Archivo del Autor: Michelle Angell

Sonidos futuristas que invitan a bailar


Chris Clark habla de su trayectoria, sus shows en vivo y su más reciente material, ‘Death Peak’.


POR Michelle Angell  



Foto: Tim Saccenti

Sonidos futuristas que invitan a bailar

“Mi relación con la música nunca ha sido complicada. En realidad de joven aprendí cierta técnica, pero a lo largo del tiempo he podido traducir mis emociones en sonidos de una manera muy natural, no lo pienso como algo abstracto, sólo dejo que suceda”, asegura Chris Clark del otro lado de la línea.

El productor, que cuenta con más de 15 años de experiencia en la escena electrónica, disfruta cada vez más de sus presentaciones en vivo, confiesa que mientras toca su set, de vez en cuanto dirige la mirada al público para observar el poder que tiene la música de hacer bailar y olvidar a quien la escucha.

A través de samples, softwares y sintetizadores, el músico ha logrado canalizar sus pensamientos en sonidos orgánicos mezclando electro, techno y postrock. Ha creado un sonido tan particular que ha llamado la atención de la crítica, incluso del propio Thom Yorke de Radiohead. “El saber que alguien a quien he admirado desde siempre escucha mi música significó mucho para mí”, asegura el productor inglés.

Su música usualmente es descrita como “distópica” debido a la dualidad que existe dentro de los temas. Sin embargo, Clark no piensa así. “No sé porque lo ven como algo postapocalíptico, tal vez sean las voces del fondo o las atmósferas que produzco, pero yo me enamoré de hacer música, realmente disfruto probar y descubrir cosas nuevas, sin afán de construir un concepto en particular. Lo que sí te puedo decir es que mi más reciente producción, Death Peak está asociada con la madrugada, alrededor de las cuatro para ser más específico. A esa hora mi instinto se despertaba y me impulsaba a componer”

En una época en donde todo comienza a estar automatizado, habría que aprender de Clark y usar la tecnología para bailar.

Tenemos pases dobles para que asistas al concierto que ofrecerá Chris Clark acompañado de Com Cruise este próximo sábado 10 de junio en Sala Corona. Lo único que tienes que hacer es contestar la siguiente pregunta y enviar tu respuesta a rollingstonemexico@gmail.com con tu nombre completo.

1. ¿En qué ciudad se tomo esta foto?

LOS GANADORES SERÁN NOTIFICADOS POR CORREO ELECTRÓNICO.


Inspiración a la medida


Madame Récamier habla sobre su nuevo disco ‘Mi corazón’, el feminismo y su futuro.


POR Michelle Angell  



Inspiración a la medida

Gina se sincera de inmediato y con con confianza detalla lo que habita entre sus pensamientos. El calor en el ambiente no la incomoda, por el contrario, el vestido que trae puesto la hace lucir fresca y segura. “Mi meta principal de los últimos meses era terminar el disco. Poder decir: ‘¡Lo logré!’. Que las canciones llegaran a ese punto donde me imaginaba que las podía llevar, jugar con géneros diferentes, empezar a entrar al mundo del reggae que me encanta. Hacer cosas con sintetizadores, muchos coros. Jugar con los micrófonos ideales, encontrar más de mí en mis canciones”.

¿Lo que has logrado cumple con tus expectativas?

Sí, creo que es el disco que más he disfrutado hacer. En los pasados me agobiaba mucho, no podía expresarles a los productores qué era lo que quería decir. Ahora siento que ya puedo explicarme mejor, cómo llevar las cosas a su lugar.

¿Cuál es tu mayor fuente de inspiración?

Me gusta cuando pienso en una canción viejita y me remite a un momento en específico. Pensar cómo fue que ese compositor logró hacer algo así, qué estaba pasando en su vida. Eso me inspira.

Dentro de tus canciones, ¿existe una sola frase que sea más cercana a ti que las demás?

La última canción que hice se llama “Será la luna” y una parte dice: “El sol de otoño viene por nosotros/ sincroniza nuestro palpitar”. Es como decir: “Por fin podemos estar juntos, después de tanto tiempo”. Hay otra que dice: “Hoy me da miedo crecer sin ti”, ya no es tanto el vivir sin alguien, sino que esa persona ya no estará ahí para verte crecer.


P&R: Benito Cerati


Habla de su banda Zero Kill, sus miedos y el futuro.


