Archivo del Autor: Michelle Angell

Hinds en México


Las españolas regresan a nuestro país con guitarras nuevas, un segundo álbum en proceso y energía renovada.


POR Michelle Angell  



Cortesia de Terrícolas Imbéciles.
Cortesia de Terrícolas Imbéciles.

Hinds en México

Desde la última vez que visitaron la Ciudad de México, Carlotta Cosials, Ana García, Ade Martín y Amber Grimbergen han estado, en palabras de Ana, “hasta arriba y sin parar, pero ha sido genial”.

Después de dar un caótico salto a la fama –aunque sin duda exitoso– las madrileñas han recorrido el mundo presentando su álbum debut Leave Me Alone al lado de bandas como The Strokes, The Vaccines, The Libertines y Black Lips. Han ofrecido conciertos en importantes festivales musicales de la talla de Coachella y Lollapalooza.

Ahora, listas para estrenar un segundo álbum, vuelven a México para tocar un íntimo show en El Imperial. Dicha presentación sufrió ciertos contratiempos ya que tuvieron que cambiar de venue. Tras hacerse pública la noticia, recurrieron a sus redes sociales para informales a sus fans que se encontraban en búsqueda de otro recinto. “No importa dónde ni cuándo, Hinds no cancela”.

Cortesia de Terrícolas Imbéciles.

Cortesia de Terrícolas Imbéciles.

La composición del nuevo LP ha sido un proceso retador para ellas, entre la expectativa del público y sus propios estándares. Aseguran que el componer en inglés siempre les ha gustado y que cada vez se sienten más acopladas al idioma.

“Al principio era difícil, sobre todo en entrevistas porque sentíamos que no podíamos traducir nuestra personalidad, sin embargo todo ha ido fluyendo con éxito. Hemos estado como locas componiendo, haciendo giras y grabando. Ha sido complicado pero creo que tenemos buenos resultados. Nos encanta tocar en directo pero todo ha sido tan rápido y fuerte desde el principio que no ha existido ningún tipo de control en nuestros horarios: ni dónde comes, a dónde vas, dónde meas. Nos encanta salir de gira pero los días tranquilos han tomado una importancia que antes no tenían”, relata Ana, una de las vocalistas del grupo.

Entre risas me cuenta como ciertas personas en redes sociales han confundido el nombre de la banda con el de una crema humectante, hecho que les ha robado un par de carcajadas.

Al profundizar en los detalles de su próximo concierto en la Ciudad de México, comenta: “Estamos más emocionadas que el público mexicano. La primera vez que estuvimos llevábamos dos años girando por todo el mundo; ya habíamos ido a Japón, Singapur y de pronto ir a un sitio latinoamericano fue increíble, poder hablar en nuestro idioma, entendernos con la gente. En verdad estamos ansiosas por regresar”.

No te pierdas la presentación de Hinds esta noche en El Imperial.

Si quieres ganar un disco autografiado por Hinds contesta las siguientes preguntas correctamente y envía tus respuestas con tus datos completos a rollingmexico@rollingstone.com.mx

LOS GANADORES SERÁN NOTIFICADOS POR CORREO ELECTRÓNICO.

1. ¿En qué programa de televisión estadounidense se presentaron el año pasado?
2. Ana y Carlotta grabaron el sencillo “Holograma” con otra banda española. ¿Con cuál?

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Canciones en la mente


Siddhartha detalla cuál es la constante de su arte y cómo satisface su necesidad de expresión.


POR Michelle Angell  



siddhartha

Canciones en la mente

“Desde un principio le tuve un cariño muy especial”, revela el músico sobre su sencillo “Ser parte”, incluido en Únicos, su producción musical más reciente. El tema habla de aquella intimidad espiritual y emocional que se alcanza con la persona que amas, el músico considera que aquella es una interacción mucho más profunda que la física, en ciertos niveles. “Este es el disco que más natural ha salido para mí, sin tantos tropiezos. A veces no encuentras el arreglo o el riff adecuado, pero al final el rompecabezas queda como debe de quedar”.

El álbum fue compuesto casi en su totalidad en la playa, lo que podría explicar la desnudez que se refleja en las letras del músico. “Un ambiente totalmente amigable, relajado. Algo natural porque no hubo una depuración de temas, compuse 10 y esos fueron los que se quedaron. La letra de casi todas las canciones funcionó como una improvisación, puse la grabadora y trabajaba sobre la base rítmica, sólo cantando la música que había en mi mente. La constante de mi trabajo siempre ha sido la libertad y la pasión por lo que hago”.

