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Julian Casablancas, un ícono del rock contemporáneo


El líder de The Strokes cumple 40 años el día de hoy.


POR Michelle Angell  



Julian Casablancas, un ícono del rock contemporáneo

Situémonos unos años atrás, al inicio de la década de los dos mil para ser exactos. El mundo de la música había dado un par de vueltas y se había expandido con distintos géneros y subgéneros. Muchos artistas habían surgido y con la rapidez con la que llegaron, se fueron. El 2001 fue un año distinto para el rock de aquel tiempo, que de acuerdo a la crítica, se encontraba en un cierto “parón” de guitarras dominantes y ritmos vibrantes.

En 2001 llegó el primer álbum de The Strokes, Is This It que le dio un giro a la escena, impresionando a muchos que ya habían dado el rock por muerto.

Julian Casablancas y Albert Hammond se conocieron en Suiza, para más tarde reencontrarse en Nueva York, ciudad que vio nacer a un gran número de bandas. Con el auge del primer LP de The Strokes, la crítica independiente y las industrias musicales por fin se habían puesto de acuerdo en algo: la banda tenía algo peculiar.

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Después de The Strokes, surgieron muchos grupos que tenían aquella influencia de los años setenta en su sonido y que inspiraban a los melómanos nostálgicos.

Julian Casablancas jugó un papel clave en este tiempo y en el mundo de la música en sí. Sus grandes habilidades para componer, lo consolidaron como una de las figuras más importantes del rock contemporáneo.

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Más tarde vinieron las adicciones, las parejas y el cambio inevitable en el sonido de la banda, que a pesar de que ha causado revuelo entre el público y los seguidores del grupo, sigue teniendo gran aceptación.

De igual manera, los proyectos como solista del músico de origen catalán, han sido bien recibidos, con colaboraciones con Daft Punk, Queens of the Stone Age, Danielle Haim, Jehnny Beth de Savages, entre muchos otros.

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“En mis álbumes como solista me hubiera gustado volverme aún mas raro con la música que produje, pero también necesitaba ser más listo. No quería que la gente dijera: ‘Es de nuevo Casablancas con su sonido abstracto’ y que simplemente no apreciaran el disco. Trabajé demasiado duro en él como para que eso pasara… Quería ser completamente original, un puente entre la música tradicional y la moderna”.

Para algunos, Julian Casablancas creó este puente, otros tal vez pensarán que nunca pasará a la historia como un grande, pero no cabe duda que Casablancas con The Strokes cambió el rumbo del rock contemporáneo.


Entre pasaportes y melodías


Desde Melbourne, Australia, Alex Lahey presentó ‘I Love You Like a Brother’.


POR Michelle Angell  



Foto: Ian Laidlaw / Facebook Alex Lahey

Entre pasaportes y melodías

Hace poco más de 10 años, Alex Lahey se sentaba a componer canciones en la sala de su casa en Melbourne, sin imaginar que un día, aquellas melodías se convertirían en producciones de estudio. “Escribir siempre ha sido algo mandatorio para mí. Siempre he sentido que mi cerebro me pide a gritos sacar todas esas frases para crear algo nuevo que me dé paz”, dice la australiana. A sus 25 años, su vida no ha parado de cambiar desde el día que consolidó su carrera profesional. El camino de un artista nuevo se traduce en pasaportes, boletos de avión, un escenario diferente cada noche y pocas horas de sueño. “Salir de gira y que la gente te conozca es crucial para alguien que pretende hacerse de un lugar en la escena. De hecho, mi disco, I Love You Like a Brother, fue grabado entre giras, bueno, cuando teníamos tiempo”, asevera la cantante entre suspiros y risas honestas.

Empacar tu vida en una maleta no es cosa fácil. Para Lahey significó transformar su manera de hacer las cosas, ahora tendría que encontrar el tiempo para escribir, hacerlo bajo presión, aprender a relajarse. “En realidad, yo no quería grabar un álbum, yo sólo quería que la gente escuchara lo que tenía que decir a través de mi música, pero al trabajar con personas que te ayudan a que ese sueño se convierta en tu vida, debes de estar abierta al cambio. Fue deslumbrante para mí, me daba miedo no poder hacerlo, pero una vez que acepté el siguiente reto, pude salir adelante y llegar hasta el final”.

