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A 35 años del comienzo del miserabilismo de The Smiths


El primer álbum de la banda liderada por Morrissey fue lanzado en 1984.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: cortesía Rough Trade

A 35 años del comienzo del miserabilismo de The Smiths

Hace 35 años, Morrissey, Johnny Marr, Mike Joyce y Andy Rourke, comenzaron a escribir su corta pero trascendente existencia en las páginas de la historia de la música independiente.

El miserabilismo que, según varios autores describe a la “depreciación de la realidad” se materializó en su álbum debut lanzado el 20 de febrero de 1984 bajo el sello discográfico Rough Trade en Inglaterra y Sire en Estados Unidos.

Después de vivir un largo tiempo abatido por su fracaso en el periodismo musical y en la escritura, Steven Patrick Morrissey recibió la visita de John Martin Maher —quien posteriormente se daría a conocer como Johnny Marr—, un guitarrista que estaba en búsqueda de una banda donde pudiera expresar sus ideas sin limitaciones.

El día del primer encuentro fue un preámbulo de lo que vendría. Se dice que, al ver una colección variada de acetatos que contemplaba álbumes de The New York Dolls, The Clash y hasta de The Ronettes, Marr no dudó en unirse con el que sería su mano derecha en la creación de himnos de la melancolía que hasta la fecha son vigentes.

Previo al lanzamiento de su material discográfico debut, Moz y Marr ya habían trabajado en los primeros esbozos de su música. El primer sencillo del grupo, “Hand In Glove”, fue grabado en los estudios Strawberry —donde Joy Division le dio vida a “Love Will Tear Us Apart” tres años atrás— y lanzado un año antes.

The Smiths abre con “Reel Around the Fountain”, tema de seis minutos que trata sobre una experiencia sexual de un menor de edad con alguien mucho mayor. A este le siguen los lamentos de Moz hablando sobre “el terrible desastre que ha hecho de él” en “You’ve Got Everything Now”.

A la mitad del álbum, se encuentra la canción en la que se puede observar a detalle el talento musical del grupo británico: “This Charming Man”. En esta pieza, Andy Rourke y Mike Joyce dotan la parte rítmica de arreglos que provienen del funk y la música disco, mientras Marr le da lugar a un arpegio, aquella técnica que se usa para ejecutar nota por nota, que se convertiría en su sello personal.

A las estructuras melódicas de Marr, Moz agregó sus frustraciones sobre la sexualidad, la política de su país y la existencia misma en la lírica del disco, vislumbrando “el odio de lo maravilloso que se desencadena en ciertos hombres” —otra de las definiciones que se le da a la palabra miserabilismo.

“¿El cuerpo rige a la mente o la mente rige al cuerpo? No lo sé”, decreta Morrissey en “Still Ill”, aceptando que el ser humano no puede controlar del todo sus acciones, menos si se trata sobre las emociones. En “Suffer Little Children”, el cantante vuelve a tocar el tema de la pederastia escribiendo desde la perspectiva de dos niños que fueron abusados sexualmente en Mánchester.

Aunque el álbum debut de The Smiths no ha sido el disco más apreciado de su discografía, fue el comienzo de un lustro en el que una banda se atrevió a hablar sin tapujos del fracaso de la moral, de las buenas costumbres y de la plasticidad de la cultura británica.


50 años del álbum debut de Led Zeppelin, la obra de blues que definió al rock


Con su álbum debut, la banda creó una obra con la que el rock salió de su etapa psicodélica para ver la madurez.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: cortesía Atlantic Records / Warner Music

50 años del álbum debut de Led Zeppelin, la obra de blues que definió al rock

Hace cinco décadas, el mundo vio nacer una obra musical que se inscribió en la historia como uno de los testamentos más fieles del rock: el álbum debut de Led Zeppelin.

Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham, que hacia finales de los años sesenta apenas eran conocidos por su trabajo como músicos de sesión y una breve estancia en bandas que hacían homenaje a la música estadounidense, reinventaron la forma de interpretar el blues en un disco de 9 tracks.

Page, que en un principio solo quería rescatar a The Yardbirds –agrupación de la invasión británica por la que pasaron otros amantes del blues como Eric Clapton y Jeff Beck–, encontró el virtuosismo necesario en los otros tres músicos para convertirse en algo más que una simple banda británica que imitaba a los estadounidenses.

Inspirados en personajes como Willie Dixon, Muddy Waters y el folk de Joan Baez, la banda emergió de lo desconocido encontrando una fórmula única por medio de la improvisación. En los ensayos que originalmente se estaban llevando a cabo para resucitar el proyecto con el nombre de The New Yardbirds, Page y Plant dieron prioridad a crear canciones de su autoría como “Good Times Bad Times” y “Communication Breakdown”, los primeros sencillos comerciales. 

Después de unos meses de gira por territorio escandinavo, Peter Grant, manager contratado por Page para realizar la misma, vio un talento inimitable en los músicos y, sin tener un contrato firmado con algún sello discográfico, pagó para que la banda grabara su primer álbum. En tan solo 36 horas y con 2 mil libras esterlinas de presupuesto, los cuatro músicos grabaron el disco en los estudios Olympic con el mote de Led Zeppelin, nombre que surgió de una broma de Keith Moon (baterista de The Who), quien dijo que el grupo era tan malo que “podía descender como un globo de plomo”.