POR Michelle Angell  



P&R: Benito Cerati

El hijo del legendario vocalista de Soda Stereo reconoce que la influencia de su padre se encuentra en los lugares más sutiles. “De pronto el trabajo está terminado, lo escucho y pienso: ‘Esto me suena’. Uno colecciona, nunca crea sin influencias previas. Eso ha sido cemento para mí, la música de mi padre me abrió la cabeza y ahora soy mi propia persona.

¿Qué papel ha jugado la música en tu vida?

Es una fuerza primaria en mi vida. Me ha acompañado en todo momento, es como respirar para mí. Es parte de mi historia, de mi vida y una fiel compañera.

¿Por qué incluyes dos idiomas en la composición de tu música?

Soy una persona ávida de idiomas. Me gusta la variedad. Me encanta pensar cómo el ser humano logró comunicar lo mismo de diferentes formas, estoy en proceso de aprender francés y alemán. Si toco guitarra y piano, puedo escoger entre ambos, igual con las letras.


CD: ‘La Trenza’ – Mon Laferte


Tristeza y talento.


POR Michelle Angell  



CD: ‘La Trenza’ – Mon Laferte

La Trenza

Mon Laferte

Universal

Después de un exitoso álbum debut, lanza su segundo disco. Con su característica y potente voz , así como un gran rango vocal, la cantante chilena vuelve con letras sobre desamor; honestas y atinadas, que de pronto se antojan predecibles. El disco cuenta con colaboraciones de Juanes, Bunbury y Manuel García. El último track, “La Trenza”, que es además el que le da nombre al álbum, se encuentra entre las sorpresas junto con “Amárrame”. Un LP repleto de lamentos que podrían ayudar a curar un corazón roto pero que fácilmente podrían encasillarse en un estilo exitoso que no sale de la misma línea creativa.


La voz que hace girar las sillas


‘The Voice’ en vivo: cómo se logra uno de los programas más destacados de la televisión.


POR Michelle Angell  



Cortesía de Sony.

La voz que hace girar las sillas

Lo que sucede en un show en vivo es sumamente diferente al resultado que vemos en nuestras pantallas. Desde la llegada al foro se percibe emoción en el aire, tanto de los fans del programa como de las familias que han asistido a apoyar a algún participante.

La seguridad es tema serio, no hay manera de atravesar aquella puerta si tu nombre no se encuentra en alguna lista.

El programa en vivo comenzó a las 17:00 hrs (hora de Los Ángeles). Previamente se nos habían asignado asientos en el público, ya conocíamos las reglas: no celulares. Los jueces poco a poco tomaron sus lugares, sin saber que unos 30 minutos antes, gran parte de la audiencia se había sentado en esas mismas sillas para tomarse la clásica selfie.

Los coaches:
Adam Levine y Blake Shelton han sido los únicos jueces que han permanecido en el mismo asiento desde que el show salió al aire. Sin embargo, una cantidad importante de celebridades ha tenido la oportunidad de fungir como mentor para el nuevo talento. Entre los nombres destacados se encuentran: Pharrell Williams, Christina Aguilera, Cee Lo Green, Usher, Miley Cyrus, entre otros.

En esta, la temporada número doce, los cuatro coaches son: Shelton, Levine, Gwen Stefani y Alicia Keys.

La grabación del episodio empezó con Carson Daily al micrófono, en las pantallas del recinto cada uno de los jueces mostró cómo había trabajado con sus participantes a lo largo de la semana para llegar al resultado final.

Cortesía de Sony.

Cortesía de Sony.

El escenario se transforma durante los comerciales, el staff mueve a una velocidad impresionante estructuras, decoraciones y hasta candelabros, mientras alguien grita: ¡Quedan 10 segundos! Un solo escenario en vivo podrían parecer al menos dos o tres más desde nuestra televisión. La magia de la tecnología.

Con gran talento cada uno de los participantes dio lo mejor de si esa noche, entre los éxitos interpretados se encontraron “Sign of the Times” de Harry Styles, “24K Magic” de Bruno Mars y “Jealous” de Labrinth, entre otros.

Cortesía de Sony.

Cortesía de Sony.

Sin duda una valiosa oportunidad para escuchar música en vivo, además de conocer más a fondo lo que sucede detrás de cámaras.

Mira las presentaciones del Top 10 de la doceava temporada de The Voice a continuación:

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Una carta de amor a la humanidad


Father John Misty revela los misterios detrás de su álbum —casi una comedia musical— ‘Pure Comedy’.


