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Con Hollywood en la bolsa


La cinta ‘¡Hombre al agua!’, a lado de Anna Faris y Eva Longoria, pone a Eugenio Derbez en la cima de lo que siempre soñó.


POR Daniela Nuño  



Con Hollywood en la bolsa

El capitán Eugenio Derbez ha tomado el timón… no de un barco, sino de su propio destino. El comediante mexicano ha dado el salto que necesitaba para lograr su sueño hollywoodense. “Todo ha sido como un sueño que estoy disfrutando muchísimo y por el cual trabajo todos los días”, señala Derbez emocionado, sencillo y feliz.

Este 10 de mayo, el actor y director estrena su nueva cinta, ¡Hombre al agua!, película de manufactura hollywoodense dirigida por Rob Greenberg en la que el actor también es coproductor.

“Para mí era un reto, me choca cuando en Estados Unidos nos encasillan: ‘¿Mexicano?’ e inmediatamente nos ven con el sombrero y el burro. Para ellos somos sinónimo de inmigrante, significamos ser el jardinero, el del valet parking y eso me da mucho coraje y no te imaginas la cantidad de estadounidenses que piensan que venir a México es como llegar a un pueblito, donde hay terracería. No ubican que tenemos ciudades grandes e importantes como la Ciudad de México; por eso siempre he querido romper los estereotipos y ahora que se dio la oportunidad de coproducir, dije: ‘Pues si tengo chance de ser productor y meter mano, vamos a romper estereotipos, vamos a darle la vuelta al papel’”, menciona Eugenio.

En la idea original de Overboard (¡Hombre al agua!), el cliché de las producciones americanas era el mismo: el protagonista era un pobre carpintero y la joven, de quien se enamora, era la millonaria pero Derbez se empeñó en llevar el barco hasta su propio muelle. “Ya basta de ver lo mismo, y por eso ahora el que tenía que ser el millonario y el fregón, debía ser el mexicano y la pobrecita que fuera la gringa. Así lo hicimos, fue difícil porque no querían; obviamente ellos decían: ‘¡No! Es nuestro guion y nuestra comedia clásica, icónica, no le cambien nada’ y se espantaron cuando propusimos hacer el cambio de roles, pero logramos un muy buen primer guion y tuvimos la oportunidad de presentar unos mexicanos diferentes, que también existen, como son la familia de millonarios (los Montenegro) estupendamente bien actuados con el talento de Fernando Luján, Cecilia Suárez, Mariana Treviño y también un homenaje de los mexicanos que trabajan y están al otro lado, que es donde aparecen Adrián Uribe, Omar Chaparro y Jesús Ochoa”, destaca Eugenio orgulloso de haber podido incluir a sus paisanos, aunque sea en personajes pequeños.

“Es lindo poder enseñar estos dos tipos de mexicanos: los que trabajan muy duro, pero que también hay clase alta en México, cosa que los americanos ignoran. No sabes el orgullo que me da que estén todos ellos en la película. Se hicieron focus groups y yo le tenía un poquito de temor a la mezcla que hicimos de idiomas, pues hay partes en español y no sabía si los americanos le iban a entender y me sorprendió mucho que las partes favoritas de la película eran las escenas en español. Quedaron muy impresionados con el nivel actoral de mis compañeros, decían: ‘Pero, ¿quiénes son esos actores? ¡son buenísimos!’”, recordó.

Su fórmula del éxito
Derbez estuvo en la más reciente entrega de los premios Óscar como presentador de un número musical y su carrera ha escalado impresionantemente, obteniendo récords de taquilla tanto a nivel nacional como internacional: “Debo aceptar que hemos hecho un gran esfuerzo y tiene su mérito; me siento muy orgulloso de tener un récord en taquilla tan importante, la gente no sabe la presión tan grande que tiene uno atrás. Si por mi fuera, me detendría un poquito para escribir varias historias que quiero desarrollar, contar, que sé que son mucho más profundas e interesantes, pero te tienen con el pie del monstruo en la garganta que te está diciendo: ‘¿Cuál es la siguiente película? ¿Qué sigue?’. Quieren que haga más, y más y más… es un mecanismo muy complicado”, argumenta.

Está agradecido con tanto trabajo pero asegura que también piensa en proyectos que lo lleven a otro nivel de producción. “Tengo que confesar que quiero evolucionar hacia un cine más profundo más adelante. Tengo varias historias que quiero contar, creo que estoy haciendo mi propio estilo, mi propia carrera y poco a poco voy emigrando hacia un cine un poquito más profundo que es lo que realmente quiero hacer”.

¿Te sientes parte del grupo de cineastas que ha triunfado en Hollywood?
Creo que no soy parte de ese primer grupo, soy muy humilde y muy ubicado, para mí las carreras que han hecho Alfonso Cuarón y sobre todo Guillermo de Toro e Iñárritu después, son muy respetadas y admiradas. Yo estoy trabajando mi estilo y todavía no me siento tan parte de un grupo importante como ellos, pero estoy haciendo mi propio camino. En esta primera etapa en Estados Unidos estoy conociendo cómo es el mercado, estoy haciendo un poco más de lo que sé que va a “jalar taquilla”, porque en Hollywood es la única manera de subsistir y una vez que lo demuestres entonces puedes hacer lo que quieras. Esa es la estrategia con la que estoy entrando a la meca del cine, atraer miradas y taquilla con la comedia, porque es con lo que la gente me conoce”.


‘Diablo Guardián’, el premiado libro de Xavier Velasco, toma forma audiovisual


Las diabluras de Violetta llegan en formato de serie.


POR Daniela Nuño  



Foto: Cortesía de Amazon Prime

‘Diablo Guardián’, el premiado libro de Xavier Velasco, toma forma audiovisual

Desde hace varios años, los maratones de fin de semana son la forma más sencilla de acabar con las adicciones audiovisuales de los enamorados de las series. Con los 10 capítulos de la primera serie mexicana en Amazon Prime, Diablo Guardián, la dosis será muy severa.

Diablo Guardián es la novela por la que el autor y periodista mexicano, Xavier Velasco ganó el Premio Alfaguara hace 15 años. Un texto que además de ser magnífico en términos literarios, encantó a los jóvenes de entonces y lo sigue haciendo generación tras generación.

La novela cuenta la historia de una adolescente, Violetta, que se rebela ante todas las formas limitantes que conoce. Cualquier convencionalismo social le resulta inadmisible por lo que simplemente decide vivir la vida tal y cual le venga en gana.

“¿Cómo quieres que empiece? Daddy had a little lamb? Soy oveja, ya sé, mi destino es vivir entre el rebaño. Pero eso sí: primero negra que mestiza”, señala el inicio de la descripción que relata la propia Violetta en el libro que Velasco escribió y el cual lo está llevando hasta una de las plataformas más destacadas de contenido audiovisual en el mundo.

Foto: Cortesía de Amazon Prime

Protagonizada por Paulina Gaitán, una actriz joven y muy sensual a quien han catalogado como la nueva mexicana de éxito en los estratos hollywoodenses. Violetta es un personaje a tope para el que se usaron 157 cambios de ropa, apenas en la primera temporada y con la que Gaitán se siente identificada, “pero no tanto”, confiesa. “Es uno de los personajes más complicados que he hecho en mi vida y creo que vino a enseñarme muchas cosas, es una mujer compleja con mucho carácter, decidida, que donde pone el ojo, pone la bala y que me confirmó que todas la mujeres –muy dentro de nuestro ser– tenemos una Violetta, que podemos explotar ‘a la buena manera’”.