Alex firmó su contrato con la disquera Dead Ocean Records en enero de 2017, entre EPs e ideas frescas, concretó un LP de estudio que presentó con plenitud. Al seguir el paso del álbum, I Love You Like a Brother, es fácil verse seducido por el sonido garage de las guitarras, descuidado pero conciso, la línea de bajo insistente y la voz dulce que escupe verdades a medias; el ritmo pegajoso que te hace bailar. “Backpack”, “I Haven’t Been Taking Care of Myself” y “Awkward Exchange”, muestran la calidad lírica que posee la australiana, en las que habla de todo tipo de relaciones: amorosas, amistosas y la más importante, su relación con ella misma. “De pronto tu capacidad de amar se deteriora y necesitas empezar de nuevo. Es el círculo de la vida”, apunta Lahey.


Tributo a Dolores O’Riordan


Recordamos a una de las voces más representativas de los últimos años.


POR Michelle Angell  



Tributo a Dolores O’Riordan

Desde Irlanda, casi al final de la década de los años ochenta, se exportó una banda que situaría los ojos del mundo en aquel pequeño país europeo (siendo U2 el primer grupo en alcanzar algo de esta dimensión).

The Cranberries, liderados por el inolvidable timbre de voz de Dolores O’Riordan, mostraron su talento y particular estilo, mismo que fue bien recibido por el público y la industria desde el inicio. Con éxitos como “Zombie”, “Linger” y “Dreams” poco a poco fueron ganando terreno en el mundo del rock de los años noventa, logrando que su álbum debut, Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?, vendiera millones de copias internacionalmente.

Siempre reconocidos por la fuerza de las notas de Dolores, y claro, el clásico falsete que la caracterizaba. Su voz se apagó súbitamente el 15 de enero de este año, a los 46 años de edad, mientras la agrupación se preparaba para algunas sesiones de grabación en Londres. La información se dio a conocer por medio de un comunicado de prensa a través de las redes sociales de la banda, haciendo énfasis en el profundo dolor que la familia se encontraba viviendo y su necesidad por obtener privacidad por parte del público. La vida de Dolores nunca fue sencilla. Nació en el núcleo de una familia humilde y tuvo que trabajar desde antes de cumplir la mayoría de edad. Sin embargo, la música siempre vivió dentro de ella, a los 10 años ya escribía canciones y se mostraba diferente al resto de sus hermanos y compañeros, había nacido para pisar los escenarios y nada la reconfortaba más que eso.

Durante su trayectoria tuvo algunos inconvenientes de salud, canceló varias presentaciones en 2017 debido a problemas en la espalda e incluso fue diagnosticada como bipolar tras un episodio de ira durante un vuelo. Su repentina muerte sacudió al mundo de la música y sin embargo, su voz continuará resonando en las habitaciones, para volver a escuchar aquellos éxitos en vivo, al menos en nuestra imaginación.


La búsqueda de un nuevo sonido


Jake Bugg lanzó su cuarto álbum de estudio, ‘Hearts That Strain’ y el cambio se percibe en el viento.


POR Michelle Angell  



La búsqueda de un nuevo sonido

Soy una persona con suerte. ¿Poder viajar a cualquier parte del mundo haciendo lo que más amo? Eso es vida”, dice Jake Bugg. Su cuarto álbum de estudio, Hearts That Strain, se estrenó recientemente y ya se encuentra disponible en todas las plataformas, tanto digitales como físicas. Bugg dio el salto a la fama con tan sólo 18 años y muchos sueños por delante; un joven de Nottingham entusiasta de Los Simpson, las guitarras y el fútbol. Sus dos primeros discos (Jake Bugg de 2012 y Shangri La de 2013) prácticamente se escribieron solos, teniendo un gran repertorio bajo el brazo y sobre todo, sed por transmitir los riffs pegajosos y las inteligentes rimas que había en su mente.