En cada uno de los temas, que oscilan entre canciones originales y covers, se muestra el talento de cada uno de los músicos; Bonham hace historia con su doble bombo en “Good Times Bad Times”; John Paul Jones hace lo propio con el bajo en la oscura “Dazed And Confused” y Robert Plant deja un legado imborrable en canciones “You Shook Me” y “I Can’t Quit You Babe” de Willie Dixon, donde las tonalidades altas de su voz apenas son superadas por otros grandes cantantes en la historia del rock como Freddie Mercury.

Los cuatro músicos no eran los primeros en interpretar el blues de una forma distintiva. The Rolling Stones, de hecho, debutaron haciendo covers de artistas como Muddy Waters, pero las cualidades que Zeppelin reflejó en su primer álbum fueron únicas.

Su capacidad interpretativa en vivo fue trasladada al álbum, desde lo experimental de tocar la guitarra con un arco de violín hasta improvisar solos extensos en cada uno de los instrumentos. Además, las técnicas de producción implementadas por Page alejando los amplificadores de los micrófonos para conseguir el sonido de reverberación que sería usado más tarde por bandas como Black Sabbath.

Led Zeppelin I llegó en 1969, un año que vería florecer algunos de los momentos más emblemáticos del rock como Woodstock o la presentación de The Rolling Stones en Altamont.

Con su álbum debut, la banda creó una obra con la que el rock salió de su etapa psicodélica para ver la madurez, inspirando los sonidos que llegarían en los años setenta como el punk, el heavy metal y el hard rock.


“El punk se ha gentrificado”: Marky Ramone en México


El exintegrante de la mítica banda punk se presentará el próximo 13 de diciembre en El Plaza Condesa para interpretar los mejores éxitos de los Ramones.


POR Héctor Elí Murguía  



“El punk se ha gentrificado”: Marky Ramone en México

Marky Ramone, baterista conocido por formar parte de la alineación de los Ramones desde 1978, regresará a Ciudad de México después de tocar el año pasado en el Vive Latino para ofrecer un show que alimente la nostalgia de todos los seguidores del punk.

Con motivo de esta visita, hablamos con él sobre sus inicios, cómo se ha transformado el concepto del género musical y cuál es su problema en la actualidad, así como de sus principales virtudes como músico.

Acerca de sus más vibrantes recuerdos del nacimiento de la escena punk en Estados Unidos, Marky comenta: “mi primer disco lo grabé en la preparatoria con Dust, una de las primeras bandas que tocaba en el CBGB”, la meca de ese movimiento musical del cual emergieron bandas como Talking Heads, Patti Smith, Television, Blondie, entre otros.

“Nos separamos. Técnicamente no teníamos los mejores músicos pero sí un estilo muy particular. Después entré a The Voidoids, donde pude encontrar la energía que necesitaba”, menciona. Antes de entrar a los Ramones y adoptar el apellido que hoy mantiene, Marky destacó en la escena neoyorquina al ser considerado para reemplazar a Billy Murcia, baterista de The New York Dolls que falleció en 1972.

Dentro de su lista de canciones propias favoritas, el músico conserva “Blank Generation”, un track que compuso junto al guitarrista Johnny Thunders, “I Wanna Be Sedated”, “Rock And Roll High School”, “The KKK took my baby away” y “Pet Sematary”.

“Siempre trataba de tocar distinto. No me obstinaba con una sola idea de cómo hacerlo. Intentaba aprender de escuchar todo tipo de música; desde bandas como Yes hasta blues, música clásica, lo que venía de la invasión británica. Todo para aprender y encontrar así mi sello personal”, señala.

Sobre Yes, representantes del rock progresivo —género que veía emerger algunas de sus más grandes obras al mismo tiempo que el punk— y el contraste que existía en los años setenta, donde también brotaron estilos como el disco y hasta el glam, Marky agrega: “El punk se trata de decir lo que dices en solo cuatro instrumentos. Es una suma de poderes sin pretensión a comparación de otro tipo de música como el progresivo, Emerson Lake & Palmer y esas cosas”.

“El punk se ha gentrificado. Hay muchos que se visten con Converse, tienen tatuajes y usan lentes oscuros y eso no es ser punk, así no funciona”, señala sobre la concepción de todo un movimiento social del cual se considera un personaje histórico.

“Hay muchas bandas de punk que son reales por lo que dicen, pero hay otras que no. Algunos que se involucran en el ámbito social y político, pero todo lo que tienen que decir está relacionado con el odio y eso no está bien”, menciona sobre la gestación de nuevas agrupaciones del género. “Por supuesto, tiene algo que ver con esta administración (el gobierno de Donald Trump). Los (supremacistas) blancos y el KKK están sobre nosotros, rodean la escena y de eso no se trata el punk”.

Sobre cómo formar un estilo único, Marky es enfático cuando es cuestionado sobre la originalidad de bandas como Greta Van Fleet, que ha sido criticada por imitar el sonido de bandas de la antigüedad como Led Zeppelin: “No me gusta que las bandas copien a otras bandas, cada quien debería tener su propio estilo. No me importa quien sea, no habrá otro Led Zeppelin, así que si ellos le copian a Led Zepp muy bien, pero deberían mostrar un poco de su propia personalidad”.

“Escuchar de todo forma de pronto tu estilo, tu propia personalidad. No es una sola persona diciéndote qué hacer, nunca me gustaron los maestros, pero por mi cuenta escuchando mi radio, así empecé”, concluye el baterista.