“A veces te maldigo tanto, que hasta rezo para que te vaya mal… y otras estoy rezando para que me llames y me saques de aquí”, dice Violetta en las páginas del libro y sus compañeros de viaje, Adrián Ladrón como Pig y Andrés Almeida como Nefastófeles, hasta se asustan.

Foto: Cortesía de Amazon Prime

“Me atrapó la novela, me enamoró muchísimo, la historia y el personaje al que tuve que encarar [Pig] con mucho profesionalismo y mucha entrega; todos nutrimos las experiencias y los procesos de los demás, eso permitió que se dieran los personajes que hoy existen”, señala el reciente ganador del Ariel, Adrián.

Por su parte, Almeida tenía un desafío muy complicado a vencer: convertir al Nefastófeles de Velasco en un villano con cara. “El reto era poder humanizarlo, porque la novela describe a un personaje muy malo, a un ser muy egoísta que desde que aparece hasta que desaparece en la historia es muy difícil que el lector tenga una cierta empatía con él y darle otra lectura de que es humano, que también siente y que los errores que comete surgen a partir de emociones de su relación tanto con el amor como con la realidad de un ser humano”, señala Almeida.

Los expertos en formatos televisivos y plataformas digitales dicen que esta versión de Diablo Guardián no se parece a nada a lo que existe en el mercado por su buen guion e historia. Sobre todo con esa magnífica manufactura mexicana que resulta una bocanada de aire fresco para los espectadores de nuevos formatos audiovisuales, a lo que el autor sólo levanta los hombros y con la sencillez que lo caracteriza aclara: “Ubiquémonos, aquí yo soy el suegro. Vino el señor Amazon, que es un partidazo y se llevó a mi hija [la novela]; la ha tratado muy bien, a veces se la hago difícil, porque luego digo: ‘Abusado con mi hija’; y es como si me hubieran dicho: ‘Tu hija ya creció y aunque la conoces bien… ¿no la has visto bailar flamenco?’. No, no la he visto; ‘¿No la has visto cómo dibuja?’, tampoco la he visto… y es impresionante que esa historia que dejaste y que dejó de ser tuya hace 15 años de pronto vuelve a ti con imágenes, ahora tiene música, es todo un tratamiento y cuando la vi por primera vez estuve un buen rato como en estado cataléptico, sin decir nada, tieso”, expresa el escritor.

Foto: Cortesía de Amazon Prime

“Me gustó mucho el resultado, me gustó mucho que lo hicieran así, yo no metí nada. No metí un dedo en la serie, lo único que hice fue reservarme el derecho de veto sobre la protagonista, que además no tuve que ejercer, pues cuando llegaron y me enseñaron el casting, en cinco minutos quedamos de acuerdo, el producto quedó en manos de gente muy profesional, gente que hace cine –que es más de lo que yo habría soñado o esperado– y lo que tampoco esperaba es que estuviera en Amazon, un lugar donde hay video y hay libros, no podía esperar más”, remarca.

Si aún tienes alguna duda de ver Diablo Guardián, aquí te decimos porque debes hacerlo:

Cuenta con un magnífico elenco y producción; está escrita por Xavier Velasco, quien además hace su debut como actor, aparece como el editor que aconseja a Pig; el diablo guardián de Violetta y por el soundtrack que incluye desde Iggy Pop hasta Fobia.

De paso, podrás seguirle los pasos a Paulina Gaitán, a quien te aseguramos que después de verla en el papel de Violetta, nunca más la olvidarás.

Foto: Cortesía de Amazon Prime


Las lecciones de Guillermo del Toro en el FICG


Durante la 33ª edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, el cineasta mexicano llevó a cabo tres clases magistrales en donde brindó consejos a más de 9,000 asistentes.


POR Daniela Nuño  



Foto: Gage Skidmore

Las lecciones de Guillermo del Toro en el FICG

Mientras muchos ganadores de estatuillas hollywoodenses buscan un nicho privado en el que nadie los toque para no opocar su brillo, el recién galardonado Guillermo del Toro es todo lo contrario. El cineasta tapatío, a diferencia de muchos, busca que los jóvenes mexicanos se contagien de su resplandor.

El realizador mexicano, quien en la pasada ceremonia del Óscar se hizo acreedor de dos estatuillas como Mejor Película y Mejor Director por su cinta La Forma del agua, se ha convertido en un ejemplo para los futuros cineastas. La figura de Del Toro lo ha consagrado como un ídolo del cine; por lo menos así lo dejó de manifiesto en su paso por Guadalajara, en la trigésimo tercera edición de un festival que él mismo fundó en los albores de los años ochenta y que nació como una propuesta para mostrar y apoyar al cine mexicano.

“El Gordo”, como lo llaman la mayoría de sus familiares y amigos cercanos regresó a su tierra natal para dos cosas: mostrar a sus padres sus dos estatuillas doradas y compartirlas con los jóvenes mexicanos. Los dos objetivos tienen la misma importancia, según confesó Guillermo.

Tres clases magistrales —con más de 9,000 asistentes— tituladas “De La Geometría a la Forma del Agua” y llevadas a cabo en el Auditorio Telmex de Zapopan, son una prueba de la popularidad que el director tiene, mostrándose humilde y auténtico.

En las tres sesiones, ocurridas entre el sábado 10 y el lunes 12 de marzo, Del Toro se tomó el tiempo suficiente para hablar de varios temas, responder a decenas de preguntas del público y dar muestra de su generosidad. “Desde chico encontré más compasión en los monstruos que en el santoral católico. Desde ese entonces mis monstruos son una vitalidad creativa permanente. Hay gente que se encontró con Jesucristo, yo me encontré con Frankenstein”. Poco a poco y durante las muchas horas de plática el creativo desmenuzó sus películas y habló inclusive de su vida personal, acercándose aún más a sus fanáticos.

En la más reciente edición del FICG, Guillermo del Toro no sólo habló por los jóvenes y su país sino que también aprovechó el espacio para presentar el documental Ayotzinapa: El Paso de la Tortuga, cinta que produce junto a Bertha Navarro, mujer que se convirtió en una de las voces más representativas que claman justicia en un país que dijo: “duele”.

Aquí recopilamos las diez frases más aleccionadoras del cineasta en su charla durante el Festival Internacional de Cine en Guadalajara:

“La diversidad de las voces en el cine mexicano es limitadísima, nos urgen puntos de vista que vengan de orígenes distintos para tener una mayor diversidad de géneros.”

“Nos autolimitamos cuando decimos que todo el cine tiene que ser realista o de acción viva. Creo que esto es una autolimitación culposa, como si nos mereciéramos sólo mirar la realidad, cuando lo más rico que existe es la fabulación y el poder de imaginar.”

“Somos un país conquistado. Si el mundo vino a México y se apropió de lo nuestro, es lo propio ir al mundo a reclamarle lo que nos toca. Tenemos un pasaporte y hay que usarlo.”

“Todos los personajes de La Forma del agua están solos, menos los dos personales principales, que se encuentran el uno al otro. Quise que ninguno de los dos tuviera palabras para que su entendimiento fuera con miradas y con el tacto. Ahí no se miente, con las palabras sí.”

“Una buena película se sostiene con fe, estilo y grandes huevos u ovarios.”