El año pasado, con On My One, Bugg se encaminó a otros sitios, probó con diferentes sabores y texturas, sin embargo su esencia seguía presente entre la mezcla. “Creo que muchas personas jóvenes que saltan a la fama de pronto, tienden a hacer lo que les dicen las disqueras sin cuestionar. Para mí nunca fue así, jamás lo aceptaría. Siempre hago –e hice– lo que considero que es mi música, lo que soy yo. Nadie me dice qué hacer cuando de escribir se trata”.


Joe Jonas en México


El cantante visitó la Ciudad de México y nos habló de su futuro, de su banda DNCE y su experiencia en el mundo de la moda.


POR Michelle Angell  



Joe Jonas en México

En un hotel en el corazón de la Condesa, nos encontramos con Joe Jonas, exmiembro de The Jonas Brothers. El joven cantante relató sus experiencias al hacer nueva música con DNCE, grupo que formó en 2015 con sus compañeros Jack Lawless, Cole Whittle y JinJoo Lee. “Hay muchos artistas allá afuera a los que les gustaría tener la oportunidad de vivir esto. No lo doy por sentado”, asegura Jonas.

Creciste prácticamente dentro del mundo del pop con tus hermanos y de pronto buscaste una carrera como solista. ¿Tu pasado afecta la manera en la que haces música?
Trato de no concentrarme en mi pasado. Cada que escribo una canción pienso que es la primera que escribo. Sin embargo he aprendido de mis errores. Escribo como persona no como artista. Me gusta hablar sobre algo que la gente entienda.

Eres la nueva imagen de Guess. Habiendo tantos íconos de la talla de Cindy Crawford o Drew Barrymore como cara de la marca, ¿te sentiste presionado?
Claro, aunque la presión me la provocaba yo mismo. Traté de despertarme temprano todos los días a entrenar, no importaba si estaba desvelado, cansado de viajar o crudo. Sabía el compromiso que tenía. Estoy contento con los resultados, por supuesto, pero mis amigos sí me molestan a menudo si me ven en la calle. ¡Los tengo hartos!

¿Cómo has manejado tu nueva banda DNCE y el éxito que tuvo el tema “Cake By The Ocean” el año pasado?
Aunque estoy orgulloso de mis años en The Jonas Brothers, esto es algo nuevo. De hecho, los servicios de streaming fueron el perfecto aliado para nosotros porque la música vino antes de los visuales, nadie sabía quiénes éramos. Con “Cake By The Ocean” la mayoría sólo disfrutó la canción sin juzgar. No sabíamos qué esperar cuando la hicimos y ver en lo que se convirtió fue increíble. Aunque la verdad ya nos urge que se quite esa fiebre un poco, queremos presentar la música nueva. Quiero hacer muchas cosas con DNCE en el futuro, ¡estoy emocionado y no pienso parar! Tengo mil planes. Me encantaría trabajar con Outkast.

¿Cuál es tu mayor inspiración en estos momentos?
Viajar. Tener la oportunidad de ir a lugares que nunca había conocido, como Alaska en unos días por ejemplo, me inspira a ser mejor. Durante el reciente eclipse solar estaba en un crucero, de verdad pude verlo y apreciarlo. Todo lo visual me inspira.

¿Cómo fue cantar “Do Ya Think I’m Sexy” con Rod Stewart en los MTV Video Music Awards 2017?
Es tan buena persona como crees, de verdad fue fantástico. Ensayamos dos veces y quedó listo. Conocer a tus héroes siempre es complicado pero superó todas las expectativas.


7 canciones esenciales de Rey Pila


Prepárate para el concierto que ofrecerá la banda este sábado 9 de septiembre en El Plaza Condesa.


POR Michelle Angell  



7 canciones esenciales de Rey Pila

No existe duda alguna sobre el trabajo que han realizado los integrantes de Rey Pila a lo largo de los años. Ellos mismos han forjado su camino y lo han moldeado a su gusto. Sin buscar componer canciones que se coloquen en los puestos más altos de popularidad, la banda capitalina ha mantenido un estándar de calidad en todas sus producciones, encontró un estilo propio y no se preocupa por seguir la aburrida corriente de grupos confundibles.

