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El día que Santana tocó en Woodstock


El guitarrista mexicano cumple 71 años y para celebrarlo recordamos su presentación en uno de los festivales más icónicos de la música.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Facebook Santana

El día que Santana tocó en Woodstock

En 1969, un joven mexicano capturó la atención de toda una generación con su virtuosismo en la guitarra. Carlos Santana, aprendiz del blusero Javier Bátiz, presentó al mundo una mezcla de cultura latina y anglosajona en uno los festivales más memorables de la historia: The Woodstock Music & Art Fair.

La importancia de Woodstock reside en la droga como un elemento clave de esa época, además de los históricos artistas que formaron parte del evento: Jimi Hendrix, The Who, Johnny Winter, Joe Cocker, Canned Heat, entre otros. Fue concebido como uno de los festivales más grandes en la historia de Norteamérica y por lo tanto, se hicieron presentes todo tipo de sonidos. Bill Graham, uno de los organizadores de Summer of Love y de este evento, fue el responsable de llevar al guitarrista mexicano al festival.

Santana subió al escenario a las dos de la tarde junto a su banda para interpretar una lista de canciones nuevas. La fusión de la música latina con el blues eléctrico de Chicago se escuchó en canciones como “Jingo”, “Persuassion” y “Evil Ways”, donde el tecladista Gregg Rolie tocó una de las piezas en teclado más estéticas y contagiosas.

En el final de la presentación, Santana había consumido mescalina para que, según el músico, la experiencia psicodélica de las últimas canciones fuera aún más viva: “Tomé mescalina y dije ‘cuando llegue la hora, me sentiré bien’”, comenta el guitarrista. Fue en “Soul Sacrifice” en donde, tanto Santana como los demás músicos, comenzaron a sentir los efectos del estupefaciente.

El joven percusionista Michael Shrieve imprimió su personalidad enérgica en un solo de batería que pocos han igualado mientras que Carlos imaginaba a su Gibson SG como una serpiente emplumada.

Fried Neckbones And Some Home Fries” fue el tema que cerró la ácida presentación del mexicano y su grupo, misma con la que se ganó un lugar en la historia no sólo por su talento sino por sorprender a los asistentes con un estilo único e inimitable.


10 canciones esenciales de Brian May con Queen


El legendario guitarrista británico cumple 70 años y lo celebramos recordando diez de sus composiciones más trascendentales.


POR Héctor Elí Murguía  



10 canciones esenciales de Brian May con Queen

El astrofísico y guitarrista Brian May cumple siete décadas de existencia. En los años setenta, May innovó con melodías en la guitarra a través de técnicas originales gracias a su creatividad musical y su conocimiento por el cosmos. Antes de crear Queen, May fue arreglista para músicos como Frank Musker, experiencia que lo inspiró para enfocarse en efectos que crearon múltiples armonías a través del contrapunto.

Desde el rockabilly hasta la música barroca, el guitarrista incorporó diversos matices en su estilo y compuso varias de las canciones más icónicas en la historia del rock.

A continuación, presentamos 10 canciones destacadas de Brian May con Queen:

Keep Yourself Alive” – Queen

Brian May pensó en una fórmula única en el estudio de grabación para el primer sencillo de la banda. “Keep Yourself Alive” comienza con un riff inspirado en una cabalgata y culmina con un solo que remite al sonido de Eric Clapton.

Brighton Rock” – Sheer Heart Attack

Con un estilo innovador, May combinó dos efectos delay y una distorsión que influyó tiempo después en el heavy metal. El solo está lleno de ritmos inconstantes y armonías que recuerdan los mejores momentos de Queen antes de la llegada de éxitos como “Bohemian Rhapsody” o “We Are The Champions”.

Stone Cold Crazy” – Sheer Heart Attack

De principio a fin, este tema influyó al thrash metal. La esencia de “Stone Cold Crazy” puede percibirse en obras como “Master Of Puppets” de Metallica o “Ace Of Spades” de Motörhead.