“Yo empecé a hacer cine a los 15 años y empecé haciendo de todo. Primero fui tesorero, luego vendedor de boletos y posteriormente chofer de los invitados. Pasé por varios puestos hasta convertirme en el director que soy hoy.”

“Si quieres vender tu proyecto, cuéntale tu historia a tu hermanito de siete años o a tu abuelita de 86 y si se aburre o se muere cambia la forma de hacerlo. La clave es emocionarte mientras la cuentas, llorar cuando es el momento adecuado y estar atento en la persecución.”

“Nunca se es más viejo que a los 17 o a los 27 años. Yo antes pensaba: ‘ya se me pasó la vida y no hice nada’, pero estoy aquí para decirles que no es así.”

“Entre Cronos y Mimic hay cinco años y entre Mimic y El espinazo del diablo casi otros cinco. Lo que se aprende en esa adversidad sirve más que lo que se aprende en un triunfo. Se aprende a ser resistente.”

“La idea de un director es crear un sistema en el que se pueda ser libre para que tu colaborador cree. Lo bueno de la situación es que al final de la discusión, el director siempre tiene la razón.”


El gran monstruo del cine mexicano


Guillermo del Toro, director tapatío, se encuentra en un momento clave de su vida: su película ‘La forma del agua’, es la cinta más nominada al premio Óscar, con 13 menciones, lo que lo consolida como uno de los mejores del mundo y ni los rumores de plagio opacan la extraordinaria reputación de este realizador.


POR Daniela Nuño  



Fotoarte de Claudia Meza

El gran monstruo del cine mexicano

El director siempre soñó con monstruos, pero no estaba seguro de poder convertirse en uno, así que los creó y filmó durante toda su vida. Gracias a ello, hoy, el realizador está transformado en el más grande “monstruo del cine mexicano contemporáneo” y lejos de perder el piso, “El Gordo”, como cariñosamente lo llama todo el mundo, tiene una de las mejores reputaciones en el séptimo arte. “Siempre sonríe”, “Está para todo el mundo”, “Puede pasar horas firmando autógrafos”, “Es el gran genio detrás de los ‘Tres amigos’”, son frases que continuamente se escuchan sobre Guillermo del Toro. Su talento, calidad cinematográfica y humana no están en discusión, ni aún cuando en los últimos meses, que hubo acusaciones de plagio, lo han llevado a estar en el “ojo del huracán”, y es que dicen “que sólo a los más grandes se les pega”.

Y es que el cineasta mexicano está a punto de incrustar su nombre en la historia dorada del cine hollywoodense, las 13 candidaturas al Premio Óscar de la Academia por su más reciente cinta La forma del agua, así lo decretan, y junto a Alfonso Cuarón y Alejandro G. Iñárritu, sus amigos del alma, marca ya una nueva era de oro en el cine mexicano.

“No me siento la punta de lanza de nada o el líder de nadie, lo que es hermosísimo para mí ha sido el sentirme parte de un equipo, recuerdo la primera vez que estuvimos nominados al Óscar; Alfonso, Alejandro y yo, pero era para ver quién anotaba un gol; nosotros nos sentíamos parte del mismo equipo y decíamos ‘a ver quién anota’, era un Mundial, y luego, el año siguiente anotó Alfonso y el descanso que llegó fue gigantesco, o sea a partir de ahí ya no hay una materia pendiente; luego anotó Alejandro y volvió a anotar Alejandro y ya es una repetición maravillosa, o sea, de verdad respiramos”, señala Guillermo en entrevista exclusiva.

Sin falsa modestia, sino con la sencillez que lo caracteriza, Del Toro no busca destacar en solitario, tampoco sólo con su generación, sino que se dedica a coachear a quien viene detrás, a quien lo sorprende y así como es generoso con su público, también lo es con sus colegas. “Yo veo a Carlos Reygadas conquistar los festivales internacionales y me siento con un orgullo enorme, a Amat Escalante cómo crea su propia narrativa y lo admiro, yo sí creo que nuestra generación vive el cine como equipo, se vive como equipo; hay una camiseta que no sé si existía antes, pero sí existe ahorita”.

Un cine adulto
El cine para Del Toro es pasión, es vida, por ello no se sienta en la zona de confort, en el camino que ya tiene andado, comprobado y configurado, sino que busca arriesgarse aunque con ello genere controversias, falsos rumores y hasta uno que otro detractor de su forma de hacer el séptimo arte. “Cuando te preguntas: ‘¿Qué arriesgas como narrador?’, pues es una parte, pero cuando te preguntas: ‘¿Qué arriesgas como persona?’, entonces, es todo. Con la edad, el tiempo, te das cuenta que el fracaso y el éxito son vecinos y es la misma puerta, de hecho no sabes quién va a abrir, tienes que timbrar con la misma fe y entonces arriesgarte”, señala. “Esta película (La forma del agua) se hizo con un presupuesto infinitamente menor del que yo creía que necesitaba, pero se logró que se viera enorme. Es una película en la que por fin hablo de fuerzas adultas, políticas, sociales, sexuales, que es francamente adulta, pero con un corazón muy puro y muy esperanzado”, confiesa. “La esperanza es un riesgo muy grande porque las otras películas de una forma o de otra llevaban desesperanza, pesimismo, desilusión, pérdida y ésta, para mí, habla de la esperanza y la posibilidad”.

Según Del Toro, la forma en que hace su cine también ha cambiado con el tiempo, de cada proyecto aprende y se lleva una enseñanza, no se duerme en los laureles, se compromete cada vez más.

“Yo amo La cumbre escarlata, pero se lanzó como filme de terror cuando era un romance gótico. ¿Por qué? Porque debió haber costado 25 millones de euros y se fue a los 55 millones y se promocionó de forma más vasta. Aprendí. La forma del agua costó 19 millones, fue un rodaje infernal, lleno de sufrimiento, una de mis tres peores experiencias, pero puedo venderla como lo que es, un cuento de hadas adulto y no una película de acción y secuestros. Y al final quedó como yo quería”, comenta.


La posesión de otra temporada


Alfonso Herrera regresará a su papel de Padre Tomás en la segunda temporada de ‘El exorcista’.


POR Daniela Nuño  



Cortesía: Talent on the Road

La posesión de otra temporada

Alfonso Herrera es uno de los consentidos de la televisión estadounidense. Luego de impresionar con su papel de sacerdote en la primera temporada de El exorcista, el actor repite como uno de las protagonistas de la segunda temporada de la serie de FX (todos los viernes a las 22:00 hrs.). “Nos sorprendió a todos el tener esta segunda temporada, van a ser cuatro meses de filmación en Vancouver. Todo se movió muy rápido para esto, le decimos adiós a Chicago –que fue donde se filmó la primera– y en la historia nos vamos al noroeste de Estados Unidos; hay una narrativa completamente distinta”, mencionó emocionado el actor mexicano quien da el toque latino personificando al padre Tomás, un sacerdote que desentraña estos acontecimientos paranormales, inspirados en la película realizada en 1973, considerada hasta el momento la mejor del género del terror.

“Cuando tratabas de hablar con sacerdotes sobre este tema, específicamente acerca de los exorcismos, son muy herméticos. Saben que existe, reconocen esta batalla entre el bien y el mal, no solamente en el plano físico, pero son muy cerrados al momento de compartir esta información, eso fue algo que me sorprendió”, señaló el actor.