Estas características han hecho de Rey Pila una de las bandas favoritas del público mexicano y han llamado la atención de personalidades internacionales como Julian Casablancas, Interpol y Maroon 5 gracias a su propuesta cargada de guitarras y sintetizadores. Con innovación y persistencia, han consolidado su sonido y han presentado su propuesta en distintos festivales tanto nacionales como internacionales.

Este sábado 9 de septiembre, Rosca, Diego, Miguel, Andrés y El Cholo presentarán su más reciente EP, Wall of Goth así como toda su discografía en El Plaza Condesa.

Escucha aquí 7 canciones esenciales de Rey Pila:

1. “Fire Away”

Uno de los sencillos principales del disco de 2015, The Future Sugar, mismo que se produjo en Cult Records de la mano de Julian Casablancas. En este tema no se escucha ni una sola guitarra, el encanto de “Fire Away” es la combinación perfecta entre sintetizadores, cajas de ritmo y voz.

2. “Surveilance Camera”

Un track muy completo que invita al escucha a bailar, a moverse al ritmo de los bajos y a gozar de todas las capas y efectos que tiene la producción.

3. “Ninjas”

Después de su último lanzamiento en 2015, la banda se tomó su tiempo para estrenar material, sin embargo, este primer sencillo de Wall of Goth inmediatamente cautivó a la audiencia. Una vez más, con sintetizadores y guitarras, la banda logró un sonido un poco más oscuro en “Ninjas”, que hasta les dio oportunidad de experimentar en el video.

4.“What a Nice Surprise”

Un tema pegajoso que cierra el disco The Future Sugar. Capas de voces en el coro, guitarras y tamborazos hacen que este track sea uno de los imprescindibles del grupo.

5. “Alexander”

Este tema fue el primer acercamiento que el grupo tuvo con Cult Records. La canción posee beats continuos que solidifican su sonido.

6.“How Do You Know?”

“Friends make the best enemies”, canta Diego Solórzano en el coro del tema. Un track con ambiente ochentero que mezcla segundas y hasta terceras voces en la producción. Una de las canciones favoritas del más reciente EP de Rey Pila.

7. “No Longer Fun”

A pesar de que esta canción se originó cuando Rey Pila aún era el proyecto solista de Diego, sin duda es uno de los tracks que los puso en el mapa.


CD: ‘Uninvited’ – Virtual Haze


Declaraciones ardientes.


POR Michelle Angell  



CD: ‘Uninvited’ – Virtual Haze

Uninvited

Virtual Haze

Abstrakt Musak

Bajos intermitentes, pulsaciones estruendosas y riffs toscos hacen eco desde el primer play a “Endless”. Un disco debut que permite adentrarte en las influencias shoegaze de la banda, que se combinan con punk, stoner y hard rock. Su propia esencia sale a la luz con temas como “D.O.G.” y “Descend”, en donde es inevitable perderse entre la oscuridad y psicodelia. Una banda que se había mantenido con un perfil bajo –aunque Efrén Barón es también miembro de División Minúscula– y que hoy ya está lista para explotar. Un disco oscuro que entre distorsiones grita por ser escuchado.


CD: ‘Bálsamo’ – Caloncho


Invierno tropical.


POR Michelle Angell  



CD: ‘Bálsamo’ – Caloncho

Bálsamo

Caloncho

Universal

Después de un prolífico álbum debut (Fruta, 2015), regresa con madurez. Predomina lo tropical que en ocasiones se diluye entre sintetizadores y percusiones (“Equipo”, “Brillo mío”). Las palabras con las que se edificó le brindan honestidad a sus composiciones. Letras simples, sin demasiado esfuerzo por adornar frases, lo que podría ser orgánico o superficial, dependiendo del escucha. Los niveles y la producción fueron supervisados a detalle. Bálsamo es de gran profundidad sonora (“Fotosíntesis”). Por momentos retoma la nostalgia: (“Bebé”, “Hedonista”), que sugiere que además de playa, dentro de Caloncho también hay invierno.