Bohemian Rhapsody” – A Night At The Opera

Además de lo evidente mostrado con el talento de Mercury en la composición, voz y actitud, la rapsodia edípica más famosa en la historia del pop cuenta también con el sello personal del guitarrista británico. En el puente de su obra magna, Brian May creó una de las transiciones musicales más icónicas con un solo de guitarra memorable.

Tie Your Mother Down” – A Day At The Races

En A Day At The Races, el rock & roll evolucionó en el riff principal de “Tie Your Mother Down”, canción en la que el guitarrista imprime su personalidad clásica a través de las escalas de blues.

More Of That Jazz” – Jazz

En uno de los álbumes más experimentales de Queen, May continuó con sus pruebas en el laboratorio sonoro y creó algunos de los temas más virtuosos de la banda. En “More Of That Jazz”, el músico incorporó un estilo oscuro con notas que inspiraron a bandas como Pantera.

Let Me Entretain You” – Jazz

En esta canción, Freddie Mercury persigue mediante su voz a Brian, quien toca un riff acelerado que bien podría haber compuesto Tommy Iommi, guitarrista de Black Sabbath.

Crazy Little Thing Called Love” – The Game

Elvis Presley llegó a los oídos de la generación de los ochenta gracias a “Crazy Little Thing Called Love”. La precisión rítmica de May y los arreglos vocales de Mercury hicieron de este tema un auténtico éxito de rock & roll.

Hammer To Fall” – The Works

En el ocaso de su carrera, Freddie Mercury y Queen decidieron componer piezas más nostálgicas después de haber lanzado canciones como “Radio Ga Ga”. En The Works, Brian May hace un homenaje a The Who en “Hammer To Fall”.

Innuendo” – Innuendo

Brian May consolidó su legado con la composición de “Innuendo”, canción que a través de sus diferentes pasajes muestra el virtuosismo del guitarrista en todas las versiones de su instrumento. Flamenco, hard rock y sonidos ambientales son reflejados en esta canción.


Rumbo al Corona Capital 2017: ¿Por qué tienes que ver a PJ Harvey?


Una de las artistas con mayor trayectoria en la escena musical se presentará este sábado en el Corona Capital 2017.


POR Héctor Elí Murguía  



Rumbo al Corona Capital 2017: ¿Por qué tienes que ver a PJ Harvey?

En un época donde el grunge dominaba y el britpop era una respuesta de orgullo, una voz femenina mostró un espíritu tan valiente como el Patti Smith.

Polly Jean Harvey, mejor conocida como PJ Harvey, no es una cantautora más. Comenzó su carrera a finales de la década de los ochenta con el músico John Parish y el ensamble instrumental Automatic Dlamini. Posteriormente, abrió nuevas posibilidades para expresar sentimientos a través del trío que formó con el bajista Steve Vaughan y el baterista Rob Ellis.

Con el trío, la artista grabó dos álbumes Dry (1992) y Rid Of Me (1993), trabajos que abrieron el camino del éxito a otras artistas como Karen O con los Yeah Yeah Yeahs y a la misma Alanis Morrissette. Los vestigios del punk y las letras en contra de la represión del sistema reflejaron una nueva etapa para las voces femeninas de ese momento. En 1992, Rolling Stone la premió como Mejor Nueva Artista y Mejor Cantautora, además de que en 1995 fue galardonada como Artista del Año.

En uno de sus álbumes más destacados es To Bring You My Love, PJ muestra lo irremediable del ser humano como una especie que falla y que constantemente tropieza tanto en en las relaciones sentimentales como en la vida solitaria. “Down By The Water” es una pieza que líricamente se narra una tragedia sobre una mujer que está debajo del agua y que apenas puede respirar debido a problemas existenciales. Esta imagen, además de encontrarse en las letras fue el concepto del disco. Por si fuera poco, el álbum fue producido por Flood, reconocido por haber trabajado con la oleada de artistas post punk como New Order, Nick Cave, Erasure y formó parte de la producción de The Joshua Tree y Achtung Baby, dos de los álbumes más exitosos de U2.