POR Michelle Angell  



Foto: Guy Lowndes

Una carta de amor a la humanidad

En una época en donde las llamadas a larga distancia no deben fallar, desgraciadamente lo hacen. Así comenzó la tarde que hablé con Joshua Tillman, mejor conocido por su nombre artístico, Father John Misty. “Si quieres saber en qué condiciones está mi estado de ánimo o lo que pienso en cierta época de mi vida, simplemente tienes que escuchar lo que dice mi música”, mencionó el intérprete poco antes de perder la comunicación por segunda vez consecutiva. Y es que sus álbumes anteriores a Pure Comedy, constituyen un profundo y crudo vistazo al amor y sus diligencias, sin embargo, en este LP el estadounidense no se abstiene de burlarse de la situación política de la humanidad, de su país, de las religiones.

“¿Por qué me cuelgas? Acabo de darte la mejor respuesta del mundo y no había nadie para escucharla”, bromeó Tillman, recurriendo a su particular humor hasta en los momentos más incómodos. “¿Si alguien pudiera vivir en tu mente, mudarse a tu cabeza, qué encontraría?, le pregunto. “Todo el disco es sobre la Humanidad, así con mayúscula. No puedes intentar crear eso sin un ser humano al centro, con sus miedos, su neurosis, sus inseguridades. La canción ‘Leaving LA’ es un viaje por mi cerebro. Si la analizas cuenta cómo tomé mi automóvil y manejé de mi casa en Los Ángeles a Nueva Orleans, pero dentro de esto me sincero sobre lo que creo, lo que anhelo, quién fui y quién soy”.

Recorrimos otro camino en nuestras mentes, Joshua escogió un escenario en el que toma el auto y maneja hacia la tienda para comprar cigarros. Imaginamos el soundtrack que sonaba alrededor y con admirable confianza se tomó un momento para decir: “Espera. Estoy mintiendo. En realidad creo que no se escucharía ninguna canción. ¿Sabes que me encanta de salir de gira? Existen unas noches especiales, en donde no puedes dormir y manejas hacia ningún lugar cuando el sol está a punto de salir. Descubres a un hombre que maneja un camión, fumando un cigarro por la ventana en silencio total. De pronto se escucha algo muy extraño, está escuchando algo como Toby Keith. Por alguna razón ese es el sonido más mágico en el que puedo pensar. No tienes idea de dónde estás, lejos de casa, te sientes completamente solo, pero al mismo tiempo en armonía con el mundo. El soundtrack ideal para esos momentos es ese, incluso una canción perfecta lo arruinaría. Me gusta aceptar esos momentos en los que haces la curaduría de tu vida y la aceptas como venga”.

Además de ser un músico profesional, Tillman es un fanático de la literatura. Creció en un hogar sumamente religioso. Las frases del cielo y el infierno lo atormentaron por años, hasta que la realidad lo despertó de golpe y lo hizo el hombre profundo y sarcástico que es hoy. “He usado mis experiencias para escribir muchos libros a la mitad, nunca uno completo. En este momento tengo casi 50 mil palabras de uno, pero creo que sería demasiado difícil convertirme en autor, por eso escribo música. Este álbum es una carta de amor a la humanidad. Todo lo malo que tenemos y nos hace quienes somos. Los humanos somos las únicas criaturas que no estamos en la cadena alimenticia, los únicos que dependemos completamente de alguien más nuestros primeros años de vida. Sólo tenemos el don del tiempo, infinidad de minutos para esperar, lo que nos hace heroicos y miserables al mismo tiempo. Esta cultura nos obliga a pensar que si eres exitoso, serás feliz. Pero créeme, es mucho más fácil ser exitoso que feliz. Ser feliz es un trabajo inmenso y fallamos todo el tiempo”.

Joshua Tillman es un conjunto de reacciones en cadena; su pasado, su presente y lo que sueña para su futuro. En una época como ésta, es difícil encontrar un ser humano detrás de la fama y los reflectores, un poco de honestidad en sus melodías. Al hablar con Father John Misty es inevitable cuestionarse cómo su destino lo llevó hasta este lugar, un mundo que a veces se antoja superficial y que no combina con lo que es él. “¿Qué odio de ser músico? Dios, es todo un reto, a veces es demasiado. Al estar frente a tantas personas constantemente piensas que te examinan, incluso imaginas una cantidad irrisoria de personas juzgándote y no es real. Te sientes grande y no en un buen sentido. Yo lucho con esto todos los días, por ejemplo hoy siento que todo el mundo me odia. Podría buscarme en Google y leer que todo el mundo está hablando de la mierda que soy. Y esa no es la realidad, no es posible vivir así, mataría tu alma, creo que es parte de este negocio, pero es lo que más detesto y lucho contra ello todos los días para poder expresar lo que soy y la música que hay dentro de mí”. Father John Misty visitará nuestro país el 7 de junio (Teatro Metropólitan) para presentarte lo que le quiere decir al mundo, lo que busca que escuches y nunca olvides. Con su guitarra, su suntuosa barba y sus atentados contra lo que está mal con la humanidad, te seducirá con las palabras que guían nuestro camino hacia la eternidad.

