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Camila Moreno: una bruja entre las princesas


La cantante chilena nos comparte su peculiar filosofía de vida en su visita a México.


POR Camila de la Fuente  



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Camila Moreno: una bruja entre las princesas

De pequeña, Camila Moreno le gustaba ser la bruja cuando jugaban a las princesas, su fuerte personalidad siempre estuvo presente. A pesar de estar conviviendo constantemente con el arte, se la pasaba soñando con ser bióloga marina para salvar a las ballenas. “Nunca fuí una niña tímida” recuerda la cantante chilena, “cuando habían presentaciones en el colegio, yo siempre era la primera”.

La pasión de Camila por un mundo justo brota en sus melodías, la crítica social de las letras de la artista son reconocidas en el mundo por enfrentarse a diferentes poderes latinoamericanos. “Es que yo nací en el 85, en dictadura, y mi papá trabajaba muy proactivamente en contra de ella, tenía un programa clandestino que se llamaba Teleanálisis” explicó la cantante, “Me chocó mucho ver los videos en donde sale la policía golpeando a mi padre, yo los veía escondida” continúa Camila, “¡Imagínate! Yo jugaba con mis primos un juego que se llamaba Pinochet Asesino. Siempre ha estado muy presente el tema político”.

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La compositora abrió su show del Festival Nrmal con su canción “Libres y Estúpidos”, tema inspirado principalmente por la desaparición de los 43 de Ayotzinapa. “Cuando pienso en esto digo, ¿cómo llegamos hasta aquí?, ¿cómo es esto humanamente posible? No entiendo realmente como puede existir, cuando te cuentan estas cosas parece una mala historia de terror” declara la cantante. “Cuando algo toca mi emoción y mi intimidad, se transforma en canción. Es una necesidad para hacer catarsis y sacarlo. Es una especie de terapia. Eso sucede con los temas sociales pero también con las canciones de amor”.

Además de cantar, Camila escribe, se interesa especialmente en la poesía. “Pronto quiero publicar mi libro de poemas, aunque me da mucha más vergüenza que cantar una canción. No me siento tan confiada, siento que no lo hago tan bien.” A pesar de ello, relata su pasión por el género literario, “yo me inicié en la sexualidad a través de la poesía de Cecilia Vicuña, ella escribe poemas eróticos, yo a los 12 años me escondía y los leía y no lo podía creer. En ese sentido, ese tipo de cosas yo las cambiaría en el mundo, el porno lo cambiaría por poesía erótica. Creo que sería una sociedad más satisfecha sexualmente” confiesa Camila entre risas.

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La solista opina que vivimos en una cultura opresora, especialmente hacia las mujeres. “Yo creo que somos seres demasiado emocionales y estamos reprimidos. Todo lo que sentimos nos obligan a medirlo, en busca de algo que alguien inventó. Viene de un rollo católico. Yo creo que no hay que guardar la compostura” agrega la cantante “hemos entendido muy mal la violencia. ¡La vida es así! Las cataratas son violentas, los terremotos son violentos, la naturaleza es violenta, nosotros somos violentos y no sabemos lidiar con eso y por eso terminamos teniendo relaciones de mierda, terminamos siendo personas de mierda. Terminamos siendo weones que tiran la violencia para los lados que no van. Terminamos teniendo dictaduras y guerras, terminamos edificando la sociedad que hemos edificado.” La misión de Moreno con su música es dejar que la gente viva todas esas emociones en todo su éxtasis para poder hacer catarsis.

Camila se interesa en la energía reprimida de la mujer. La artista afirma que la mujer ha sido rezagada a través de la historia, pero ella se pregunta el porqué. “Yo creo que la mujer encarna una energía que es la de lo irracional. Que es la energía de lo violento, de lo oculto y de lo salvaje. La mujer encarna exactamente lo que encarna Eva, ¡que es la que habló con la serpiente! Este animal finalmente es el símbolo de la naturaleza. Y Eva sigue a la serpiente y ahí está todo el temor a la mujer. ¡Y Adán la sigue! El hombre siempre va a seguir a la mujer, eso es lo que te está diciendo esa historia” analiza la cantante, “una mujer conectada con su ciclo menstrual, una mujer conectada con su poder, una mujer conectada con su verdad es peligrosa en esta sociedad. Entonces ella es alguien que no se puede controlar y en una sociedad donde el control es algo tan importante, tienes que eliminar eso” explica la compositora.

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La artista habla de una energía de la naturaleza a la que le tememos, pero que es parte de nuestra biología. Es una energía que no podemos entender, pero que está en el hombre y en la mujer, pero con la feminidad se conecta más. “Vivimos en una cultura racional, que ama la lógica, lo científico, lo que se puede explicar y lo que se puede ver, pero que odia y menosprecia todo lo que no se puede explicar y no se puede ver.” La cantante cree que la oscuridad es buena, a pesar de que culturalmente se enseñe lo contrario.