Un buen gancho al hígado


Arranca la serie biográfica de Julio César Chávez –máximo boxeador en la historia de México– la cual mostrará la verdad sobre su vida, excesos y triunfos.


POR Daniela Nuño  



Foto: Cortesía Space

Un buen gancho al hígado

La máxima leyenda mexicana del boxeo, Julio César Chávez, regresa a los cuadriláteros pero no para pelear, sino a través de la nueva serie El César, la cual revivirá los hechos que marcaron la vida de este personaje emblemático para México. “Estoy muy emocionado de que esto suceda y que lo pueda ver en vida; porque a la mayoría de quienes les hacen una serie o una película, ya fallecieron. Me gusta poder vivirlo y lo voy a disfrutar mucho”, señala el ex pugilista en la presentación de la serie.

Su pegada, considerada excepcional, su poderoso gancho al hígado y su mandíbula extremadamente resistente le dieron parte de la fama de la que gozó en los años noventa, cuando fue considerado uno de los mejores libra por libra del boxeo, pero cuando tocó las mieles del éxito también conoció la desgracia de los excesos. La serie, de 26 episodios, narra desde su infancia hasta sus días de gloria y claroscuros. “Hay cosas de mi vida muy dolorosas que no quisiera tener que volver a recordar, pero voy a tener que vivirlas a través de la tele, sé que va haber capítulos que no me van a gustar, pero tenía que contarlo todo, para que resultara honesto. Viví una infancia difícil, ver a mi papá tomar, ofender a mi madre, fue duro y decía: ‘No voy a ser igual’; y fui peor. Es lo que viví y tengo que aceptarlo”, mencionó Julio César.

Foto: Cortesía Space

“Soñaba como niño en triunfar y salir adelante, no me gustaba ver planchar y lavar ajeno a mi madre y pues con mucho trabajo, logré todo con mi deporte, todo lo que me propuse, gracias a Dios. Tuve yates, millones de dólares y ¿qué fue lo que busqué? La cosa más tonta y estúpida que fue el alcohol y las drogas y ¿a dónde me llevó eso? A perder a mi familia”, recordó con los ojos brillosos. “Empecé a perder todo a causa de mi adicción, pero sobre todo me estaba perdiendo a mí mismo”, sentenció.

Con esta serie, Julio César Chávez, de 55 años, señaló que le gustaría que toda una generación tomara conciencia de que se puede tener todo o también perderse en el intento. “En mi deporte ya logré todo; lógicamente hubiera podido lograr más si hubiera llevado una vida ejemplar, ¿pero qué me falta?, me falta seguir estando como estoy, estar bien; llevo ocho años limpio y el legado tendrá que ser como persona –como deportista ahí está, en las estadísticas– pero quiero que todo el mundo sepa que uno puede caerse, pero sobre todo levantarse”.

Foto: Cortesía Space

Chávez nació en Ciudad Obregón, Sonora, en 1962, asegura que cree en Dios y que hoy está consciente que debido a sus adicciones hizo mucho daño a sus seres queridos, por lo que hoy trata de ayudar a quienes se lo permiten y tiene dos centros de rehabilitación al norte del país. “Parece que me ha llovido sobre mojado, ahorita por ejemplo, estoy pasando por momentos muy tristes en mi vida con la pérdida de mi hermano, tengo otro hermano enfermo; pero estoy tranquilo con lo que estoy haciendo actualmente y tratando de ayudar a la gente que padece de esta enfermedad que nos acecha a toda clase de personas (el alcoholismo)”, relata conmovido.

De la vida real a la ficción

“Fue muy difícil para mí aceptar esta serie. En un principio me resistí, estuvieron como un año rogándome, pero de tanto insistir, mi familia me dijo: ‘Acéptalo, sobre todo ahora que estás en plenitud, ahora que estás limpio y puedes contar todo lo que viviste, todo lo que pasaste’. No fue nada grato porque pasé momentos muy difíciles en mi vida”, asegura el excampeón del mundo.

El actor Armando Hernández, quien da vida a Julio César Chávez en la serie, expresó que fue duro interpretarlo, pues necesitó muchos meses previos de preparación, desde el plano físico hasta la forma de hablar del deportista. “La complejidad de la vida de Julio requería mucho trabajo previo. Seis meses antes me fui preparando. Físicamente tenía una alimentación estricta y entrené para tener la técnica de boxeo y el estilo particular que caracteriza a Julio. Su acento y timbre de voz también es difícil”.

Foto: Cortesía Space

El campeón, con la sinceridad que lo caracteriza, aseguró que en un principio dudó de la capacidad del actor que habían asignado para que lo interpretara en la pantalla chica y hasta bromeó diciendo que él esperaba que eligieran a uno más guapo. “Te soy sincero, cuando me dijeron que iba a ser Armando, dije: ‘Pues ni en su casa lo conocen’, la verdad no estuve muy de acuerdo, pero ya viéndolo actuar y tratándolo, es una finísima persona y me siento muy orgulloso del trabajo que hizo”.

Chávez lució contento y conmovido por ver en pantalla el reflejo de lo que fue y lo que lo hizo ser quien es hasta ahora. “Me siento muy contento de estar aquí y poder ver finalmente el capítulo, halagado porque me permitieron contar mi vida con toda honestidad”. El César se estrenará el lunes 18 de septiembre a las 8:30 pm por el canal Space.


Una mirada a la atracción


Sofia Coppola, dirige el remake de ‘El seductor’.


POR Daniela Nuño  



Foto: cortesía Universal Pictures

Una mirada a la atracción

Ser hija de Francis Ford Coppola es una gran responsabilidad, convertirse en la directora ganadora de la Palma de Oro a la Mejor Dirección en el Festival de Cannes en su edición 70 con el remake de una historia basada en un libro de Thomas Cullinan, es otra. Pero con ambas cosas ha sabido lidiar bastante bien Sofia Coppola que con su nueva película, situada en la época de la Guerra Civil de Estados Unidos, El seductor (The Beguiled) llega a las pantallas mexicanas.

“Cuando Anne Rose, mi directora de producción, me dijo: ‘Tienes que ver esta historia y hacer una versión’, yo le dije: ‘No, nunca he hecho un remake’, pero literalmente la historia me sedujo, era algo que nunca había visto, me pareció muy interesante tocarlo, hacerlo a mi manera, explorar un tema tan seductor, entendí que podía cambiar el punto de vista. ¿Por qué una historia con tantas mujeres (en su primera versión) se contaba desde el lado masculino? Y ahí estaba el reto: mostrar la otra cara”, dice la reconocida directora. Así que sin más, se lanzó a cumplirlo, pues asegura que mostrar la fuerza femenina de esta historia la conquistó desde el primer momento. “Me molestó el hecho de que se tergiversara la relación de poder masculino-femenina del libro. Había que darle voz a las chicas”, señaló enfática, pero tranquila.

La primera adaptación de la novela se realizó en 1971, el año en que Sofía nació, fue dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood, por lo que el elenco debía ser bastante bien cuidado, por ello eligió a Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning y en el rubro masculino a Colin Farrell. “Lo importante es la relación entre este hombre y un puñado de mujeres de distinta edad que de diferentes formas se sienten atraídas por él”, argumentó.

Sofia heredó el buen gusto italiano y cuando explora un tema femenino pone de manifiesto sus raíces, logra una tensión sexual pero siempre con gran exquisitez en la estética. Lo que más la sedujo, además del hecho de que fuera una película de género, es que sucede en otra época y eso hace aún más perturbador y reservado el relato.