El arte de crecer


Lana Del Rey asegura que somos dueños de nuestro propio destino en su nuevo y esperado LP, ‘Lust For Life’.


POR Michelle Angell  



Foto: Instagram Lana del Rey

El arte de crecer

Eizabeth Woolridge Grant está sumamente orgullosa de haber nacido en Nueva York y de vivir en la calidez de Los Ángeles, California. Desde su primera aparición en la industria de la música portaba banderas estadounidenses y hablaba sobre Hollywood. Hoy, ha dejado de usarla en su ropa y de desplegarla durante sus shows; no siente que sea respetuoso para otros países, dado el ambiente político actual. Sigue orgullosa de su origen, pero no de quien gobierna su país. Ahora hay cosas más importantes para ella, como creer en su trabajo y admirar a la gente que la rodea.

Para su quinto material de estudio, Lust for Life, recopiló una serie de colaboradores cercanos a ella, desde Stevie Nicks hasta A$AP Rocky, aceptando nuevos retos. “Para mí no hay descanso cuando de crear se trata, empiezo a escribir para un nuevo álbum en cuanto termino
el anterior. Lust for Life cambió varias veces en los dos últimos años, en un principio pensé que iba a estar rodeado de una vibra retro pero creció en algo con matices más
profundos. No estaba tan acostumbrada a eso, en mis otros discos no editaba mucho las canciones, durante este proceso todo se transformó repetidamente. Tenía demasiadas cosas por contar”.

Con el título del álbum, que enaltece esta lujuria, deseo o amor por la vida, la cantante asegura que es entusiasta de las frases de tres palabras: “Me encanta el sonido que tiene el título, el movimiento. Tiene su propia suavidad. Lo siento muy cerca de Born To Die (2012), no tanto como una respuesta literalmente, pero al componerse de la misma cantidad de palabras y hablar de la simple existencia humana hace que se complementen; aunque en sí son opuestos”. Y es que en este disco conserva esa estética vintage –reproducida intimidad de veces por otras artistas– que la puso en el mapa del éxito, pero que ahora se concentra en celebrar la vida. En el track que le da nombre al LP, que cuenta con la participación de The Weeknd, su nostalgia característica se dirige a lugares nuevos.


Electricidad que consume


Después de un exitoso álbum debut, Ibeyi le da la bienvenida a ‘Ash’ un segundo disco que promete mucho ritmo.


POR Michelle Angell  



Electricidad que consume

Desde antes de que fueran planeadas, la vida de las hermanas Díaz ya estaba llena de música. Su padre, el prolífico percusionista cubano, Miguel “Ánga” Díaz, era reconocido mundialmente por sus fusiones de jazz, reggae y funk.

Habiendo escrito un gran número de canciones durante su adolescencia, decidieron formar Ibeyi (que significa gemelas en yoruba, lengua africana que forma parte de sus raíces). La fama internacional llegó con sus íntimos shows en vivo, donde las armonías y el poder de su voz mezclado con las percusiones, conquistó a la crítica. Para este segundo álbum buscaban contar una historia que siguiera enmarcando sus raíces, su percepción de la vida y la música que corre por sus venas. “Nunca habíamos hecho una gira de verdad y ahora que lo hacemos hemos aprendido mucho. Ya sabes lo que quieres hacer cuando llegas al estudio de nuevo. Si nunca paras de escribir el camino se torna fácil. Ya hasta tengo canciones para el tercer álbum”, asevera Lisa-Kainde, la voz principal y letrista de la banda.


CD: ‘Ayo’ – Bomba Estéreo


Fiesta en el sur.


POR Michelle Angell  



CD: ‘Ayo’ – Bomba Estéreo

Ayo

Bomba Estéreo

Sony

No han perdido el afán de fusionar ritmos con el paso del tiempo. En Ayo irrumpen los sintetizadores y beats electro, homogenizados con un sabor que sólo la música latina posee. Si no fuera por sus raíces, podría perderse ante el monstruo del reggaeton y el electro, pero gracias a los versos de Li, destaca por su producción. Se escuchan samples de violines y distorsión de voces y guitarras: (“Química (Dance With Me)”, “Duele”) En “Amar así” el álbum alcanza el núcleo de su madurez. “Flower Power” es una oda a la mujer y su libertad, en la que nos aseguran: “Es hora de gritar, de ponernos a bailar y dejar de decir ‘Lo siento’”.