Además de ser una artista histórica importante, PJ Harvey refleja en su música un discurso de apoyo las causas sociales. En 2011, publicó Let England Shake, una obra que criticaba fuertemente al gobierno británico. Recientemente, la artista estrenó The Hope Six Demolition Project, un disco inspirado en un proyecto social que impulsa a las comunidades marginales llamado Hope Six.

PJ Harvey se presentará este sábado 18 de noviembre en el escenario Corona Light a las 20:00 horas.


Rumbo al Corona Capital 2017: ¿Por qué es importante ver a Foo Fighters?


Una de las mejores bandas de rock en el mundo será la encargada de encabezar el primer día de actividades en el Corona Capital 2017.


POR Héctor Elí Murguía  



Rumbo al Corona Capital 2017: ¿Por qué es importante ver a Foo Fighters?

Comenzar una banda después del suicidio de uno de tus mejores amigos es un hecho que a Dave Grohl se le criticó durante los primeros años de Foo Fighters, proyecto musical que se creó con la intención de seguir ofreciéndole al mundo nuevas alternativas musicales tras la muerte de Kurt Cobain, vocalista del grupo con el que alcanzó reconocimiento mundial: Nirvana.

Tras el lanzamiento de su primer disco —un demo de composiciones de Dave Grohl— el también cantautor le llamó a algunos músicos para comenzar de nuevo y renacer de las cenizas para concretar algunas piezas. Los involucrados fueron Pat Smear, guitarrista con el que había compartido escenario en Nirvana tan sólo un año antes, Nate Mendel (bajista) y William Goldsmith (baterista), personas que compartían el sentimiento de Grohl pues la agrupación a la que pertenecían se había desmantelado (Sunny Day Real).

Sin embargo, la pérdida es un sentimiento que hace crecer a las personas y por lo tanto, Dave Grohl pensaba a Foo Fighters como un proyecto más allá de la diversión. Quería que esta banda sobresaliera del resto sin experimentar más allá del rock (como lo hicieran Radiohead y otros grupos de la época) pero con la seriedad suficiente para sobrevivir los embates del tiempo y por ello, la alineación ha sufrido cambios en su ya extensa carrera. Con más de nueve álbumes en su discografía y éxitos como “My Heroe”, “The Pretender”, “Everlong” y “Best Of You”, Foo Fighters se ha convertido en una banda digna de tocar en estadios y lugares con audiencias masivas.

Además, el grupo norteamericano fue uno de las pioneros en burlarse de otros videos en MTV, una acción que los caracterizó en videos como “Big Me” y “Learn To Fly“, donde la diversión es el elemento principal y reírse de las contradicciones de la vida es el ingrediente secreto de la banda.

La pregunta clave es ¿por qué verlos en el Corona Capital? Es una obviedad si uno es adicto a las guitarras. El espectáculo de Grohl y compañía abarrota los oídos de melodías sincronizadas en las guitarras eléctricas tocadas por Dave, Pat, Chris y el bajo de Nate, quienes crean una atmósfera enérgica con estos instrumentos, además de la potencia que Taylor Hawkins le inyecta con su batería.

Pero esas no son las únicas razones por las que el show de Foo Fighters debe verse alguna vez en la vida, Dave Grohl se ha encargado de unir a distintas generaciones en sus conciertos con varios tributos. No faltará “Inmigrant Song” o “Black Dog” de Led Zeppelin o alguna versión propia de “Blackbird” de The Beatles para que los clásicos sean apreciados por los más jóvenes.

Foo Fighters representa la evolución del rock hasta nuestros días. Con su más reciente producción discográfica, Concrete And Gold, la banda liderada por Dave Grohl demuestra que el género no está muerto y que aún se puede confiar en guitarras y en baterías para generar sentimientos en las personas. El rock sigue vigente con Foo Fighters.

Este sábado 18 de noviembre, Dave Grohl y compañía se presentarán a las 23:10 horas en el escenario Corona como parte de la nueva edición del Corona Capital.