“La atmósfera era muy distinta hace dos siglos. Esas tradiciones, el viaje a otro tiempo, las maneras… Son elementos exóticos que me hacían aún más llamativo el proyecto”. En el proceso de producción, Coppola pudo inspeccionar sus propios prejuicios, su naturaleza femenina y compararla con el universo masculino dándose cuenta que las mujeres, de cualquier edad, se sienten atraídas por las dosis exactas de rudeza, bondad, masculinidad y ternura. “En todas hay una mutua seducción, pero las relaciones con cada una de ellas son absolutamente distintas, a ellas les afecta la inclusión de este elemento exterior”.


‘Valerian y la ciudad de los mil planetas’


Luc Besson, realizador francés de ciencia ficción, fue inspirado por mujeres.


POR Daniela Nuño  



Foto: Diamond Films

‘Valerian y la ciudad de los mil planetas’

Valérian y Laureline es una serie de historietas de ciencia ficción francesa creada por Jean-Claude Mézières, que fue publicada por primera vez en 1967. 50 años después, el cineasta Luc Besson lleva al cine su visión de ese mundo completamente alucinante que llena la pantalla de tecnología para recrear La ciudad de los mil planetas.

El cineasta pasó siete años en la preproducción, otros dos en la edición final y necesitaba de una inversión de más de 180 millones de pesos que ningún estudio quiso hacer, lo que llevó a Luc a crear uno propio. Además, requirió de la ayuda de James Cameron, George Lucas y Peter Jackson para hacerla.

Foto: Diamond Films

El mayor reto para realizar su idea y convertirla en película fue tener que ir construyéndola en pedacitos, como si fuera un rompecabezas de diez mil piezas: “Al final, no quería perder el alma de la película, quería que tuviera sentido, que todo se viera normal y que las personas creyeran que la historia pasó realmente en un día”, señaló Luc en entrevista con Rolling Stone México durante su visita a la Ciudad de México.

Tuvo que esperar a que la tecnología fuera creada, pero asegura que lo más importante fue rescatar sentimientos desde el fondo de sus personajes. “Mi trabajo real es sacar las emociones de los actores, aunque estén detrás de esos trajes ostentosos. No veo los puntos utilizados para hacer los efectos, lo que veo es la sonrisa, lágrimas, emociones y en eso trabajé duro. Tengo la capacidad de olvidar otras cosas de la película, pero de las actuaciones nunca. No soy muy sensible a la tecnología, fueron años de discusiones con los desarrolladores de los efectos especiales pero cuando estuvimos en el set, la tecnología no existía para mí”, confesó.

Foto: Diamond Films

La historia habla de una raza entera que ha sido exterminada por error, pero cuando llega el momento de arreglar lo sucedido, los responsables se niegan a hacerlo, porque va a costar mucho dinero. “Y eso es algo que pasa todos los días con las grandes corporaciones que se niegan a asumir los daños que han causado”, señaló.

“Los Perls son la raza perfecta, viven en armonía con el planeta, con los elementos, no conocen el miedo ni el odio, son perfectos. Son lo que deberíamos ser todos después de 25 siglos de civilización… Y esas son el tipo de personas que queremos destruir”.

Foto: Diamond Films

Las cintas de Luc Besson tienen un eje conductor y una sola inspiración: las mujeres. “Ellas son las que dirigen, los hombres están sobrevalorados. Las mujeres tienen más humildad y la fuerza que tienen es impactante, cuando quieren algo, lo consiguen”, señaló contundente.

Cara (Delevingne) estuvo perfecta, después de un largo proceso le hice el casting para estar seguro que tuviera los elementos necesarios para cubrir el papel. Platiqué mucho con ella antes para estar 100% seguro y descubrí que tiene muchas cualidades y la fuerza que tiene… Para mí, ella es una actriz nata”, dijo sobre la intérprete, que siendo la acompañante de Valerian, se convierte en la verdadera protagonista.

Rihanna, el momento inolvidable

Foto: Diamond Films

La cinta tiene gloriosos episodios de espectacular fantasía, la escena más recordada es la que protagoniza el personaje de Rihanna (Bubble) quien se transforma innumerables veces ante Valerian, momento que el realizador gozó como nadie. “Disfruté mucho haciéndolo; hay que estar concentrado, sin perder el tiempo. Con la tecnología que existe ahora, el único límite es la imaginación. Puedes crear lo que se te ocurra, y esta cinta tiene más de dos mil efectos especiales, fue inolvidable”.

¡Vale! Rían de alegría

Diamond Films te regala un paquete que incluye un cómic y una playera oficial de la cinta Valerian. Sólo responde correctamente las siguientes preguntas:

1. ¿En qué año se publicó el primer cómic en el que se basó esta película?
2. ¿Cuántos años tenía Luc Besson cuando empezó a escribir El quinto elemento?
3. ¿Cuántas especies de aliens hay en Valerian?

Manda tus respuestas correctas y datos completos a [email protected]

LOS GANADORES SERÁN NOTIFICADOS POR CORREO ELECTRÓNICO.


Entre el bien y el mal


Stephanie Sigman interpreta a una monja que vive al filo de la luz y la oscuridad en ‘Annabelle 2: la creación’.


POR Daniela Nuño  



Entre el bien y el mal

Cuando alguien nombra a la sexy mexicana Stephanie Sigman, la recordamos siempre bella en cintas como Miss Bala o como una atrevida chica Bond en Spectre, pero lo que nunca imaginamos es verla vestida de monja en la cinta de terror Annabelle 2: la creación. “Significó un reto muy grande, nunca me imaginé que iba a estar en esta saga de terror y que interpretaría a una monja. Me sorprendió mucho, pero qué rico ser sorprendida de esta manera”, comenta Stephanie.

Esta precuela cuenta el origen de la aterrorizante muñeca, una cinta dirigida por David F. Sandberg que promete ser otro éxito de taquilla, tal como sus antecesoras El Conjuro (2013) y Annabelle (2014). “Lo que más me gusta de esta película es que no tienes que haber visto la otra para entenderla. De hecho, en esta cinta se revela el origen de por qué esta muñeca es poseída por el mal”, cuenta la actriz.


‘T2’: la secuela de la icónica ‘Trainspotting’


Nueva cinta de culto en casa.


POR Daniela Nuño  



Fotos: Cortesía de Sony Pictures

‘T2’: la secuela de la icónica ‘Trainspotting’

20 años pasaron desde que se estrenó la cinta Trainspotting en los años noventa, y de nueva cuenta este grupo de atrevidos actores, liderados por Danny Boyle, volvieron al set para habitar la piel de aquellos personajes icónicos que tocaron a muchos creando un mundo en el que nada está demasiado lejos, y todo puede ser llevado al extremo. “Creo que ninguno de nosotros formó parte de un trabajo tan resonante culturalmente desde entonces. El tiempo fue sin duda parte de esto. Un segmento completo de la sociedad era invisible en los medios. Las personas que vivían en este mundo externo no tenían voz y, ciertamente, no había nada divertido en ese ámbito ni en decir que sus habitantes no tenían nada que ofrecer excepto desesperación, degradación y depresión. Pero de pronto estas personas tenían voz y en realidad podías disfrutar de su compañía”, señaló Ewen Bremner, actor de origen escocés, quien dio vida en las dos cintas a Spud y que con motivo del lanzamiento de la cinta en formato casero (DVD y BluRay) sostuvo una charla con Rolling Stone, sobre su personaje, la historia y cómo le cambió la vida.