Rumbo a Trópico 2018: The Black Madonna


Marea Stamper regresa a nuestro país este fin de semana para encabezar la sexta edición de este festival que se celebra en Acapulco.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Aldo Paredes / cortesía de The Black Madonna

Rumbo a Trópico 2018: The Black Madonna

Después de una exitosa presentación en el festival Ceremonia 2017 y ofrecer un discreto show en el Bar Américas de Guadalajara este año, Marea Stamper, mejor conocida como The Black Madonna, regresará a nuestro país este fin de semana para musicalizar el festival Trópico en Acapulco.

En esta ocasión, la DJ y productora originaria de Chicago habló en entrevista sobre el significado de sus canciones originales y sus giras, las cuales describen a detalle el mensaje que busca transmitir en sus sets donde convergen la música disco y el house. Desde el comienzo de su carrera, Stamper busca ser más que una simple disc jockey. A través del feminismo y el catolicismo, dos ideologías que parecen contrastantes, la estadounidense ha forjado un punto de vista crítico pero también entusiasta.

We Still Believe, nombre de la gira con la que atravesó el continente americano para llevar su particular estilo a Europa este año, representa su postura frente a lo que acontece en su país, donde Donald Trump y sus secuaces han sembrado división hasta el cansancio: “El origen del concepto comenzó cuando estaba en una fiesta en Estados Unidos. Las palabras estaban en una caja cerca del escenario, y sentía que conectaban con la gente que estaba en ese lugar. Ese momento me inspiró para nombrar así lo que estaba haciendo y después lo lleve al resto del mundo”.

En cuanto a la música, existe una canción que podría describir las raíces de Stamper. “He’s the Voice I Hear” de 2017, el más reciente tema original que publicó, es un homenaje a sus ídolos y está inspirado en un pasaje poco conocido entre dos pioneros del house: “El título proviene de una frase de Frankie Knuckles. Cada vez que iba a presentarse, elevaba una oración a Larry Levan antes de tocar y cuando terminaba decía: ‘Él es la voz que escucho’. Fue muy especial para mi la forma en la que él encontró fuerzas. Hice la canción pensando en la gente que influyó en mí, en los que estuvieron antes que yo en esto”.

A seis años de su debut, su talento ha llegado a oídos de varios en la industria y por ello fue buscada para hacer el remix de “Electricity” de Silk City, proyecto conformado por Mark Ronson y Diplo: “Ya conocía la canción pues sonaba en la radio, recibí un correo invitándome a hacer el remix, escuche las mezclas individuales del tema y rápidamente acepté. Rehacer este tipo de canciones es muy rápido, porque son tracks de house y se vuelve sencillo encontrar el ‘gancho’”.

Además, fue contactada por Rockstar Games para formar parte del icónico videojuego Grand Theft Auto y ser un personaje más de la saga: “Ellos contactaron a mi equipo. Fui a Nueva York para hacer la captura de movimientos y tuve que actuar mis partes en frente de una audiencia como si fuera una DJ. Fue muy emotivo”.

Por si fuera poco, Stamper acompañará a The Chemical Brothers en el tour donde el dúo promocionará su próxima producción discográfica, No Geography. “Son una de las más grandes influencias que tengo, incluso más que la música underground que escucho. Sus discos son como reliquias para mí. Ellos contactaron a mi manager para unirme a la gira como invitada especial y era obvio que no podía decir que no”, expresa con alegría.

Este sábado 8 de diciembre, The Black Madonna llevará los ecos del house a Trópico, donde también se presentarán otros grandes exponentes de la música como Giorgio Moroder, De La Soul, Antibalas, Nicola Cruz, The Marias, Jacques y talento nacional como Wet Baes, Girl Ultra y el Instituto Mexicano del Sonido.


La resistencia musical de Roger Waters en la Ciudad de México


La leyenda musical no descansa: cada concierto es una remembranza de su importancia y legado.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Chucho Contreras

La resistencia musical de Roger Waters en la Ciudad de México

Sensible, politizado y más seguro que nunca de su legado, Roger Waters regresó a la Ciudad de México para presentar un espectáculo memorable en el Palacio de los Deportes, donde interpretó algunas de las canciones más emblemáticas de la discografía de Pink Floyd y parte de su más reciente material discográfico, Is This The Life We Really Want?, lanzado en 2017.

El show abrió con “Speak To Me” y “Breathe” continuando con “One of These Days”, uno de los temas que representan la transición entre el periodo en el que Syd Barrett fungía como líder de la banda y cuando Waters tomó el mando para convertirse en la mente creativa detrás de algunos de los discos más influyentes en la historia de la música.

Con “Welcome to the Machine” llegó el primero de varios momentos álgidos que pudieron sentirse a través de un espectáculo teatral que resulta difícil borrar de la memoria; al final del track, las voces de los mexicanos se unieron al espectacular sonido cuadrafónico característico de todos sus shows.

Después de interpretar “The Last Refugee” y “Picture That”, del más reciente disco, la nostalgia invadió el recinto con “Wish You Were Here”, “The Happiest Days of Our Lives” y las tres partes que forman la icónica “Another Brick in the Wall”, en la que un coro de niños mexicanos representaron una de las escenas culminantes de The Wall, cinta de 1982 con la que Pink Floyd escribió su lugar en la cultura pop.

En un receso de aproximadamente 20 minutos, Roger mostró diversas oraciones con la palabra resist (resiste), lema que usa la comunidad anti Trump para mostrar su oposición a la postura de la actual administración en Estados Unidos. Tras el interludio, una estructura formada por varias pantallas led descendió de la parte intermedia del Palacio de los Deportes formando la fábrica Battersea Power Station, locación elegida para la portada de Animals de 1977.

Durante la interpretación de “Dogs” y “Pigs”, los músicos y Waters mostraron su lado más teatral al usar máscaras de cerdos, haciendo alusión al texto que inspiró el álbum en cuestión, Rebelión en la granja de George Orwell, en el que la clase política es representada por estos animales.

Como era de esperarse, al concluir la interpretación de la última parte que forma The Dark Side of the Moon (“Money”, “Us and Them”, “Brain Damage” y “Eclipse”), Roger Waters se puso frente al micrófono para pronunciar su postura ante el contexto sociopolítico que vive el país.

Conmovido por la euforia de los asistentes, el músico tardó en hablar pero lo hizo agradecido: “Creo que todos nos merecemos los mismos derechos bajo la ley”, señaló sobre la situación de los migrantes que han cruzando la frontera sur de México para intentar llegar a Estados Unidos.

Apuntó directamente a un corporativo como responsable de crear divisiones en la Guerra en oriente: “No hay nada malo en ser exitoso y todo está bien en ser mexicano. Pero ésta empresa, Cemex, está construyendo la barrera de separación en Palestina. Si ustedes pueden, alcen la voz en nombre de nuestras hermanas y hermanos palestinos”.

Además, días antes de que Enrique Peña Nieto concluya su mandato, el británico se burló de la decisión del mandatario mexicano de condecorar al yerno de Donald Trump, Jared Kushner, con la máxima distinción que se otorga a figuras políticas internacionales en nuestro país. 

Finalmente, Roger Waters cerró el show con “Comfortably Numb”, mostrando que a sus 75 años, sigue formando parte de la resistencia, de aquellos que no desisten de la ardua tarea de mostrar la realidad del mundo a través de la música.

 


Morrissey en el Auditorio Nacional: Una noche más de miserabilismo


El cantautor británico regresó a nuestro país para ofrecer el primero de dos conciertos que tiene programados en la Ciudad de México.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Chucho Contreras

Morrissey en el Auditorio Nacional: Una noche más de miserabilismo

La noche del 22 de noviembre, Morrissey llegó a nuestro país para reafirmar su legado en el Auditorio Nacional, donde miles de mexicanos sublimaron desde sus más intrínsecas pasiones hasta su más insólita ausencia de vitalidad.

Después de las 9 de la noche, Morrissey arribó al escenario con la vestimenta que lo caracteriza: un blazer a modo, zapatos lustrados, un copete que apenas sobrevive por la pérdida del cabello y una playera escotada que tenía impreso el rostro de James Dean, una de las figuras que más han influido tanto en su discurso lírico como en su estilo visual.

Como ya es su costumbre, el show comenzó con una presentación de varios videos en el escenario, que le muestra al público parte de su ser a través de un homenaje a sus héroes musicales y las piezas de la cultura pop que le han inspirado a construir su agrio personaje a lo largo de más de 30 años.

En ese carrete de videos pueden verse a figuras como Patti Smith interpretando “Horses”, a David Bowie haciendo lo propio con “Rebel Rebel”, además de extractos de películas como L’Insoumis, cinta original de 1964 de donde The Smiths extrajó la fotografía que funcionó como portada de The Queen Is Dead de 1986.

La música llegó con un tema de The Smiths que Moz poco suele tocar en sus presentaciones, “William, It Was Really Nothing”, pista incluida en Hatful of Hollow de 1984, un álbum que oscila entre ser una compilación, pero también incluye canciones inéditas para ese año en específico en el que Morrissey debutó junto a Johnny Marr, Andy Rourke y Mike Joyce.

A este le siguió “Alma Matters”, un tema que forma parte de las canciones solistas que se popularizaron en la década de los noventa y donde el británico proyecta honestidad y parte de su esencia noble. Además de interpretar rarezas de The Smiths como “Is It Really So Strange?” del álbum Louder than Bombs, el británico detalló su lista de canciones con joyas de sus primeros álbumes como solista.

“Hairdresser on Fire” de Bona Drag, así como “Dial-a-cliché” y “Break Up the Family” de Viva Hate, recordaron la fuerza con la que Moz comenzó su carrera, alejado de los pleitos con disqueras y con sus antiguos amigos e integrantes de la banda que lo llevó al estrellato de la música independiente.

El momento más álgido del concierto se vivió en “If You Don’t Like Me, Don’t Look At Me” y “Life Is a Pigsty”, tracks poco usuales en sus presentaciones, pero con ellos Moz reafirmó su figura como el perfecto antishowman; un hombre que a sus casi 60 años sigue expresando odio por lo miserable que puede llegar a convertirse la propia existencia, que predica hasta el cansancio el evangelio del veganismo y que logra ser detestado por sus propios seguidores, en una industria donde lo que más importa es seducir hasta el cansancio.

La velada concluyó con esas canciones que Moz describió en la canción “Rubber Ring” de The Smiths como “las canciones que hacen llorar” y “que salvan la vida”. “Everyday Is Like Sunday” dejó secuela para un segundo encuentro entre los capitalinos y el rey del miserabilismo esta misma noche, el penúltimo viernes de noviembre.


10 canciones destacadas de Gene Simmons


El bajista de KISS cumple 69 años.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Alberto Cabello (Creative Commons)

10 canciones destacadas de Gene Simmons

La historia del demonio Gene Simmons se remonta a principios de los años cincuenta, cuando su nombre era Chaim Witz y solamente era conocido como otro de los niños israelíes que habían emigrado con su familia al barrio de Brooklyn, después de la Segunda Guerra Mundial.

El hambre por el éxito despertó en sus venas cuando vio a su madre como una de las sobrevivientes del Holocausto. Witz era un infante voraz e imitaba sin parar los acordes de The Rolling Stones, The Beatles y Led Zeppelin, sus pilares musicales.

Una vez que tuvo la suficiente consciencia del mundo exterior, comenzó una búsqueda extenuante por hacer una banda y hacerse exitoso a costa de lo necesario.

Así fue como encontró a Stanley Eisen (Paul Stanley), otro adolescente judío que estudiaba Arte y empatizó con sus gustos musicales, pero sobretodo tenía el mismo objetivo: luchar para escribir su nombre en el firmamento de las estrellas más populares del rock.

Después de tocar con Wicked Lester, proyecto inspirado en The New York Dolls, Chaim Witz cambió su nombre a Gene Simmons y propuso la creación de KISS, con un concepto de banda en el que los integrantes tuvieran un personaje propio. Él decidió convertirse en un demonio/vampiro y comenzó a maquillarse influenciado por el teatro kabuki y algunos cómics de Marvel.

Con KISS, Simmons capitalizó al rock y lo convirtió en un modelo de negocio rentable con su espectáculo repleto de pirotecnia, maquillaje y hasta sangre. Como solista, tuvo colaboraciones interesantes en su álbum debut.

Figuras como Linda McCartney y Donna Summer, participaron en la segunda obra más vendida de los álbumes solistas que lanzaron los integrantes de KISS en 1978, antes de la llegada de su éxito comercial mundial con canciones como “I Was Made For Lovin’ You”.

A continuación presentamos 10 temas clásicos en los que el demonio expresó su personalidad:

“God of Thunder”Destroyer (1976)

“Plaster Caster”Love Gun (1977)

“Burnin’ Up With Fever” (con Donna Summer) – Gene Simmons (1978)

“Radioactive”Gene Simmons (1978)

“See You Tonite”Gene Simmons y Rock And Roll Over (1976)

“She”Dressed To Kill (1975)

“Deuce”KISS (1974)

“Calling Dr. Love”Rock And Roll Over (1976)

“War Machine”Creatures of the Night (1983)

“Rock And Roll All Nite”Alive! (1975)


El origen de James Hetfield


El músico se inspiró en lo que vivió durante su niñez y adolescencia para crear grandes himnos con Metallica.


POR Héctor Elí Murguía  



El origen de James Hetfield

Descendiente de una familia de científicos cristianos, James Alan Hetfield se refugió en la música de Aerosmith, Queen, Led Zeppelin y Black Sabbath para soportar el dolor de la muerte de su madre, quien falleció debido al cáncer y a la negligencia médica de la secta religiosa a la que pertenecían sus padres. A los nueve años, James comenzó a tocar el piano y la batería. Poco después aprendió a tocar la guitarra, instrumento con el que se convirtió en uno de los guitarristas más destacados de los últimos años gracias a éxitos como “Enter Sandman”, “Master Of Puppets” y “Nothing Else Matters”.

James siempre estuvo en conflicto con los dogmas y la religión conservadora. Las letras de canciones como “Dyers Eve“, “Mama Said“, “Until It Sleeps” y “The God That Failed” están inspiradas en ese repudio en contra de la religión que su familia profesaba.

El guitarrista formó parte de Obsession, banda con la que tocaba covers de The Beatles, UFO, Aerosmith, Motörhead, Queen y Thin Lizzy. Poco tiempo después, Hetfield formó el grupo Phantom Lord y comenzó a componer sus propios temas. El nombre de la agrupación cambió a Leather Charm y Hetfield comenzó a presentarse en fiestas y logró grabar un demo. Posteriormente, James vio publicado un anunció del baterista Lars Ulrich para crear Metallica con Dave Mustaine. El resto es historia…


El día que Santana tocó en Woodstock


El guitarrista mexicano cumple 71 años y para celebrarlo recordamos su presentación en uno de los festivales más icónicos de la música.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Facebook Santana

El día que Santana tocó en Woodstock

En 1969, un joven mexicano capturó la atención de toda una generación con su virtuosismo en la guitarra. Carlos Santana, aprendiz del blusero Javier Bátiz, presentó al mundo una mezcla de cultura latina y anglosajona en uno los festivales más memorables de la historia: The Woodstock Music & Art Fair.

La importancia de Woodstock reside en la droga como un elemento clave de esa época, además de los históricos artistas que formaron parte del evento: Jimi Hendrix, The Who, Johnny Winter, Joe Cocker, Canned Heat, entre otros. Fue concebido como uno de los festivales más grandes en la historia de Norteamérica y por lo tanto, se hicieron presentes todo tipo de sonidos. Bill Graham, uno de los organizadores de Summer of Love y de este evento, fue el responsable de llevar al guitarrista mexicano al festival.

Santana subió al escenario a las dos de la tarde junto a su banda para interpretar una lista de canciones nuevas. La fusión de la música latina con el blues eléctrico de Chicago se escuchó en canciones como “Jingo”, “Persuassion” y “Evil Ways”, donde el tecladista Gregg Rolie tocó una de las piezas en teclado más estéticas y contagiosas.