Camila basa gran parte de sus ideales en la lógica matrística que propone el biólogo y escritor chileno Humberto Maturana. “Lo matrístico es como la realidad que tiene una madre con su bebé, esa es una realidad de amor. Es una intimidad sólo de amor y de contención. No existe la competencia entre una madre y su bebé, existe mucha complicidad, una profundidad que yo creo que por lo menos no lo he vivido con nadie más. Yo fui mamá hace poco, tengo un bebé de 6 meses y recién estoy aprendiendo eso”. La cantante de “Tu mamá de mató” juega con los valores que son contrarios: “Yo creo que todas las mamás nos matan. Nos hacen, nos crean, nos modelan. Yo lo veo con mi hijo, ¡es terrible! Yo veo que lo estoy modelando e intento ser lo mejor pero no soy lo mejor siempre” afirma la compositora de Mala Madre. “Yo fui mamá después de Mala Madre… es que yo soy irónica con la vida y la vida es irónica conmigo” comenta burlándose de si misma.

Moreno comparte que su parto fue violento y que no por eso fue malo. Pero también compara esta experiencia con sus presentaciones. “Yo en mis conciertos trato de entregarme y de perderme, trato de entrar en un trance. ¿Para qué hago esto que estoy haciendo si es en lo que creo? Por eso digo que es como un parto”. Su misión, cuando se presenta ante una audiencia es crear una conexión al punto de que “caigan los muros”. Pero conseguir esta energía no es fácil, tampoco lo es hacer música de crítica social. Con este tipo de arte se busca un cambio, generar espacios de pensamiento. Camila insiste en que con su música le gustaría “cambiarle la cabeza a la gente”, pero comprende que hay poco público para su tipo de música que no es comercial, “me encuentro haciendo canciones más oscuras, más irónicas, con más concepto que me hacen muy feliz pero es menos gente la que entiende, la que vibra con eso. ¡¿Qué sé yo?! La cultura no está hecha para eso, la cultura está para escuchar a Miley Cyrus“.

La cantante nos recomienda 6 libros para cambiar nuestra manera de ver el mundo: “Tienen que leer: Just Kids de Patti Smith, El zen surado de Cecilia Vicuña, el cómic El Lama Blanco de Jodorowski, Rayuela de Cortázar, La Antología Poética de Alejandra Pizarnik y Amor y Juego de Humberto Maturana”.

Camila Moreno es una artista peculiar. Tiene una filosofía de vida muy diferente a la que nos han enseñado. Rompe paradigmas, le gusta sacar de la zona de confort a las personas. Es alguien que hace canciones de crítica social y autocrítica, cree en la disposición a ser mejor, ahí hay una intención moralizante de por medio. Es solemne, persigue sus ideales con su música. “Una de las cosas principales que haría en el mundo es sacar a todos los que están en el poder hoy en día para poner a gente de mentes y corazones brillantes. Yo creo que eso cambiaría muchas cosas”, concluye la bruja que vive en un mundo de princesas.

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Muere Bill Paxton, actor de ‘Alien’ y ‘Titanic’


Unas complicaciones repentinas en una operación quirúrgica terminaron con su vida a los 61 años.


POR Camila de la Fuente  



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Muere Bill Paxton, actor de ‘Alien’ y ‘Titanic’

William Paxton, actor estadounidense, falleció hoy 26 de febrero a causa de unas complicaciones en una cirugía cardíaca a la que se tuvo que someter. “La pasión de Bill por las artes la sentimos todos los que lo conocíamos, su calidez e incansable energía eran innegables” declaró el familiar de Bill que anunció su fallecimiento.

Bill Paxton, nacido en Texas en 1955, era considerado de los mejores actores de reparto de la industria del cine. Se mudó a Los Ángeles a los 18 años para involucrarse en el mundo del cine, encontró trabajo gracias al actor y director Roger Corman, quien lo incluyó en Crazy Mama (1975) primera película en la que actuó Paxton.

Tiempo después se mudó a Nueva York donde estudió interpretación y profundizó sus conocimientos del cine, permitiéndolo abrirse a la producción, dirección y actuación, teniendo de tutora a la importante actriz estadounidense Stella Adler.

Bill participó en una larga lista de películas exitosas: entre ellas están Titanic, Alien El Regreso, Apollo 13, Límite Vertical, entre otras 40 más. Entre muchas personas que lamentaron su muerte, resaltó un tweet de Arnold Schwarzenegger: “Bill Paxton podía actuar cualquier rol, pero su mejor papel era siendo Bill —un gran ser humano con un corazón gigante. Mis pensamientos están con su familia”.


Bill incursionó en la televisión donde formó parte de varios programas y series como A Bright Shining Lie, Hartfields & McCoys y Big Love, en la cual fue protagonista.

HBO emitió un comunicado lamentando su muerte: “Estamos extremadamente entristecidos por escuchar el fallecimiento de Bill Paxton. Big Love fue una serie que trajo muchos frutos para HBO por el extraordinario talento y gracia de Bill. Fuera de cámara, era lo más cálido, inteligente y divertido que alguien podía ser. Un verdadero amigo para muchos en HBO. Será realmente extrañado.”

El gran sueño de Bill Paxton era hacer películas, por ello, fue director de The Greatest Game Ever Played, Fraility, The Good Life, Tattoo, Fish Heads , entre otros.