Seis meses antes de que el viaje de Únicos comenzara, Siddhartha ya tenía clara las primeras raíces de “Ser parte”. “Fue el primer tema en el que trabajé en la playa, tenía seis meses escuchando la música del sencillo
en mi cabeza, lista para salir. Pronto ya tenía un mini borrador de por lo menos el coro, así que sólo dejé que las canciones de mi cabeza tomaran forma, fue compuesto primero como una idea, sin siquiera un instrumento”. El suave y terso tema lleva al escucha a contemplar, a buscar ser parte de un entorno de paz con “metáforas de unión” que el artista logró ilustrar tan detenidamente que son casi palpables.

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Rescatar lo natural


Previo a la presentación que conmemora sus 20 años de trayectoria, Chetes confiesa en una íntima entrevista la coherencia detrás de sus ‘Stereotipos’.


POR Michelle Angell  



Foto: Facebook Chetes
Foto: Facebook Chetes

Rescatar lo natural

“Siempre hago las cosas con el mismo amor”, asevera Luis Gerardo Garza, mejor conocido como Chetes. El músico se refiere a los diferentes retos en los que se ha embarcado a lo largo de su carrera, desde Zurdok y Vaquero hasta su proyecto solista, con grandes colaboraciones bajo la manga como el éxito “16 de febrero” al lado de Meme (Café Tacvba). “De cierta forma con este show planeo rescatar todos estos aspectos de mi carrera y compartirlos”.

Con su clásico y encantador acento regiomontano, discute los pormenores de este concierto que signifca mucho para él, un espectáculo que se traduce en una oportunidad para inmortalizar sus ritmos, letras y el afecto bilateral que comparten su público y él. “Pienso invitar a varias personas a mi show pero no será planeado por estrategias de marketing con afán de vender más. Es decir, no voy a hacer algo como Metallica con Lady Gaga (risas), por el contrario creo que mantendré la coherencia y lo natural de lo que soy y en lo que me convierto al colaborar con otros músicos”.

Stereotipos es más que el reciente trabajo de estudio de Chetes, es un álbum multifacético que le ha permitido explorar los límites de sus asperezas, aprender a respetar lo orgánico, lo natural, para crear así algo mucho más honesto, sin obsesión por cuidar los detalles. “Hoy en día cualquier nimiedad es arreglada en post producción, se percibe saturado. A mí me gusta escuchar la respiración entrecortada del cantante al terminar un verso, o incluso el requinto de la guitarra antes de soltar la primera nota. Creo que eso lo vuelve mucho más valioso, al menos para mí”.

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20 años de curar con música


Placebo invitó al público mexicano a su gran celebración.


POR Michelle Angell  



Foto: Priscila Núñez
Foto: Priscila Núñez

20 años de curar con música

La nostalgia invadió al Pepsi Center WTC aproximadamente a las 21:26 horas de la noche de ayer. El inconfundible riff inicial de “Pure Morning” anunció que Brian Molko y Stefan Olsdal ya se encontraban de pie en el escenario. Tan sólo minutos antes, se proyectó el video de “Every Me and Every You” en las pantallas, con visuales que conmemoraban los 20 años de trayectoria de los británicos. Las luces se apagaron y los gritos disiparon las dudas, Placebo no cancelaría esta vez.

La melancolía que viajó desde los años noventa, comenzó a percibirse en los rostros de los asistentes, que por momentos dejaron de disfrutar del concierto a través de sus celulares y se dedicaron a cantar cada letra de éxitos como “Special Needs”, “Loud Like Love” y “Twenty Years”.

Brian Molko dedicó unas palabras en español a su público —con un acento que podría haberse originado en Madrid— antes de continuar con las concesiones, interpretando cada uno de los hits.

Hace falta recurrir a un tecnicismo para explicar el efecto que tiene la banda en el público mexicano. Placebo: sustancia que, careciendo por sí misma de acción terapéutica, produce algún efecto favorable en el enfermo, si este la recibe convencido de que esa sustancia posee realmente tal acción.

El grupo cumple 20 años de “curar” corazones rotos con frases como: “Soulmates never die”, otorgándole a quien lo escucha el efímero placer de sentirse mejor.

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

La noche fue emotiva. Tras interpretar “Without You I’m Nothing” como una especie de tributo a David Bowie, las ovaciones se acrecentaron. Molko se vio en la necesidad de parar por un segundo y dejar que aquella satisfacción lo invadiera. El agradecimiento se proyectó en su rostro.

Placebo anunció el fin, quizás uno amargo (después de tocar “The Bitter End”), pero regresó en dos ocasiones más.

Las frases de Kate Bush en la voz de Brian Molko culminaron con la celebración, mientras cada uno de los asistentes imaginaba una historia distinta al corear “Running Up That Hill”.

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Placebo escoge a México a menudo. Sin embargo, la noche de ayer México escogió a Placebo para musicalizar su historia, tal vez, por otros veinte años más.

Setlist de la noche:

1. “Every Me and Every You” (Video)
2. “Pure Morning”
3. “Loud Like Love”
4. “Jesus’ Son”
5. “Soulmates”
6. “Special Needs”
7. “Lazarus”
8. “Too Many Friends”
9. “Twenty Years”
10. “I Know”
11. “Devil in the Details”
12. “Space Monkey”
13. “Exit Wounds”
14. “Protect Me from What I Want”
15. “Without You I’m Nothing”
16. “36 Degrees”
17. “Lady of the Flowers”
18. “For What It’s Worth”
19. “Slave to the Wage”
20. “Special K”
21. “Song to Say Goodbye”
22. “The Bitter End”

Primer encore:
23. “Teenage Angst”
24. “Nancy Boy”
25. “Infra-red”

Segundo encore:
26. “Running Up That Hill (A Deal with God)”

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

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Los límites de la creatividad


Matt and Kim revelan los detalles de su próxima presentación en el festival Pa’l Norte y hablan sobre los mejores momentos de su carrera.


POR Michelle Angell  



Foto: Facebook Matt and Kim
Foto: Facebook Matt and Kim

Los límites de la creatividad

“Los últimos meses del año 2016 nos dimos un pequeño espacio fuera de los escenarios, por lo que volver a tocar en vivo es algo que nos hace mucha ilusión”, asegura Matt, la voz masculina del dueto neoyorkino Matt and Kim.

Previo a su presentación en el festival Pa’l Norte de este año, la banda se confiesa sumamente emocionada por regresar a México (habían visitado la ciudad con anterioridad para ofrecer un show hace un par de años). “En realidad en el escenario somos bastante divertidos. Tratamos de inyectarle una energía distinta a cada presentación”, asevera el vocalista.

Y es que además de tener un set de temas predeterminado, con una selección específica de canciones, la pareja disfruta de la improvisación. “Nos gusta hacer del show una fiesta, hacemos covers de canciones que nos gustan o que sabemos que animarán al público, en realidad nos concentramos en lo que vamos sintiendo en el momento, digamos que es una cierta conexión con la audiencia. Jugamos con la acústica del lugar, la actitud de la gente y hasta el clima”, detalla.

Por otro lado, sin descuidar su carrera musical, el dueto se ha dedicado a filmar y compartir una serie de videos en YouTube. Dichas imágenes han sido producidas y dirigidas por los músicos recientemente, buscando proporcionar a sus fans una mejor visión de lo que son como personas, no sólo como artistas.

“Después de cinco álbumes buscamos un reto distinto. No es coincidencia que seamos Matt and Kim, nos llamamos así porque más que músicos somos individuos y queremos mostrarnos de esa forma”. Kim y yo nos conocimos en la escuela de arte, yo hacía cine y ella ilustración, accidentalmente nos convertimos en una banda pero nuestras ganas de expresarnos de distintas maneras prevalecen”.

Dado a que sus inicios como agrupación fueron sumamente mediáticos, este tipo de proyectos les han funcionado sumamente bien entre sus seguidores. “No puedes poner el arte en una caja, ser una persona creativa excede cualquier límite. Sé que muchas bandas crean primero un concepto con cuál trabajar, pero nosotros lejos de tener un concepto, comenzamos con un sentimiento. Creo que hasta el momento hemos logrado nuestras metas encontrando el balance perfecto sin querer matarnos uno al otro y eso se refleja en el escenario”, confiesa el músico entre risas.

La banda pondrá a bailar a los asistentes del festival Pa’l Norte la primera tarde del mes de abril y buscará demostrar sobre territorio regiomontano que al final, los limites de la creatividad no existen.

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Infección de amor


‘Heartworms’, el quinto álbum de estudio de The Shins, explora los límites de la empatía y el dolor.


POR Michelle Angell  



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Infección de amor

“Nunca había visto tanta nieve”, relata James Mercer del otro lado de la línea. Acaba de filmar un nuevo video para lo último de The Shins en Las Vegas y el regreso a su hogar se retrasó un par de días debido al clima. “Estoy feliz de estar en casa”, admite el intérprete de 46 años.

