Archivo del Autor: Camila de la Fuente

Los mejores videos de Björk


Mira los cinco videos más extravagantes de la artista Islandesa


POR Camila de la Fuente  



BJORK

Los mejores videos de Björk

Hay algo fascinante y misterioso en la música de la islandesa Björk. Con más de 30 años haciendo su peculiar música. La cantante, reconocida a nivel internacional, se considera a si misma como “la peor disc-jockey de la historia”, a pesar de tener a su nombre numerosos reconocimientos.

Björk es extravagante, su estilo de vida está completamente ligado a su forma de pensar y criticar a la sociedad. Su ideología se ha visto representada en diferentes formas: a través de su música, maneras de vestir, en el cine y en museos, a pesar de que su exposición en el MOMA fue altamente criticada por los expertos y los medios. La cantante islandesa ha llevado la creatividad a niveles inimaginables, especialmente con sus videos de música. A continuación presentamos nuestra selección de sus 5 videos más impactantes.

1. “Mutual Core” (Director: Andrew Thomas Huang, 2012).

Por medio de música violenta, Björk nos ofrece una metáfora a las relaciones humanas interpretada por medio de la geología de la Tierra. El video formó parte de una colaboración entre diferentes músicos y artistas que fue presentado en el Museo de Arte Contemporánea de Los Ángeles.

2. “Declare Independence” (Director: Michel Gondry, 2007).

La séptima colaboración entre Björk y el director Michel Gondry ofrece sonidos psicodélicos presentados de manera ordenada en este himno de revolución. El vídeo retrata la unión entre el arte, la protesta y el cambio.

3. “Wanderlust” (Dir. Isaiah Saxon y Sean Hellfritsch, 2007).

Uno de los vídeos musicales más elaborados de su repertorio, Björk presenta un mundo de fantasía donde lo más importante es viajar y enfrentarse a los peligros de vivir con uno mismo. El vídeo fue galardonado como Mejor Video Musical en el 2008 en los UK Music Video Awards.

4. “Pagan Poetry” (Dir: Nick Knight, 2001).

Grabado con una cámara casera por la misma Björk, el video es una representación de la vida amorosa y sexual de la cantante. El video musical de “Pagan Poetry” fue incluido en la lista de Rolling Stone: “The 15 Most NSFW Music Videos of All Time”

5. “Al lis Full of Love” (Dir: Chris Cunningham, 1997).

Björk y el director Chris Cunningham crean la fusión perfecta entre humano y máquina al mostrar a dos robots manteniendo relaciones sexuales. El video de “All is Full of Love” ha sido mundialmente reconocido es múltiples premiaciones.

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Autogolpe de Estado evidencia la dictadura en Venezuela


Los venezolanos protestan en las calles sin miedo a la represión


POR Camila de la Fuente  



Foto: Horacio Siciliano
Foto: Horacio Siciliano

Autogolpe de Estado evidencia la dictadura en Venezuela

Venezuela ha vivido bajo el régimen chavista por casi 20 años. Desde la gestión gubernamental de Hugo Chávez hasta la del actual presidente Nicolás Maduro, han ido limitando las libertades del país, generando la crisis más grave de su historia.

Desde el pasado 4 de abril, una vez más, las calles venezolanas están llenas de gente manifestándose pacíficamente y también, una vez más, están siendo fuertemente reprimidas por parte del gobierno. Hay muchas causas sobre estas gigantescas marchas: hambre, inseguridad, escasez de medicinas, hiperinflación, corrupción, presos políticos e injusticias. Pero el punto angular que ocasiona estas protestas fue la repentina invalidación de la Asamblea Nacional, la que ganó la oposición el 6 de diciembre de 2015.

Ese golpe de estado desde el Tribunal Supremo de Justicia —que es oficialista— hacia la Asamblea Nacional representó el desenmascaramiento de la dictadura de Nicolás Maduro ante el mundo, produciendo la inmediata activación de la OEA. El Secretario General de la Organización De Los Estados Americanos, Luis Almagro, denunció ante los delegados la crítica situación del país sudamericano, llevando a votación la decisión de condenar el rompimiento del hilo constitucional de Venezuela por parte de la presidencia.

 

Foto: Horacio Siciliano

Foto: Horacio Siciliano

Inmediatamente hubo un giro inesperado: la Fiscal General de la República, Luisa Ortega Díaz, conocida por su constante apoyo al chavismo, también denunció el rompimiento del hilo constitucional. En seguida, el mandatario en su discurso revirtió su decisión y le devolvió los poderes al parlamento.

Pero esto se quedó sólo en palabras: al día siguiente en la marcha pacífica para acompañar a los diputados a la Asamblea Nacional, se ordenó una brutal represión que violentó a los ciudadanos que estaban marchando para lograr la destitución de los magistrados del Estado Judicial. Algunos de los diputados fueron incluso agredidos, como a Juan Requesens a quien le cortaron la cara y a Juan Brito, con una fractura en la costilla.

Los gases lacrimógenos, los perdigones y balas han sido las herramientas más usadas esta semana de protestas. El uso excesivo de las mencionadas armas han causado muchos heridos, pero lo más difícil ha sido la violenta actuación de los policías y los colectivos armados que han silenciado a muchos de los manifestantes. Además de las víctimas, también se agregaron alrededor de 170 nuevos presos políticos a la lista que ya sumaba más de 100. Pero lo más grave sucedió la noche del 6 de abril, en la que una bala apagó la vida de Jairo Ortiz Bustamante, estudiante de 19 años que protestaba pacíficamente en la localidad del Carrizal.

 

Lamentablemente no es la primera vez que sucede. En las dos décadas del chavismo han habido innumerables marchas que terminan hiriendo, capturando y asesinando a ciudadanos por expresar su opinión en manifestaciones. Por otra parte, no hay mucha luz al final del túnel con respecto a la oposición: el líder Leopoldo López continua preso y al opositor Henrique Capriles Radonski lo acaban de inhabilitar políticamente por 15 años. Los venezolanos están poniendo todas sus esperanzas en las calles, a pesar de la grave represión que saben que sufrirán. “Caracas está en absoluta paz”, declaró cínicamente el presidente Maduro, luego de violar, una vez más, los derechos humanos de los venezolanos.

 

Foto: Horacio Siciliano

Foto: Horacio Siciliano

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Los Mesoneros lanzan ‘Caiga La Noche’


Escucha el nuevo álbum inspirado en sus raíces venezolanas.


POR Camila de la Fuente  



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Los Mesoneros lanzan ‘Caiga La Noche’

Caiga La Noche, el nuevo álbum del quinteto venezolano que reside en Ciudad de México, salió a la luz el 31 de marzo para volver a deleitar los oídos de su paciente audiencia que esperó seis años para escuchar material nuevo.

Después de las cuatro nominaciones a los Grammy Latino que les permitió darse a conocer con su último disco titulado Indeleble, Los Mesoneros vuelven oficialmente con 11 canciones nuevas.

Caiga la noche fue producido por Carlos Imperatori y Héctor Castillo, este último ha trabajado en proyectos musicales de reconocidos artistas como Gustavo Cerati, David Bowie, Roger Waters y Björk.