Paxton falleció el día de la entrega de los Premios de la Academia, recordándonos que fue candidato para mejor actor de reparto por Titanic y ganador en el puesto de mejor actor de reparto por Apollo 13. También fue nominado para un premio Emmy por su trabajo en la serie de HBO Hatfields y McCoys.

“Padre y esposo amoroso, Bill comenzó su carrera en Hollywood trabajando en películas en el departamento de arte y pasó a tener una ilustre carrera que abarca cuatro décadas prolíficas como actor y cineasta” informó el familiar responsable del comunicado.

Bill Paxton tenía una vida por delante. Dejó inacabada el remake televisivo de Training Day, interpretando un policía veterano, papel que en el cine actuó Denzel Washington. Además, todavía falta por estrenar The Circle, película de ciencia ficción en el que hace el papel del padre de Emma Watson.

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Conoce los cinco cortos animados nominados en los Premios Óscar


Este domingo 26 de febrero se revelará al ganador elegido por la Academia.


POR Camila de la Fuente  



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Conoce los cinco cortos animados nominados en los Premios Óscar

Una categoría de cine que ha evolucionado notablemente y que se le presta poca atención es la de Animación. Son pocas las personas que se toman un momento para apreciar el trabajo de estos directores que dedicaron gran parte de su tiempo para lograr estas obras de arte.

Convertir las animaciones en algo cada vez más realista y transmitir un mensaje claro y fuerte en tan poco tiempo no es trabajo fácil. El cineasta y animador ha de tener un gran nivel de experiencia y dedicación. Este año la Academia escogió cinco cortometrajes animados. Dos de ellos son de Pixar y el resto, de directores independientes. Curiosamente, la mayoría de los directores son de Canadá, siendo la sede principal de los mejores animadores del mundo.

Por ello, aquí resumimos de qué van las animaciones nominadas este año en los Premios Óscar que se celebrarán este domingo.

1. Blind Vaysha
Director: Theodore Ushev
National Film Board Of Canada
Canadá

La animación dura ocho minutos y está ilustrada a base dibujos con un estilo artesanal. Cuenta la historia de una pequeña niña llamada Vaysha que nació ciega. Su ojo izquierdo solo mira al pasado y el ojo derecho solo mira hacia el futuro. Su director Theodore Ushev, es un ilustrador, diseñador gráfico y animador de Bulgaria que actualmente reside en Montreal. Está nominada a mejor cortometraje animado, luego de haber ganado el premio en la misma categoría en el Canadian Screen Awards.

2. Borrowed Time
Director: Lou Hamou- Lhadj y Andrew Coats
Pixar
Estados Unidos

Borrowed Time es uno de los pocos cortometrajes animados dirigidos hacia adultos —aunque los niños pueden entenderlo— que cuenta la emotiva historia de un aguacil y su lucha contra el pasado. Se tocan temas fuertes y se batalla entre la vida y la muerte. Esta animación de Pixar juega con las temporalidades, ya que nos permite adentrarnos a los recuerdos del personaje principal. Ha ganado muchos premios: el Nashville Film Festival, el USA Film Festival, Blue Plum Animation Festival, Brooklyn Film Festival, Fastnet Film Festival, t. Louis Int. Film Festival, el festival Siggraph, entre muchos otros.

3. Pear Siders And Cigarrettes
Director: Robert Valley
Massive Swerve Studios
Canadá

Este cortometraje animado, que es también un documental, tiene una duración de 35 minutos. Pear Siders And Cigarrettes está completamente dirigido a adultos y cuenta la misteriosa aventura de Techno, quien vive de sexo, drogas y violencia. El director Robert Valley, famoso por sus animaciones de la banda Gorillaz, cuenta la historia que se lleva a cabo desde un hospital militar en China y busca volver a Vancouver. La animación se llevó un reconocimiento como mejor producción animada en los Premios Annie.

4. Pearl
Director: Patrick Osborne
Estados Unidos

El cortometraje de Osborne, ganador del Óscar en esta categoría por su corto Feast, es una experiencia abrumadora, especialmente cuando lo disfrutas en la versión 360 grados creada a través de Google. Este corto interactivo llama mucho la atención por su formato innovador en el que te deja ver lo que sucede en diferentes puntos de vista. Toda la historia sucede en el auto, contando los retos de ser un padre soltero y cómo los hijos crecen. La audiencia puede manipular el video, mirando hacia todas las direcciones, como si estuviese sentado en el asiento del copiloto.

5. Piper
Director: Alan Barillaro
Disney Pixar
Canadá

El corto animado Piper se proyectó como previo a la película animada Finding Dory. Cuenta la historia de una pequeña ave de playa que está aprendiendo cómo conseguir su propio alimento luego de haber sido criado por su madre. A través del hiperrealismo de la animación se puede apreciar la dulce historia de cómo se va aprendiendo a vivir y a superar los miedos. Alan Barillaro es un director canadiense conocido por ser el animador de las películas Wall-E, Brave, Monster’s Inc, The Incredibles, Finding Nemo, entre muchas otras.

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El Carnaval de Bahidorá: un peculiar oasis de música y diversidad


El Carnaval en su quinta edición impulsó, una vez más, la creatividad sustentable en Las Estacas


POR Camila de la Fuente  



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El Carnaval de Bahidorá: un peculiar oasis de música y diversidad

La creatividad es contagiosa, especialmente en eventos como El Carnaval de Bahidorá. El fin de semana del 17 al 18 de febrero los amantes de la música alternativa se reunieron en Las Estacas, el Estado Morelos, para divertirse entre arte experimental, talleres para nutrir la espiritualidad y música nacional e internacional que los hizo bailar.

El Carnaval de Bahidorá se enfoca en la diversidad, la sustentabilidad y la creatividad: justamente eso se experimentó en el parque acuático. El público en sus trajes de baño, muchos disfrazados o manchados con pinturas, disfrutó el evento con buena música, descansando en hamacas o recorriendo el río en canoas.

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La cantidad de gente en el evento creció de un año para otro de manera significativa. En la zona de campamento se dobló el número, pasó de aproximadamente 3 mil del año pasado a 6 mil campistas esta vez.

La multitud se movía a los diferentes escenarios y ambientes que el festival ofreció. En el escenario principal, llamativo con sus luces geométricas, se presentaron artistas como Kali Uchis, Mayer Hawthorne, Mac Miller, FKJ, Lawrence y muchos más. La tarima del asoleadero, en el que las personas podían nadar en el río mientras disfrutaban del ambiente, contó con músicos como Frente Cumbiero, Black Motion, Princess Nokia, entre otros.

El Dance Floor Doritos, con su vistoso triángulo rojo, hizo vibrar a los asistentes del festival con música electrónica de primera, como Jubilee, Mala, Rroxymore, Soul of Hex, Kornél Kovàcs y Leon Vynehall.

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Aparte del cartel que ofreció el Carnaval, hubo actividades diversas: sesiones de yoga, taller de percusión afrobrasileña, danza flow, sesión de poesía experimental, moondance, masajes, taller de astrología, cine de animación, entre otras opciones muy particulares y características del festival.

Bahidorá se enfocó en la creatividad sustentable: se le dio un espacio importante al arte experimental y al respeto ambiental. El Carnaval buscó conexión con la naturaleza a través de charlas de ReverdeSer que explicaron cómo prevenir daños ambientales en el festival. Además los vasos ofrecidos en Bahidorá eran biodegradables y los termos reutilizables.

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El ambiente estuvo decorado con obras de artistas independientes que aludían a la naturaleza a través del arte. Entre luces coloridas e ilustraciones que brillaban en la oscuridad, la audiencia podía interactuar —siempre con respeto— con las creaciones de estos artistas que no son tan conocidos, brindándoles la oportunidad de crecer en su arte. Además, hubo un espacio especial para la venta de diseños mexicanos, impulsando el talento nacional.

El Carnaval de Bahidorá concluyo su quinta edición el domingo 19 con una zona de recuperación en el que se escuchaba música caribeña para que los asistentes —en su mayoría campistas— regresaran a casa descansados y con la seguridad de haber experimentado un fin de semana diferente entre buena música, naturaleza y arte.

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Wet Baes se presentará en El Carnaval de Bahidorá


Andrés Jaime nos hace viajar al auge de los ochenta haciéndonos disfrutar nuestra propia época


POR Camila de la Fuente  



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Wet Baes se presentará en El Carnaval de Bahidorá

“El nombre del proyecto está inspirado en las fanáticas de los ochenta ‘que se ponen bien locas’”, menciona el mexicano Andrés Jaime sobre su proyecto musical Wet Baes. Se celebra a la cultura de masas, se le hace una parodia a la sociedad del consumo y hay cierta curiosidad nostálgica hacia el funk. El joven mexicano, proveniente de la banda Affer, empapa sus canciones con un estilo ochentero pero su proceso creativo proviene, en su mayoría, de las redes sociales y los viejos discos.

Andrés Jaime tiene 20 años y a pesar de su corta edad, su música tiene un sonido profesional. Comenzó su trayectoria con la banda Affer en el 2013, que hacía música soft disco, pero finalmente para él no era un sonido propio. Jaime desde el principio tenía en mente un proyecto como solista que le permitiera producir sus propias ideas. No fue hasta el 2015 que se aventuró a crear Wet Baes, en el que nunca se imaginó que iba a cantar.

Juan Soto fue el maestro de postproducción musical y productor de Andrés Jaime, quienes se conocieron a través de Karate Estudios. La experiencia y estilo de Soto se impregnó en el trabajo del joven. “Juan ha sido una persona muy importante para el proyecto… es una inspiración para mí” declara el cantante de Wet Baes en una entrevista radial en Puentes.

El músico recurre mucho a los temas de la sensualidad, atracción, juventud y seducción. Busca crecer en su música a través de la evolución y el estudio de diferentes artistas que sonaban hace dos décadas con su afán de resucitar aquellos tiempos, a pesar de no haberlos vivido.

“Creo que combinar el mundo del pasado con todo lo que sucede en estos momentos en la música y en distintos ámbitos, te puede llevar a gratas sorpresas auditivas” afirma el joven mexicano en una entrevista para Ibero 90.9. En su propuesta musical sí se siente la mezcolanza de tiempos, se hace un viaje al pasado pero a la vez, nos hace disfrutar nuestra propia época.