Sin duda, Spud es uno de los personajes más icónicos del cine, ¿Qué piensas de él?
Fui la primera persona en disfrutar de mi personaje, cuando Danny Boyle me preguntó si quería interpretar a ese personaje, dije que sí inmediatamente. Empecé a recordar a las personas y experiencias de mi vida cuando vivía en Escocia para ver qué podía tomar para hacer el rol. Danny empujó a tomar esas ideas, creó un mundo muy realista, surrealista. Es impresionante cómo un director puede crear un mundo tan loco, tan absurdo.

Cuando nos encontramos con Spud después de 20 años, no parece ser él. Lidia contra la adicción hace mucho tiempo, constantemente cae en el abismo a pesar de que tiene un hijo y una pareja de la cual está alejado. Intenta mantener todo en orden, pero sin demasiado éxito.

¿Qué tal tu experiencia de volver al set con Danny Boyle?
Trabajar con Danny fue genial, todo aquel que trabaja con él lo ama y es feliz. Es muy generoso con los actores, confía mucho en ellos, los deja improvisar y sorprenderlo con eso. Su metodología no cambia, pero cada vez su experiencia es más sorprendente. Le gusta la diversidad de materiales, de situaciones dentro del filme. Se centra mucho en la edición de la película, de la historia, es perfeccionista.

Él es capaz de ponderar las expectativas que las personas tienen para esta película y su significado en la cultura pop. Sería fácil para un director tratar esto como un proyecto por los números: marca los cuadritos y logra que coincida con la plantilla del original. Pero Danny entiende que la cinta original tuvo un impacto.

¿Cuál es la parte que más disfrutas de Trainspotting?
Tengo muchas partes favoritas de la película, me encanta la escena cuando Francis está en prisión y trata de escapar, siempre me da risa. Otra es la secuencia que me gusta es la final, donde todos estamos en el bar. Es importante que haga honor a la cinta original. Trainspotting es querida y apreciada por todos nosotros. No podíamos hacer la misma película, pues el público se hubiera decepcionado. Y tampoco podíamos hacer algo totalmente distinto; también hubiera sido una desilusión. Es un equilibrio difícil lograr que T2 se pueda disfrutar sin haber visto la primera parte.

¿Qué características de Spud compartes con él?
Las similitudes entre Spud y yo es que somos optimistas, su sentido del humor, es feroz, es compasivo, su sentido de la aventura, esas son algunas características que nos parecemos. Me gustan los personajes que me dejan explorar más allá del guion.

¿Cómo cambió tu vida interpretar a Spud?
Este personaje cambió mi vida en diferentes niveles, me dio una manera distinta de ver las cosas, de explorar un personaje, de tomar la confianza del director y hacer algo magnífico, extraordinario, auténtico. Me dio mucho entendimiento de lo que buscan los directores. Abrió puertas para mí para muchos proyectos. También cambió mi vida porque ya no soy tan antisocial como antes, las personas quieren hablar sobre mi personaje, cambió la relación con mi contexto. Después de la primera película me sentía muy ansioso, nervioso, incómodo con que la gente me pidiera fotos o autógrafos, pero fue cambiando y se convierte menos estrenaste y más cómodo. Ya no me incómoda más, pero igual es válido cuando no quiero hablar, soy una persona normal.

Ewan McGregor mencionó alguna vez que estabas muy nervioso antes de regresar al set para esta segunda parte, ¿Es verdad?
Después de 20 años de la primera película, claro que estábamos nerviosos porque nuestros personajes ya eran reconocidos y a muchos les encantó la primera película, no queríamos decepcionar a nuestros fans, las expectativas eran muy altas. Hacer una buena película es muy difícil, más si es una segunda parte de algo que ya fue todo un fenómeno.

¿Por qué crees que la gente debe tener esta segunda película en casa?
Las personas tienen que tener esta película porque habla mucho sobre la existencia humana, sobre la tragedia de la masculinidad, sobre el crecer, sobre dejar de ser jóvenes, sobre la ficción que se convierte en recuerdos. Ambas películas se justifican entre ellas. El DVD tiene secciones especiales para que conozcan y expandan más a fondo este proyecto y escenas que les van a gustar al público.


¡Puro ‘Power’ femenino!


Gal Gadot, actriz israelí que da vida a la ‘Mujer Maravilla’ relata cómo se adentró en esta historia que la ha convertido en un ícono.


POR Daniela Nuño  



¡Puro ‘Power’ femenino!

No tiene la fuerza de Superman, tampoco la astucia de Batman, lo que la Mujer Maravilla tiene son características que superan a las de los héroes clásicos. Sus poderes sobrehumanos conjugados con intuición femenina, la convierten en la más poderosa de todos y, además, es encantadora. Mujer Maravilla está basada en los personajes de DC Comics y es solamente el principio para el empoderamiento femenino con características de valentía y dedicación a otros. Es considerada entre las mujeres, una de las heroínas más poderosas porque no tiene contraparte masculina, sino que es la protagonista de sus propias historias.

Entre sus poderes está la súper fuerza, además de tener un lazo mágico con el que somete, castiga y obliga a decir la verdad, ¿existe algo más sexy que eso? “El empoderamiento femenino es realmente importante para mí”, señala Gal Gadot, quien está enfundada desde Batman v Superman: Dawn of Justice en el traje de la Mujer Maravilla y que está a punto de estrenar su primera película como protagonista, en el que podría significar el papel más importante de su carrera. “Es simplemente increíble, grandioso, desde que este personaje llegó a mis manos fue amor a primera vista, amo este papel por todo lo que significa y no sólo para mí, sino para muchas generaciones de fanáticos que han admirado a la Mujer Maravilla.


Michel Franco gana en Cannes


El director se convirtió en el mexicano más triunfador en Cannes al llevarse el Premio del Jurado con su cinta ‘Las hijas de Abril’.


POR Daniela Nuño  



Michel Franco gana en Cannes

Esta es la segunda vez que Michel Franco sube a recoger un galardón en la sala Debussy –sede de la sección– donde en el 2012 se quedó con el premio más importante al ganar este apartado con la cinta Después de Lucía. En 2015, Michel fue galardonado en la sección oficial de Cannes con el premio a Mejor Guion por su cinta Chronic, protagonizada por Tim Roth.

Son cuatro las cintas que Franco ha presentado en Cannes y tres las premiadas, lo cual lo convierte en el director joven más consolidado en este festival. En la edición 70 del festival, el jurado de Una Cierta Mirada fue presidido por la actriz Uma Thurman y al subir al escenario por su premio, Michel bromeó con ella.

“Cuando gané en esta sección, el presidente del jurado era Tim Roth y después hice un proyecto con él que compitió por la Palma de Oro, espero tener la misma suerte y hacer una película con Uma“, comentó y todos en la sala rieron y aplaudieron.

“Esto es otra celebración muy grande para el cine mexicano, que en Cannes siempre tiene muy buena presencia, pero me honra ser otra vez el portador de estas noticias, de la celebración del cine mexicano, que en especial este año estuvo muy bien representado y vamos a seguir adelante”, agradeció Michel en español para después seguir la celebración en un coctel privado y en una cena de gala.