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CD: ‘La lucha’ – La vida Bohème


Político y visceral.


POR Michelle Angell  



CD: ‘La lucha’ – La vida Bohème

La lucha

La vida Bohème

Nacional Records

El álbum inicia con un profundo discurso sobre la lucha, la vida misma. “Você” mantiene un sonido fresco que por momentos disfraza las quejas sobre la situación en la que vive Latinoamérica, Venezuela específicamente, de donde es la banda. “Escogiendo sin opción/perdido donde nací”, declaran con convicción. La lucha se percibe honesto, visceral y hastiado. Las guitarras y sintetizadores amenizan la escucha, permitiendo mover el cuerpo pero recordando denunciar lo que está mal con el mundo. La esperanza se aviva con “Domingo” al escucharlos cantar: “Al menos no estamos tan solos”.

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CD: ‘Mi corazón’ – Madame Récamier


Cimientos pop y nuevas direcciones.


POR Michelle Angell  



CD: ‘Mi corazón’ – Madame Récamier

MADAMEREC

Mi corazón

Madame Récamier

Dragora Records

dos-y-medio-estrellas

Récamier recuerda que la versatilidad de una voz dulce se adiestra con el tiempo y se puede moldear ante cualquier situación y género. Se esfuerza por crear nuevas direcciones que evolucionan su pop con tintes de reggae, electro o folk. La singularidad de cada coro viste los tracks y crea un eco que permanece. Respetando su pilares sonoros, las letras oscilan entre el amor y desamor, apegándose a la simplicidad de sus palabras. Un álbum cambiante e inquieto que coquetea con “Sábanas” y reniega de la soledad en “Volverás”.

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Hinds en México


Las españolas regresan a nuestro país con guitarras nuevas, un segundo álbum en proceso y energía renovada.


POR Michelle Angell  



Cortesia de Terrícolas Imbéciles.

Hinds en México

Desde la última vez que visitaron la Ciudad de México, Carlotta Cosials, Ana García, Ade Martín y Amber Grimbergen han estado, en palabras de Ana, “hasta arriba y sin parar, pero ha sido genial”.

Después de dar un caótico salto a la fama –aunque sin duda exitoso– las madrileñas han recorrido el mundo presentando su álbum debut Leave Me Alone al lado de bandas como The Strokes, The Vaccines, The Libertines y Black Lips. Han ofrecido conciertos en importantes festivales musicales de la talla de Coachella y Lollapalooza.

Ahora, listas para estrenar un segundo álbum, vuelven a México para tocar un íntimo show en El Imperial. Dicha presentación sufrió ciertos contratiempos ya que tuvieron que cambiar de venue. Tras hacerse pública la noticia, recurrieron a sus redes sociales para informales a sus fans que se encontraban en búsqueda de otro recinto. “No importa dónde ni cuándo, Hinds no cancela”.

Cortesia de Terrícolas Imbéciles.

Cortesia de Terrícolas Imbéciles.

La composición del nuevo LP ha sido un proceso retador para ellas, entre la expectativa del público y sus propios estándares. Aseguran que el componer en inglés siempre les ha gustado y que cada vez se sienten más acopladas al idioma.

“Al principio era difícil, sobre todo en entrevistas porque sentíamos que no podíamos traducir nuestra personalidad, sin embargo todo ha ido fluyendo con éxito. Hemos estado como locas componiendo, haciendo giras y grabando. Ha sido complicado pero creo que tenemos buenos resultados. Nos encanta tocar en directo pero todo ha sido tan rápido y fuerte desde el principio que no ha existido ningún tipo de control en nuestros horarios: ni dónde comes, a dónde vas, dónde meas. Nos encanta salir de gira pero los días tranquilos han tomado una importancia que antes no tenían”, relata Ana, una de las vocalistas del grupo.

