico Cecchetti.

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OJO a Largometraje Mexicano y el Premio Stella Artois para El vigilante de Diego Ros.

SECCIÓN DE LARGOMETRAJE DOCUMENTAL MEXICANO

Premio del Público para Documental Mexicano: Tempestad dirigido por Tatiana Huezo

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Premio Especial Ambulante: Resurrección, de Eugenio Polgovsky.

Eugenio Polgovsky

Mención especial para el documental Tempestad dirigido por Tatiana Huezo.

Premio a Documental Mexicano realizado por una mujer: Bellas de noche dirigido por María José Cuevas.

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OJO a Largometraje Documental para Bellas de noche dirigido por María José Cuevas.

Premio Guerrero de la Prensa a Largometraje Documental: Bellas de noche, de María José Cuevas.

SECCIÓN DE CORTOMETRAJE MEXICANO

Premio del Público del Programa de Diversidad Sexual para El cisne, de Daniel Enrique Chávez Ontiveros.

Mención Especial para Meraqui Pradis por su trabajo en Fuerza bruta y Mariachi nights.

Premio Especial Renta Imagen para Aurelia y Pedro dirigido por Omar Robles y José Permar.

OJO a Cortometraje de Animación para Taller de corazones dirigido por León Fernández.

OJO a Cortometraje Documental para Juan Perros dirigido por Rodrigo Ímaz Alarcón.

OJO a Cortometraje de Ficción para Verde dirigido por Alonso Ruizpalacios.

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Regresa la magia


Colin Farrell, Dan Fogler y Katherine Waterston coinciden en ‘Animales Fantásticos y dónde encontrarlos’, un mundo increíble creado por J.K. Rowling.


POR Arturo Aguilar  



Regresa la magia

Entre el ocaso del siglo pasado y la llegada del actual, una historia fantástica sobre magos y hechiceros se convirtió en uno de los fenómenos más importantes de la cultura pop reciente.

Los siete libros de la saga de Harry Potter, un éxito mundial sin comparación, se convirtieron a su vez en una serie de ocho películas que también lograron transformarse, sin mayor problema, en una referencia conocida en cada rincón del planeta.

Pero resulta que el universo donde habita Harry Potter tiene a otros protagonistas de los que J.K. Rowling también ha escrito. Una de esas seis novelas secundarias es Animales fantásticos y dónde encontrarlos, que este mes llega a nuestro país como el primer filme de una serie de cinco películas basadas en esta otra obra de la escritora británica.

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Desde el FICM – Día 3


Más buen cine mexicano y un par de documentales para reflexionar.


POR Arturo Aguilar  



Desde el FICM – Día 3

La Caja Vacía

Después de su notable debut con Los Insólitos Peces Gato, la realizadora veracruzana Claudia Saint-Luce regresa con La Caja Vacía, interesante filme que sigue explorando de manera reflexiva una suerte de historia autobiográfica, pero esta vez en un tono muy distinto al de su ópera prima.

Si en aquella había espacio y tiempo para el apapacho emocional a través de una historia cálida, emotiva y empática, para su segundo filme, la directora decide una aproximación menos afable con la historia de Jazmín (la propia Saint-Luce, en una sólida y eficiente interpretación), mujer que tiene, por decir lo menos, una distante y compleja relación con su padre, un hombre haitiano, ahora con 60 años y quien enfrenta un padecimiento que la obliga a llevarlo a su casa y cuidar de él.

Se trata de una historia sobre pasados conflictivos y presentes catárticos, sobre las oportunidades y dificultades de hacer las paces con nuestros recuerdos y nuestras familias, partiendo de que Toussaint, el padre, nunca fue precisamente un hombre cariñoso o cercano.

La película permite ir armando el rompecabezas emocional de ambos protagonistas, de un ideático hombre incapaz de haberse asentado en algún lugar, de un nómada que recuerda su propio periplo y de una mujer lastimada por la ausencia de una figura paterna, que en su infancia fue apenas un padre frío y distante y las repercusiones sentimentales de eso en su vida adulta.

Un interesante segundo paso en la carrera de una realizadora mexicana que hay que seguir.

Michel Ciment, el arte de compartir películas

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Francia ha sido históricamente la gran cuna de la crítica cinematográfica. Desde la década de los 50, la tradición crítica de las revistas Positif y Cahiers du Cinema ha permeado en generaciones de cinéfilos no solo en Francia sino en todo el mundo.

Pero la relevancia de las figuras que han formado parte de dichas publicaciones va más allá del cineclub y las cinetecas o filmotecas, y quizás uno de los mejores ejemplos es Michel Ciment, crítico e historiador que por más de 6 décadas ha sido un defensor único del más diverso talento cinematográfico.