CD: ‘Universal High’ – Childhood


La herencia del soul y el britpop.


POR Héctor Elí Murguía  



CD: ‘Universal High’ – Childhood

Universal High

Childhood

Marathon Artists Limited

Childhood heredó el sonido de The Stone Roses y la camada de artistas británicos que influyeron al britpop. La banda proveniente de Brixton lanzó su segundo álbum de estudio con una producción minuciosa en cada arreglo musical. Universal High es una muestra de la metamorfosis del rock inglés. La reminiscencia de artistas como Simply Red, Stevie Wonder y la neopsicodelia de Primal Scream, se hacen presentes en cada segundo del disco. Podría tratarse del What’s Going On (de Marvin Gaye) en su versión londinense.


CD: ‘Need to Feel Your Love’ – Sheer Mag


Un recorrido por los años setenta.


POR Héctor Elí Murguía  



CD: ‘Need to Feel Your Love’ – Sheer Mag

Need to Feel Your Love

Sheer Mag

Wilson RC

Una combinación poderosa de riffs setenteros, espíritu punk y una voz única, musicalizan este álbum debut. La evolución del rock en 2017 es retratada en un viaje a través del tiempo donde el funk, el disco y melodías pop convergen con facilidad. La fórmula no es compleja, Sheer Mag utiliza los recursos musicales de los baby boomers para crear su propia cosecha sin pretensiones. De principio a fin, el álbum incluye con una descarga de energía caudalosa que invita a las generaciones jóvenes a dejar por un momento los éxitos radiables y escuchar con emotividad algún disco de David Bowie.


10 canciones destacadas de Gene Simmons


El bajista de KISS cumple 68 años.


POR Héctor Elí Murguía  



10 canciones destacadas de Gene Simmons

La historia del demonio Gene Simmons se remonta a principios de los años cincuenta, cuando su nombre era Chaim Witz y solamente era conocido como otro de los niños israelíes que habían emigrado con su familia al barrio de Brooklyn, después de la Segunda Guerra Mundial.

El hambre por el éxito despertó en sus venas cuando vio a su madre como una de las sobrevivientes del Holocausto. Witz era un infante voraz e imitaba sin parar los acordes de The Rolling Stones, The Beatles y Led Zeppelin, sus pilares musicales.

Una vez que tuvo la suficiente consciencia del mundo exterior, comenzó una búsqueda extenuante por hacer una banda y hacerse exitoso a costa de lo necesario.

Así fue como encontró a Stanley Eisen (Paul Stanley), otro adolescente judío que estudiaba Arte y empatizó con sus gustos musicales, pero sobretodo tenía el mismo objetivo: luchar para escribir su nombre en el firmamento de las estrellas más populares del rock.

Después de tocar con Wicked Lester, proyecto inspirado en The New York Dolls, Chaim Witz cambió su nombre a Gene Simmons y propuso la creación de KISS, con un concepto de banda en el que los integrantes tuvieran un personaje propio. Él decidió convertirse en un demonio/vampiro y comenzó a maquillarse influenciado por el teatro kabuki y algunos cómics de Marvel.

Con KISS, Simmons capitalizó al rock y lo convirtió en un modelo de negocio rentable con su espectáculo repleto de pirotecnia, maquillaje y hasta sangre. Como solista, tuvo colaboraciones interesantes en su álbum debut.

Figuras como Linda McCartney y Donna Summer, participaron en la segunda obra más vendida de los álbumes solistas que lanzaron los integrantes de KISS en 1978, antes de la llegada de su éxito comercial mundial con canciones como “I Was Made For Lovin’ You”.