Entre risas me cuenta como ciertas personas en redes sociales han confundido el nombre de la banda con el de una crema humectante, hecho que les ha robado un par de carcajadas.

Al profundizar en los detalles de su próximo concierto en la Ciudad de México, comenta: “Estamos más emocionadas que el público mexicano. La primera vez que estuvimos llevábamos dos años girando por todo el mundo; ya habíamos ido a Japón, Singapur y de pronto ir a un sitio latinoamericano fue increíble, poder hablar en nuestro idioma, entendernos con la gente. En verdad estamos ansiosas por regresar”.

No te pierdas la presentación de Hinds esta noche en El Imperial.

Si quieres ganar un disco autografiado por Hinds contesta las siguientes preguntas correctamente y envía tus respuestas con tus datos completos a rollingmexico@rollingstone.com.mx

LOS GANADORES SERÁN NOTIFICADOS POR CORREO ELECTRÓNICO.

1. ¿En qué programa de televisión estadounidense se presentaron el año pasado?
2. Ana y Carlotta grabaron el sencillo “Holograma” con otra banda española. ¿Con cuál?

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Canciones en la mente


Siddhartha detalla cuál es la constante de su arte y cómo satisface su necesidad de expresión.


POR Michelle Angell  



Canciones en la mente

“Desde un principio le tuve un cariño muy especial”, revela el músico sobre su sencillo “Ser parte”, incluido en Únicos, su producción musical más reciente. El tema habla de aquella intimidad espiritual y emocional que se alcanza con la persona que amas, el músico considera que aquella es una interacción mucho más profunda que la física, en ciertos niveles. “Este es el disco que más natural ha salido para mí, sin tantos tropiezos. A veces no encuentras el arreglo o el riff adecuado, pero al final el rompecabezas queda como debe de quedar”.

El álbum fue compuesto casi en su totalidad en la playa, lo que podría explicar la desnudez que se refleja en las letras del músico. “Un ambiente totalmente amigable, relajado. Algo natural porque no hubo una depuración de temas, compuse 10 y esos fueron los que se quedaron. La letra de casi todas las canciones funcionó como una improvisación, puse la grabadora y trabajaba sobre la base rítmica, sólo cantando la música que había en mi mente. La constante de mi trabajo siempre ha sido la libertad y la pasión por lo que hago”.

Seis meses antes de que el viaje de Únicos comenzara, Siddhartha ya tenía clara las primeras raíces de “Ser parte”. “Fue el primer tema en el que trabajé en la playa, tenía seis meses escuchando la música del sencillo
en mi cabeza, lista para salir. Pronto ya tenía un mini borrador de por lo menos el coro, así que sólo dejé que las canciones de mi cabeza tomaran forma, fue compuesto primero como una idea, sin siquiera un instrumento”. El suave y terso tema lleva al escucha a contemplar, a buscar ser parte de un entorno de paz con “metáforas de unión” que el artista logró ilustrar tan detenidamente que son casi palpables.

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Rescatar lo natural


Previo a la presentación que conmemora sus 20 años de trayectoria, Chetes confiesa en una íntima entrevista la coherencia detrás de sus ‘Stereotipos’.


POR Michelle Angell  



Foto: Facebook Chetes

Rescatar lo natural

“Siempre hago las cosas con el mismo amor”, asevera Luis Gerardo Garza, mejor conocido como Chetes. El músico se refiere a los diferentes retos en los que se ha embarcado a lo largo de su carrera, desde Zurdok y Vaquero hasta su proyecto solista, con grandes colaboraciones bajo la manga como el éxito “16 de febrero” al lado de Meme (Café Tacvba). “De cierta forma con este show planeo rescatar todos estos aspectos de mi carrera y compartirlos”.

Con su clásico y encantador acento regiomontano, discute los pormenores de este concierto que signifca mucho para él, un espectáculo que se traduce en una oportunidad para inmortalizar sus ritmos, letras y el afecto bilateral que comparten su público y él. “Pienso invitar a varias personas a mi show pero no será planeado por estrategias de marketing con afán de vender más. Es decir, no voy a hacer algo como Metallica con Lady Gaga (risas), por el contrario creo que mantendré la coherencia y lo natural de lo que soy y en lo que me convierto al colaborar con otros músicos”.