Heartworms es el título que escogió para la siguiente producción musical de la banda, un nombre sugestivo que encierra uno de los padecimientos más comunes entre los seres humanos: Infectarse de amor. “Todo el álbum lo produje yo mismo. Las ideas iban fluyendo mientras tomaba café y jugaba con la progresión de acordes en mi guitarra”. Mercer actualmente divide su tiempo entre dos proyectos: The Shins y Broken Bells [un grupo formado al lado del productor Brian Burton mejor conocido como Danger Mouse]. “Usualmente todo lo que escribo en mi casa lo destino para The Shins, para Broken Bells sólo componemos estando juntos (Brian y yo)”.

A Name For You” fue el segundo sencillo que dio a conocer la banda como parte de este nuevo disco (“Dead Alive” el primer acercamiento al álbum). La letra de la canción le habla específicamente al género femenino y admite cómo siempre existe un nombre para describir lo que una mujer usa, viste y piensa. Al haberse casado y tener dos hijas, el intérprete se con esa mucho más sensible ante este tipo de situaciones. Sin embargo, el sencillo fue escogido por la disquera y su management, siendo la decisión que más gustaría a los fans nuevos y de antaño, por la manera en la que fue producida y el sonido tan característico que emite.

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Sonidos nómadas y mentes coloridas


Britt Daniel de Spoon desmenuza el espectro detrás de ‘Hot Thoughts’, su más reciente producción discográfica.


POR Michelle Angell  



Foto: Kris Krug
Foto: Kris Krug

Sonidos nómadas y mentes coloridas

Britt Daniel escogió la Ciudad de México para vacacionar. El encuentro tuvo lugar en la colonia Roma. Vestido de negro de pies a cabeza, con el cabello rubio, casi pelirrojo sobresaliendo entre la decoración, me recibió con una sonrisa. “Espero que tengas buenas preguntas”, bromeó expectante. Estábamos sentados en una habitación con un toque clásico, un piano, cerrado, nos acompañaba después de haber escuchado el más reciente álbum de Spoon, Hot Thoughts en un estudio aledaño.

Es un disco especial, cercano incluso; Britt hablaba orgulloso del camino que acababa de recorrer al lado del LP. “Escribir canciones siempre es difícil. Hay días en los que todo fluye y te sientes en la cima del mundo, hay otros que todo se vuelve lento, especialmente al inicio. El solo hecho de empezar es difícil. Hot Thoughts fue grabado en el estudio de Dave Fridmann, en Casadega, Nueva York. El lugar está en la mitad del bosque y estuvimos dos semanas encerrados, a veces sentía que me volvía loco”, aseveró el músico. En esos días, la banda tenía demasiado trabajo, Britt relató que salir a correr despejaba su mente, con la voz de Prince resonando en sus audífonos. “Soy una especie de nómada, todos los músicos lo somos.

Realmente te acostumbras a la vida de giras y de pronto quedarte en un mismo sitio por mucho tiempo puede ser letal”. Pero el cantante no era el único integrante de la banda que sentía que estaba a punto de perder la cordura, Alex empezó y terminó el videojuego Doom en un mismo día, pese al aburrimiento. “Llegó a tal punto que un día Jim me pidió que le pusiera un extinguidor en los pantalones, para ver qué sucedía. No digas que te dije, o tal vez sí, de todos modos no creo que entienda español”, mencionó entre risas.

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Rompiendo las reglas


Jimmy Eat World y sus nuevas direcciones.


POR Michelle Angell  



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Rompiendo las reglas

“No te preocupes, tengo café”, me tranquiliza Jim Adkins a imperdonables horas de la mañana.
Jimmy Eat World, banda que musicalizó la adolescencia de varias generaciones, se preparaba para estrenar su noveno álbum de estudio, Integrity Blues.
Crecimiento, profundidad y cambio son algunos de los adjetivos que escoge el vocalista, describiendo con emoción palpable lo que depara su futuro musical.
“Solía escribir desde un lugar mucho más oscuro, más ambiguo. Creo que Damage encerró todas aquellas inquietudes y arrojó la llave a otro lugar muy lejos de aquí. Ahora escribo sobre salir adelante, exploro lo que ocurre después de que decides solucionar el problema”.
Para Adkins tener una disquera fija es algo irrelevante, “te vuelves una marca personal, de pronto ya no eres músico, sino un producto”, por lo que a través de los años la banda ha ido escogiendo distintos representantes para comercializar su música.
En este mundo hay un deseo palpitante que revolotea en nuestras cabezas, unas profundas ganas de tener la razón. “Integrity Blues es sobre no tener la razón. Imagina que estás en la mitad de una discusión, ¿en verdad tienes ganas de poseer la verdad absoluta? ¡No! En realidad sólo quieres tener paz contigo mismo, lo demás es puro instinto”.

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Donde todo comienza


Crystal Fighters, habla sobre cómo integra su música a la inmensidad de la naturaleza en ‘Everything is My Family’


POR Michelle Angell  



Foto: Facebook Crystal Fighters
Foto: Facebook Crystal Fighters

Donde todo comienza

Con aire reflexivo, Sebastian Pringle se prepara para hablar de algo cercano a él, de su música, entorno, de su yo interno. Everything is My Family es el tercer álbum de estudio de Crystal Fighters, pero además de eso, refleja un camino rocoso que ha tenido que recorrer. Un pasaje en el que la poesía, la inspiración y la naturaleza se integran, uno donde todos somos familia. En su debut con Star of Love de 2010 y habiendo cambiado su alineación en repetidas ocasiones, la banda decidió alternar el enfoque de su prosa por uno mucho más positivo que el del año pasado. “Al inicio, nuestros shows en vivo y todo el espectro del grupo estaba inspirado por la poesía que escribía el abuelo de uno de nuestros amigos. Era muy dramático y nos encantaba mezclarle la música. Así fue como empezó y gradualmente hemos tratado de
crear un viaje sonoro distinto”.

Y es que a pesar de ser originarios de Londres, Inglaterra, poseen un secreto a voces con los encantos de Latinoamérica, una conexión llena de sensualidad y experiencia. “Simplecito”, el track que le da inicio al álbum fue grabado en Sudamérica. “Todos los días meditaba con dos maestros peruanos. Al comenzar cada sesión, decían una especie de rezo. El último día que estuve ahí me acerqué y les pedí si los podía grabar”. Al ponerle play se puede escuchar: “Abre las mentes, abre el espíritu del alma. A veces nos hace renacer”, recitan los expertos.

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P&R: Charli XCX


La joven británica habla del feminismo, de escribir para otros artistas y de su gusto por salir de fiesta.


POR Michelle Angell  



CHARLI-XCX

P&R: Charli XCX

Charli XCX entra en la sala con aire relajado, viste un jumper blanco con una gorra negra que destaca su estilo. Estira su mano para saludarme y se presenta, sonríe y toma asiento. Inmediatamente comienza a describir su experiencia en la ciudad. “La Ciudad de México tiene una energía increíble”.

La cantante con aire reflexivo, recuerda su yo de hace algunos años. Una adolescente de 14 que escribía canciones en papel. Quién diría que aquella niña estaba dándole vida a los temas que se escucharán en el próximo disco de Blondie.

¿Cómo fue el inicio de tu fama?, ¿cómo fue para tus padres?
Cuando decidí lanzarme y buscar la fama, mis padres fueron sumamente comprensivos. Solía tocar en raves y ellos me acompañaban. En ese momento sólo me daba pena, pero ahora comprendo que fue algo extremadamente lindo. Se quedaban hasta las seis de la mañana mientras yo daba el show y después me quedaba a la fiesta.

Comenzaste a escribir a los 14 años, ahora tienes 24 y grandes cosas por venir, como tu propia disquera y un álbum de estudio, ¿cómo has sobrellevado esto?
Ha sido un proceso maravilloso. Creo que este álbum, que saldrá este año, es el más pop que he hecho, pero creo que sigue siendo muy yo y que mis fans lo disfrutarán. La gente a veces me escribe: “¡Charli, deja de estar en Instagram y danos algo!”, pero juro que no hay nada peor que estar esperando que salga un material. Muy estresante. También estoy muy emocionada por mi disquera Vroom Vroom Recordings, firmé a mi primera artista hace poco y su disco también estará listo pronto. Estoy haciendo mi mayor esfuerzo por serle fiel a lo que ellos buscan. Un pop arriesgado y oscuro, pero a la vez hermoso y etéreo.

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Libertad y evolución


Con más de 20 años de trayectoria, Daniel y Birgir de GusGus hablan sobre lo mucho que queda por descubrir de la electrónica.


POR Michelle Angell  



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Libertad y evolución

Foto por Ari Magg

Birgir Thórarinsson mejor conocido como “Biggi” se muestra confiado y sonriente en una mañana soleada pero airosa en la Ciudad de México. Se ha detenido a pensar en “evolución”. Una palabra fácil de pronunciar pero que conlleva un sin fin de vivencias, de historia. “Creo que como tal nunca hemos parado para reflexionar cómo hemos evolucionado a través del tiempo. La banda empezó como una colaboración de personas y cada una de ellas influenció la manera en la que el grupo se desarrolló. Así era GusGus en los años noventa”, asegura el islandés.

Por su parte, Daniel, el segundo de los miembros fundadores de GusGus, no repara en que Biggi ha ordenado una cerveza. Continúa pensando en la pregunta, en lo que los ha hecho llegar hasta aquí, con más de 20 años de trayectoria. “Durante todo este tiempo, cuando comenzamos a trabajar en un álbum siempre seguimos una línea, ya sea un pensamiento o una actitud. Cuando lo terminamos, esa idea lo hace también y nos movemos hacia la siguiente. Evolución es probar cosas nuevas, ser mejor de lo que eras antes”.

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Convertir la nostalgia en celebración


Romy Madley Croft, vocalista de The xx, revela los detalles de ‘I See You’, la más reciente producción del trío.


POR Michelle Angell  



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Convertir la nostalgia en celebración

La música ha sido creada para evocar sensaciones y construir nuevas al instante. Una simple canción posee el poder suficiente para hacer que el cuerpo se mueva. Voluntaria o involuntariamente. Es capaz de crear atmósferas sonoras totalmente distintas para dos personas que se encuentren en la misma habitación. Romy Madley Croft de The xx ha tomado esto en cuenta desde el momento que cruzó la primera palabra con Jamie xx y Oliver Sim, miembros de la banda. Ha pasado largo tiempo desde que la agrupación lanzó un material de estudio, Coexist (2012) siendo una aparente despedida.

Este año los ingleses regresan, y lo hacen en forma de guiño con el material I See You, mismo que parece decirle a su público: “No se preocupen, no iremos a ningún parte”.

La primera probada del disco llegó antes de que 2016 se extinguiera y le diera paso a un año nuevo, siendo “On Hold” la elegida para crear expectativas. “Habíamos estado realmente emocionados por mostrar algo nuevo”, confiesa Romy durante una mañana fría en ambas partes del mundo. “¿Por qué ‘On Hold’ como sencillo?”, le pregunto desde el otro lado de la línea. “En realidad ese es el tema más viejo del disco, cambió de tantas maneras que estuvimos a punto de darnos por vencidos. Siempre nos encantó la canción pero algo en la producción no estaba bien, nos sentíamos inseguros. Tiempo después, Jamie trabajó en ella por algunos días y cuando Oliver y yo regresamos a escucharla ya sonaba diferente, y lo mejor de todo, funcionaba”.

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CD: Two Door Cinema Club – ‘Gameshow’


De origen y evolución.


POR Michelle Angell  



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CD: Two Door Cinema Club – ‘Gameshow’

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Gameshow
Two Door Cinema Club
Glassnote Records

Debutaron con Tourist History y les auguraba un excelente inicio, con un sonido especial que hizo girar más de un par de cabezas. Sin embargo, Beacon dejó a la banda tambaleándose un poco entre la rutina y la prisa. Hoy, Gameshow se percibe como un respiro de aire fresco. En temas como “Ordinary” y el popular sencillo “Bad Decisions“, se escucha fuerte; lo que puso a la banda en el mapa y lo que los ha mantenido ahí. “Gameshow” nombra honorablemente este reciente EP augurándole una vez más éxito a la banda irlandesa.

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CD: Empire of the Sun – ‘Two Vines’


Consolidando el dance.


POR Michelle Angell  



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CD: Empire of the Sun – ‘Two Vines’

EOTS_TwoVines_DigitalCover
Two Vines
Empire of the Sun
Universal

Traen de vuelta la fiesta que empezaron hace algunos años con “Walking on a Dream“. En el nuevo material, el tema “Ride” posee una gran influencia de electrónica que por instantes recuerda a Daft Punk con la frase: “Together we can do it“. “Two Vines” y “First Love” muestran su sonido característico que corre el peligro de tornarse monótono después de ser escuchado un par de veces. El álbum llega a ser plano por momentos, sin embargo es indudable que varios de sus tracks podrán ayudar a ambientar una fiesta en la que los asistentes no podrán dejar de bailar.

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