La banda de rock alternativo había revelado dos canciones, “El Paraíso” y “Sólo”, temas que también cuentan con video.

“Escogimos ese nombre por el contexto en el que fue compuesto casi todo el disco. Fue escrito y pensado de noche” explica Juanchi Sucre, el guitarrista de la banda. En las melodías de Caiga la noche hay cierta oscuridad que mantienen la crudeza característica de sus letras, cantadas suavemente por Luis Jiménez.

El rock de este nuevo material discográfico es más delicado en comparación de sus trabajos anteriores. Con guitarras sutiles, exploran diferentes temas que van desde la sensualidad y el amor hasta asuntos sociopolíticos, manteniendo su voz de protesta ante la crisis de su país. En algunas de sus canciones como “Caballo Nuevo”, “Sabana” y “Luna”, se escucha cómo la banda se inspiró en cantantes tradicionales como Simón Díaz.

Caiga La Noche ya está disponible en todas las plataformas digitales. Escúchalo aquí:

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Un nerd romántico que hace bailar


Mayer Hawthorne está contento con su terapia.


POR Camila de la Fuente  



Foto: Camila De La Fuente

Un nerd romántico que hace bailar

Otis, Sly Stone y Bob Marley. La música de estos reconocidos cantantes son clave para la propuesta de Hawthorne. Un aspecto curioso es su obsesión por el reggae de los años setenta que refleja en sus discos, “¡no puedes estar de mal humor cuando estás escuchando ese tipo de música! Hasta cuando la letra es triste, todavía se siente muy bien. Es tan relajante, me ayuda a centrarme, a mantenerme en calma”.

Aparte de diferentes sencillos y discos edición limitada, el amante de los vinilos tiene publicadas varias producciones discográfcas. “A medida que voy haciendo más música, más se convierte en mi terapia. Cada álbum se transforma en algo más personal. Es difícil, da miedo sacar todo al público de esa manera. Tus miedos, tus esperanzas… no es algo fácil de hacer. Me tomó mucho tiempo y todavía estoy acostumbrándome.

El álbum Man About Town es el más personal. Casi todo lo que conozco de mí mismo viene sólo de hacer música. La mejor parte de hacer música es que llego a viajar mucho por el mundo, veo e interactúo con otras culturas y personas de otros países que hablan diferentes idiomas. Eso también te enseña mucho de ti mismo. Creo que es muy importante que las personas experimenten eso, que viajen”.

¡No es una fiesta si las personas no están bailando!”, afirma Mayer Hawthorne, artista multifacético que se presentó en el Carnaval de Bahidorá. Andrew Cohen es un artista peculiar porque arraiga sus raíces musicales en el hip hop, soul, rap y reggae.

Hawthorne para ese entonces, apodado DJ Haircut, hacía beats de rap y soul que muchos músicos usaron para sus canciones. “Fui DJ por muchos años antes de ser cantante. Entonces cuando empezaba me gustaba ser más DJ, pero con el tiempo me he sentido más cómodo cantando. Ahora me gusta más cantar, aunque todavía me encanta mezclar porque es mi zona de seguridad”.

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Fantasía Psicodélica


Los Amigos Invisibles, banda venezolana, logra conectarse con una nueva generación a través de ‘El Paradise’.


POR Camila de la Fuente  



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Fantasía Psicodélica

¿Qué hacemos?, ¿nos disolvemos?, ¿nos quedamos con lo que tenemos y no hacemos nunca nada nuevo o hacemos algo nuevo?”, se preguntaron los integrantes de Los Amigos Invisibles luego de que dos de los músicos principales de la banda abandonaran el proyecto. El grupo venezolano se enfrentó a un dilema que los hizo volver al estudio para descubrir nuevos sonidos hasta llegar a El Paradise, su más reciente álbum. “Después de la experiencia, de meternos al estudio, hacer demos, componer y básicamente cagarnos de risa todo el día con las ideas y la música; tripear con esto que está saliendo de las cornetas, cuando escuchamos los resultados… no sé si a la gente le guste, pero estamos felices porque sabemos que es el trabajo que más nos gusta, ¡más que cualquier otra cosa!”, explica Julio BriceñoChulius”, vocalista de la banda.

El Paradise es un concepto tipo Buddha-Bar pero más naco”, explica entre risas. Su nuevo disco te lleva a un antro de los años sesenta entre luces neón y un poco de surrealismo. “Para nosotros es un bar todo psicodélico con chicas y chicos. Es una suerte de fantasía lujuriosa, una invitación a lo mundano, alegría, a la fiesta… Creemos en la diversidad de género (risas), en El Paradise hay para los dos. Uno llega y ve los neones, las bolas de espejo y las puertas para hombres y mujeres, como en los baños, entonces vas a donde quieras ir. Te puedes salir de uno y entrar al otro, no es que nada más puedes entrar a uno”, explica Julio con una sonrisa.

Los Amigos Invisibles es un grupo que se caracteriza por su eterna picardía, manteniendo siempre sus raíces venezolanas a pesar de haber globalizado su música. “Es un modo de mantenernos conectados con el país”, explica Juan Manuel RouraMamel”, “algo que siempre va a estar ahí porque es de donde salimos, es nuestra identidad y nos encanta. No nos sentimos avergonzados de ninguna manera. Por lo tanto, no es difícil”. Por otra parte, José RafaelEl Catire” agrega que “mantener la identidad de alguna manera es lo que te hace global porque te diferencías de lo que está pasando en el mundo”. Su estilo criollo es una forma de aportarle algo nuevo a la paleta, pero siempre llevando la música lo más lejos posible.

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Ceremonia 2017: Rey Pila


La banda presentará los nuevos temas de su más reciente EP ‘Wall Of Goth’ en Ceremonia 2017.


POR Camila de la Fuente  



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Ceremonia 2017: Rey Pila

Los muchachos de Rey Pila se encuentran emocionados por presentarse en Ceremonia por primera vez. La banda confesó que su nuevo EP podría considerarse como un coctel musical al estilo Hurricane —como los que se tomaban en el Hard Rock Café en los ochenta y noventa— “son unos vasos enormes que tienen todo y no saben a nada de licor, sino a dulcecito. Es una bomba” explica El Güero entre risas “Sweet but deadly, como las mujeres” agrega entre risas El Cholo, “¡dame dos de esos por favor!”.

Después de un tiempo sin actividades, los músicos se presentarán a las 4:00 p. m. en Ceremonia para tocar por primera vez algunos de los temas de su nuevo EP titulado Wall Of Goth. “No hemos tocado en un rato, desde diciembre en Bogotá. Estamos emocionados, como primer día de clases otra vez” (risas) “pero en el 2017” comenta uno de los integrantes de la banda.