A continuación presentamos 10 temas clásicos en los que el demonio expresó su personalidad:

God Of Thunder” – Destroyer (1976)

Plaster Caster” – Love Gun (1977)

Burnin’ Up With Fever” (con Donna Summer) – Gene Simmons (1978)

Radioactive” – Gene Simmons (1978)

See You Tonite” – Gene Simmons y Rock And Roll Over (1976)

She” – Dressed To Kill (1975)

Deuce” – KISS (1974)

Calling Dr. Love” – Rock And Roll Over (1976)

War Machine” – Creatures Of The Night (1983)

Rock And Roll All Nite” – Alive! (1975)


Hellow Festival 2017: LCD Soundsystem


La banda que revivió la música disco y construyó el camino del dance punk se presentará este 26 de agosto en el Parque Fundidora como parte del Hellow Festival 2017.


POR Héctor Elí Murguía  



Hellow Festival 2017: LCD Soundsystem

El renacimiento de la música disco en los años dosmil se filtró a través de la música de LCD Soundsystem, una de las bandas más revolucionarias de las últimas décadas. La razón, la creatividad de su fundador, James Murphy, para intervenir las estructuras de la música electrónica con un toque de funk e incluso un espíritu punk.

Nacido en 1970, Murphy creció en un suburbio en Nueva Jersey, donde tocó en varios grupos punk como Mystery Meat y Great. Después de obtener un título en lengua inglesa por la New York University, el músico se convirtió en el ingeniero de sonido de una banda de art-punk llamada Dungbeetle y juntos construyeron un estudio en Brooklyn.

La influencia de la música electrónica le llegó cuando en un día común de trabajo, Murphy recibió al veterano británico Goldsworthy, quien le compartió su disgusto por la escena musical de Nueva York. Posteriormente, esto incito que Murphy comenzara a hacer su propia carrera como DJ a pesar de no estar completamente interesado por la música dance, lo que le dio un dote de originalidad entre la escena pues en los clubes tocaba canciones de Can, Liquid Liquid, ESG y rarezas. Unos meses más tarde, Murphy y Goldsworthy formaron la discográfica DFA, en donde firmaron a bandas como The Rapture.

Fue con “Losing My Edge” que James Murphy debutó con LCD Soundsystem en las listas de popularidad. Su experimentación con el rock, el funk y el kraut, se vio reflejado en el álbum debut de la banda. Canciones como “Movement”, “Disco Infiltrator” y el sencillo explosivo “Daft Punk Is Playing At My House”, hicieron del álbum una pieza única de la primera década del siglo XXI.

Con Sound Of Silver, Murphy y companía reafirmaron su capacidad para resucitar las emociones de una pista de baile con temas como “North American Scum”, la melodía disco “Us V Them”, el poema urbano “New York, I Love You But You’re Bringing Me Down” y la clásica “All My Friends”, tema que los colocó en el pensamiento colectivo.

This Is Happening fue el álbum que cerró una trilogía impecable; la energía en los acordes de las guitarras, los sintetizadores, el potencial de la voz de Murphy y la experimentación rítmica con cencerros, se intensificaron en este álbum. El reflejo de estas producciones en vivo, magnifica la calidad de LCD Soundsystem como banda. Murphy fue un pionero que se inspiró en los sonidos antiguos para generar música nueva, una fórmula que sigue vigente.

En septiembre, la banda estrenará su quinto álbum de estudio titulado American Dream, una sátira de lo que se vive actualmente con el sueño americano y la ideología de gobernantes como Trump.

Con apenas 10 años de trayectoria, LCD Soundsystem ha cambiado la escena musical con canciones poco convencionales pero una creatividad inigualable. Bandas como !!! (Chk, Chk, Chk), Hot Chip, Simian Mobile Disco, entre otras, se han convertido en una generación que ha tomado como inspiración a la banda liderada por James Murphy.

A continuación presentamos una playlist con 10 canciones escenciales de LCD Soundsystem:


Escucha ‘A Deeper Understanding’, el nuevo álbum de The War On Drugs


El cuarto disco de la banda estadounidense podrá escucharse en línea durante 24 horas previo a su estreno oficial.


POR Héctor Elí Murguía  



Escucha ‘A Deeper Understanding’, el nuevo álbum de The War On Drugs

A Deeper Understanding, el nuevo álbum de The War On Drugs, ya puede escucharse en su totalidad a través de la página oficial de la agrupación. El disco estará disponible durante las próximas 24 horas previo a su estreno mundial.