En este documental, una lista de reconocidos cineastas, desde Tarantino hasta Atom Egoyan pasando por Joel Coen, Bertrand Tavernier, Win Wenders y muchos más, reconocen la trascendencia del trabajo de Ciment, mientras escuchamos al crítico francés hablar de su propia historia, sus inicios como cinéfilo y sus valores como profesional del área, su creencia en el acercamiento con directores del que han surgido libros e investigaciones.

Un documental gozoso para cualquiera que gusta de asomarse a las conversaciones profundas sobre cine, a la discusión sobre los efectos de las obras artísticas en celuloide en la sociedad o en nuestras vidas, del rol mismo de la discusión sobre cine en nuestros tiempos y su evolución.

Fuego en el mar

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Ganador del Oso de Oro del pasado festival de Cine de Berlín, este crudo y doloroso documental nos acerca al drama humanitario detrás de la crisis migratoria en Europa, esa que acaparó los espacios de noticias en el mundo entero hace algunos meses, y que aunque ya no reciba la atención mediática o el protagonismo televisivo de entonces, sigue siendo una situación grave que no parece tener una resolución cercana.

200 kilómetros al sur de la costa italiana se encuentra la isla de Lampedusa, el primer puerto de escala para los cientos de miles de migrantes que tratan de escapar de los conflictos bélicos o las situaciones sociales en Oriente Medio y África. En ese lugar conocemos a Samuele, niño de 12 años que sueña con una vida mejor, con una vida normal.

Sin duda se trata de un filme con alcances de documento histórico sobre este momento en la historia de la humanidad y una mirada desgarradora a uno de los fenómenos más complejos y tristes de nuestros tiempos, un fenómeno que es raíz de muchas otras situaciones sociales que definen las conversaciones sociales en muchos países, más allá de Europa.

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Desde el FICM 2016 – Día 2


En esta segunda entrega hablamos sobre los filmes ‘Ma Loute’, ‘Zeus’ y ‘Mientras se busca al Diablo’.


POR Arturo Aguilar  



Desde el FICM 2016 – Día 2

Ma Loute

El realizador francés, Bruno Dumont aprovecha los terrenos de la sátira, en esta ocasión en un registro exagerado y estridente para mostrar a un atractivo reparto coral liderado por Juliette Binoche, Valeria Bruni Tedeschi, Fabrice Luchini, Angélique Vergara y Jean-Luc Vincent.

Estamos en el verano de 1910 en las costas de la Bretaña francesa en el norte del país. Durante los últimos días, algunos turistas han desaparecido de la playa local. Por un lado, el inspector Machin descubre una pista que lo conduce hacia los Brufort, una familia de pescadores locales con curiosas preferencias alimenticias. Mientras tanto, los Van Peteghem, una degenerada familia burguesa, llegan a su villa vacacional para disfrutar del sol, como acostumbran cada año.

Cuando los hijos de ambas familias se conocen y enamoran, la vida de todos los involucrados sufrirá un intempestivo giro y a partir de ello comenzarán a surgir aspectos de su verdadera personalidad, que es donde Dumont aprovecha para señalar las más extrañas patologías personales y familiares, sociales y de la época, alrededor de excesos y creencias, valores y necesidades. Un entretenido paseo que para cierto público podría resultar también demasiado estrafalaria y desbordada, pero en esas exageraciones es donde el director dibuja sus comentarios sobre las situaciones y sus protagonistas. El filme fue parte de la Selección Oficial del Festival de Cannes de este año.

Zeus

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Un nini treintañero vive con su madre mientras asegura trabaja en una novela, pero la realidad es que procrastrina a niveles profesionales mientras pasa buena parte de su tiempo obsesionado con su halcón Zeus y en salir a cazar con ella.

Joel, el protagonista, está atrapado en una viciosa relación de constante autosabotaje y chantaje emocional con su madre, una exitosa cirujana que pasa por encima de su hijo en cada oportunidad posible, sometiendo los intereses de su hijo a sus necesidades. Pero cuando el intento de desarrollar una relación (o al menos una aventura) con una secretaria que conoce vía el único amigo que parece tener (otro amante de la cetrería) y su amada mascota desaparece por culpa de su madre, él deberá confrontar su realidad y en el camino provoca una serie de acontecimientos imprevisibles. Sin embargo, cuando la historia necesita aprovechar estas premisas y la creación de una dinámica de confrontaciones entre los personajes, su director, Miguel Calderón, prefiere dejar las cosas en el mismo status quo y simplemente mantener un retrato de los círculos viciosos en los que viven sus personajes, sin arriesgar una posible salida o un cambio. Ni una sugerencia de lo mismo. Una idea inicialmente atractiva y con un potencial y momentos interesantes, que resultan desaprovechados en su segunda mitad.