Stereotipos es más que el reciente trabajo de estudio de Chetes, es un álbum multifacético que le ha permitido explorar los límites de sus asperezas, aprender a respetar lo orgánico, lo natural, para crear así algo mucho más honesto, sin obsesión por cuidar los detalles. “Hoy en día cualquier nimiedad es arreglada en post producción, se percibe saturado. A mí me gusta escuchar la respiración entrecortada del cantante al terminar un verso, o incluso el requinto de la guitarra antes de soltar la primera nota. Creo que eso lo vuelve mucho más valioso, al menos para mí”.

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20 años de curar con música


Placebo invitó al público mexicano a su gran celebración.


POR Michelle Angell  



Foto: Priscila Núñez

20 años de curar con música

La nostalgia invadió al Pepsi Center WTC aproximadamente a las 21:26 horas de la noche de ayer. El inconfundible riff inicial de “Pure Morning” anunció que Brian Molko y Stefan Olsdal ya se encontraban de pie en el escenario. Tan sólo minutos antes, se proyectó el video de “Every Me and Every You” en las pantallas, con visuales que conmemoraban los 20 años de trayectoria de los británicos. Las luces se apagaron y los gritos disiparon las dudas, Placebo no cancelaría esta vez.

La melancolía que viajó desde los años noventa, comenzó a percibirse en los rostros de los asistentes, que por momentos dejaron de disfrutar del concierto a través de sus celulares y se dedicaron a cantar cada letra de éxitos como “Special Needs”, “Loud Like Love” y “Twenty Years”.

Brian Molko dedicó unas palabras en español a su público —con un acento que podría haberse originado en Madrid— antes de continuar con las concesiones, interpretando cada uno de los hits.

Hace falta recurrir a un tecnicismo para explicar el efecto que tiene la banda en el público mexicano. Placebo: sustancia que, careciendo por sí misma de acción terapéutica, produce algún efecto favorable en el enfermo, si este la recibe convencido de que esa sustancia posee realmente tal acción.

El grupo cumple 20 años de “curar” corazones rotos con frases como: “Soulmates never die”, otorgándole a quien lo escucha el efímero placer de sentirse mejor.

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

La noche fue emotiva. Tras interpretar “Without You I’m Nothing” como una especie de tributo a David Bowie, las ovaciones se acrecentaron. Molko se vio en la necesidad de parar por un segundo y dejar que aquella satisfacción lo invadiera. El agradecimiento se proyectó en su rostro.

Placebo anunció el fin, quizás uno amargo (después de tocar “The Bitter End”), pero regresó en dos ocasiones más.

Las frases de Kate Bush en la voz de Brian Molko culminaron con la celebración, mientras cada uno de los asistentes imaginaba una historia distinta al corear “Running Up That Hill”.

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Placebo escoge a México a menudo. Sin embargo, la noche de ayer México escogió a Placebo para musicalizar su historia, tal vez, por otros veinte años más.

Setlist de la noche:

1. “Every Me and Every You” (Video)
2. “Pure Morning”
3. “Loud Like Love”
4. “Jesus’ Son”
5. “Soulmates”
6. “Special Needs”
7. “Lazarus”
8. “Too Many Friends”
9. “Twenty Years”
10. “I Know”
11. “Devil in the Details”
12. “Space Monkey”
13. “Exit Wounds”
14. “Protect Me from What I Want”
15. “Without You I’m Nothing”
16. “36 Degrees”
17. “Lady of the Flowers”
18. “For What It’s Worth”
19. “Slave to the Wage”
20. “Special K”
21. “Song to Say Goodbye”
22. “The Bitter End”

Primer encore:
23. “Teenage Angst”
24. “Nancy Boy”
25. “Infra-red”

Segundo encore:
26. “Running Up That Hill (A Deal with God)”

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

Foto: Priscila Núñez

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Los límites de la creatividad


Matt and Kim revelan los detalles de su próxima presentación en el festival Pa’l Norte y hablan sobre los mejores momentos de su carrera.


POR Michelle Angell  



Foto: Facebook Matt and Kim

Los límites de la creatividad

“Los últimos meses del año 2016 nos dimos un pequeño espacio fuera de los escenarios, por lo que volver a tocar en vivo es algo que nos hace mucha ilusión”, asegura Matt, la voz masculina del dueto neoyorkino Matt and Kim.

Previo a su presentación en el festival Pa’l Norte de este año, la banda se confiesa sumamente emocionada por regresar a México (habían visitado la ciudad con anterioridad para ofrecer un show hace un par de años). “En realidad en el escenario somos bastante divertidos. Tratamos de inyectarle una energía distinta a cada presentación”, asevera el vocalista.