El viernes 25 de agosto, la banda liderada por Adam Granduciel estrenará oficialmente este esperado material, mismo que podrá adquirirse en diversos formatos físicos y en versión digital. Hasta el momento, el grupo de Filadelfia ha compartido gran parte del disco; sencillos como “Pain”, “Holding On”, “Thinking of a Place”, “Up All Night” y “Strangest Thing” han sido liberados en las semanas pasadas.

Escucha aquí A Deeper Understanding, el nuevo álbum de The War On Drugs.


Morrissey anuncia un nuevo álbum


El cantante británico lanzará en noviembre de este año ‘Low in High School’, su onceavo disco como solista.


POR Héctor Elí Murguía  



Morrissey anuncia un nuevo álbum

Morrissey anunció el lanzamiento de un nuevo álbum titulado Low in High School, su undécima producción como solista y sucesor de World Peace Is None Of Your Business estrenado en 2014. Low in High School será publicado en noviembre, después de que el vocalista inglés se presente en el Hollywood Bowl de Los Ángeles.

“No hay muchos artistas en la actualidad que puedan compararse con Morrissey“, dijo Korda Marshall, ejecutivo de la disquera BMG. “Es un talento extraordinario, prodigioso, alfabetizado, ingenioso, elegante y sobre todo, valiente. Sus letras, humor y melodías han influido en muchas generaciones. La música de este nuevo disco hablará por sí misma y estamos encantados de darle la bienvenida a BMG”, comentó Marshall sobre la llegada del británico a la compañía discográfica.

El más reciente LP de Morrissey, estrenado en 2014, fue producido por Joe Chiccarelli, reconocido ingeniero de sonido que ha ganado varios premios Grammy por su trabajo con The White Stripes y The Raconteurs.


Escucha “Up All Night”, la nueva canción de The War On Drugs


Esta canción estará incluida en ‘A Deeper Understanding’, su nuevo álbum de estudio.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: The War On Drugs Facebook.

Escucha “Up All Night”, la nueva canción de The War On Drugs

The War On Drugs compartió “Up All Night”, un nuevo adelanto de su próximo álbum, A Deeper Understanding. El sucesor del aclamado Lost In The Dream incluye los sencillos “Thinking Of A Place”, “Holding On”, “Strangest Thing”, “Pain” y “Up All Night”.

La semana pasada, la banda liderada por Adam Granduciel estrenó “Pain”, sencillo que la banda ha promocionado en varios medios de comunicación como radio y televisión. A Deeper Understanding estará disponible a partir del próximo 25 de agosto.

Escucha la nueva canción de The War On Drugs a continuación:


Robert Plant compartió nueva música


El exvocalista de Led Zeppelin lanzará un nuevo álbum próximamente.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Facebook Robert Plant

Robert Plant compartió nueva música

Robert Plant compartió un extracto de una nueva canción a través de su cuenta de Twitter. Posiblemente, el track se titulará “A Way With Words” y formaría parte de su próximo álbum.

En 2014, el músico estrenó Lullaby And… The Ceaseless Roar, material con el que grabó por primera vez con su banda The Sensational Space Shifters. Hace poco el cantante confirmó que la agrupación también participará en su nuevo material.

Reportes indican que las sesiones de grabación del nuevo disco se han llevado a cabo en Gales; en los estudios Real World (propiedad de Peter Gabriel) y en Electric Lady Studios en Nueva York.

Escucha a continuación un fragmento de nueva música de Robert Plant:


Mira el debut de Liam Gallagher en televisión norteamericana


El músico británico interpretó dos canciones que vendrán incluidas en su nuevo álbum, ‘As You Were’.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Scott Kowalchyk/CBS

Mira el debut de Liam Gallagher en televisión norteamericana

Liam Gallagher hizo su debut como solista en la televisión nortemericana al presentarse en el programa de Stephen Colbert. Durante el show, el cantante británico interpretó “Wall Of Glass” y “For What It’s Worth”, sencillos que aparecerán en su disco debut titulado As You Were.