Rey Pila, reconocidos por sus largas giras improvisadas en Estados Unidos, se ven animados a seguir trabajando sin dejar tanto tiempo pasar. Su escuela musical ha sido presentarse en vivo frente a audiencias que, muchas veces, no se esperan lo que están por escuchar. “No somos la banda que tuvo la fama de un día para otro y pues, justo tienes que ir haciendo esto. Es parte de tu crecimiento tener que presentarte ante públicos que no tienen idea de quién eres” comenta El Güero. Diego, el vocalista, insiste en cambiar la mentalidad mexicana sobre cómo entrar al mundo musical “las bandas tienen que romper con los esquemas, romper las reglas y hacer lo que quieran. Estamos hasta la madre de este sistema de pedir perdón y pedir permiso”.

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Los músicos se hicieron de un nombre fuera de México desde sus inicios. Han compartido escenario con bandas importantes como Interpol, Brandon Flowers, The Strokes, entre otras. Aparte de querer hacer sus propios shows grandes, como el del año pasado en el Lunario en la Ciudad de Mexico, quieren abrirle a bandas como “Daft Punk, Justice… ¡a todos! Hasta a Justin Bieber… Bueno, ya le abrimos una vez a Maroon 5. Es más o menos igual, o sea, dentro de toda la basura…” (risas) “… es muchísimo mejor que Justin, que representa todo lo que está mal en el mundo” critica el cantante mientras los demás miembros se ríen.

Los integrantes de la banda buscan trabajar el tiempo necesario para lograr el mejor sonido para sus discos. La falta de tiempo compromete la calidad de la música, según los artistas. No quieren caer en la superficialidad de algunos músicos comerciales. Rey Pila busca balancear el arte que les apasiona con los gustos del público. “Tiene una parte muy padre jugar con el pop, que es un reto. Porque estas experimentado para ver cómo le haces para abrir esa puerta. Pero cuando abres esa puerta tienes que hacerlo de una manera digna y bien” comenta el vocalista. “¿Cuántas historias has escuchado de hits que se hicieron en cinco minutos? El chiste es estar trabajando lo que más puedas, que… ¿cómo era la frase esa de Picasso? que la inspiración te agarre trabajando o algo así” agrega El Güero.

Como es bien sabido, los músicos cantan en inglés porque así se dio naturalmente: “Hay gente que se lo toma personal. Como si fuera una afrenta cultural. La verdad es que para nada, somos los más mexicanos, nos encanta” afirman los artistas. “Luego cuando hay que pagar impuestos para que se arreglen los problemas de nuestro país no lo hacen…” (risas) “…pero están enojados porque estamos cantando en inglés” bromea el cantante, a pesar de ser una realidad. “Nos gustaría que eso se liberara, que no hubiera un prejuicio. Está raro el argumento de que si estás cantando en español, te haces más mexicano. No es cierto, porque para muchos que cantan en español todo el fondo es de influencias de música americana” afirma Rodrigo, el guitarrista.

El talento mexicano ya está rompiendo paradigmas, por lo menos en el cine, “creo que debería de pasar con las bandas también” opina uno de los miembros. Hay temas en el mundo musical que puede cerrarle las puertas a algunos artistas, como a Rey Pila, que duda de poder ser elegible en los Grammy Latinos sólo porque cantan en inglés. Igualmente la banda cree en su proyecto, desea que crezca su público sin tener que ceder la esencia de lo que más les gusta: el punk ochentero. Rey Pila ha tenido una muy buena respuesta con el público en México, Argentina e Inglaterra: “Son como tres puntos en los que sí ha habido buen rock. Por eso nos dimos cuenta que ahí hay una conexión especial con nuestra música” relata el cantante.

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Este año será muy activo para la banda. Aparte de su nuevo EP, entre sus metas tienen varios festivales nacionales como Ceremonia, nuevos videos de música, una posible gira por Estados Unidos entre mayo y junio y otro EP a finales de año. Aparte, esperan poder tener shows grandes para disfrutar con sus audiencias las nuevas canciones.

“Lo importante es echarle todos los huevos a lo que haces. Queremos seguir haciendo esto por muchos años y nosotros hemos puesto la línea en todo. Eso es lo que queremos transmitir, ojalá nos salga la jugada como queremos, por lo menos lo estamos dejando todo en la cancha y estamos haciendo lo mejor que podamos. Queremos que queremos que funcione increíble en México, pero también fuera de aquí” declara El Güero “si vamos a contracorriente porque así está el contexto, pues iremos a contracorriente.” (risas) “Ni modo.”

Escucha “Ninjas” la nueva canción de Rey Pila:

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La melancolía vitalista de Quique González


El cantante español nos cuenta sobre su proceso solitario para conectarse a través de la música.


POR Camila de la Fuente  



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La melancolía vitalista de Quique González

Cuando Quique González llegó a México le preguntaron en migración el motivo de su visita: “Porque amo a México” respondió el artista e inmediatamente lo dejaron pasar sin cuestionarle nada más. “La pasión con la que viven los mexicanos por la música, el fervor, así como el afecto y el respeto, es algo que está por encima de lo que recibimos en España y eso me da mucha alegría, es fácil que te vuelvas adicto a ese tipo de cariño”, explica con emoción González.

Quique se presentará en dos ciudades de México: “Mi expectativa y ambición es construir y seguir construyendo. En esta ocasión, vengo con toda mi banda, Los Detectives, con la intención de demostrar lo que estamos mostrando desde hace un año en la gira de España”, comenta el músico.

Quique nada en las profundidades de sus sentimientos, a través de la música, escribe canciones por la necesidad de sacarlas de sí mismo. “Siempre ha servido para exorcizar los sentimientos”, relata el artista que asegura que mostrarse vulnerable ante el público lo fortalece. “En mi caso me gustaría pensar que me hace más fuerte porque la verdad nos hace fuertes. No sé, no me gustaría tener un afán de estar cantando algo que no me creo”.

Esta terapia musical que lleva aplicando Quique a lo largo de sus 20 años de trayectoria lo ha hecho sentir muy cómodo junto a su banda, Los Detectives, que llevan ese nombre porque siempre están buscando algo más allá “a veces eres observador y miras lo que hay afuera, pero a veces es una mirada hacia adentro y hacia tus propias emociones: dramas, alegrías, perdidas y desencuentros.”

Las letras de Quique tocan temas muy personales, de soledad e incertidumbre, pero asegura que a través de ellas celebra la vida. No considera que canta canciones tristes a pesar de que los temas sean la pérdida, el desamor y la nostalgia “creo que se trata de una melancolía vitalista, más que canciones tristes. La verdad me parecen tristes las canciones de reggaeton, esas me parecen las más tristes del mundo”. El cantante busca siempre dejar un poco de esperanza con su música, “no creo que haya escrito muchas canciones derrotistas, siempre hay una ventana abierta al final.”

Igualmente, el músico tiene esperanza en el mundo musical de la actualidad, “creo que hay muchísima gente haciendo muchas buenas canciones alrededor del mundo. Yo soy fan de muchos músicos antes de ser músico, por ellos decidí dedicarme a esto”.