Entre los músicos que lo inspiran se encuentran artistas muy variados y de temporalidades diferentes: Alphaville, Michael Jackson, Prince, Billy Idol, New Order, George Benson, Dam Funk, Roosevelt, Bl00dwave, Juan Soto, entre otros. Pero la tendencia musical de Jaime es hacia los ochenta de la escuela de los afroamericanos, auge del pop y funk en la industria musical.

Su álbum debut Changes, regresa a lo funk y sus métodos fueron una combinación entre lo análogo y lo electrónico. Se puede escuchar en línea el primer track “Changes”, estrenado hace menos de un mes. Jaime también anunció la pronta publicación de “Secret (Love Song)” en su cuenta de Twitter. En el disco se fusiona el pasado con el presente, haciendo desaparecer la brecha generacional. Changes habla de lo que fue un cambio genuino para la vida del artista, que va ligado a un despertar de algo que parecía lejano. Los tracks van de la mano con experiencias propias de Jaime.

Wet Baes tiene apenas dos años sonando y ya forma parte de diferentes tours internacionales. Ha participado en proyectos junto a Ale Moreno de Ruido Rosa y Juan Soto. Su próxima presentación será en El Carnaval de Bahidorá el sábado 18 de febrero.

 

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Tinderella y su implacable búsqueda por la zapatilla que no encaja


Hay un cierto placer en la acción del rechazo, quizás porque nos hace sentir como dioses, así sucede en la aplicación y también en la vida real.


POR Camila de la Fuente  



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Tinderella y su implacable búsqueda por la zapatilla que no encaja

“No me gusta”, “Es raro”, “Puede ser”, “Mejor no. Mejor sí” “Este se ve bien”, “Asco mira a este”, “No es mi tipo” y muchas más, son frases que Tinderella va predicando sin piedad mientras selecciona el botón izquierdo que indica el “no estoy interesado” en la aplicación de Tinder. No nos frenamos a ver ni un segundo antes de mandar a la basura a una de las miles de opciones que desfilan frente a nuestros ojos.

Como es bien sabido, Tinder es una aplicación que surgió en el 2012 como red social para conectarse y comunicarse. Inicialmente estaba pensada para universitarios. Fue creciendo hasta convertirse en la que hoy conocemos como la red más famosa para citas y encuentros fugaces a través de perfiles que cada usuario publica. Muchas personas la critican por basar los juicios en superficialidades, pero después de todo ¿no es eso lo que hacemos cada vez que vamos a un bar y miramos a algún desconocido que nos gusta? ¿No hay juicios superficiales de por medio?

La realidad es que no estamos solos porque no tengamos opciones, sino porque más bien, hay demasiadas. El exceso anula la posibilidad de conseguir nuestra pareja, es parte del efecto Tinder. ¿Por qué escoger uno solo si tenemos en la palma de nuestra mano miles de opciones mejores? Las posibilidades son infinitas. O eso queremos creer.

Tampoco estamos solos porque todos están lejos. Escogemos vivir en soledad porque todos están muy cerca: al alcance de nuestras manos. La pérdida de distancia y de misterio trae consigo la obscenidad que elimina —en automático— la intimidad que necesita una relación amorosa. “Los medios digitales intentan acercar tanto al ‘otro’ y destruir la distancia, que en este proceso hacemos desaparecer al ‘otro’, ya que para ‘ser otro’ se implica cierta distancia”, argumenta el filósofo coreano-alemán Byung-Chul Han.

¿Cuántos encuentros amorosos hemos tenido —dentro y fuera de Tinder— en los que no hay un verdadero encuentro ni tampoco amor? La respuesta es que esto sucede la mayoría de las veces. No existe conexión con el otro porque simplemente ya no nos miramos, sólo queremos ver nuestro propio reflejo.

Vivimos en la era de las decepciones y del desencuentro. Estamos en los tiempos de la desaparición de la relación sexual, pues en ella, no nos conectamos ni hay relación. Todo es instinto, sólo se vive del sexo ordinario, sin ilusión. Consumimos placer y luego lo desechamos. La trascendencia es algo que se ha quedado en el pasado.

También ha desaparecido aquel misterio que nos permitía fantasear sobre alguien, pues las redes sociales nos ofrecen toda la información posible para matar esa ilusión. Información que finalmente es una construcción de lo que nos gustaría ser. No hay mucha realidad dentro de lo virtual y a pesar de ello, la curiosidad mató al gato. Ahora, cuando conocemos a alguien, inmediatamente lo investigamos por internet. Somos stalkers profesionales. Vemos en las pantallas una versión de él o de ella que nos muestra una vida perfecta. Engañamos a los demás con nuestro perfil en redes, o peor aún, nos engañamos a nosotros mismos.

Como menciona Byung-Chul Han “la fantasía habita en un lugar indefinido. Información y fantasía son fuerzas opuestas”. La tecnología, hoy, ofrece alta definición de la vida que decimos que tenemos. La construcción del otro en la fantasía viene del misterio del no saber. De un espacio de intimidad que antes solíamos descubrir poco a poco, permitiéndonos conocer la realidad de alguien sin decepcionarnos tan fácilmente. Aceptando sus características positivas y negativas. La información mata la fantasía y crea expectativas que —la mayoría de las veces— son falacias.

El marketing personal que ejecutamos en las redes sociales hacen su trabajo para llenarnos de ideas que, cuando nos topamos con la realidad, nos trae sólo una cosa: decepciones. Conozco muy pocos casos de éxitos amorosos basados en Tinder u otras redes sociales, ¿tú cuántos conoces?

 
 

Selfies por doquier mostrando el cuerpo perfecto, viajes extraordinarios, chistes repetidos y la ropa de moda son las ideas que tenemos en la cabeza cuando vamos a salir con alguien. La sobreexposición de la sexualidad en las redes ha cosificado al ser que vemos en pantalla. Nos autoexhibimos como objetos a consumir, nos vendemos a los ojos de nuestros seguidores. Jean Baudrillard afirma que “las cosas visibles no concluyen en la oscuridad y el silencio: se desvanecen en lo más visible que lo visible: la obscenidad”.

Hemos matado la ilusión para relacionarnos a través del principio de economía: cuando esa persona que stalkeamos en redes no cumple con nuestras expectativas, entonces sólo la consumimos y la echamos. Debe de tener más beneficios para nosotros que asuntos negativos. La inversión debe de dejar un saldo positivo a nuestro favor. Así funcionamos en la era del capitalismo: cada persona, para nosotros, es mercancía. Y nosotros mismos también lo somos.

Por eso todos nos convertimos en copias. Buscamos clasificar dentro de lo aceptado en las redes sociales, ya que ellas nos dictan cómo debemos de vernos y cómo debe de ser la persona con quien estemos.

“El deseo por el otro es suplantado por el confort de lo igual” afirma Han. Es cierto que cuando nos toca lidiar con alguien que se sale de lo conocido no sabemos cómo actuar. Nos asustamos y huimos. Seguimos buscando, sin cesar, nuestra media naranja. No podemos estar con peras ni con manzanas.

El egocentrismo es lo que reina hoy. En este proceso de ego no logramos llegar a un “nosotros”, porque al final, somos muchos “yo” fallando en una convivencia utópica. Para poder llegar al entendimiento —necesario en una relación amorosa— hace falta poner el “yo” en segundo lugar, para que el “otro” sea más importante, a pesar de sus defectos.

De eso se trata el amor: un constante desciframiento del otro, hecho que la mayoría de las veces nos atemoriza porque no podemos controlar lo que no conocemos. Entonces decidimos irnos por el camino fácil: aniquilarlo y continuar en esta búsqueda romántica. Quiero creer que existen algunos valientes que se aventuran al camino más complejo, al de lanzarse a los mares desconocidos, pero de esos verdaderos príncipes azules hoy quedan muy pocos.

Como no miramos al otro, ni nos abrimos a la vulnerabilidad del misterio que el otro —diferente a mí— implica, entonces retornamos al círculo vicioso: la búsqueda eterna de la zapatilla que no nos queda, que es incómoda o que no es idéntica a la que tenemos en el otro pie. Entonces Tinderella quedará eternamente inconforme y semidescalza. Siempre con la esperanza de llegar a tener aquello que todos anhelan: la relación perfecta que —a fin de cuentas— no existe.

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‘Animales Nocturnos’: una pesadilla convertida en arte


El thriller de Tom Ford nos envuelve en una historia entre el arte y la muerte


POR Camila de la Fuente  



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‘Animales Nocturnos’: una pesadilla convertida en arte

Mujeres obesas bailando desnudas al ritmo de la nada. No hay explicación, simplemente lo grotesco se hace arte y la pérdida de los propios límites las representa el sobrepeso. Estas mujeres más abundantes que lo abundante se encuentran expuestas en la exitosa galería de Susan Morrow (Amy Adams): así comienza Animales Nocturnos, admirando la decadencia de la cultura, la exaltación de la obscenidad y la crisis de valores.

El filósofo Jean Baudrillard escribe en su libro Las Estrategias Fatales que “vivimos en un mundo que va a lo superlativo: no se busca lo feo, sino lo monstruoso para que su extremo nos llene de un éxtasis que lo convierte en bello”, eso lo logra encarnar el director Tom Ford en su película: hace de una pesadilla una obra de arte.

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Todos tenemos un sentido, pero el de hoy, es justamente el sinsentido. El “porque sí” o “porque me divierte” son las (sin) razones que dominan nuestras explicaciones. La trascendencia, irónicamente, ha perdido su trascendencia. Susan solía ser una inocente universitaria, con la ilusión de ser una artista que luego se ve perdida: “¿Sientes que tu vida se ha convertido en algo que nunca pensaste?” se pregunta la protagonista. Ella se ha transformado en lo que de joven odiaba. Al igual que en el arte, lo vulgar y lo grotesco se ha vuelto el canon de belleza de hoy. Se celebra el exceso y la decadencia de la cultura occidental.

Susan no le encuentra el sentido al arte que promueve. Cree que seguimos haciendo lo que odiamos porque estamos arrastrados por el capitalismo. Lo hemos consumido todo, pero nada resulta llenarnos. Existes mientras consumes, porque el consumo se traduce en poder. Tratamos de encontrar tranquilidad rompiendo los paradigmas, pero no lo hacemos: nos quedamos contemplando lo absurdo, lo grotesco, lo violento. Nos dirigimos a la nada, flotamos en el purgatorio.

El exmarido de Susan, Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), le envía una novela triste y violenta que titula Animales Nocturnos, junto a una nota que aseguraba que ella fue la inspiración de la historia. El autor en la primera página escribe: “para Susan”.

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Edward representa el contrario del postmoderno, es el Don Quijote de la historia. Él es el romanticismo hecho en persona, del que antes nos atrevíamos a predicar en nuestras vidas y en el arte. Ese en el que se es sensible y se cree en las personas: hay una ilusión creadora. Edward es sentimental, característica que hoy vemos como debilidad, creemos que somos poderosos porque no sentimos. Para sentir se requiere de valor. Su sueño es ser escritor porque es una manera de mantener vivas las cosas, de salvarlas de su muerte asegurada.

En la novela se narra la horrible historia de un trágico viaje familiar en el que Tony (Jake Gyllenhaal) pierde a su esposa e hija en un abrupto secuestro que no tiene un sentido o un fin, más que mero entretenimiento para el sádico Ray (Aaron Taylor Johnson) y sus amigos: los asesinos y violadores. Ellas mueren porque “es divertido matar gente”. 

Tony encuentra los cadáveres desnudos de su esposa e hija, expuestos como una bella obra de arte sobre un mueble rojo. Se juega con la belleza y la muerte, valores que generalmente son contrarios. La tragedia no tiene una finalidad, son originados por el sinsentido. El protagonista de la historia se mantiene vivo para vengar a su familia y decide perseguir a los asquerosos villanos. Lo mismo hace Edward para vengarse de Susan, pero a través del arte de la escritura.

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En cambio Susan solía ser superviviente, ya que vivía del vacío. Como menciona el filósofo coreano-alemán Byung Chul-Han: “el superviviente equivale al ‘no muerto’, que está demasiado muerto para ‘vivir’ y demasiado vivo para ‘morir’”. Esto le sucede a los cobardes, a quienes no se atreven a enfrentar la negatividad de la vida: se huye de ella a cambio de no vivir una vida plena. Eso hace la lectora. La novela está llena de simbolismos y letras que envuelven a Susan, sacándola de su propio vacío. Edward con su arte la trae de regreso a la vida para luego matarla con su brillantez.

La sociedad de hoy es una especie de barco perdido en los océanos desconocidos. Estamos inconformes pero a la vez, decidimos no vivir plenamente. Susan le dice a su exmarido en una pelea que ella no es creativa, Edward le responde “porque tú escogiste no serlo”. Nosotros escogimos que fuese de esta manera: nos consume el miedo y nosotros, sin saberlo, lo consumimos a él. Somos débiles. De eso se trata la postmodernidad: no saber el camino a la felicidad precisamente porque ya nos rendimos. Es por eso que en el enfrentamiento final de la novela, Ray le grita a Tony “¡eres muy débil!” -palabras dichas por Susan durante su agitado matrimonio- luego Tony dispara y asesina a los dos villanos de la película: a Ray y a Susan.

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La Vida Bohéme protesta con su nuevo video “Você”


La banda revela la primera canción de su próximo disco


POR Camila de la Fuente  



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La Vida Bohéme protesta con su nuevo video “Você”

El día de hoy, La Vida Bohéme publicó su nuevo videoclip de la canción “Você”, tema que estará incluido en su próximo disco por estrenar en marzo del presente año. El video dirigido por Johan Verhook, fue grabado en Venezuela y cuenta la historia de la muerte de un joven causada por el disparo de otra persona, uno de los millones de casos que ocurren en el día a día del violento país sudamericano.

La banda liderada por Henry D’ Arthenay se caracteriza por mantener una postura de protesta ante la situación de su nación. Entre sus tres previos álbumes, las canciones denuncian las injusticias políticas que afectan a los pueblos oprimidos. En este caso, la letra de “Você” está completamente dirigida a la protesta.

La canción que suena en el video también fue publicada hoy, en el que se escucha al principio una batería pesada que abre a la voz de D’ Arthenay “¿te molesta si canto?”. Al final del track, la melodía se suaviza y la letra recita fragmentos del Monólogo de Segismundo de Pedro Calderón de la Barca, que se preguntan sobre la vida y su suerte.

Actualmente, La Vida Bohéme de origen caraqueño reside en la Ciudad de México, donde continúan su carrera artística abriendo su voz de protesta a más panoramas latinoamericanos. Los músicos hicieron el arte del álbum en los exóticos paisajes de Xilitla, San Luis Potosí, sobre la obra del artista surrealista Edward James.

Ve el nuevo video de La Vida Bohéme aquí:

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Mac DeMarco anuncia el lanzamiento de su nuevo álbum ‘This Old Dog’


El músico canadiense compartió dos de las 13 canciones que aparecerán en su nuevo disco.


POR Camila de la Fuente  



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Mac DeMarco anuncia el lanzamiento de su nuevo álbum ‘This Old Dog’

El cantante canadiense Mac DeMarco anunció el lanzamiento de This Old Dog, su nuevo álbum de estudio que se estrenará el próximo 5 de mayo. El músico volvió a sorprender a su público con un disco completo, luego de haber presentado Another One, un minidisco en el 2015.

El arte del álbum, de portada amarilla con dibujos infantiles, contiene 13 canciones que en su mayoría son acústicas y con sintonizadores. Entre los tracks, sólo una canción está hecha con guitarra eléctrica. “Esto es algo muy diferente para mí” afirma DeMarco.

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DeMarco realizó This Old Dog en una transición de mudanza de una ciudad a otra. “Normalmente sólo escribo, grabo y lo saco al aire; sin problema. Pero esta vez las escribí y se mantuvieron sentadas. Cuando eso sucede, realmente llegas a conocer las canciones. Fue una vibra diferente” comentó el músico.

Dos de las canciones del nuevo álbum, “This Old Dog” y “My Old Man” ya se pueden escuchar en la cuenta de YouTube del artista:

De acuerdo a la precompra de iTunes, el disco también tendrá una versión instrumental de 11 canciones del álbum. “Sister” y “Watching Him Fade Away” no están incluidas en esta versión.

El tracklist de This Old Dog es el siguiente:

1. “My Old Man”
2. “This Old Dog”
3. “Baby You’re Out”
4. “For the First Time”
5. “One Another”
6. “Still Beating”
7. “Sister”
8. “Dreams From Yesterday”
9. “A Wolf Who Wears Sheeps Clothes”
10. “One More Love Song”
11. “On the Level”
12. “Moonlight on the River”
13. “Watching Him Fade Away”

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CD: Bonobo – ‘Migration’


El nuevo trabajo de Simon Green nos invita a explorar nuevos horizontes.


POR Camila de la Fuente  



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CD: Bonobo – ‘Migration’

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Venimos a esta vida para movernos, a pesar de que los cambios sean agridulces. La migración es drástica y da miedo: es dejar atrás nuestro hogar para construir un nuevo comienzo en una cultura diferente a la que conocemos. Migrar es renacer de las cenizas: eso logra Bonobo con su nuevo álbum Migration. Hay renovación, Simon Green emprende una aventura musical más atrevida, recorre caminos distintos. En este nuevo disco nadamos en las aguas profundas del downtempo.

Desde su primer disco en el 2000, Simon Green apostaba más por el trip hop y el chillwave, pero poco a poco ha ido coqueteando con el downtempo, género que no todos se atreven a componer. El nuevo disco fue publicado el lunes pasado en todas las plataformas digitales. Migration es, definitivamente, un riesgo que tomó Green con 12 canciones llenas de altibajos sentimentales: tal y como sucede cuando nos mudamos de lugar en lugar. No estás en tu país de origen, pero de cierta manera este nuevo país lo haces tuyo. En una entrevista para Thump, Green menciona su curiosidad por “cómo la gente puede viajar de una cultura a otra y dejar un rastro en ese espacio”.

Green juega con el ir y regresar, experimenta con esa felicidad que sentimos por todo lo nuevo que estamos conociendo al migrar, pero a la vez, esa nostalgia presente en el fondo por dejar atrás el hogar. Chocan los contrarios y eso se refleja en la portada: el frío y el calor, el rojo y el azul contrastados.

Todos somos un boomerang de historias, siempre volvemos a nuestras raíces. Green también menciona en una entrevista que hay ciertos lugares a los que siempre regresamos, y que a pesar de estar separados en diferentes partes del mundo, de cierta manera están interconectados. De eso habla el disco: canciones muy diferentes pero que también, de forma ingeniosa, están relacionadas.

El piano suave de “Migration“, primer track del álbum, representa la inocencia y lo desconocido, el miedo que se puede sentir al principio por salir, pero que conforme tomamos fuerza, nos da valor para movernos por el mundo. “Break Apart” es justamente el proceso de dejar atrás nuestra casa, es romper con lo conocido y salir de nuestra zona de confort. Green menciona que las ideas surgen realmente cuando uno no está cómodo, cuando estamos inestables. Su proceso creativo fue inspirado por su inestabilidad al momento de mudarse de país en país.

Hay ciertas piezas como “Grains” que buscan lo exótico y el misticismo que muchas veces sentimos cuando vamos a conocer lugares extraños para nosotros. Es la convivencia con una cultura que no es igual a la nuestra pero que tampoco es ajena, podemos nutrirnos de ella. Por otra parte, hay canciones que sí pueden irse por un camino más comercial y popular, como es el caso de “Bambro Koyo Ganda” que fácilmente puede programarse en un antro.

Muchas de las canciones están acompañadas por las voces de Rhye, Nicole Miglis, Innov Gnawa y Nick Murphy, permitiendo a Simon Green abrirse a otros espacios que no sean sólo instrumentales.

Migration es una manera de oponerse a todo el movimiento opresor y de odio que está creciendo en el mundo actualmente, esa corriente que promueve la antimigración y el retroceso. Es un trabajo en el que se mezclan muchos sentimientos, busca sacudirnos para generar ideas, para inspirarnos, para movernos por este mundo en el que vivimos, conectarnos con diferentes culturas. Eso busca Bonobo con su nuevo disco y definitivamente lo logra.

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