La semana pasada, Gallagher estrenó la versión de estudio de “For What It’s Worth” y comentó que es el tema más parecido a lo que hacía con Oasis, además de ser una canción en la que se disculpa por los errores que ha cometido.

As You Were estará disponible a partir del próximo 6 de octubre y hasta el momento se han dado a conocer los sencillos “Wall of Glass”, “Chinatown” y “For What It’s Worth”.

Mira a continuación a Liam Gallagher presentarse por primera vez como solista en la televisión norteamericana:


The Avalanches prepara su tercer álbum de estudio


Oficialmente, el colectivo australiano se encuentra grabando una nueva producción discográfica.


POR Héctor Elí Murguía  



The Avalanches prepara su tercer álbum de estudio

The Avalanches confirmó en sus redes sociales que ya se encuentra trabajando en el sucesor de Wildflower.

En una publicación de Instagram, Robbie Chater y Tony Diblasi dieron a conocer que han comenzado la producción de un nuevo disco. “LP#3-Day 1”, escribieron en el encabezado de la imagen que muestra una colección de vinilos.

El año pasado, The Avalanches regresó con su primer álbum en 16 años.

LP#3 – Day 1

Una publicación compartida de The Avalanches (@theavalanches) el


La nostálgica vibra de Wet Baes


Platicamos con el músico mexicano acerca de su personalidad, lo que le da sentido a su vida y sobre su más reciente material, ‘Changes’.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Daniel Patlán

La nostálgica vibra de Wet Baes

Hace un par de años, algunos músicos mexicanos se alimentaron fuertemente de la música proveniente de SoundCloud. Era un periodo en el que el vaporwave (género que satiriza la cultura popular occidental y oriental con música de los ochenta) comenzaba a ganar terreno en los oídos de los cazasonidos más hambrientos. En ese momento, nació un proyecto llamado Wet Baes, el álter ego del joven Andrés Jaime, quien inspirado en esa corriente artística, el funk, los sintetizadores y la música de antaño, le dio vida a un proyecto diferente en la escena nacional.

Foto: Daniel Patlán

Con tan sólo 20 años, el músico mexicano estrenó su álbum debut después de darse a conocer con canciones que recuerdan la época del synthpop. Con melodías de ensueño, sensaciones pop y sonidos inspirados en artistas como Justice, Phoenix, Blood Orange, Michael Jackson, George Michael y Sade, Wet Baes presentó Changes. Su concepto y su sonido proviene de las plataformas digitales de música; un universo alterno que pocos (en el mundo popular) se atreven a recorrer, sin embargo, Andrés ha entrado a ese lugar y ha salido con una colección de canciones que unen lo mejor de varias generaciones. Wet Baes transmutó del vaporwave y sus derivados a un sonido estético y digerible.

En una charla amena, Andrés cuenta cómo nació el nombre que le ha dado reconocimiento a lo largo del país: “Las primeras canciones que hice para el proyecto son una especie de intento por tomar la textura sonora de los ochenta. En esa época mi trip era totalmente ochentero. Cuando Wet Baes nació, los géneros de internet eran una realidad y tomaron los sonidos de los ochenta. Estaba el vaporwave, el future funk, artistas como St. Pepsi… entre otros. Tomar sampleos y todo este asunto ya estaba muriendo y a pesar de eso, yo quise entrarle”.

Wet Baes se ha presentado en los festivales más destacados de México. Desde el Carnaval de Bahidorá hasta el festival Anagrama, el músico ha conquistado el corazón de los más nostálgicos con canciones como “Midnight Caller” o “Dancing in the Dark”. “La mayoría de la gente que te va a ver no te conoce. Es chistoso porque me he dado cuenta que es mezclado. Hay gente que te sigue y va a los festivales para ver el show y hay otros que no te conocen pero comienzan a seguirte. No esperaba este tipo de reacciones. En todas las fechas siempre han habido fans y la conexión que he tenido con la gente ha sido muy chida”, comenta Wet Baes sobre sus seguidores.