Mientras se busca al Diablo

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Este documental de la sección mexicana en competencia es un interesante ensayo fílmico construido a partir de un material ya existente.

Hace una década, el realizador holandés Kees Hin viajó por el Sureste Asiático, Europa y América preguntando a habitantes de distintos países por el diablo, a partir de creencias culturales y religiosas o de experiencias personales. Dicho viaje quedó registrado en 102 cintas que sumaban un archivo de 97 horas.

Diez años después, los cineastas Diego Gutiérrez y Danniel Danniel usan el material no editado para crear una curiosa y sugerente experiencia sobre la idea colectiva del Diablo. Lejos de cualquier narración convencional y utilizando una suerte de “generador aleatorio de código de tiempo” Danniel y Gutiérrez crean un mosaico de momentos en que el azar es también parte del proceso de reconstrucción del viaje de Hin.

Más que una película con una trama o un camino claro, la experiencia de este filme es como la de un cuarto con infinidad de ventanas que van rotándose frente al espectador para asomarse a diferentes momentos y entrevistas, en diferentes lugares y con distinta gente. Un ensayo que ofrece al espectador la posibilidad de lanzar más preguntas al aire, en lugar de obtener respuestas claras sobre la definición o creencia alrededor del Diablo. Un viaje sugerente y provocador.

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Desde el FICM 2016


Nuestra primera entrega desde el Festival Internacional de Cine de Morelia.


POR Arturo Aguilar  



Desde el FICM 2016

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Neruda

Pablo Larraín y Gael García Bernal se unen nuevamente para realizar esta muy interesante película alrededor del célebre poeta chileno.

No se trata de una biopic en el sentido estricto del término, sino de un ejercicio que busca provocar o compartir una experiencia distinta en el espectador: recrear el universo Nerudiano y habitarlo por determinado tiempo.

Se trata de una trama a partir de la historia sobre como en 1948 el senador Pablo Neruda acusa al gobierno de traición y por ello es desaforado por el presidente Videla. Un policía, Óscar Peluchonneau (García Bernal), es el encargado de arrestar al poeta. Neruda trata de huir del país con su esposa, pero la pareja se ve obligada a esconderse. En la batalla-persecución con su némesis Peluchonneau, Neruda encuentra una oportunidad para reinventarse a sí mismo y convertirse en símbolo de libertad (Neruda fue un comunista de cepa y dichos ideales sociales permearon su vida por completo).

La historia no está exenta de giros de trama y de trucos escondidos para revelar una perspectiva distinta de toda la película hacia su último tercio, un valor agregado a un viaje de por si interesante, en gran medidad por la decisión de su director de no hablar sobre Neruda, sino de recrear su universo.

“Como chileno y como latinoamericano, Neruda es algo que está en todas partes, en el agua, en la tierra. Así que en lugar de hacer una película sobre él, me atraía más hacer algo sobre su cosmos, su mundo. Es como ir a su casa y jugar con sus juguetes. En lugar de hacer una biopic tradicional. Por eso solemos hablar de ella como una película Nerudiana más que sobre Neruda. Sobre ese universo único que fue capaz de crear, en la ficción y por supuesto en la realidad, por las condiciones únicas de su personalidad y figura: viajero, que amaba a las mujeres, culto, comunista, poeta.”, detalló Larraín a un grupo de periodistas hace algunas semanas durante el festival de cine de Nueva York.

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La Región Salvaje

En una cabaña escondida en el campo guanajuatense, una criatura extraterrestre despierta y provoca el apetito sexual más básico de todas aquellas criaturas con las que interactúa o que se acercan al punto donde el meteorito o asteroide que lo trajo a nuestro planeta aterrizó.

Con esta premisa en los terrenos de lo fantástico, el director mexicano Amat Escalante confirma una interesante evolución en su trabajo. Sin olvidar los contextos realistas-sociales observados en sus filmes anteriores, como en Heli o Los Bastardos, Escalante sabe explotar la naturaleza sugerente y provocadora de la trama sobre un par de mujeres que son seducidas por la experiencia de placer puro que obtienen al estar con este ser parecido a una suerte der pulpo espacial con tentáculos que hacen la función de órganos sexuales, para detrás de esto poner en la mesa observaciones sobre el machismo, la homofobia, la violencia y no pocos vicios sociales fáciles de reconocer como actuales y globales.

Con pleno control del ritmo en el que la historia se desarrolla y de la forma en que el espectador va descubriendo las diferentes aristas de la misma, Escalante deja claro que hay en él una curiosidad artística en constante evolución, donde intenta cosas nuevas en su forma de contar historias mientras también mantiene una clara línea autoral alrededor de un cine de denuncia sobre manifestaciones sociales y profundos retratos de instintos humanos. La Región Salvaje es la confirmación de una carrera que hay que seguir de cerca.