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Alfonso Cuarón presume la fuerza de los mexicanos


El cineasta mexicano está feliz de ser parte del aniversario 70 de Cannes.


POR Daniela Nuño  



Alfonso Cuarón presume la fuerza de los mexicanos

Alfonso Cuarón ha inscrito su nombre con letras doradas en la cinematografía mundial con grandes películas internacionales. Ha recibido un premio Óscar al Mejor Director por su cinta Gravity y ahora, durante el 70 aniversario de Cannes, fue homenajeado al ofrecer una de las Master Class con mayor audiencia de esta edición.

“Estoy emocionado de estar aquí, estoy muy feliz de estar en un evento como éste y muy honrado de poder ser parte de esto, del festejo de 70 años del festival con la presencia de los verdaderos maestros. Fue algo extraordinario, muy bello y emotivo. Estoy muy agradecido de ser parte y estar envuelto en esta celebración. Terminamos la celebración de la cena al estilo mexicano con mariachis, mezcal y tequila… No estoy muy seguro si a Cannes realmente le gustan las películas mexicanas, ¡pero ama como festejamos!”, dijo emocionado.

Alfonso estuvo casi dos horas platicando de su historia e inicios haciendo un recorrido por su cinematografía, donde no faltaron las referencias al cine mexicano que lo inspiró.

“Estoy muy identificado, tenía muy en claro quienes eran la nueva generación de maestros como Ripstein y Cazals, era algo de locos. Una de las películas que movió mi vida y la puso de cabeza fue Canoa, de Felipe Cazals. Dejó una marca en mi vida y en cómo me acercó a las cosas. Mi sueño era ser su asistente, le ofrecí mis servicios muchas veces, pero nunca tuve la oportunidad”, confesó.

“Las personas de esa generación eran muy generosas y algunos de ellos fueron quienes me ayudaron. Esa generación me amamantó, por así decirlo. Estoy muy agradecido con ellos. Cuando ‘El ChivoLubezki y yo empezamos, nos partíamos la cabeza encontrando la forma de no seguir con ciertas tendencias de esa generación. Sin embargo, los aspectos técnicos, visuales y los photoshoots nos encantaban. De alguna manera, eso nos distrajo de nuestro propio viaje, pues traíamos el bagaje, ciertos estilos del cine francés y estadounidense, y queríamos crear formas de ese tipo de cine. El cine mexicano se nos hacía un tanto informal. Ahora que lo veo en retrospectiva, el cine mexicano de esa generación nos distrajo mucho”.

Durante la charla, repleta de mexicanos, latinos y franceses que admiran a Cuarón que colmaron la sala Buñuel del Palacio del festival, también estuvo presente Guillermo del Toro, uno de sus grandes amigos quien lo ha acompañado en su trayectoria, incluso él fue quien lo convenció para realizar Harry Potter y le dio la idea del final en Y tu mamá también. “En Y tú mamá también estaba escribiendo con Carlos [Cuarón], pero en la resolución del final estaba enredado, no encontraba el punto de conexión para que fuera relevante y quedara y Guillermo me dijo: ‘Lo que tienes que hacer es que se besen, que tengan sexo entre ellos. Eso es lo que debe pasar porque les va a provocar vergüenza; la estúpida vergüenza que tenemos por nuestro bagaje cultural’. Fue Guillermo, recuerdo bien esa tarde y yo dije algo como: “¡Ahhh! claro… ¡tiene razón!”.

Al final, entre aplausos y gritos de “¡Viva México!” en una charla cercana y emotiva, Guillermo subió al escenario y junto a Cuarón recibieron el cariño de la gente que hasta tuvo la oportunidad de llevarles nuevos proyectos.

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Cannes celebra 70 años


Más de 130 estrellas del cine se reunieron en Francia para ser parte de los festejos de aniversario del festival más prestigiado del mundo.


POR Daniela Nuño  



Foto: Instagram Salma Hayek.

Cannes celebra 70 años

La mayor celebración de la que Cannes tenga memoria se realizó este martes en la Costa Azul. Una fiesta de cumpleaños cualquiera puede festejarla, pero no tener a más de 130 celebridades, como las que se dieron cita en el Festival de Cannes: Marion Cotillard, Charlize Theron, Isabelle Huppert, Juliette Binoche, Bérénice Bejo, Tilda Swinton, Diane Kruger, Catherine Deneuve, Jessica Chastain, Uma Thurman y Monica Bellucci, entre muchas otras.

También asistieron varios directores, algunos que han sido ganadores de la Palma de Oro como Michael Haneke, Ken Loach, Bille August, Jane Campion, Nanni Moretti, Laurent Cantet y Cristian Mungiu. Obviamente el presidente del jurado, el español Pedro Almodóvar con actores de la talla de Will Smith, Antonio Banderas, Adrian Brody y hasta el diseñador Jean-Paul Gaultier.

En el poderoso equipo mexicano se encontraba Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón, Alejandro G. Iñárritu, Emmanuel Lubezki, Gael García Bernal, Diego Luna y la bella Salma Hayek. Todos reunidos para la conmemoración y desde luego, la fiesta.

El día inició con el tradicional photocall de Cannes, pero esta vez la fotografía del recuerdo fue multitudinaria. Los abrazos y risas no se hicieron esperar en ese gran momento. Posteriormente, un almuerzo a puerta cerrada en el Ágora del festival, la playa privada del hotel Majestic, en la que las autoridades del festival agasajaron a los invitados. A las 5:00 p. m., las celebridades fueron llevadas a una recepción privada en la zona de protocolo del Palacio de los Festivales donde el brindis ya fue en grande y claro, con champagne y hasta mezcal que Alfonso Cuarón llevó para los “cuates” y que mostró feliz antes de entrar a la alfombra roja que resaltó una constelación de estrellas.

En el Gran Teatro Lumière se agradeció por tantos años de cine y Guillermo del Toro pronunció un discurso sobre la tolerancia. “Hoy, en la era de la postverdad en la que vivimos, necesitamos hablar de monstruos. Medirlos contra los que vivimos. Encontrar un renovado sentido de empatía. Perdonar nuestros pecados e imperfecciones y nos rebelamos contra aquellos que afirman que es ‘el otro’ del que debemos tener cuidado. Contra quienes nos dicen que hay un ‘nosotros’ y ‘ellos’, a quienes ‘debemos rechazar’, y que ‘satanizar’ cualquier cosa que se salga de la norma”, señaló enfático.

Tras un día de festejos, llegó la hora del mariachi y ya todos más relajados, reunidos bajo el son de “México, lindo y querido”, continúo la diversión en una de las noches más doradas del cine.

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Alejandro G. Iñárritu define su instalación en Cannes


“Un puente poético entre el cine y la realidad virtual”.


POR Daniela Nuño  



Alejandro G. Iñárritu define su instalación en Cannes

El cineasta mexicano, Alejandro G. Iñárritu, ha sido definido por la crítica internacional como “un visionario”, alguien que ha desarrollado novedosas formas de contar historias audiovisuales que enriquecen la experiencia que te hace sentir el cine. Así lo ha dejado en claro en la edición número 70 del Festival de Cine de Cannes donde presenta la instalación Carne y arena, seis minutos y medio de realidad virtual del mejor nivel.