Una banda atípica de la A a la Z


Los detalles de ‘Apocalipsis zombie’, la más reciente producción de la banda uruguaya, El Cuarteto de Nos.


POR Michelle Angell  



Una banda atípica de la A a la Z

Roberto Musso, líder del grupo, se tomó unos minutos para leer los comentarios del sencillo “Apocalipsis zombie”. “¡No! Ustedes también se han vendido al reggaeton”, decían algunos. “Ahí me di cuenta de que en esta sociedad hiper literal ya no queda lugar para el doble sentido. Esa canción tiene los ritmos más virales del momento, lo que bailan los zombies, ¿ves? La banda es atípica, pero quien entiende nuestras ironías se queda”.

¿En qué lugar se encontraba la banda cuando nació Apocalipsis zombie?
Empezó un poco a contra pelo del disco anterior, nos interesó buscar una faceta diferente en la parte compositiva. Sentíamos que habíamos llegado a un límite con el álbum anterior (Habla tu espejo, 2014). Además de lo obvio, también es la banda de la A a la Z.


Bailar es la mejor venganza


Una mirada a ‘Shake The Shudder’, el más reciente álbum de !!! (CHK CHK CHK).


POR Michelle Angell  



Bailar es la mejor venganza

Durante la historia de la humanidad cada década ha coleccionado en sus bolsillos tragedias y victorias. Revelaciones contra políticos, privatizaciones de la banca mundiales de futbol, muertes de ídolos y canales de televisión que comenzaban a ofrecer música –y que hoy ya no lo hacen. Candidatos y presidentes asesinados, así como discos que cambiarían el rumbo de la música se amontonan entre los recuerdos de quien sigue avanzando en el tiempo.

Sin embargo, la época en la que hoy vivimos no es la excepción. Hace menos de 365 días vimos llegar al poder de Estados Unidos al candidato inimaginable, peor aún, seguimos saliendo a protestar a las calles por las mismas causas que hace 20 años, por dios, en México nos gobierna el mismo partido. Afortunadamente, entre todo el hastío y la penumbra, hay luz. La música es luz.

Sin caer en la nostalgia, es inevitable reflexionar sobre lo que Nic Offer, líder de !!!, me comentó del otro lado de la línea. “Este álbum, Shake The Shudder, incidentalmente llegó en una época en la que todos necesitamos soltar las preocupaciones y disfrutar. Durante su creación no se pensó precisamente como un ‘antídoto pero ha funcionado así”.


Goldfrapp: viajes a la luna


Colores, coreografía y atmósferas nuevas son algunos de los retos que Goldfrapp tuvo que superar para lanzar su séptimo disco de estudio, ‘Silver Eye’.


POR Michelle Angell  



Goldfrapp: viajes a la luna

Tonalidades cálidas —naranjas, rosas y azules pastel— se combinaban con la arena del mar y un perfecto atardecer al costado: esas fueron las primeras imágenes que obtuvimos del regreso de Goldfrapp con el sencillo “Anymore” (del álbum Silver Eye). Este séptimo material de estudio de la banda inglesa los somete una vez más al escrutinio del ojo público, una imagen en donde se observan seguros de lo que poseen bajo el brazo, su naturaleza. Pronto “Systemagic”, otro más de los tracks del disco, obtuvo imágenes propias. Dichos visuales fueron dirigidos por la propia Alison Goldrapp, líder del grupo. “Fue algo completamente loco. Es la primera vez que hacía algo así, estaba muy nerviosa pero fue increíble. Me encanta la coreografía, de verdad moría por lograr algo como eso en el video de ‘Systemagic’”, comenta la cantante al respecto.


Y es que durante su trayectoria, Goldfrapp ha resaltado por gozar de una estética específica, con colores vibrantes y visuales que denotan cada acorde de su música. Para este álbum, la banda se concentró en la luna como concepto, aquel satélite plateado en el que más de uno ha encontrado una fuente básica de inspiración.