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El compositor divaga entre los sentimientos, que no necesariamente son todos positivos. Su música permite un proceso de catarsis, en las que “no te soluciona el problema pero te ayuda a vivir, te acaricia un poco. Las letras tristes tienen el poder para que también se asimilen los golpes de la vida y así, enfrentarlos con deportividad”. Parte de esos retos que ha tenido Quique y que ha logrado superar son los que tienen que ver con el mundo del negocio: “al principio estas tú sólo y no tienes ninguna ambición empresarial y precisamente por eso te has hecho músico. No sabes gestionar un grupo porque no te has preparado para eso”, por ello, no sorprende con su respuesta al preguntarle sobre qué consejo se daría a sí mismo si pudiera viajar al pasado: “búscate otro abogado”, comenta entre risas.

González ha aprendido en el camino. Parte de su inspiración viene de libros, por ello nos recomendó tres: “no creo que son capaces de cambiarte la vida porque esa es mucha responsabilidad, pero libros importantes para mí son Habitaciones Separadas, un libro de Luís Garcia Montero, un amigo y el mejor poeta español que tenemos. Acabo de leer Cómo ser Bill Murray de Gavin Edwards, yo sé que parece muy ligero pero a veces lo libros ligeros son capaces de cambiarte la vida. Y para mí fue muy importante leer El Padrino, yo siempre he pensado que si tuviera un hijo le ofrecería ese libro a los 14 años para que se hiciera una idea de cómo funciona el poder y muchas otras cosas de la vida.”

Siguiendo la frase “el primer verso es inspiración y todo lo demás es trabajo”, Quique demuestra su mejor virtud: es muy trabajador. No es por nada que tiene diez discos publicados a su nombre, pero siempre mantiene los pies en la tierra. Ha tocado en diferentes países y en cada uno de ellos ha tenido distintas conexiones. Tras la experiencia de tocar ante un público extenso en el Palacio de los Deportes de Madrid, narra que fue impresionante, “cuando haces un concierto así te deja dos semanas flotando. Afortunadamente se nos pasa porque si no seríamos insoportables”.

La clave para una buena canción está en la honestidad según el cantante. Quique logra vivir feliz a través de la simplicidad, luego de todos los años de trabajo, lo que más le gusta de su profesión es “ver las caras de la gente de felicidad o ver a las personas con los ojos cerrados, cantando tus canciones. Eso es magia, eso es lo mas bonito, ese es el tesoro por lo que hay que estar en esto”.

Quique, junto a Los Detectives, se presentará esta noche en el Foro de la Independencia de Guadalajara y en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México el primero de abril.

Tenemos pases dobles para la presentación de Quique González en el Foro Indie Rocks! este sábado 1 de abril. Pero eso no es todo, las primeras 5 personas que manden un tweet a la cuenta de @RollingStoneMX mencionando que quieren ir al concierto de Quique González, ganarán un pase doble para su concierto, un disco y una playera.

Los ganadores serán notificados por mensaje directo en Twitter.

Escucha aquí su más reciente disco, Me Mata Si Me Necesitas:

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Ceremonia 2017: Nicolas Jaar


El músico y compositor de música electrónica experimental promete ofrecer un gran espectáculo en la quinta edición del festival.


POR Camila de la Fuente  



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Ceremonia 2017: Nicolas Jaar

Si Nicolas Jaar no está en giras mundiales, medita 45 minutos todos los días y cuenta hasta 333 luego de jugar baloncesto en la mañana. No sabe muy bien por qué lo hace, pero le funciona. Luego se sienta a hacer lo que le apasiona: música electrónica experimental.

La melancolía hace resonancia en las canciones del americano-chileno Nicolas Jaar, artista que incursionó en las profundidades del downtempo. Jaar comenzó a experimentar con la música desde los 14, pero su ascenso inició hasta los 17, cuando Gadi Mizrahi y Zev Eisenberg —quienes manejaban las famosas fiestas del Hotel Marty en Nueva York— le prestaron atención a su propuesta musical.

Hijo del artista y cineasta chileno Alfredo Jaar y la bailarina y diseñadora chilena Evelyne Maynard, se trasladó junto a su madre a Chile hasta los 6 años. Jaar recuerda con tristeza esos momentos de separación familiar, hasta que se regresaron a su lugar natal: Nueva York. La música de Jaar está influenciada por sus vivencias de infancia llena de arte. Su trabajo está inspirado en músicos que su padre le enseñó, como Ricardo Villalobos, artista chileno que huyó de la dictadura de Pinochet hacia Alemania, llevándose su talento en la música electrónica. El hip hop también tuvo una gran importancia en la formación musical de Nicolas, en la radio escuchaba a Nas, Jay-Z, Tupac Shakir, Notorious B.I.G y a otros grandes del género.

A los 17 años, guiado por su creatividad incontenible y los gurús del Hotel Marty, saca su primer EP que tituló The Student, editado por Wolf + Lamb Music y también, Circus Company, ambos en el 2009. Aparte de estudiar Literatura Comparada, su pasión la dedicó a la música, desligándose por completo de la fama artística de su padre y desarrollando un proyecto musical por su propio lado.

Con sus originales ideas musicales fue revolucionado la música electrónica a partir de su primer álbum Space Is Only Noise, publicado en el 2011. Su música experimental mezcla el jazz y el techno minimalista, pero también toma algunos rasgos del rock y otros géneros. Además de su proyecto en solitario, el músico neoyorquino formó el dúo Darkside en 2011 junto a Dave Harrington.

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Nicolas Jaar es multifacético, siempre está buscando participar en diferentes proyectos que expandan sus horizontes. Después de terminar su carrera en la Universidad Brown en Rhode Island, se infiltró con su música en otras artes. A través de la inspiración en el cine —siempre arraigado a sus raíces familiares— ha creado música basándose en películas como The Color Of Pomegranates, dirigida por el soviético Sergei Parajanov. Igualmente compuso la música de la película francesa Dheepan, la cual ganó una Palme d’Or en el Festival de Cine de Cannes.

El último álbum de Nicolas Jaar es el más político. Sirens fue publicado en el 2016 y en su portada sale una fotografía de Times Square con un gran cartel en el que se lee “This Is Not America”. No es la primera vez que incluye música en su lengua materna, pero en este álbum le da más peso a su origen latinoamericano por haberse inspirado en las terribles experiencias de sus familiares y amigos en la dictadura de Augusto Pinochet.

Nicolas Jaar se presentará este 1 de abril en Ceremonia junto a artistas de gran renombre como Björk, Underworld y M.I.A. Su música se podrá apreciar en vivo y en directo a partir de las 9:25 p. m.

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Camila Moreno: una bruja entre las princesas


La cantante chilena nos comparte su peculiar filosofía de vida en su visita a México.


POR Camila de la Fuente  



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Camila Moreno: una bruja entre las princesas

De pequeña, Camila Moreno le gustaba ser la bruja cuando jugaban a las princesas, su fuerte personalidad siempre estuvo presente. A pesar de estar conviviendo constantemente con el arte, se la pasaba soñando con ser bióloga marina para salvar a las ballenas. “Nunca fuí una niña tímida” recuerda la cantante chilena, “cuando habían presentaciones en el colegio, yo siempre era la primera”.

La pasión de Camila por un mundo justo brota en sus melodías, la crítica social de las letras de la artista son reconocidas en el mundo por enfrentarse a diferentes poderes latinoamericanos. “Es que yo nací en el 85, en dictadura, y mi papá trabajaba muy proactivamente en contra de ella, tenía un programa clandestino que se llamaba Teleanálisis” explicó la cantante, “Me chocó mucho ver los videos en donde sale la policía golpeando a mi padre, yo los veía escondida” continúa Camila, “¡Imagínate! Yo jugaba con mis primos un juego que se llamaba Pinochet Asesino. Siempre ha estado muy presente el tema político”.

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La compositora abrió su show del Festival Nrmal con su canción “Libres y Estúpidos”, tema inspirado principalmente por la desaparición de los 43 de Ayotzinapa. “Cuando pienso en esto digo, ¿cómo llegamos hasta aquí?, ¿cómo es esto humanamente posible? No entiendo realmente como puede existir, cuando te cuentan estas cosas parece una mala historia de terror” declara la cantante. “Cuando algo toca mi emoción y mi intimidad, se transforma en canción. Es una necesidad para hacer catarsis y sacarlo. Es una especie de terapia. Eso sucede con los temas sociales pero también con las canciones de amor”.

Además de cantar, Camila escribe, se interesa especialmente en la poesía. “Pronto quiero publicar mi libro de poemas, aunque me da mucha más vergüenza que cantar una canción. No me siento tan confiada, siento que no lo hago tan bien.” A pesar de ello, relata su pasión por el género literario, “yo me inicié en la sexualidad a través de la poesía de Cecilia Vicuña, ella escribe poemas eróticos, yo a los 12 años me escondía y los leía y no lo podía creer. En ese sentido, ese tipo de cosas yo las cambiaría en el mundo, el porno lo cambiaría por poesía erótica. Creo que sería una sociedad más satisfecha sexualmente” confiesa Camila entre risas.

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La solista opina que vivimos en una cultura opresora, especialmente hacia las mujeres. “Yo creo que somos seres demasiado emocionales y estamos reprimidos. Todo lo que sentimos nos obligan a medirlo, en busca de algo que alguien inventó. Viene de un rollo católico. Yo creo que no hay que guardar la compostura” agrega la cantante “hemos entendido muy mal la violencia. ¡La vida es así! Las cataratas son violentas, los terremotos son violentos, la naturaleza es violenta, nosotros somos violentos y no sabemos lidiar con eso y por eso terminamos teniendo relaciones de mierda, terminamos siendo personas de mierda. Terminamos siendo weones que tiran la violencia para los lados que no van. Terminamos teniendo dictaduras y guerras, terminamos edificando la sociedad que hemos edificado.” La misión de Moreno con su música es dejar que la gente viva todas esas emociones en todo su éxtasis para poder hacer catarsis.

Camila se interesa en la energía reprimida de la mujer. La artista afirma que la mujer ha sido rezagada a través de la historia, pero ella se pregunta el porqué. “Yo creo que la mujer encarna una energía que es la de lo irracional. Que es la energía de lo violento, de lo oculto y de lo salvaje. La mujer encarna exactamente lo que encarna Eva, ¡que es la que habló con la serpiente! Este animal finalmente es el símbolo de la naturaleza. Y Eva sigue a la serpiente y ahí está todo el temor a la mujer. ¡Y Adán la sigue! El hombre siempre va a seguir a la mujer, eso es lo que te está diciendo esa historia” analiza la cantante, “una mujer conectada con su ciclo menstrual, una mujer conectada con su poder, una mujer conectada con su verdad es peligrosa en esta sociedad. Entonces ella es alguien que no se puede controlar y en una sociedad donde el control es algo tan importante, tienes que eliminar eso” explica la compositora.

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La artista habla de una energía de la naturaleza a la que le tememos, pero que es parte de nuestra biología. Es una energía que no podemos entender, pero que está en el hombre y en la mujer, pero con la feminidad se conecta más. “Vivimos en una cultura racional, que ama la lógica, lo científico, lo que se puede explicar y lo que se puede ver, pero que odia y menosprecia todo lo que no se puede explicar y no se puede ver.” La cantante cree que la oscuridad es buena, a pesar de que culturalmente se enseñe lo contrario.

Camila basa gran parte de sus ideales en la lógica matrística que propone el biólogo y escritor chileno Humberto Maturana. “Lo matrístico es como la realidad que tiene una madre con su bebé, esa es una realidad de amor. Es una intimidad sólo de amor y de contención. No existe la competencia entre una madre y su bebé, existe mucha complicidad, una profundidad que yo creo que por lo menos no lo he vivido con nadie más. Yo fui mamá hace poco, tengo un bebé de 6 meses y recién estoy aprendiendo eso”. La cantante de “Tu mamá de mató” juega con los valores que son contrarios: “Yo creo que todas las mamás nos matan. Nos hacen, nos crean, nos modelan. Yo lo veo con mi hijo, ¡es terrible! Yo veo que lo estoy modelando e intento ser lo mejor pero no soy lo mejor siempre” afirma la compositora de Mala Madre. “Yo fui mamá después de Mala Madre… es que yo soy irónica con la vida y la vida es irónica conmigo” comenta burlándose de si misma.

Moreno comparte que su parto fue violento y que no por eso fue malo. Pero también compara esta experiencia con sus presentaciones. “Yo en mis conciertos trato de entregarme y de perderme, trato de entrar en un trance. ¿Para qué hago esto que estoy haciendo si es en lo que creo? Por eso digo que es como un parto”. Su misión, cuando se presenta ante una audiencia es crear una conexión al punto de que “caigan los muros”. Pero conseguir esta energía no es fácil, tampoco lo es hacer música de crítica social. Con este tipo de arte se busca un cambio, generar espacios de pensamiento. Camila insiste en que con su música le gustaría “cambiarle la cabeza a la gente”, pero comprende que hay poco público para su tipo de música que no es comercial, “me encuentro haciendo canciones más oscuras, más irónicas, con más concepto que me hacen muy feliz pero es menos gente la que entiende, la que vibra con eso. ¡¿Qué sé yo?! La cultura no está hecha para eso, la cultura está para escuchar a Miley Cyrus“.

La cantante nos recomienda 6 libros para cambiar nuestra manera de ver el mundo: “Tienen que leer: Just Kids de Patti Smith, El zen surado de Cecilia Vicuña, el cómic El Lama Blanco de Jodorowski, Rayuela de Cortázar, La Antología Poética de Alejandra Pizarnik y Amor y Juego de Humberto Maturana”.

Camila Moreno es una artista peculiar. Tiene una filosofía de vida muy diferente a la que nos han enseñado. Rompe paradigmas, le gusta sacar de la zona de confort a las personas. Es alguien que hace canciones de crítica social y autocrítica, cree en la disposición a ser mejor, ahí hay una intención moralizante de por medio. Es solemne, persigue sus ideales con su música. “Una de las cosas principales que haría en el mundo es sacar a todos los que están en el poder hoy en día para poner a gente de mentes y corazones brillantes. Yo creo que eso cambiaría muchas cosas”, concluye la bruja que vive en un mundo de princesas.

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Muere Bill Paxton, actor de ‘Alien’ y ‘Titanic’


Unas complicaciones repentinas en una operación quirúrgica terminaron con su vida a los 61 años.


POR Camila de la Fuente  



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Muere Bill Paxton, actor de ‘Alien’ y ‘Titanic’

William Paxton, actor estadounidense, falleció hoy 26 de febrero a causa de unas complicaciones en una cirugía cardíaca a la que se tuvo que someter. “La pasión de Bill por las artes la sentimos todos los que lo conocíamos, su calidez e incansable energía eran innegables” declaró el familiar de Bill que anunció su fallecimiento.

Bill Paxton, nacido en Texas en 1955, era considerado de los mejores actores de reparto de la industria del cine. Se mudó a Los Ángeles a los 18 años para involucrarse en el mundo del cine, encontró trabajo gracias al actor y director Roger Corman, quien lo incluyó en Crazy Mama (1975) primera película en la que actuó Paxton.

Tiempo después se mudó a Nueva York donde estudió interpretación y profundizó sus conocimientos del cine, permitiéndolo abrirse a la producción, dirección y actuación, teniendo de tutora a la importante actriz estadounidense Stella Adler.

Bill participó en una larga lista de películas exitosas: entre ellas están Titanic, Alien El Regreso, Apollo 13, Límite Vertical, entre otras 40 más. Entre muchas personas que lamentaron su muerte, resaltó un tweet de Arnold Schwarzenegger: “Bill Paxton podía actuar cualquier rol, pero su mejor papel era siendo Bill —un gran ser humano con un corazón gigante. Mis pensamientos están con su familia”.


Bill incursionó en la televisión donde formó parte de varios programas y series como A Bright Shining Lie, Hartfields & McCoys y Big Love, en la cual fue protagonista.

HBO emitió un comunicado lamentando su muerte: “Estamos extremadamente entristecidos por escuchar el fallecimiento de Bill Paxton. Big Love fue una serie que trajo muchos frutos para HBO por el extraordinario talento y gracia de Bill. Fuera de cámara, era lo más cálido, inteligente y divertido que alguien podía ser. Un verdadero amigo para muchos en HBO. Será realmente extrañado.”

El gran sueño de Bill Paxton era hacer películas, por ello, fue director de The Greatest Game Ever Played, Fraility, The Good Life, Tattoo, Fish Heads , entre otros.

Paxton falleció el día de la entrega de los Premios de la Academia, recordándonos que fue candidato para mejor actor de reparto por Titanic y ganador en el puesto de mejor actor de reparto por Apollo 13. También fue nominado para un premio Emmy por su trabajo en la serie de HBO Hatfields y McCoys.

“Padre y esposo amoroso, Bill comenzó su carrera en Hollywood trabajando en películas en el departamento de arte y pasó a tener una ilustre carrera que abarca cuatro décadas prolíficas como actor y cineasta” informó el familiar responsable del comunicado.

Bill Paxton tenía una vida por delante. Dejó inacabada el remake televisivo de Training Day, interpretando un policía veterano, papel que en el cine actuó Denzel Washington. Además, todavía falta por estrenar The Circle, película de ciencia ficción en el que hace el papel del padre de Emma Watson.

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Conoce los cinco cortos animados nominados en los Premios Óscar


Este domingo 26 de febrero se revelará al ganador elegido por la Academia.


POR Camila de la Fuente  



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Conoce los cinco cortos animados nominados en los Premios Óscar

Una categoría de cine que ha evolucionado notablemente y que se le presta poca atención es la de Animación. Son pocas las personas que se toman un momento para apreciar el trabajo de estos directores que dedicaron gran parte de su tiempo para lograr estas obras de arte.

Convertir las animaciones en algo cada vez más realista y transmitir un mensaje claro y fuerte en tan poco tiempo no es trabajo fácil. El cineasta y animador ha de tener un gran nivel de experiencia y dedicación. Este año la Academia escogió cinco cortometrajes animados. Dos de ellos son de Pixar y el resto, de directores independientes. Curiosamente, la mayoría de los directores son de Canadá, siendo la sede principal de los mejores animadores del mundo.

Por ello, aquí resumimos de qué van las animaciones nominadas este año en los Premios Óscar que se celebrarán este domingo.

1. Blind Vaysha
Director: Theodore Ushev
National Film Board Of Canada
Canadá

La animación dura ocho minutos y está ilustrada a base dibujos con un estilo artesanal. Cuenta la historia de una pequeña niña llamada Vaysha que nació ciega. Su ojo izquierdo solo mira al pasado y el ojo derecho solo mira hacia el futuro. Su director Theodore Ushev, es un ilustrador, diseñador gráfico y animador de Bulgaria que actualmente reside en Montreal. Está nominada a mejor cortometraje animado, luego de haber ganado el premio en la misma categoría en el Canadian Screen Awards.

2. Borrowed Time
Director: Lou Hamou- Lhadj y Andrew Coats
Pixar
Estados Unidos

Borrowed Time es uno de los pocos cortometrajes animados dirigidos hacia adultos —aunque los niños pueden entenderlo— que cuenta la emotiva historia de un aguacil y su lucha contra el pasado. Se tocan temas fuertes y se batalla entre la vida y la muerte. Esta animación de Pixar juega con las temporalidades, ya que nos permite adentrarnos a los recuerdos del personaje principal. Ha ganado muchos premios: el Nashville Film Festival, el USA Film Festival, Blue Plum Animation Festival, Brooklyn Film Festival, Fastnet Film Festival, t. Louis Int. Film Festival, el festival Siggraph, entre muchos otros.

3. Pear Siders And Cigarrettes
Director: Robert Valley
Massive Swerve Studios
Canadá

Este cortometraje animado, que es también un documental, tiene una duración de 35 minutos. Pear Siders And Cigarrettes está completamente dirigido a adultos y cuenta la misteriosa aventura de Techno, quien vive de sexo, drogas y violencia. El director Robert Valley, famoso por sus animaciones de la banda Gorillaz, cuenta la historia que se lleva a cabo desde un hospital militar en China y busca volver a Vancouver. La animación se llevó un reconocimiento como mejor producción animada en los Premios Annie.

4. Pearl
Director: Patrick Osborne
Estados Unidos

El cortometraje de Osborne, ganador del Óscar en esta categoría por su corto Feast, es una experiencia abrumadora, especialmente cuando lo disfrutas en la versión 360 grados creada a través de Google. Este corto interactivo llama mucho la atención por su formato innovador en el que te deja ver lo que sucede en diferentes puntos de vista. Toda la historia sucede en el auto, contando los retos de ser un padre soltero y cómo los hijos crecen. La audiencia puede manipular el video, mirando hacia todas las direcciones, como si estuviese sentado en el asiento del copiloto.

5. Piper
Director: Alan Barillaro
Disney Pixar
Canadá

El corto animado Piper se proyectó como previo a la película animada Finding Dory. Cuenta la historia de una pequeña ave de playa que está aprendiendo cómo conseguir su propio alimento luego de haber sido criado por su madre. A través del hiperrealismo de la animación se puede apreciar la dulce historia de cómo se va aprendiendo a vivir y a superar los miedos. Alan Barillaro es un director canadiense conocido por ser el animador de las películas Wall-E, Brave, Monster’s Inc, The Incredibles, Finding Nemo, entre muchas otras.

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El Carnaval de Bahidorá: un peculiar oasis de música y diversidad


El Carnaval en su quinta edición impulsó, una vez más, la creatividad sustentable en Las Estacas


POR Camila de la Fuente  



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El Carnaval de Bahidorá: un peculiar oasis de música y diversidad

La creatividad es contagiosa, especialmente en eventos como El Carnaval de Bahidorá. El fin de semana del 17 al 18 de febrero los amantes de la música alternativa se reunieron en Las Estacas, el Estado Morelos, para divertirse entre arte experimental, talleres para nutrir la espiritualidad y música nacional e internacional que los hizo bailar.

El Carnaval de Bahidorá se enfoca en la diversidad, la sustentabilidad y la creatividad: justamente eso se experimentó en el parque acuático. El público en sus trajes de baño, muchos disfrazados o manchados con pinturas, disfrutó el evento con buena música, descansando en hamacas o recorriendo el río en canoas.

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La cantidad de gente en el evento creció de un año para otro de manera significativa. En la zona de campamento se dobló el número, pasó de aproximadamente 3 mil del año pasado a 6 mil campistas esta vez.

La multitud se movía a los diferentes escenarios y ambientes que el festival ofreció. En el escenario principal, llamativo con sus luces geométricas, se presentaron artistas como Kali Uchis, Mayer Hawthorne, Mac Miller, FKJ, Lawrence y muchos más. La tarima del asoleadero, en el que las personas podían nadar en el río mientras disfrutaban del ambiente, contó con músicos como Frente Cumbiero, Black Motion, Princess Nokia, entre otros.

El Dance Floor Doritos, con su vistoso triángulo rojo, hizo vibrar a los asistentes del festival con música electrónica de primera, como Jubilee, Mala, Rroxymore, Soul of Hex, Kornél Kovàcs y Leon Vynehall.

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Aparte del cartel que ofreció el Carnaval, hubo actividades diversas: sesiones de yoga, taller de percusión afrobrasileña, danza flow, sesión de poesía experimental, moondance, masajes, taller de astrología, cine de animación, entre otras opciones muy particulares y características del festival.

Bahidorá se enfocó en la creatividad sustentable: se le dio un espacio importante al arte experimental y al respeto ambiental. El Carnaval buscó conexión con la naturaleza a través de charlas de ReverdeSer que explicaron cómo prevenir daños ambientales en el festival. Además los vasos ofrecidos en Bahidorá eran biodegradables y los termos reutilizables.

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El ambiente estuvo decorado con obras de artistas independientes que aludían a la naturaleza a través del arte. Entre luces coloridas e ilustraciones que brillaban en la oscuridad, la audiencia podía interactuar —siempre con respeto— con las creaciones de estos artistas que no son tan conocidos, brindándoles la oportunidad de crecer en su arte. Además, hubo un espacio especial para la venta de diseños mexicanos, impulsando el talento nacional.

El Carnaval de Bahidorá concluyo su quinta edición el domingo 19 con una zona de recuperación en el que se escuchaba música caribeña para que los asistentes —en su mayoría campistas— regresaran a casa descansados y con la seguridad de haber experimentado un fin de semana diferente entre buena música, naturaleza y arte.

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Wet Baes se presentará en El Carnaval de Bahidorá


Andrés Jaime nos hace viajar al auge de los ochenta haciéndonos disfrutar nuestra propia época


POR Camila de la Fuente  



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Wet Baes se presentará en El Carnaval de Bahidorá

“El nombre del proyecto está inspirado en las fanáticas de los ochenta ‘que se ponen bien locas’”, menciona el mexicano Andrés Jaime sobre su proyecto musical Wet Baes. Se celebra a la cultura de masas, se le hace una parodia a la sociedad del consumo y hay cierta curiosidad nostálgica hacia el funk. El joven mexicano, proveniente de la banda Affer, empapa sus canciones con un estilo ochentero pero su proceso creativo proviene, en su mayoría, de las redes sociales y los viejos discos.

Andrés Jaime tiene 20 años y a pesar de su corta edad, su música tiene un sonido profesional. Comenzó su trayectoria con la banda Affer en el 2013, que hacía música soft disco, pero finalmente para él no era un sonido propio. Jaime desde el principio tenía en mente un proyecto como solista que le permitiera producir sus propias ideas. No fue hasta el 2015 que se aventuró a crear Wet Baes, en el que nunca se imaginó que iba a cantar.

Juan Soto fue el maestro de postproducción musical y productor de Andrés Jaime, quienes se conocieron a través de Karate Estudios. La experiencia y estilo de Soto se impregnó en el trabajo del joven. “Juan ha sido una persona muy importante para el proyecto… es una inspiración para mí” declara el cantante de Wet Baes en una entrevista radial en Puentes.

El músico recurre mucho a los temas de la sensualidad, atracción, juventud y seducción. Busca crecer en su música a través de la evolución y el estudio de diferentes artistas que sonaban hace dos décadas con su afán de resucitar aquellos tiempos, a pesar de no haberlos vivido.

“Creo que combinar el mundo del pasado con todo lo que sucede en estos momentos en la música y en distintos ámbitos, te puede llevar a gratas sorpresas auditivas” afirma el joven mexicano en una entrevista para Ibero 90.9. En su propuesta musical sí se siente la mezcolanza de tiempos, se hace un viaje al pasado pero a la vez, nos hace disfrutar nuestra propia época.

Entre los músicos que lo inspiran se encuentran artistas muy variados y de temporalidades diferentes: Alphaville, Michael Jackson, Prince, Billy Idol, New Order, George Benson, Dam Funk, Roosevelt, Bl00dwave, Juan Soto, entre otros. Pero la tendencia musical de Jaime es hacia los ochenta de la escuela de los afroamericanos, auge del pop y funk en la industria musical.

Su álbum debut Changes, regresa a lo funk y sus métodos fueron una combinación entre lo análogo y lo electrónico. Se puede escuchar en línea el primer track “Changes”, estrenado hace menos de un mes. Jaime también anunció la pronta publicación de “Secret (Love Song)” en su cuenta de Twitter. En el disco se fusiona el pasado con el presente, haciendo desaparecer la brecha generacional. Changes habla de lo que fue un cambio genuino para la vida del artista, que va ligado a un despertar de algo que parecía lejano. Los tracks van de la mano con experiencias propias de Jaime.

Wet Baes tiene apenas dos años sonando y ya forma parte de diferentes tours internacionales. Ha participado en proyectos junto a Ale Moreno de Ruido Rosa y Juan Soto. Su próxima presentación será en El Carnaval de Bahidorá el sábado 18 de febrero.