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Lo más humano detrás de la noticia


Mark Wahlberg vuelve a la pantalla en ‘Horizonte profundo’ como un heroico padre de familia que enfrentará una catástrofe inimaginable.


POR Arturo Aguilar  



Lo más humano detrás de la noticia

En abril de 2010, la plataforma petrolera Deepwater Horizon, ubicada en el Golfo de México, sufrió una explosión que en dos días se hundió y provocó el mayor derrame de petróleo en la historia.

11 personas perdieron la vida en esta tragedia ecológica incomparable. A seis años de este evento llega a los cines Horizonte profundo, una película que cuenta la historia de aquellos que murieron y de quienes sobrevivieron, una cinta protagonizada por Mark Wahlberg, Kurt Russell, John Malkovich, Gina Rodriguez y Kate Hudson.

En entrevista exclusiva para Rolling Stone, Mark Wahlberg conversó sobre este nuevo reto cinematográfico.

Cómodamente sentado en la sala de una suite de hotel en Los Ángeles, Wahlberg explica cómo se enteró de la noticia y cómo llegó al proyecto: “Lo vi en las noticias. Pero fue hasta que Lorenzo [Di Bonaventura, su socio productor] me envió el reportaje del New York Times de diciembre [2010] de David Barstow, David Rohde y Stephanie Saul (en el que se basaron los guionistas Matthew Michael Carnahan y Matthew Sand), junto con el guion, entendí la profundidad y alcance de esta historia. Me di cuenta que había mucho más de lo que podía imaginar”, detalló el actor nacido cerca de Boston.

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Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016


Sexta entrega cinéfila desde el TIFF 2016.


POR Arturo Aguilar  



Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016

Colossal

Entre la comedia y el cine fantástico, con no muy logradas intenciones de película de autodescubrimiento, Nacho Vigalondo ofrece una historia sobre una mujer (Anne Hathaway) que descubre tiene una conexión directa con un monstruo estilo Godzilla que sorpresivamente aparece en Seúl, Corea.

Sin rumbo en la vida, y sacada del departamento en el que vivía con su novio, el personaje de Hathaway regresa a su pueblo natal a tratar de reconstruir un poco su vida solo para descubrir que el fantástico monstruo que ha aparecido en la capital coreana en los últimos días, es en efecto algo en lo que ella tiene mucho que ver.

Aunque entretenida por momentos, la película nunca sabe definir realmente qué quiere hacer o decir o contar y se pasea y hace guiños por los territorios de la comedia romántica y el cine oriental de monstruos para terminar en la simple confrontación de una peculiar rencilla pendiente del pasado con elementos fantásticos que la hace divertida a ratos, pero nada más.

Alternativa palomera que se olvida pronto y punto.

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Jackie

Los días posteriores al asesinato del presidente Kennedy son retratados por el chileno Pablo Larraín en su primer filme en inglés, protagonizado por Natalie Portman, a quien muchos ya ponen como seria candidata a una nominación a Mejor Actriz en la próxima temporada de premios dentro de unos meses.

Los acontecimientos ocurridos entre los momentos posteriores al atentado y el funeral del mandatario, son registrados por Larraín con una notable intimidad, a través de situaciones y momentos de enorme sensibilidad y emotividad, pero sobre todo, acompañando a Portman/Jackie de manera cercana, con una narración construida a través de planos cercanos o cerrados, un ejercicio nada sencillo de sostener por buena parte del filme, pero que logra su intención de meternos en la parte privada y humana de los protagonistas reales de esa historia.

Un interesante filme que sigue mostrando las muchas capacidades y talentos como cineasta de Pablo Larraín (quien en el festival también presentó Neruda, su cinta sobre el poeta chilena protagonizada por Gael García Bernal).

TRAILER

The Bad Batch

Anna Lily Amarpour, la directora de la muy lograda A Girl Walks Home Alone at Night presenta su muy esperada segunda película: The Bad Batch.

En un distópico y apocalíptico futuro, una mujer es sacada de una suerte de instalación militar-médica y abandonada en pleno desierto. Esta historia de supervivencia nos presentará a un par de bandos que con diferentes métodos e

Ideologías sobreviven en este paisaje adusto. Unos apuestan por el canibalismo otros por la evasión psicotrópica y la pertenencia a una comunidad-secta, en un lugar llamado Comfort, dedicada a no hacer mucho más que organizar fiestas y raves.

Sin el rumbo temático-introspectivo y la consistencia narrativa y estilística de su anterior filme, la nueva propuesta de Amarpour funciona como un ejercicio novedoso y distinto en el que hay ideas interesantes y sugerencias atractivas que no terminan de anclar.