Dualidades imperfectas


Enjambre profundiza en los detalles de su nuevo material de estudio, ‘Imperfecto extraño’.


POR Michelle Angell  



Foto: Facebook de Enjambre

Dualidades imperfectas

“Para nosotros como banda, sólo existe alegría. Una banda de rock se hace a punta de fracasos, ya hasta nos gusta un poquito”, confiesa entre risas el vocalista Luis Humberto Navejas, al cuestionarse sobre sus altibajos como agrupación, sus éxitos y sus tiempos de lucha. Y es que el músico, acompañado de Julián, Rafael, Javier y Ángel, han llevado a Enjambre a consolidar una trayectoria de casi 10 años.

El título de este nuevo álbum, Imperfecto extraño, ahonda en “El futuro”, la “Vida en el espejo” y encuentros del “Tercer tipo”, mismos que cargados de metáforas, revelan los pensamientos y la distorsión que habita en la mente de los compositores. Un extraño en el centro de una plaza puede ser lo que tú quieras. Esa fabulosa ignorancia que permite imaginarse escenarios alternos, crear historias y personajes a través de mera observación, sólo es permisible con desconocidos, fáciles de idealizar. “Ese juego de palabras se nos hizo interesante porque para nosotros un extraño posee esa dualidad, en cierto punto no tienes ni idea de quién es, pero también sabes que te identificas con él. El ser humano no es perfecto y eso es lo que tratamos de relatar en este disco, justificar la naturaleza imperfecta del ser humano, su extrañeza que puede parecer lejana, pero que a la vez te reconoces en ella”, asevera Rafael Navejas, bajista del grupo.

Los sonidos inspirados en los años setenta permanecen en los acordes del LP, a pesar de que fue un álbum creado de manera distinta a sus predecesores, sigue escuchándose como Enjambre. “Por primera vez grabamos el álbum en diferentes facetas y lugares. Viajamos mucho. Así fue el proceso del álbum, desde la composición hasta la grabación. Una etapa distinta para nosotros”, comenta Luis Humberto.

El primer sencillo que la banda lanzó para dar una probada de lo que estaba por llegar a sus fans fue “Tercer tipo”, un track que destaca con acordes melódicos de guitarra, uno que otro riff voraz y sintetizadores con mucho ritmo; la cereza del pastel. Sin embargo, el video del tema cuenta otra historia. Bajo la tutela de Benji Estrada, el clip se grabó también en dos partes –como todo el LP– con maquetas tipo stop motion. “Es un juego de percepción, de dimensión. Personajes existiendo en un mundo inventado que se antoja real. La otra parte, en la que la banda sale tocando dentro de una tele análoga se grabó aquí en la Ciudad de México. Ambas se entrelazan. Visualmente acentúa todo lo que queremos decir en este disco nuevo, hasta los colores coinciden con lo que buscamos expresar”, comenta Rafael.


CD: ‘Amor supremo [desnudo]’ – Carla Morrison


El acercamiento a lo real.


POR Michelle Angell  



CD: ‘Amor supremo [desnudo]’ – Carla Morrison

Amor supremo [desnudo]

Carla Morrison

Carla Morrison Music / Cósmica Records

Un álbum acústico que destaca cada una de las virtudes de la cantante. A pesar de que el color de su voz es preferido por muchos y odiado por otros tantos, lo que resalta en cada tema es la tristeza que le imprime a las palabras, el amor con el que cuenta historias. [“¿Y tú a qué vienes, a tambalear mi fortaleza?”]. Además de las ya conocidas canciones que formaron parte del disco Amor desnudo, los tracksDime mentiras” y “Te regalo” –ambos inéditos– se encuentran entre las sorpresas del LP. “Mil años” recupera fuerza y emana nostalgia en esta versión acústica que se impulsa con la vibración de las cuerdas. “Tierra ajena” cuenta con la colaboración de Ely Guerra y exalta una atmósfera totalmente distinta, más poderosa, menos sutil.