En el final de la presentación, Santana había consumido mescalina para que, según el músico, la experiencia psicodélica de las últimas canciones fuera aún más viva: “Tomé mescalina y dije ‘cuando llegue la hora, me sentiré bien’”, comenta el guitarrista. Fue en “Soul Sacrifice” en donde, tanto Santana como los demás músicos, comenzaron a sentir los efectos del estupefaciente.

El joven percusionista Michael Shrieve imprimió su personalidad enérgica en un solo de batería que pocos han igualado mientras que Carlos imaginaba a su Gibson SG como una serpiente emplumada.

Fried Neckbones And Some Home Fries” fue el tema que cerró la ácida presentación del mexicano y su grupo, misma con la que se ganó un lugar en la historia no sólo por su talento sino por sorprender a los asistentes con un estilo único e inimitable.


10 canciones esenciales de Brian May con Queen


El legendario guitarrista británico cumple 70 años y lo celebramos recordando diez de sus composiciones más trascendentales.


POR Héctor Elí Murguía  



10 canciones esenciales de Brian May con Queen

El astrofísico y guitarrista Brian May cumple siete décadas de existencia. En los años setenta, May innovó con melodías en la guitarra a través de técnicas originales gracias a su creatividad musical y su conocimiento por el cosmos. Antes de crear Queen, May fue arreglista para músicos como Frank Musker, experiencia que lo inspiró para enfocarse en efectos que crearon múltiples armonías a través del contrapunto.

Desde el rockabilly hasta la música barroca, el guitarrista incorporó diversos matices en su estilo y compuso varias de las canciones más icónicas en la historia del rock.

A continuación, presentamos 10 canciones destacadas de Brian May con Queen:

Keep Yourself Alive” – Queen

Brian May pensó en una fórmula única en el estudio de grabación para el primer sencillo de la banda. “Keep Yourself Alive” comienza con un riff inspirado en una cabalgata y culmina con un solo que remite al sonido de Eric Clapton.

Brighton Rock” – Sheer Heart Attack

Con un estilo innovador, May combinó dos efectos delay y una distorsión que influyó tiempo después en el heavy metal. El solo está lleno de ritmos inconstantes y armonías que recuerdan los mejores momentos de Queen antes de la llegada de éxitos como “Bohemian Rhapsody” o “We Are The Champions”.

Stone Cold Crazy” – Sheer Heart Attack

De principio a fin, este tema influyó al thrash metal. La esencia de “Stone Cold Crazy” puede percibirse en obras como “Master Of Puppets” de Metallica o “Ace Of Spades” de Motörhead.

Bohemian Rhapsody” – A Night At The Opera

Además de lo evidente mostrado con el talento de Mercury en la composición, voz y actitud, la rapsodia edípica más famosa en la historia del pop cuenta también con el sello personal del guitarrista británico. En el puente de su obra magna, Brian May creó una de las transiciones musicales más icónicas con un solo de guitarra memorable.

Tie Your Mother Down” – A Day At The Races

En A Day At The Races, el rock & roll evolucionó en el riff principal de “Tie Your Mother Down”, canción en la que el guitarrista imprime su personalidad clásica a través de las escalas de blues.

More Of That Jazz” – Jazz

En uno de los álbumes más experimentales de Queen, May continuó con sus pruebas en el laboratorio sonoro y creó algunos de los temas más virtuosos de la banda. En “More Of That Jazz”, el músico incorporó un estilo oscuro con notas que inspiraron a bandas como Pantera.

Let Me Entretain You” – Jazz

En esta canción, Freddie Mercury persigue mediante su voz a Brian, quien toca un riff acelerado que bien podría haber compuesto Tommy Iommi, guitarrista de Black Sabbath.

Crazy Little Thing Called Love” – The Game

Elvis Presley llegó a los oídos de la generación de los ochenta gracias a “Crazy Little Thing Called Love”. La precisión rítmica de May y los arreglos vocales de Mercury hicieron de este tema un auténtico éxito de rock & roll.

Hammer To Fall” – The Works

En el ocaso de su carrera, Freddie Mercury y Queen decidieron componer piezas más nostálgicas después de haber lanzado canciones como “Radio Ga Ga”. En The Works, Brian May hace un homenaje a The Who en “Hammer To Fall”.

Innuendo” – Innuendo

Brian May consolidó su legado con la composición de “Innuendo”, canción que a través de sus diferentes pasajes muestra el virtuosismo del guitarrista en todas las versiones de su instrumento. Flamenco, hard rock y sonidos ambientales son reflejados en esta canción.


Rumbo al Corona Capital 2017: ¿Por qué tienes que ver a PJ Harvey?


Una de las artistas con mayor trayectoria en la escena musical se presentará este sábado en el Corona Capital 2017.


POR Héctor Elí Murguía  



Rumbo al Corona Capital 2017: ¿Por qué tienes que ver a PJ Harvey?

En un época donde el grunge dominaba y el britpop era una respuesta de orgullo, una voz femenina mostró un espíritu tan valiente como el Patti Smith.

Polly Jean Harvey, mejor conocida como PJ Harvey, no es una cantautora más. Comenzó su carrera a finales de la década de los ochenta con el músico John Parish y el ensamble instrumental Automatic Dlamini. Posteriormente, abrió nuevas posibilidades para expresar sentimientos a través del trío que formó con el bajista Steve Vaughan y el baterista Rob Ellis.