Las intenciones y motivaciones de los diferentes personajes, sus formas de enfrentar la realidad que viven, deja mucho a al imaginación y poco a la reflexión, sobre todo cuando hacia el final la película cede hacia concesiones de tinte melodramático innecesario.

Interesante propuesta que en sus primeros minutos pondrá a muchos a pensar en que se trata de una cinta que podría ser familia de Mad Max Fury Road, tanto por el contexto-ambiente en que la ubica, como en ciertas condiciones y características de su protagonista.

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Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016


Quinta entrega de la bitácora cinéfila desde el TIFF 2016.


POR Arturo Aguilar  



Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016

Snowden

La película dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Joseph Gordon-Levitt, quien logra una notable interpretación como el ingeniero de sistemas convertido en hacker informático que a la postre sería el informante de los reportajes publicados en los diarios The Guardian y Washington Post por el periodista Glen Greenwald sobre cómo el gobierno estadounidense monitorea todas las actividades privadas (vía correos, llamadas, mensajes, etc) de sus ciudadanos, resulta un eficiente ejercicio de acción y de thriller que exhibe por completo el sucio (por decir lo menos) funcionamiento del aparato de espionaje estadounidense en todo el mundo.

Con un tema tan político, Stone da rienda suelta a un discurso que aprovecha la figura de Snowden, auténtico revolucionario digital, para explicar cómo se puede pasar de un ciego y obediente patriotismo que cree en las mejores intenciones y prácticas de un gobierno a un activismo que exponga abiertamente los secretos más sucios del país más poderoso del mundo.

Aunque la historia es ya mundialmente conocida, Stone sabe recrear el proceso de Snowden para llegar a esos días en Hong Kong donde revelaría secretos de estado a los periodistas Gleen Greenwald y Laura Poitras, a través de un thriller con ritmo e intención, donde Gordon_levitt destaca por una interpretación de Snowden en la que genuinamente llega a parecerse y mucho, no solo físicamente, sino en manierismos y hasta en la voz.

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Barry

Los primeros días y meses de la vida de Barack Obama, entonces conocido por su familia y amigos como Barry, como estudiante en Nueva York a inicio de la década de los 80, sirven como contexto para mostrar una etapa de vida del ahora presidente de Estados Unidos, cuando comenzaba a definir una personalidad política y profesional en medio de sentimientos de no pertenencia, de incomodidad ya fuera entre afroamericanos del bario donde vivía o entre una mayoría blanca en las clases a las que asistía.

Las tribulaciones tanto ideológicas como emocionales del joven Obama, su relación con su familia, los conflictos con su pasado y su presente y el sentimiento hacia la figura de su padre se exponen abiertamente en una película sencilla pero interesante y emotiva, que permite ver desde otra perspectiva, parte de la vida de quien se convertiría en el primer presidente afroamericano en la historia de dicho país. Los comienzos de ese camino, se ven en la película, en las ideas y discusiones que tiene con sus amigos, conocidos, compañeros estudiantes o hasta la güerita novia que tuvo en esa época.

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Moonlight

La joya de la que todos hablaron durante esta edición del festival es este filme armado como un tríptico que nos lleva a conocer 3 momentos en la vida de Chiron, un afroamericano gay viviendo en los suburbios más pobres y violentos de Miami.

Las 3 partes del filme nos llevan a la infancia, adolescencia y vida adulta del protagonista, víctima de un contexto personal y social que lo empuja hacia su siguiente etapa de vida, mientras trata de asimilar su homosexualidad en circunstancias siempre antagónicas para él, mucho a través de las interacciones que tiene en esas tres etapas de su vida que son mostradas, con su mejor amigo.

Al lado del retrato crudo y directo de esa realidad, su director logra plasmar momentos de enorme fuerza dramática con escenas y secuencias de innegable belleza estética que se convierten en cuadros abstractos y poéticos que llevan la experiencia del filme a un siguiente nivel.

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P&R: Demian Bichir


El actor habla sobre su participación en la cinta ‘7:19’ y la situación actual del cine mexicano.


POR Arturo Aguilar  



P&R: Demian Bichir

Tras su nominación al Óscar como Mejor Actor de Reparto en 2012, Demian Bichir ha solidificado su carrera internacional al grado de protagonizar una serie norteamericana (The Bridge) y participar en proyectos de cineastas como Quentin Tarantino (Los 8 más odiados) y Ridley Scott (Alien: Covenant). Pero eso no le ha quitado tiempo o interés para seguir haciendo cine en nuestro país. Ahora, el actor mexicano regresa a las pantallas con 7:19, un filme sobre el terremoto de 1985.