 

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Tinderella y su implacable búsqueda por la zapatilla que no encaja


Hay un cierto placer en la acción del rechazo, quizás porque nos hace sentir como dioses, así sucede en la aplicación y también en la vida real.


POR Camila de la Fuente  



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Tinderella y su implacable búsqueda por la zapatilla que no encaja

“No me gusta”, “Es raro”, “Puede ser”, “Mejor no. Mejor sí” “Este se ve bien”, “Asco mira a este”, “No es mi tipo” y muchas más, son frases que Tinderella va predicando sin piedad mientras selecciona el botón izquierdo que indica el “no estoy interesado” en la aplicación de Tinder. No nos frenamos a ver ni un segundo antes de mandar a la basura a una de las miles de opciones que desfilan frente a nuestros ojos.

Como es bien sabido, Tinder es una aplicación que surgió en el 2012 como red social para conectarse y comunicarse. Inicialmente estaba pensada para universitarios. Fue creciendo hasta convertirse en la que hoy conocemos como la red más famosa para citas y encuentros fugaces a través de perfiles que cada usuario publica. Muchas personas la critican por basar los juicios en superficialidades, pero después de todo ¿no es eso lo que hacemos cada vez que vamos a un bar y miramos a algún desconocido que nos gusta? ¿No hay juicios superficiales de por medio?

La realidad es que no estamos solos porque no tengamos opciones, sino porque más bien, hay demasiadas. El exceso anula la posibilidad de conseguir nuestra pareja, es parte del efecto Tinder. ¿Por qué escoger uno solo si tenemos en la palma de nuestra mano miles de opciones mejores? Las posibilidades son infinitas. O eso queremos creer.

Tampoco estamos solos porque todos están lejos. Escogemos vivir en soledad porque todos están muy cerca: al alcance de nuestras manos. La pérdida de distancia y de misterio trae consigo la obscenidad que elimina —en automático— la intimidad que necesita una relación amorosa. “Los medios digitales intentan acercar tanto al ‘otro’ y destruir la distancia, que en este proceso hacemos desaparecer al ‘otro’, ya que para ‘ser otro’ se implica cierta distancia”, argumenta el filósofo coreano-alemán Byung-Chul Han.

¿Cuántos encuentros amorosos hemos tenido —dentro y fuera de Tinder— en los que no hay un verdadero encuentro ni tampoco amor? La respuesta es que esto sucede la mayoría de las veces. No existe conexión con el otro porque simplemente ya no nos miramos, sólo queremos ver nuestro propio reflejo.

Vivimos en la era de las decepciones y del desencuentro. Estamos en los tiempos de la desaparición de la relación sexual, pues en ella, no nos conectamos ni hay relación. Todo es instinto, sólo se vive del sexo ordinario, sin ilusión. Consumimos placer y luego lo desechamos. La trascendencia es algo que se ha quedado en el pasado.

También ha desaparecido aquel misterio que nos permitía fantasear sobre alguien, pues las redes sociales nos ofrecen toda la información posible para matar esa ilusión. Información que finalmente es una construcción de lo que nos gustaría ser. No hay mucha realidad dentro de lo virtual y a pesar de ello, la curiosidad mató al gato. Ahora, cuando conocemos a alguien, inmediatamente lo investigamos por internet. Somos stalkers profesionales. Vemos en las pantallas una versión de él o de ella que nos muestra una vida perfecta. Engañamos a los demás con nuestro perfil en redes, o peor aún, nos engañamos a nosotros mismos.

Como menciona Byung-Chul Han “la fantasía habita en un lugar indefinido. Información y fantasía son fuerzas opuestas”. La tecnología, hoy, ofrece alta definición de la vida que decimos que tenemos. La construcción del otro en la fantasía viene del misterio del no saber. De un espacio de intimidad que antes solíamos descubrir poco a poco, permitiéndonos conocer la realidad de alguien sin decepcionarnos tan fácilmente. Aceptando sus características positivas y negativas. La información mata la fantasía y crea expectativas que —la mayoría de las veces— son falacias.

El marketing personal que ejecutamos en las redes sociales hacen su trabajo para llenarnos de ideas que, cuando nos topamos con la realidad, nos trae sólo una cosa: decepciones. Conozco muy pocos casos de éxitos amorosos basados en Tinder u otras redes sociales, ¿tú cuántos conoces?

 
 

Selfies por doquier mostrando el cuerpo perfecto, viajes extraordinarios, chistes repetidos y la ropa de moda son las ideas que tenemos en la cabeza cuando vamos a salir con alguien. La sobreexposición de la sexualidad en las redes ha cosificado al ser que vemos en pantalla. Nos autoexhibimos como objetos a consumir, nos vendemos a los ojos de nuestros seguidores. Jean Baudrillard afirma que “las cosas visibles no concluyen en la oscuridad y el silencio: se desvanecen en lo más visible que lo visible: la obscenidad”.

Hemos matado la ilusión para relacionarnos a través del principio de economía: cuando esa persona que stalkeamos en redes no cumple con nuestras expectativas, entonces sólo la consumimos y la echamos. Debe de tener más beneficios para nosotros que asuntos negativos. La inversión debe de dejar un saldo positivo a nuestro favor. Así funcionamos en la era del capitalismo: cada persona, para nosotros, es mercancía. Y nosotros mismos también lo somos.

Por eso todos nos convertimos en copias. Buscamos clasificar dentro de lo aceptado en las redes sociales, ya que ellas nos dictan cómo debemos de vernos y cómo debe de ser la persona con quien estemos.

“El deseo por el otro es suplantado por el confort de lo igual” afirma Han. Es cierto que cuando nos toca lidiar con alguien que se sale de lo conocido no sabemos cómo actuar. Nos asustamos y huimos. Seguimos buscando, sin cesar, nuestra media naranja. No podemos estar con peras ni con manzanas.

El egocentrismo es lo que reina hoy. En este proceso de ego no logramos llegar a un “nosotros”, porque al final, somos muchos “yo” fallando en una convivencia utópica. Para poder llegar al entendimiento —necesario en una relación amorosa— hace falta poner el “yo” en segundo lugar, para que el “otro” sea más importante, a pesar de sus defectos.

De eso se trata el amor: un constante desciframiento del otro, hecho que la mayoría de las veces nos atemoriza porque no podemos controlar lo que no conocemos. Entonces decidimos irnos por el camino fácil: aniquilarlo y continuar en esta búsqueda romántica. Quiero creer que existen algunos valientes que se aventuran al camino más complejo, al de lanzarse a los mares desconocidos, pero de esos verdaderos príncipes azules hoy quedan muy pocos.

Como no miramos al otro, ni nos abrimos a la vulnerabilidad del misterio que el otro —diferente a mí— implica, entonces retornamos al círculo vicioso: la búsqueda eterna de la zapatilla que no nos queda, que es incómoda o que no es idéntica a la que tenemos en el otro pie. Entonces Tinderella quedará eternamente inconforme y semidescalza. Siempre con la esperanza de llegar a tener aquello que todos anhelan: la relación perfecta que —a fin de cuentas— no existe.

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