Con el trío, la artista grabó dos álbumes Dry (1992) y Rid Of Me (1993), trabajos que abrieron el camino del éxito a otras artistas como Karen O con los Yeah Yeah Yeahs y a la misma Alanis Morrissette. Los vestigios del punk y las letras en contra de la represión del sistema reflejaron una nueva etapa para las voces femeninas de ese momento. En 1992, Rolling Stone la premió como Mejor Nueva Artista y Mejor Cantautora, además de que en 1995 fue galardonada como Artista del Año.

En uno de sus álbumes más destacados es To Bring You My Love, PJ muestra lo irremediable del ser humano como una especie que falla y que constantemente tropieza tanto en en las relaciones sentimentales como en la vida solitaria. “Down By The Water” es una pieza que líricamente se narra una tragedia sobre una mujer que está debajo del agua y que apenas puede respirar debido a problemas existenciales. Esta imagen, además de encontrarse en las letras fue el concepto del disco. Por si fuera poco, el álbum fue producido por Flood, reconocido por haber trabajado con la oleada de artistas post punk como New Order, Nick Cave, Erasure y formó parte de la producción de The Joshua Tree y Achtung Baby, dos de los álbumes más exitosos de U2.

Además de ser una artista histórica importante, PJ Harvey refleja en su música un discurso de apoyo las causas sociales. En 2011, publicó Let England Shake, una obra que criticaba fuertemente al gobierno británico. Recientemente, la artista estrenó The Hope Six Demolition Project, un disco inspirado en un proyecto social que impulsa a las comunidades marginales llamado Hope Six.

PJ Harvey se presentará este sábado 18 de noviembre en el escenario Corona Light a las 20:00 horas.


Rumbo al Corona Capital 2017: ¿Por qué es importante ver a Foo Fighters?


Una de las mejores bandas de rock en el mundo será la encargada de encabezar el primer día de actividades en el Corona Capital 2017.


POR Héctor Elí Murguía  



Rumbo al Corona Capital 2017: ¿Por qué es importante ver a Foo Fighters?

Comenzar una banda después del suicidio de uno de tus mejores amigos es un hecho que a Dave Grohl se le criticó durante los primeros años de Foo Fighters, proyecto musical que se creó con la intención de seguir ofreciéndole al mundo nuevas alternativas musicales tras la muerte de Kurt Cobain, vocalista del grupo con el que alcanzó reconocimiento mundial: Nirvana.

Tras el lanzamiento de su primer disco —un demo de composiciones de Dave Grohl— el también cantautor le llamó a algunos músicos para comenzar de nuevo y renacer de las cenizas para concretar algunas piezas. Los involucrados fueron Pat Smear, guitarrista con el que había compartido escenario en Nirvana tan sólo un año antes, Nate Mendel (bajista) y William Goldsmith (baterista), personas que compartían el sentimiento de Grohl pues la agrupación a la que pertenecían se había desmantelado (Sunny Day Real).

Sin embargo, la pérdida es un sentimiento que hace crecer a las personas y por lo tanto, Dave Grohl pensaba a Foo Fighters como un proyecto más allá de la diversión. Quería que esta banda sobresaliera del resto sin experimentar más allá del rock (como lo hicieran Radiohead y otros grupos de la época) pero con la seriedad suficiente para sobrevivir los embates del tiempo y por ello, la alineación ha sufrido cambios en su ya extensa carrera. Con más de nueve álbumes en su discografía y éxitos como “My Heroe”, “The Pretender”, “Everlong” y “Best Of You”, Foo Fighters se ha convertido en una banda digna de tocar en estadios y lugares con audiencias masivas.

Además, el grupo norteamericano fue uno de las pioneros en burlarse de otros videos en MTV, una acción que los caracterizó en videos como “Big Me” y “Learn To Fly“, donde la diversión es el elemento principal y reírse de las contradicciones de la vida es el ingrediente secreto de la banda.

La pregunta clave es ¿por qué verlos en el Corona Capital? Es una obviedad si uno es adicto a las guitarras. El espectáculo de Grohl y compañía abarrota los oídos de melodías sincronizadas en las guitarras eléctricas tocadas por Dave, Pat, Chris y el bajo de Nate, quienes crean una atmósfera enérgica con estos instrumentos, además de la potencia que Taylor Hawkins le inyecta con su batería.

Pero esas no son las únicas razones por las que el show de Foo Fighters debe verse alguna vez en la vida, Dave Grohl se ha encargado de unir a distintas generaciones en sus conciertos con varios tributos. No faltará “Inmigrant Song” o “Black Dog” de Led Zeppelin o alguna versión propia de “Blackbird” de The Beatles para que los clásicos sean apreciados por los más jóvenes.

Foo Fighters representa la evolución del rock hasta nuestros días. Con su más reciente producción discográfica, Concrete And Gold, la banda liderada por Dave Grohl demuestra que el género no está muerto y que aún se puede confiar en guitarras y en baterías para generar sentimientos en las personas. El rock sigue vigente con Foo Fighters.

Este sábado 18 de noviembre, Dave Grohl y compañía se presentarán a las 23:10 horas en el escenario Corona como parte de la nueva edición del Corona Capital.


CD: ‘Universal High’ – Childhood


La herencia del soul y el britpop.


POR Héctor Elí Murguía  



CD: ‘Universal High’ – Childhood

Universal High

Childhood

Marathon Artists Limited

Childhood heredó el sonido de The Stone Roses y la camada de artistas británicos que influyeron al britpop. La banda proveniente de Brixton lanzó su segundo álbum de estudio con una producción minuciosa en cada arreglo musical. Universal High es una muestra de la metamorfosis del rock inglés. La reminiscencia de artistas como Simply Red, Stevie Wonder y la neopsicodelia de Primal Scream, se hacen presentes en cada segundo del disco. Podría tratarse del What’s Going On (de Marvin Gaye) en su versión londinense.