¿Cómo llegaste al proyecto 7:19?
Daniel Birman [productor de cine] y yo desde hace mucho tiempo habíamos querido encontrar un proyecto para hacer juntos y finalmente lo encontramos. Comenzamos a platicar sobre este guión, nos reunimos con el mismo Jorge Michel Grau, a quien yo conocía por medio de sus películas. La verdad no lo conocía personalmente, pero ya conocía su película Somos lo que hay, y nos enganchamos muy bien, nos entendimos muy bien, nos conectamos de inmediato. Y entonces comenzamos a planear cuándo hacerlo, porque levantar un proyecto siempre lleva mucho tiempo, pero encontramos las fechas adecuadas y le metimos el acelerador.

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Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016


Historias de cine y de box.


POR Arturo Aguilar  



Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016

La La Land

Una aspirante a actriz (Emma Stone) y un músico de jazz (Ryan Gosling) se conocen fortuitamente en una autopista de Los Angeles. Durante los siguientes días, sus caminos se cruzarán varias veces, hasta que este par de soñadores aceptan hay una química especial entre ellos.

La particularidad de esta dinámica, de esta historia típicamente romántica es que de rato en rato, en vez de hablar, ellos cantan y bailan.

Dirigida por Damien Chazelle (Whiplash), La La Land es a la vez una carta de amor al Hollywood clásico de cuando el musical era uno de los géneros dominantes, a cuando la pantalla de cine explotaba en colores e imágenes gigantescas (el Cinemascope que buscaba atraer a las audicencias que se mudaban a la comodidad hogareña de la televisión), y un retrato honesto de una ciudad de soñadores y rechazos, de magia y sacrificios.

Explotando la innegable química entre la pareja protagónica, Chazelle logra una película tan ágil y entretenida como reflexiva e inteligente sobre una historia de amor con la que sabe renovar y modernizar el musical, en la que hay espacio para los homenajes y las referencias al cine clásico como un atrevimiento a querer llevar esto más allá. El resultado: una película de la que estaremos hablando bastante los próximos meses, una INTA que hará a mucha gente salir del cine tarareando sus temas y una candidata muy seria en la próxima temporada de premios.

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Their finest

Durante la Segunda Guerra Mundial en Inglaterra, el cine tenía la función de levantar la moral y motivar tanto como de compartir un mensaje propagandístico.

Their finest es la historia de la creación de una película que cumpliría con esto y con la necesidad de involucrar al público cinéfilo estadounidense en la atención al conflicto del otro lado del atlántico.

Sencilla y emotiva, la película ofrece una mirada al proceso de creación y producción de una película en donde los roles femeninos finalmente recibieron protagonismo, donde las necesidades de presencia de una figura extranjera incapaz de actuar motivaban la creatividad del equipo para resolver situaciones, sin olvidar el contexto intenso y melodramático de una Inglaterra siendo bombardeada constantemente por los alemanes.

Sin ser nada único, la cinta logra conectar bien con la audiencia a través de un mensaje sencillo y claro, de un reparto sólido y bien dirigido, que deja un buen sabor de boca al salir del cine.

TheirFinest

The Bleeder

Liev Schriber da vida a Chuck Wepner, el boxeador en cuya historia, su sorpresiva oportunidad de pelear por el título frente a Muhammed Ali, no ser noqueado y tener el polémico crédito de ser el único pugilista que mandó a Ali a la lona, se inspiró Sylvester Stallone para escribir Rocky.

Se trata de la historia de un hombre con una capacidad sobrehumana para recibir golpes y una incapacidad total por aprovechar las oportunidades y no caer en los excesos, algo típicamente del mundo del pugilismo. Así vemos su oportunidad al título y las posteriores oportunidades de superación que le ofrece la vida y que son deshechadas por sus propias limitaciones. Quizás lo destacable es la interpretación de Schriber, ya que fuera de ello, la película ofrece poco más allá de la historia conocida. Elisabeth Moss y Naomi Watts complementan un interesante cuadro actoral.

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‘The Bleeder’ Clip: Watch First Footage of Elisabeth Moss and Liev Schreiber’s Dramatic Boxing Film

Bleed for this

Es ahora Miles Teller quien se pone los guantes de box para interpretar a otro boxeador de la vida real, Vinny Paz, quien tras convertirse en campeón del mundo sufriera un accidente que según los pronósticos médicos lo dejaría sin poder caminar, mucho menos volver a pelear.

Basada en esta historia real, se trata por supuesto de una trama sobre el coraje y tenacidad de un hombre motivado a hacer lo que más desea, y aunque la película entretiene y funciona bien a ratos, le falta ‘punch’ a la hora de profundizar en ese retrato de vida, donde tampoco en las peleas se ve algún tipo de novedad formal sobre cómo poner en imágenes las peleas (lo que sí vimos, por ejemplo, en Creed el año pasado) y todo se queda en un bonito y aleccionador mensaje de una historia basada en la vida real.