Y es que además de tener un set de temas predeterminado, con una selección específica de canciones, la pareja disfruta de la improvisación. “Nos gusta hacer del show una fiesta, hacemos covers de canciones que nos gustan o que sabemos que animarán al público, en realidad nos concentramos en lo que vamos sintiendo en el momento, digamos que es una cierta conexión con la audiencia. Jugamos con la acústica del lugar, la actitud de la gente y hasta el clima”, detalla.

Por otro lado, sin descuidar su carrera musical, el dueto se ha dedicado a filmar y compartir una serie de videos en YouTube. Dichas imágenes han sido producidas y dirigidas por los músicos recientemente, buscando proporcionar a sus fans una mejor visión de lo que son como personas, no sólo como artistas.

“Después de cinco álbumes buscamos un reto distinto. No es coincidencia que seamos Matt and Kim, nos llamamos así porque más que músicos somos individuos y queremos mostrarnos de esa forma”. Kim y yo nos conocimos en la escuela de arte, yo hacía cine y ella ilustración, accidentalmente nos convertimos en una banda pero nuestras ganas de expresarnos de distintas maneras prevalecen”.

Dado a que sus inicios como agrupación fueron sumamente mediáticos, este tipo de proyectos les han funcionado sumamente bien entre sus seguidores. “No puedes poner el arte en una caja, ser una persona creativa excede cualquier límite. Sé que muchas bandas crean primero un concepto con cuál trabajar, pero nosotros lejos de tener un concepto, comenzamos con un sentimiento. Creo que hasta el momento hemos logrado nuestras metas encontrando el balance perfecto sin querer matarnos uno al otro y eso se refleja en el escenario”, confiesa el músico entre risas.

La banda pondrá a bailar a los asistentes del festival Pa’l Norte la primera tarde del mes de abril y buscará demostrar sobre territorio regiomontano que al final, los limites de la creatividad no existen.

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Infección de amor


‘Heartworms’, el quinto álbum de estudio de The Shins, explora los límites de la empatía y el dolor.


POR Michelle Angell  



Infección de amor

“Nunca había visto tanta nieve”, relata James Mercer del otro lado de la línea. Acaba de filmar un nuevo video para lo último de The Shins en Las Vegas y el regreso a su hogar se retrasó un par de días debido al clima. “Estoy feliz de estar en casa”, admite el intérprete de 46 años.

Heartworms es el título que escogió para la siguiente producción musical de la banda, un nombre sugestivo que encierra uno de los padecimientos más comunes entre los seres humanos: Infectarse de amor. “Todo el álbum lo produje yo mismo. Las ideas iban fluyendo mientras tomaba café y jugaba con la progresión de acordes en mi guitarra”. Mercer actualmente divide su tiempo entre dos proyectos: The Shins y Broken Bells [un grupo formado al lado del productor Brian Burton mejor conocido como Danger Mouse]. “Usualmente todo lo que escribo en mi casa lo destino para The Shins, para Broken Bells sólo componemos estando juntos (Brian y yo)”.

A Name For You” fue el segundo sencillo que dio a conocer la banda como parte de este nuevo disco (“Dead Alive” el primer acercamiento al álbum). La letra de la canción le habla específicamente al género femenino y admite cómo siempre existe un nombre para describir lo que una mujer usa, viste y piensa. Al haberse casado y tener dos hijas, el intérprete se con esa mucho más sensible ante este tipo de situaciones. Sin embargo, el sencillo fue escogido por la disquera y su management, siendo la decisión que más gustaría a los fans nuevos y de antaño, por la manera en la que fue producida y el sonido tan característico que emite.

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Sonidos nómadas y mentes coloridas


Britt Daniel de Spoon desmenuza el espectro detrás de ‘Hot Thoughts’, su más reciente producción discográfica.


POR Michelle Angell  



Foto: Kris Krug

Sonidos nómadas y mentes coloridas

Britt Daniel escogió la Ciudad de México para vacacionar. El encuentro tuvo lugar en la colonia Roma. Vestido de negro de pies a cabeza, con el cabello rubio, casi pelirrojo sobresaliendo entre la decoración, me recibió con una sonrisa. “Espero que tengas buenas preguntas”, bromeó expectante. Estábamos sentados en una habitación con un toque clásico, un piano, cerrado, nos acompañaba después de haber escuchado el más reciente álbum de Spoon, Hot Thoughts en un estudio aledaño.

Es un disco especial, cercano incluso; Britt hablaba orgulloso del camino que acababa de recorrer al lado del LP. “Escribir canciones siempre es difícil. Hay días en los que todo fluye y te sientes en la cima del mundo, hay otros que todo se vuelve lento, especialmente al inicio. El solo hecho de empezar es difícil. Hot Thoughts fue grabado en el estudio de Dave Fridmann, en Casadega, Nueva York. El lugar está en la mitad del bosque y estuvimos dos semanas encerrados, a veces sentía que me volvía loco”, aseveró el músico. En esos días, la banda tenía demasiado trabajo, Britt relató que salir a correr despejaba su mente, con la voz de Prince resonando en sus audífonos. “Soy una especie de nómada, todos los músicos lo somos.

Realmente te acostumbras a la vida de giras y de pronto quedarte en un mismo sitio por mucho tiempo puede ser letal”. Pero el cantante no era el único integrante de la banda que sentía que estaba a punto de perder la cordura, Alex empezó y terminó el videojuego Doom en un mismo día, pese al aburrimiento. “Llegó a tal punto que un día Jim me pidió que le pusiera un extinguidor en los pantalones, para ver qué sucedía. No digas que te dije, o tal vez sí, de todos modos no creo que entienda español”, mencionó entre risas.

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Rompiendo las reglas


Jimmy Eat World y sus nuevas direcciones.


POR Michelle Angell  



Rompiendo las reglas

“No te preocupes, tengo café”, me tranquiliza Jim Adkins a imperdonables horas de la mañana.
Jimmy Eat World, banda que musicalizó la adolescencia de varias generaciones, se preparaba para estrenar su noveno álbum de estudio, Integrity Blues.
Crecimiento, profundidad y cambio son algunos de los adjetivos que escoge el vocalista, describiendo con emoción palpable lo que depara su futuro musical.
“Solía escribir desde un lugar mucho más oscuro, más ambiguo. Creo que Damage encerró todas aquellas inquietudes y arrojó la llave a otro lugar muy lejos de aquí. Ahora escribo sobre salir adelante, exploro lo que ocurre después de que decides solucionar el problema”.
Para Adkins tener una disquera fija es algo irrelevante, “te vuelves una marca personal, de pronto ya no eres músico, sino un producto”, por lo que a través de los años la banda ha ido escogiendo distintos representantes para comercializar su música.
En este mundo hay un deseo palpitante que revolotea en nuestras cabezas, unas profundas ganas de tener la razón. “Integrity Blues es sobre no tener la razón. Imagina que estás en la mitad de una discusión, ¿en verdad tienes ganas de poseer la verdad absoluta? ¡No! En realidad sólo quieres tener paz contigo mismo, lo demás es puro instinto”.

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Donde todo comienza


Crystal Fighters, habla sobre cómo integra su música a la inmensidad de la naturaleza en ‘Everything is My Family’


POR Michelle Angell  



Foto: Facebook Crystal Fighters

Donde todo comienza

Con aire reflexivo, Sebastian Pringle se prepara para hablar de algo cercano a él, de su música, entorno, de su yo interno. Everything is My Family es el tercer álbum de estudio de Crystal Fighters, pero además de eso, refleja un camino rocoso que ha tenido que recorrer. Un pasaje en el que la poesía, la inspiración y la naturaleza se integran, uno donde todos somos familia. En su debut con Star of Love de 2010 y habiendo cambiado su alineación en repetidas ocasiones, la banda decidió alternar el enfoque de su prosa por uno mucho más positivo que el del año pasado. “Al inicio, nuestros shows en vivo y todo el espectro del grupo estaba inspirado por la poesía que escribía el abuelo de uno de nuestros amigos. Era muy dramático y nos encantaba mezclarle la música. Así fue como empezó y gradualmente hemos tratado de
crear un viaje sonoro distinto”.

Y es que a pesar de ser originarios de Londres, Inglaterra, poseen un secreto a voces con los encantos de Latinoamérica, una conexión llena de sensualidad y experiencia. “Simplecito”, el track que le da inicio al álbum fue grabado en Sudamérica. “Todos los días meditaba con dos maestros peruanos. Al comenzar cada sesión, decían una especie de rezo. El último día que estuve ahí me acerqué y les pedí si los podía grabar”. Al ponerle play se puede escuchar: “Abre las mentes, abre el espíritu del alma. A veces nos hace renacer”, recitan los expertos.

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