CD: ‘Need to Feel Your Love’ – Sheer Mag


Un recorrido por los años setenta.


POR Héctor Elí Murguía  



CD: ‘Need to Feel Your Love’ – Sheer Mag

Need to Feel Your Love

Sheer Mag

Wilson RC

Una combinación poderosa de riffs setenteros, espíritu punk y una voz única, musicalizan este álbum debut. La evolución del rock en 2017 es retratada en un viaje a través del tiempo donde el funk, el disco y melodías pop convergen con facilidad. La fórmula no es compleja, Sheer Mag utiliza los recursos musicales de los baby boomers para crear su propia cosecha sin pretensiones. De principio a fin, el álbum incluye con una descarga de energía caudalosa que invita a las generaciones jóvenes a dejar por un momento los éxitos radiables y escuchar con emotividad algún disco de David Bowie.


Hellow Festival 2017: LCD Soundsystem


La banda que revivió la música disco y construyó el camino del dance punk se presentará este 26 de agosto en el Parque Fundidora como parte del Hellow Festival 2017.


POR Héctor Elí Murguía  



Hellow Festival 2017: LCD Soundsystem

El renacimiento de la música disco en los años dosmil se filtró a través de la música de LCD Soundsystem, una de las bandas más revolucionarias de las últimas décadas. La razón, la creatividad de su fundador, James Murphy, para intervenir las estructuras de la música electrónica con un toque de funk e incluso un espíritu punk.

Nacido en 1970, Murphy creció en un suburbio en Nueva Jersey, donde tocó en varios grupos punk como Mystery Meat y Great. Después de obtener un título en lengua inglesa por la New York University, el músico se convirtió en el ingeniero de sonido de una banda de art-punk llamada Dungbeetle y juntos construyeron un estudio en Brooklyn.

La influencia de la música electrónica le llegó cuando en un día común de trabajo, Murphy recibió al veterano británico Goldsworthy, quien le compartió su disgusto por la escena musical de Nueva York. Posteriormente, esto incito que Murphy comenzara a hacer su propia carrera como DJ a pesar de no estar completamente interesado por la música dance, lo que le dio un dote de originalidad entre la escena pues en los clubes tocaba canciones de Can, Liquid Liquid, ESG y rarezas. Unos meses más tarde, Murphy y Goldsworthy formaron la discográfica DFA, en donde firmaron a bandas como The Rapture.

Fue con “Losing My Edge” que James Murphy debutó con LCD Soundsystem en las listas de popularidad. Su experimentación con el rock, el funk y el kraut, se vio reflejado en el álbum debut de la banda. Canciones como “Movement”, “Disco Infiltrator” y el sencillo explosivo “Daft Punk Is Playing At My House”, hicieron del álbum una pieza única de la primera década del siglo XXI.

Con Sound Of Silver, Murphy y companía reafirmaron su capacidad para resucitar las emociones de una pista de baile con temas como “North American Scum”, la melodía disco “Us V Them”, el poema urbano “New York, I Love You But You’re Bringing Me Down” y la clásica “All My Friends”, tema que los colocó en el pensamiento colectivo.

This Is Happening fue el álbum que cerró una trilogía impecable; la energía en los acordes de las guitarras, los sintetizadores, el potencial de la voz de Murphy y la experimentación rítmica con cencerros, se intensificaron en este álbum. El reflejo de estas producciones en vivo, magnifica la calidad de LCD Soundsystem como banda. Murphy fue un pionero que se inspiró en los sonidos antiguos para generar música nueva, una fórmula que sigue vigente.

En septiembre, la banda estrenará su quinto álbum de estudio titulado American Dream, una sátira de lo que se vive actualmente con el sueño americano y la ideología de gobernantes como Trump.

Con apenas 10 años de trayectoria, LCD Soundsystem ha cambiado la escena musical con canciones poco convencionales pero una creatividad inigualable. Bandas como !!! (Chk, Chk, Chk), Hot Chip, Simian Mobile Disco, entre otras, se han convertido en una generación que ha tomado como inspiración a la banda liderada por James Murphy.

A continuación presentamos una playlist con 10 canciones escenciales de LCD Soundsystem:


Escucha ‘A Deeper Understanding’, el nuevo álbum de The War On Drugs


El cuarto disco de la banda estadounidense podrá escucharse en línea durante 24 horas previo a su estreno oficial.


POR Héctor Elí Murguía  



Escucha ‘A Deeper Understanding’, el nuevo álbum de The War On Drugs

A Deeper Understanding, el nuevo álbum de The War On Drugs, ya puede escucharse en su totalidad a través de la página oficial de la agrupación. El disco estará disponible durante las próximas 24 horas previo a su estreno mundial.

El viernes 25 de agosto, la banda liderada por Adam Granduciel estrenará oficialmente este esperado material, mismo que podrá adquirirse en diversos formatos físicos y en versión digital. Hasta el momento, el grupo de Filadelfia ha compartido gran parte del disco; sencillos como “Pain”, “Holding On”, “Thinking of a Place”, “Up All Night” y “Strangest Thing” han sido liberados en las semanas pasadas.

Escucha aquí A Deeper Understanding, el nuevo álbum de The War On Drugs.