“Encontramos un puente poético que tiene que ver mucho con la iluminación, partículas, texturas y puesta en escena”, nos dijo Alejandro en un hotel situado en el corazón de La Croisette. Habló sin tapujos de este “experimento” que tiene al mundo del cine reunido en la Riviera francesa sorprendido gratamente. “La verdad es que este es un pasito de bebé ante lo que viene, esto es la molécula, no sé qué va a pasar, vamos a tener que descubrir todo un lenguaje, pero sí es la apertura a algo; lo más revelador para mí es que tomamos el espacio. Los límites se disolvieron, se acabó el cuadro, eso es muy impresionante”, argumentó seguro de lo que muestra al mundo, pero sin saber los alcances. ¿Esto podría ser una película? “Tus cables cerebrales se confunden. No sé si aguante dos horas ahorita”.

“La tecnología va ir poco a poco dando la pauta, ya hay muchas experiencias que pueden tener cuatro o cinco personas, depende del tema, pero no va a ser masivo como el cine. Porque creo que también gran parte de su valor es la individualidad, por lo menos en este tema; aunque hubiera tenido la posibilidad técnica, no hubiera puesto dos (participantes), porque aquí es estar tú con estas personas, por lo menos aquí demandaba eso, técnicamente creo que va a ir creciendo la posibilidad de que tú lo hagas con una comunidad, pero no al nivel cinematográfico, esto es cualitativo, no cuantitativo”.

Lo que hizo junto al fotógrafo Emmanuel “El Chivo” Lubezki, fue experimentar y poco a poco desarrollar en varios años de trabajo esta instalación con un tema que le preocupa: la alta migración mexicana ilegal a Estados Unidos.

Foto: Emmanuel Lubezki

“No hay set, nunca hubo set, lo que filmábamos eran pedazos de material, pero para aprender, no te puedo explicar, pero el guion tampoco es un guion, es rarísimo, era como hojas que eran como cuadros… un guion es lineal, vertical, aquí todo el tiempo es espacial, horizontal, simultáneo, yo le llamo un espacio narrativo, o sea el tiempo, la acción y el espacio están relacionados en ese mismo momento, no están yuxtapuestos como en el cine, que es ‘va y luego corto acá’, no es así. Además tienes que estar pensando en todo”, explicó.

“La verdad no sabemos cómo llegamos a esto y era aterrador, hace tres o cuatro meses no sabíamos que íbamos a llegar aquí, decíamos ‘esto va a ser un fracaso’ porque había miles de limitaciones técnicas y cosas que yo no sabía como las íbamos a resolver”, recordó.

“Tenemos 300 músculos en la cara, pero las computadoras de ahora no pueden crear más de ciento y tantos músculos, por eso en las películas se ven como robots, aunque están muy bien hechas; los videojuegos están súper bien hechos, pero hay algo que no es humano, que es casi humano, pero es por esto. Hay un valle de la realidad del humano y no lo hemos cruzado. Cuando realmente lo podamos hacer no vas a poder distinguirlos”, futurizó.

Iñárritu sabe que con la instalación Carne y arena en Cannes se aventuró en un terreno aún poco explorado, pero no se engolosina, porque su meta es clara: hacer cine.

“Quiero seguir haciendo cine, es una madre que abrazó todo tipo de géneros, esto no es cine, esto ofrece muchas cosas, pero te demanda muchas otras. No es una receta para hacer en casa, no cualquiera puede hacer esto, nos tomó más de un año –al “Chivo” y a mí– con un trabajo serio en muchos aspectos. No es ocurrencia, e incluso no toda ocurrencia justifica algo así, tienes que encontrar una razón, no cualquier cosa hasta ahorita aterriza bien aquí, el cine y esto van a convivir, pero abre una posibilidad padrísima. Lograr emoción o conexión humana con algo que no lo es, la inteligencia artificial es bien difícil y creo que esto lo ha logrado”, finalizó el cineasta.

En México, en agosto
El Centro Cultural Tlatelolco albergará en México esta experiencia audiovisual a partir del mes de agosto en la Ciudad de México, donde todos los asistentes podrán vivir Carne y arena, tal y como se hace en la edición 70 de Cannes. “Hay pequeños cambios. Depende de donde lo esté mostrando, pero en el espacio de los museos va a ser lo mismo. Esto fue un hangar en donde no teníamos ni por donde empezar, pero en todos lo museos van a ser muy parecido”, señaló el director Alejandro G. Iñárritu, quien luego de Cannes estará en Milán donde también expondrá este cortometraje vivencial.

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Escalofriante experiencia en Cannes


Alejandro González Iñárritu presenta su trabajo más atrevido en Francia: un cortometraje que revoluciona la forma de vivir una práctica audiovisual.


POR Daniela Nuño  



Foto: Emmanuel Lubezki

Escalofriante experiencia en Cannes

Lo que presenta Alejandro González Iñárritu en la 70 edición del Festival de Cannes no es sólo un cortometraje, es toda una experiencia audiovisual fotografiada por Emmanuel Lubezki, que apenas dura seis y medio minutos.

Con estricta cita agendada –al menos una semana y media antes del arranque del festival–, quienes se atrevan a vivir la experiencia deben llegar al lugar cinco minutos antes sabiendo que aunque es un cortometraje, deberán destinarle al menos una hora y media de su tiempo para vivirla de forma individual.

A la hora en punto serás trasladado en un vehículo oficial del festival a un lugar desconocido. El trayecto, bordeando la costa azul, se llega a un gigantesco hangar del aeropuerto privado de Cannes que luce imponente y extravagante. Te recibirán y tendrás que dejar tus pertenencias en la entrada (bolsa, teléfono, cámara, bueno hasta el gafete del festival) y deberás estar dispuesto a sentir, a vivir.

La primera parada es un cuarto lleno de objetos encontrados en el desierto, dejados por migrantes, hombres y mujeres que alguna vez quisieron cruzar el desierto para alcanzar el sueño americano: no sabemos si lo lograron. Te piden que dejes los zapatos en un estante especial y que esperes una alarma para entrar al siguiente momento.

Una vez que cruzas la puerta, pies descalzos sobre la arena, te adaptan un traje para visión 3D y 360º. La idea es viajar miles de kilómetros y sumergirte –literalmente– en el desierto de Arizona, cruzando la frontera entre México y Estados Unidos. Una sensación escalofriante desde el primer momento.

Te dan instrucciones de qué hacer, a partir de ahora estás inmerso en sensaciones que nunca antes habías vivido y que poco a poco te llenan de miedo bajo el frío seco del desierto y un sentimiento de infinita soledad.
En un instante, los personajes aparecen quienes vivirán sus momentos más aterradores, en medio de la nada.
Sin darte cuenta cómo, sientes el viento del helicóptero que con su cañón de luz alumbra la oscuridad. Voces, gritos, estrés… la patrulla fronteriza te ilumina, no es una película, todo en ese lugar es real ¡escalofriante!

Quieres gritar, tocarlos, ayudarlos y al mismo tiempo te sientes amedrentado por esos hombres con armas que son la autoridad y buscan castigarte. Sólo por soñar, por querer alcanzar una vida mejor.
¿El final? no te lo voy a contar, lo mejor será vivirlo, pues cada uno tiene su interpretación, pero estos seis minutos y medio valen la pena, son imperdibles y revolucionaros.

Un gran trabajo de denuncia ideado por esta dupla de mexicanos. La realidad virtual se hizo posible este año en Cannes, y es cosa de mexicanos; si todos pudieran experimentarlo, la historia de los migrantes sería vista de otra forma, los muros y las batallas se palparían de otra manera.

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