Teller lo hace bien, a secas, pero la pasión desbordada que uno imagina consume a ese boxeador (quizás como la de su personaje en Whiplash) nunca llega a sentirse en la pantalla como con el filme de Chazelle.

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Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016


American Pastoral (el debut de Ewan McGregor como director), Birth of a Nation, Bellas de Noche y Lion.


POR Arturo Aguilar  



Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016

AMERICAN PASTORAL

En su debut como director, el actor escocés nos presenta la historia de un padre tratando de reconectar y salvar a su hija en el contexto de un cambio no sólo generacional sino de sociedad entre los 50 y 60 en Estados Unidos.

Basada en la novela de Philip Roth ganadora del premio Pulitzer, American Pastoral acompaña las desventuras de este padre que quiere proteger y recuperar a una hija atraída/atrapada por los ideales sociales y los movimientos revolucionarios del momento.

A través de una historia dentro de la historia (poco eficiente narrativamente para la película), incluida una narración en off, podemos descubrir la vida de este hombre cuyo perfil era el del típico héroe americano de la primera mitad del siglo XX: héroe deportivo del pueblo y el colegio, posterior héroe de guerra.

La cinta acompaña esa transformación generacional que llevó a una sociedad de una burbuja idílica y romántica, de bonanza y victoria a los enfrentamientos y revoluciones sociales de los 60 y a la desconfianza hacia el gobierno y el sistema antes vistos como aliados y protectores, ahora son el enemigo y el opresor.

Con todo eso en la mesa (gracias a la obra de Roth), Mcgregor enfrenta un reto que finalmente se queda más en la zona de las ideas y reflexiones generales, sin lograr dotar de fuerza emocional o dramática la parte humana de la historia, la de sus protagonistas.

Una radiografía fílmica interesante pero incompleta de ese proceso y cambio generacional, pero no por ello un mal inicio para McGregor en la silla de director.

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THE BIRTH OF A NATION

Con el significativo peso de un título que refiere no solo a una de las grandes obras de la cinematografía, sino al retrato histórico de la esclavitud y el Ku Klux Klan que hizo D. W. Griffith en 1915, la película de Nate Parker exhibe con crudeza otro momento de esa trágica y oscura historia norteamericana relacionada con el abuso y el racismo, con la violencia y el hartazgo, algo que indudablemente encuentra un particular eco en el contexto y situaciones sociales actuales en la sociedad norteamerricana.

Como si se tratara de la versión aún más intensa y directa de 12 años esclavo, Birth of a Nation es también un muy eficiente ejercicio de estilo que muestra a un joven talento desarrollar un estilo para aproximarse a las historias y construirlas con la intención de provocar una reacción, una reflexión o un debate.

Mención aparte merece la actuación del propio Parker en el papel protagónico, con una fuerza y carisma que se combinan perfectamente para lo que busca el personaje.

En general, un logro en verdad nada menor para tratarse de su primer película como director.

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BELLAS DE NOCHE

El documental mexicano de María José Cuevas sobre las vedettes mexicanas Olga Breeskin, Rossy Mendoza, Wanda Seux, Lin May y la Princesa Yamal, ofrece en una primera parte el retrato entre anecdótico y folklórico de esa etapa del entretenimiento nacional en que estas figuras eran consideradas auténticas divas y estrellas, mujeres deseadas y admiradas. Es divertido, es entretenido y es interesante.

Pero es en la segunda parte del filme donde esa introducción y contexto de hace algunas décadas sirve para contrastar la actualidad de estas mujeres, quienes de distinto modo han enfrentado una vida personal y artística de altibajos, de sufrimiento y retos, de sacrificios y excesos que acompañaron los años de plenitud y fama. Y las confesiones que comparten estas damas a cámara son sin lugar a duda no solo interesantes, sino también provocadoras e incómodas, realistas y humanas, y logran dar al documental una fuerza y profundidad inigualable. Una película en verdad valiosa.

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LION

Mientras espera a su hermano apenas unos años mayor que él, un niño de 5 años en India sube a un tren vacío que se encuentra detenido en una estación en una pequeña ciudad en el extremo noroeste de dicho país.

Viviendo en una pobreza total (ellos roban carbón para vender, su madre carga piedras en una cantera), el hambre y el cansancio se apoderan del pequeño Saroo.

Cuando despierta, el tren, vacío excepto por él, está en marcha. Al pequeño le es imposible bajar o escapar, hasta que el tren se detiene un par de días después, a 1600 kilómetros de su casa, en Calcuta.

La historia es real, y no se detiene ahí.

El pequeño Saroo deambula por Calcuta y sobrevive varias experiencias fuertes para después de pasar un tiempo en una suerte de casa hogar, ser adoptado por una pareja australiana.

20 años después, con la aparición de una herramienta tecnológica hoy conocida por cientos de millones de personas, Google Earth, Saroo (interpretado con notable sensibilidad por el actor británico Dev Patel – Skins, Slumdog Millionaire) comenzará la recreación del viaje que lo alejó de su hogar con la intención de volver a ver a su madre y a su hermano.

Sencilla, con un ritmo dinámico y una historia que avanza con eficiencia en su primera mitad, Lion guarda para la segunda parte un cambio de paso hacia una serie de cuestiones más introspectivas y emocionales, en las que es difícil no terminar de sentir una profunda empatía hacia el personaje.

Sabiendo que se trata de una historia conocida, y que el final probablemente no sorprenda a la mayoría, Garth Davis, su director, sabe concentrarse en los pasajes y en

la emotividad de la historia y no exclusivamente en su desenlace. Una película que podríamos escuchar mencionada en la próxima temporada de premios.

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Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016


Entre el programa doble de Amy Adams y el erotismo de Isabelle Huppert.


POR Arturo Aguilar  



Bitácora cinéfila desde el TIFF 2016

Arrival (Dir. Denis Villeneuve)

Una lingüista es contratada por el gobierno de Estados Unidos para encargarse de la traducción de mensajes, cuando 12 naves alienígenas se posicionan en igual número de lugares de nuestro planeta. En medio del caos global, la incertidumbre colectiva y la paranoia militar desatada por la visita de estos seres del espacio, el director Denis Villeneuve construye una historia que por igual se asoma a los terrenos de la ciencia ficción que a la metafísica, para después pasar todo esto a través del filtro de las emociones humanas.

Esa combinación de ciencia y sentimientos que buscaba explorar a profundidad Christopher Nolan en Interstellar (enredada finalmente en su propia intención de explicar conceptos científicos avanzados), es pleamente mostrada en este filme, que sabe combinar las incertidumbres, miedos y sacrificios humanos en el contexto de viajes espaciales, como lo hiciera Andrei Tarkovski con su obra maestra Solaris.

ARRIVAL

Lo que somos capaces de hacer por amor, por los que queremos, o por aquello en lo que creemos o aquello que entendemos debe ser hecho (y el precio de asimilar y aceptar esto), se muestra como algo que retrata la complejidad humana y nos proyecta hacia difíciles preguntas e introspecciones. Una película que además confirma (una vez más) el talento y constante evolución de su director en el modo en que va acomodando las piezas del rompecabezas que va armando y la precisión con que pone en nuestras manos las piezas que sabe ya estamos listos para saber colocar.

Nocturnal Animals (Dir. Tom Ford)

Escrita y dirigida por Tom Ford, Nocturnal Animals es la historia de Susan Monrow, la dueña de una galería de arte (aquí es donde se asoma más el particular estilo de Ford y su relación con el arte y la moda, y la particular sensibilidad estética que tiene en esos temas y propuestas visuales) quien al comenzar a leer la novela de su primer marido, abrirá la puerta a una serie de recuerdos y sentimientos escondidos alimentados ahora por la imaginación que provoca esta ficción dentro de la ficción.

NOCTURNAL ANIMALS

Con Amy Adams y Jake Gyllenhaal en los roles principales, uno de los principales méritos de la película es la manera en que el suspenso de la novela ficticia dentro del filme va moldeando el contexto de Susan, y cómo va tomando al espectador en esa aventura que va guardando ciertos giros que si bien no sorprenden o impresionan, resultan eficientes para hacer que la historia mantenga cierto nivel de tensión y suspenso.

Elle (Dir. Paul Verhoeven)

Pocas actrices tienen la presencia, elegancia e intensidad de la francesa Isabelle Huppert. Y como si hicieran falta pruebas de su innegable talento, una de las tres películas protagonizada por la actriz gala en la actual edición del Festival Internacional de Cine de Toronto, hace justamente eso. Y a niveles superlativos. De la mano de Paul Verhoeven, Huppert da vida a Michèle Leblanc, exitosa mujer de negocios con un pasado familiar que la ha mantenido en una eterna posición de señalamiento público.

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A eso habrá que sumarle el ser violada por un desconocido en su propia casa, lo cual despierta en ella una muy particular sensación y erotismo, y por si faltara algo, también tiene una complicada relación tanto con su madre como con su hijo. En este cóctel de situaciones y contextos, Michèle se dejará llevar en un extraño camino que abrirá la puerta de profundas patologías y obsesiones. Tan provocadora como curiosa e incómodamente entretenida (tiene detalles de humor aquí y allá), la más reciente película de Paul Verhoeven se mueve en la zona de clásicos como El Último Tango en París y Bella de Día de Luis Buñuel.

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