Sobre Changes, su álbum debut, Andrés platica que el proceso creativo ha sido algo genuino y pensado con una estructura sólida: “Changes es un disco con el propósito de contar en ocho canciones una etapa de cambios y le puede quedar a cualquiera. Hay muchas cosas personales pero uno puede sentirse identificado y decir ‘eso también me pasó a mí’. Instrumentalmente hablando hay una conexión entre canción y canción. Todo el disco está compuesto bajo un mismo círculo de melodías por la misma razón. Que escuches cada una de las canciones y que en esos 30 minutos encuentres un mensaje y no solamente te eches ocho rolas porque sí. Últimamente, los álbumes se hacen así, meten muchas canciones y al final terminas escuchando tres… Por eso quise hacer sólo un trip”.

Roger Waters dice que si quieres hacer un álbum, este tiene que acariciarte de la misma forma, si tú cambias de forma radical, no servirá mucho. Tener un sólo viaje con la misma casa de melodías —como yo le llamo— te mantiene familiar, recuerdas el disco como una sola cosa, no como un paquete de mercancía musical”.

Wet Baes compone con Appleton Live pero también lo hace con sintetizadores análogos, bajo eléctrico y batería acústica, receta que le da un sazón especial a sus canciones. “Este disco tuvo mucha retroalimentación de amigos músicos, pero me cuesta trabajo hacer equipo con las personas porque todavía no puedo conectar con otros y que entiendan lo que traigo en la cabeza. Esta fue una de las razones por las que mi banda se separó. Me clavé para aprender producir además de tocar mis instrumentos. Aprendí a conocerme como músico y aprendí que mi forma de trabajar es esa”.

En la escena independiente mexicana, los músicos tardan un tiempo considerable para lanzar una producción, más aún, si estos no colaboran con una productora o un estudio de grabación: “Son meses de preproducción y producción, es un periodo largo. Para mí que soy productor de alcoba, no quise entrarle a la grabación de estudio. Con lo que iba ganando con los shows compré instrumentos y todo lo que necesitaba. En eso estuvo enfocado Changes, en que yo tuve el control por completo”, menciona el músico mexicano sobre su forma de componer y su método autodidacta.

Foto: Daniel Patlán

“Grabo una base rítmica, la dejo reposar y poco a poco la termino. Para mí, componer canciones es como cocinar un pastel. Cualquiera puede hacer un track pero no cualquiera le puede entregar un pedazo de vida. Creo que en eso consiste ser tu propio productor y en general eso sucede en la música. Mi manera de hacerla es saber bien qué es lo que quiero y darle parte de mí. Changes es resultado de darle tiempo a ese platillo musical.

Para finalizar la conversación, Andrés confiesa qué le preguntaría a sus más grandes ídolos: “Me hubiera gustado haberle producido a Michael Jackson, John Lennon y Justice. Le preguntaría a MJ qué cree sobre el sentido de mi canto y a Lennon le preguntaría sobre cosas un poco más místicas. Siento que ellos dos serían buenos críticos. Me gustaría preguntarles ‘¿Qué hay en ese mundo que te llevó a la grandeza? ¿Cómo le haces?’”.


Un nuevo color será nombrado en honor a Prince


“Love Symbol #2” es un tipo de púrpura que estará inspirado en el legendario músico.


POR Héctor Elí Murguía  



Un nuevo color será nombrado en honor a Prince

El Instituto Pantone del Color anunció “Love Symbol #2”, un nuevo color en homenaje a Prince. El color es un tipo de púrpura que estará inspirado en el piano del ícono del pop customizado por Yamaha.

Este instrumento formó parte de la última gira del músico. El nuevo color será utilizado en todo el material relacionado con Prince, de acuerdo a sus representantes legales, quienes informaron sobre esta noticia en un tuit: