Archivo del Autor: Natalia Cano

Catrina, un festival musical para todos los gustos


Weezer, Café Tacvba, Fobia, Die Antwoord, Babasónicos y Maná fueron algunos de los actos que estuvieron presentes en la tercera edición del festival poblano.


POR Natalia Cano  



Foto: Salvador Bonilla

Catrina, un festival musical para todos los gustos

Rivers Cuomo mostró orgulloso el jersey de los Tiburones Rojos del Veracruz mientras interpretaba “My Name Is Jonas” y “Keep Fishin’”. La prenda, en una versión actualizada de aquella que el vocalista y líder de Weezer inmortalizó en 1994 en el video de “Undone – The Sweater Song”, causó revuelo entre un sector de los miles de asistentes del Festival Catrina, que el sábado celebró su tercera edición en Cholula, Puebla.

En una vieja entrevista durante una visita a México hace varios años, Cuomo explicó que el motivo por el cual usa dicho jersey es una especie de “tributo” a los mexicanos y su generosidad, luego de que a los 20 años viajó a Veracruz y conoció a alguien que lo ayudó durante su paso por el país.

Como la anécdota del jersey, la presentación de la banda californiana en el Catrina se convirtió en un emotivo reencuentro entre amigos, que incluyó las ya características versiones que Weezer suele hacer en sus conciertos y que esta vez encabezaron “Africa” de la veterana banda Toto, “Happy Together” de The Turtles, “Take on Me” de A-ha, y “Paranoid” de Black Sabbath.

Foto: Salvador Bonilla

Luego de que la banda también integrada por Patrick Wilson, Brian Bell y Scott Shriner subiera al escenario, del otro lado del Parque Pirámide Cholula, Maná ya había animado a un segmento de los cerca de 25 mil asistentes que se dieron cita en el festín musical el sábado pasado.

Foto: cortesía Alejandro Meléndez

El eclecticismo del festival Catrina hace que por sus escenarios figuren bandas de todo estilo, por lo que ver a Maná compartir cartel con grupos como Fobia, Die Antwoord, Babasónicos, Café Tacvba o Mi Banda El Mexicano no resultó nada extraño.

Foto: cortesía Alejandro Meléndez

Aunque no es frecuente ver el nombre del conjunto jalisciense en festivales mexicanos de rock, la banda liderada por el vocalista Fher Olvera logró conectar muy bien con el público y complacer a viejos y nuevos fans con canciones como “Me vale”, “Corazón espinado” y “En el muelle de San Blas”.

Sin duda, Café Tacvba fue uno de los actos más esperados por los asistentes. Su participación en el festival musical poblano forma parte de las presentaciones previas al festejo de su 30 aniversario, el cual llegará en el primer semestre de 2019.

Foto: cortesía Alejandro Meléndez

Con una máscara de calavera y su inconfundible baile sobre el escenario, el vocalista Rubén Albarrán deseó que la organización del festival y las autoridades locales lleguen a un buen acuerdo, luego de que este año revivió la polémica que existe sobre el uso del espacio arqueológico para el encuentro musical y los daños que se ocasionarían. “Para nosotros es un placer el poder venir a compartir la música con todos ustedes, pero con todo el respeto que merecen los pueblos cholultecas, deseo que haya siempre un entendimiento entre las partes y sobre todo que nosotros respetemos el lugar, que lo cuidemos, este lugar precioso, nos hagamos cargo de nuestra basura y que la pasemos chingón”, expresó Albarrán antes de interpretar “Cómo te extraño mi amor”.

Foto: cortesía Alejandro Meléndez

Foto: cortesía Alejandro Meléndez

Con su espectáculo de rock y elementos místicos, Porter también fue uno de los grupos más esperados durante la maratónica jornada que incluyó nombres como Juan Son, Mago de Oz, Daniela Spalla, Chicano Batman, Reyno, Hello Seahorse! y Chetes, entre otros.

Foto: cortesía Alejandro Meléndez

Por cuestiones ajenas a la organización de Catrina, el guitarrista puertorriqueño Omar Rodríguez-López y el grupo mexico-estadounidense Le Butcherettes cancelaron su participación en esta edición. En su lugar, Descartes a Kant imprimió el toque alternativo a la velada.


La vida de Gustavo Cerati en TV


Javiera Mena es la anfitriona de este capítulo dedica al músico argetino.


POR Natalia Cano  



Foto: cortesía de National Geographic

La vida de Gustavo Cerati en TV

Gustavo Cerati sostuvo una conexión muy cercana con Chile que abarcó no sólo un sentido personal cuando entabló una relación amorosa con la modelo y DJ Cecilia Amenábar, con quien procreó al también músico Benito Cerati y a su hermana, la artista visual Lisa, también tuvo un lado artístico poco conocido, pues fue en ese lugar donde el fallecido astro del rock argentino desarrolló una faceta como productor de música electrónica.

Precisamente esa etapa en la vida del exlíder de Soda Stereo es la que más recuerda la cantautora chilena Javiera Mena, quien fungió como anfitriona en el documental Bios. Vidas que marcaron la tuya, de National Geographic en honor a Cerati y que llegará a las pantallas este domingo 25 a las 9:00 pm (hora del centro de México). “Lo tenía (a Cerati) muy presente como un líder de opinión, como una persona que también al ser muy melómana, siempre andaba averiguando sobre cosas más alternativas y otros aspectos de la música, y yo también creo que soy así”, cuenta Javiera Mena.

Javiera Mena.

Este homenaje es un recorrido por su vida a través de grabaciones nunca antes vistas, imágenes de archivo y testimonios que incluyen a Shakira, y sus compañeros en Soda Stereo, Zeta Bosio y Charly Alberti, entre otros. “Fue una experiencia muy enriquecedora para mí porque fui conociendo a fondo cómo trabajaba Cerati, era un genio muy dedicado, con mucha energía. Desperté mi curiosidad máxima como músico, como persona creativa. También me di cuenta de lo mucho que trabajaba y eso fue una inspiración total para aplicar eso en mí”, recuerda emocionada Mena.

El programa reconstruye los distintos puntos de inflexión en la vida de este genio creativo, a través de entrevistas a sus familiares, entre ellos, su madre Lillian Clarke, su hermana Laura Cerati y sus hijos Benito y Lisa, así como personajes que fueron una pieza clave en su desarrollo musical como líder de Soda Stereo y en su faceta en solitario. “Si uno ve el documental, verá lo fascinante que es Lilian Clarke, durante la charla te darás cuenta porqué su madre es muy especial. Hay algo muy lindo en su familia, tienen ese algo muy italiano”, concluye la chilena.

Lillian Clarke y Laura Cerati.


Rebeldía acústica


Molotov deja a un lado los cables para presentar en una gira su más reciente álbum, ‘MTV Unplugged: el desconecte’.


POR Natalia Cano  



Foto: cortesía Universal Music

Rebeldía acústica

El panorama represivo que le tocó vivir a los integrantes de Molotov en la década de 1990 marcó su espíritu rebelde. El cuarteto enfrentó la satanización del rock que ciertas esferas de la sociedad mexicana marcaron, y ante un clima social y político cada vez más agudo, usó la música para revelarse.

A 21 años de su nacimiento, la famosa agrupación mantiene viva su vena política y social, y canciones como “Gimme the Power”, “Frijolero” y “Voto latino” siguen sonando como banda sonora en las movilizaciones contra el racismo, la corrupción y la lucha hispana en Estados Unidos.

La banda integrada por los guitarristas y vocalistas Tito Fuentes y Micky Huidobro, el bajista Paco Ayala y el baterista Randy Ebright lanzaron sencillos como “Here We Kum”, “Hit Me” y “Dreamers”, siendo este último un tema inédito incluido en el MTV Unplugged que grabó este año y al que sumó su voz la rapera chilena Ana Tijoux. La pieza fue escrita por Ebright, de origen estadounidense y recientemente naturalizado mexicano. Conocido como “El Gringo”, a él se le acredita la autoría de algunos de los temas más emblemáticos en el repertorio del grupo como “Frijolero” y “Hit Me”. En “Dreamers”, el baterista plasma su postura frente a la lucha antiinmigrante encabezada por el presidente Donald Trump y su obsesión por construir un muro en la frontera con México, una de sus principales y más polémicas promesas de campaña. “Esta canción habla de los hijos de los indocumentados en Estados Unidos, que ya los quieren echar. Es una canción de un dreamer, pero al revés”, anunció Ebright aquella noche, durante la grabación del programa para el famoso canal de videos y recientemente estrenado.

Los dreamers son jóvenes que ingresaron a Estados Unidos ilegalmente en su infancia, llevados por sus padres, y se beneficiaron por un programa conocido como DACA (por sus iniciales en inglés), adoptado en 2012, que les permitió regularizar su situación migratoria. Pero en septiembre de 2017, Trump anunció que no renovaría más el DACA, un paso que en la práctica deja a esos 800 mil jóvenes en un limbo jurídico. “Está padre que Randy tenga este tipo de sensatez y visión muy contemporánea (…) Es un acierto de su parte hablar de una situación que tiene más voz ahora”, dice Tito Fuentes, en entrevista.

La situación de estos inmigrantes se tornó el centro de una interminable lucha política que paralizó literalmente Estados Unidos. Desde entonces, cientos de jóvenes inmigrantes se han hecho notar en protestas y marchas pacíficas en distintas ciudades de Estados Unidos, atrayendo la atención del mundo, incluida la de Molotov. “Esas mismas (‘Gimme the Power’ o ‘Voto latino’) son rolas que no sólo se escuchan en México, también en El Salvador, Nicaragua, Venezuela. Las escuchas ahí y dices: ‘¡Madres, tenemos cierta responsabilidad en lo que estamos escribiendo!’”, comenta Micky.


La nueva voz de Stone Temple Pilots


“Ha sido una gran bendición”, dice Jeff Gutt; vocalista de la banda que estará tocando en nuestro país.


POR Natalia Cano  



Foto: Michelle Shiers / cortesía Stone Temple Pilots

La nueva voz de Stone Temple Pilots

La primera vez que Jeff Gutt se encontró con los integrantes de Stone Temple Pilots tuvo un ataque de nervios. El vocalista había pasado parte de su adolescencia escuchando las canciones de la banda en su natal Michigan, y 25 años después, estaba frente a ellos para tomar una oportunidad única. El excantante del grupo de nü metal, Dry Cell, es desde noviembre de 2017 la voz de la agrupación surgida en la década de 1990, luego de la muerte de Scott Weiland y Chester Bennington (Linkin Park).

“Ha sido una gran bendición. Esperé toda mi vida para llegar a este punto y ser capaz de estar en una banda como Stone Temple Pilots (…) Nunca me imaginé estar aquí, pero los astros se alinearon, tomaron su curso y aquí estoy”, dice Gutt en entrevista desde el backstage del Festival Bud Light River City Rock Fest, realizado hace un par de semanas en San Antonio, Texas.

“Crecí con esta banda, con su música, sabía quiénes eran, pero verlos en persona, me hizo regresar inevitablemente al pasado”, señala el ex concursante del programa televisivo de talentos The X Factor durante la charla en el festín rockero, que este año tuvo como headliner a Nine Inch Nails, Primus y Stone Temple Pilots.

De rostro afilado y cuerpo menudo, el músico de 42 años cuenta que vivió un momento mágico cuando, en ese primer encuentro con los hermanos Dean y Robert DeLeo y el baterista Eric Kretz, interpretaron juntos por primera vez “Piece of Pie” del Core, álbum debut de la banda. “Soy muy fan del primer disco, acabo de relacionarme mucho con ese trabajo. Puedo decir que, en este momento, ‘Dead & Bloated’ es mi canción favorita, aunque eso puede cambiar mañana”, dice Jeff en tono bromista.

La presencia de Jeff Gutt en el escenario recuerda, en algunos aspectos, la de Scott Weiland. Ha adoptado ciertos movimientos del baile que efectuaba Scott sobre el entarimado y su tono de voz es muy similar. Su actuación imprime un tono familiar del fallecido cantante de Stone Temple Pilots, pero no es una “imitación servil”. “Para mí, el secreto está sobre todo en las canciones. He tratado de rescatar algunos temas, analizar qué necesitan las canciones y hacer una búsqueda en el catálogo para ver qué podemos tocar”, dice. “He tratado de rescatar el sentimiento que me produjo escuchar por primera vez esas canciones. De mostrar ese sentimiento interno”.

El próximo sábado, Stone Temple Pilots fungirá como una de las bandas principales en la primera edición del Force Fest, que se realizará en Teotihuacán, Estado de México, y donde compartirá escenario con System of a Down, Bush, Alice in Chains, P.O.D., Danzig y NOFX, entre otros.

Los integrantes del grupo guardan una relación cercana con México, cuya cultura y valores familiares admiran. Especialmente Scott Weiland se sentía muy conectado con el país: “Atlanta”, uno de los temas incluidos en el álbum No. 4 (1999), estaba dedicado a la entonces esposa del fallecido vocalista, una mujer de origen mexicano. “He estado en México solo una vez, cuando estaba en la preparatoria para el spring break, eso fue en los años noventa, en Acapulco. ¡Qué tiempos!”, recuerda Jeff Gutt. “Definitivamente ansío regresar, pasar más tiempo ahí, tener la oportunidad de visitar la Ciudad de México. Esta será técnicamente mi segunda visita al país, pero en realidad es la primera porque esta vez voy a actuar y por supuesto, ¡ya estoy graduado!”, dice sonriente.

Jeff Gutt anticipa que en 2019 habrá un nuevo disco en estudio de Stone Temple Pilots, álbum que sucederá al disco con título homónimo que la banda lanzó este año. “Siempre estamos trabajando en nuevas canciones. Entraremos al estudio a principios de 2019 y esperamos terminar en marzo, así que empezaremos el primer semestre del próximo año con nueva música. ¡Eso me tiene muy emocionado!”, concluye el vocalista.


Cemican, el sonido del misticismo prehispánico


La banda se presentará en el festival Wacken Open Air.


POR Natalia Cano  



Foto: Cortesía de Cemican.

Cemican, el sonido del misticismo prehispánico

Los integrantes del grupo jalisciense Cemican cumplirán su sueño de asistir este año al festival Wacken Open Air por partida doble: como amantes del heavy metal, pero también como una de las bandas hispanas invitadas por la organización del evento más grande dedicado a ese género musical.

Con su propuesta sonora de power metal, progresivo y folk, la agrupación surgida hace una década es integrada por Tecuhtli (guitarra y voz), Ocelotl (bajo), Tlipoca (batería), Mazatecpatl y Yei Tochtli (ambos con instrumentos prehispánicos y coros) y busca compartir con los asistentes del festival el misticismo de las culturas prehispánicas plasmado en su música y enaltecer la cosmovisión indígena a través de sus canciones. “Desde niños nos despertó el interés de conocer sobre las culturas ancestrales. Nos interesamos en lo relacionado con los calpullis y las comunidades indígenas. Comenzamos a participar en encuentros espirituales para aprender sobre los rituales y adentrarnos en las etnias”, cuenta el vocalista José Hernández, conocido como Tecuhtli.

El cantante y guitarrista recuerda que, en los inicios de Cemican (que en náhuatl significa “toda la vida, salud y sabiduría”), a fin de involucrarse por completo con los aspectos prehispánicos que querían imprimirle a su apuesta artística dejaron de tocar un tiempo sus instrumentos eléctricos para ejecutar instrumentos tradicionales como el teponaztli (un xilófono hecho del tronco de un árbol ahuecado y cerrado) y el tlapitzalli (flautas hechas de barro). Así llegó su álbum debut Ometiliztli, con el que comenzaron a abrirse camino en la escena musical mexicana. “Cuando iniciamos el proyecto, sí lo visualizamos como está ahora, y fuimos mejorándolo, nuestra vestimenta no era como lo es ahora. Desde que formamos Cemican la ideología fue hacer que la gente pudiera transformarse al misticismo y a la música, a lo visual, nosotros lo que empezamos a formar desde el inicio, y nos dimos a la tarea de crearnos una imagen, un sello”, agrega Tecuhtli.

Recientemente lanzaron el video “Guerreros de Cemican”:

Su segunda producción, de corte independiente, se llamó Estamos en el Valle de los Muertos, que en 2014 les trajo la oportunidad de participar en Hell & Heaven. Tras su participación en distintos festivales metaleros en su natal Guadalajara y otros estados del interior del país, Cemican realiza su primera gira por Europa, que incluyó su intervención en la edición francesa del festival Download, celebrado el pasado fin de semana. “El hecho de estar en Download y Wacken es un punto importante para el metal mexicano y que con esto, se genera la posibilidad de que otras bandas mexicanas puedan llegar allá”, señala el líder de la banda.

Para Tecuhtli uno de los logros más grandes de poder girar en Europa este verano es haber llegado sin una disquera de por medio. Antes de Cemican, solo Panteón Rococó, en 2012, fue invitado directamente por la organización del festival alemán, exceptuando también las bandas que participan en la llamada Batalla de las Bandas.

Cemican se presentará en Wacken Open Air, a realizarse del 2 al 4 de agosto próximo, en el escenario de la Villa Vikinga.


Zoé: el renacimiento


Zoé encontró el origen para alzar la voz y actuar en la sociedad mexicana.


POR Natalia Cano  



Foto: Twitter Zoé

Zoé: el renacimiento

La mítica historia del camino que recorrieron los mexicas originarios de Aztlán en busca de “la señal” (el águila con las alas extendidas sobre un nopal), que les indicaría el lugar exacto donde debían fundar su ciudad, México-Tenochtitlán, funge como hilo conductor de lo que el vocalista León Larregui desea retratar en el nuevo álbum de Zoé.

Para el cantante de la banda de rock, la conexión del periodo que transcurrió desde la salida de aquel grupo peregrino hasta la fundación de uno de los imperios más grandes e importantes de la América precolombina, en el siglo XIV, tiene eco el día de hoy, con la migración de mexicanos a Estados Unidos en plena era del presidente Donald Trump y su obsesión por construir un muro en la frontera, pero también como una invitación al escucha para re exionar sobre el origen y el futuro de México, tras los terremotos que azotaron el centro y sur del país en septiembre pasado, y de cara a las elecciones presidenciales.

Así fue como Larregui, amante de la ciencia ficción y un apasionado por las culturas precolombinas americanas, y sus compañeros de agrupación optaron por llamar Aztlán a su sexto álbum de estudio, el primero en cinco años y el mismo que marca sus primeras dos décadas de carrera musical con fecha de salida el 20 de abril. “Me parecía importante acercarme más a la cultura de México. También creo que es un buen momento de abrazar nuestras raíces, investigar más sobre nuestro origen. Abrazar nuestra mexicanidad con orgullo, y comenzar a cambiar todo el mierdero en el que tienen hundido este país”, dice Larregui.

En el interior de la sala de juntas de su casa disquera, Universal Music, el rostro del músico irradia esperanza. Da un sorbo de café caliente y se toma unos segundos para meditar cada respuesta. “Creo que todo lo que ha sucedido desde el año pasado, que fue un año tan fuerte en todos los sentidos, se refleja. La música se permea de eso porque lo estás viviendo, y sería muy falso que no tuviera un reflejo en las nuevas canciones, sería ‘hacernos de la vista gorda’, hacernos güey”, señala. “Nuestra música, aparte de ser música pop para entretenerte, tiene un lado reflexivo. Sonoramente, se sienten fragmentos, pedazos indescriptibles con palabras, y en la lírica sí hay algunos toques que hablan de la política, hasta del temblor, de la migración, del muro (de Trump), siempre con una visión positiva. No es fatalista para nada, discreto, pero ahí está”, añade.


De Iztapalapa para Coachella


El ritmo de Los Ángeles Azules se mezclará entre A Perfect Circle y The Weeknd.


POR Natalia Cano  



Foto: cortesía OCESA Seitrack

De Iztapalapa para Coachella

Los tiempos de cumbia son tiempos de dos: un par de pasos entre los que la bailan, y una dupla de tonos han hecho de Los Ángeles Azules un fenómeno musical en México.

El éxito de la agrupación originaria de Iztapalapa ha rebasado cualquier barrera cultural, social, económica e idiomática, y en 30 años, se ha convertido en un digno representante de la cultura popular mexicana.

El 13 y 20 de abril próximo, el conjunto sumará a su lista un enorme logro cuando llegue al escenario de uno de los eventos musicales más importantes del mundo: el festival Coachella, donde este año comparte cartel con figuras como Beyoncé, Eminem, Jamiroquai, A Perfect Circle y The Weeknd. “Este es un fenómeno que ni siquiera nosotros entendemos. No sabemos quiénes somos, y honestamente, tampoco quiero saberlo. Sólo quiero seguir trabajando en lo que tanto nos gusta, y saber que lo que estamos haciendo, lo estamos haciendo bien”, dice José Mejía, con una gran sonrisa.

Su llegada al festival californiano, que se celebra anualmente en Indio, resulta, en gran parte, por la presentación que la banda tuvo en el Hollywood Bowl, en septiembre de 2017. En esa ocasión estuvo acompañada de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, un hecho histórico que la convirtió en la primera agrupación de cumbia en presentarse en ese legendario lugar.

La historia de esta “segunda vuelta” que viven Los Ángeles Azules comenzó hace cinco años, después de una charla entre los hermanos Mejía con el músico y productor Camilo Lara, y la agencia de representación Ocesa Seitrack. En aquel entonces, la agrupación vivía una severa crisis, luego del término de su contrato con la disquera Disa, y con ello la posibilidad de reubicar el proyecto en otro sello.

En esa reunión, cuenta Pepe Mejía, le expusieron a Lara la idea de grabar un disco con nuevas versiones de sus canciones más exitosas, las mismas que han hecho bailar a miles de personas en Latinoamérica y Estados Unidos durante tres décadas. Cómo te voy a olvidar, el álbum número 19 de la agrupación, incluyó “Entrega de amor”, a dúo con Saúl Hernández (Caifanes); “Las maravillas de la vida”, con Carla Morrison; “Cumbia del acordeón”, con Celso Piña; “Juventud”, con Vicentico (Los Fabulosos Cadillacs); “Mis sentimientos” con Ximena Sariñana y “17 años” con Jay de la Cueva.

El álbum, coproducido por Toy Selectah, fue lanzado poco después de ese glorioso debut de la agrupación en el Vive Latino 2013, donde reunió a 30,000 personas.

“Cuando nos invitaron al Vive Latino, pensamos que era muy arriesgado. Mi mamá nos decía que no nos presentáramos, porque en redes sociales empezaron a reaccionar todos los chavos y decían que nos iban a bajar (del escenario), que qué hacía un grupo como Los Ángeles Azules en un festival como ese”, recuerda Pepe Mejía.

Pero su participación en el Vive Latino 2013 tan sólo representó la puerta de entrada a una serie de hazañas que parecen multiplicarse con los años: festivales como Machaca y Cumbre Tajín, varios shows con taquilla agotada en el Auditorio Nacional, conciertos en el Zócalo de la capital mexicana, y próximamente Coachella. No hay duda, su cumbia es irresistible.


Un legado musical hecho magia


Soda Stereo estará más cerca que nunca gracias a ‘Sép7imo día-No descansaré’.


POR Natalia Cano  



Foto: cortesía de Ocesa

Un legado musical hecho magia

El reencuentro entre Zeta Bosio, Charly Alberti y el productor Adrián Taverna en el estudio de grabación para trabajar en el proyecto Sép7imo día–No descansaré; el nuevo espectáculo del Cirque du Soleil, inspirado en la música e historia de Soda Stereo, resultó sanador para los exintegrantes del famoso trío argentino de rock.

A una década de la gira de reunión Me verás volver, tras la separación de Soda Stereo en 1997, el bajista y el baterista se juntaron para crear versiones renovadas de sus temas clásicos que ahora forman parte de la puesta en escena que la compañía canadiense estrenará en Monterrey (19 de octubre), Guadalajara (8 de noviembre) y la Ciudad de México (28 de noviembre).

El concepto fue mutando para nosotros, nos tuvimos que hacer cargo de este trabajo de readaptación de la música de Soda Stereo, con toda la responsabilidad que eso significaba y sabiendo que habíamos perdido a un hermano, a una parte fundamental de la banda”, cuenta Alberti. “Pero la familia de Gustavo (Cerati) fue la clave, no quería que paráramos que siguiéramos adelante, ellos nos apoyaban, y así fue”, añade.

Encerrados en Unísono, el estudio de su compañero Gustavo Cerati (1959-2014), la dupla vivió jornadas interminables donde las emociones se desbordaban: de las risas al llanto, la adrenalina se convertía en ataques de nervios ante la posibilidad de que las nuevas versiones para el espectáculo no estuvieran al nivel del gusto de Cerati.


A tres años de su partida, Bosio y Alberti recuerdan a Cerati


Zeta Bosio y Charly Alberti hablaron sobre ‘Sép7imo Día’, espectáculo que recuerda a Gustavo Adrián Cerati.


POR Natalia Cano  



Foto: Cortesía Ocesa

A tres años de su partida, Bosio y Alberti recuerdan a Cerati

Para el bajista Zeta Bosio y el baterista Charly Alberti, el espectáculo Sép7imo Día. No descansaré significó un viaje introspectivo y de sanación emocional tras el fallecimiento de Gustavo Cerati, pero también el gran reto de honrar el legado musical de Soda Stereo.

Encerrados en el antiguo estudio del vocalista y líder de la banda argentina, Unísono, la dupla vivió jornadas interminables donde las emociones se desbordaban: de las risas pasaba al llanto, y la adrenalina se convertía en ataques de nervios ante la posibilidad de que las nuevas versiones de los clásicos de Soda Stereo para el espectáculo del Cirque du Soleil no estuvieran al nivel de lo que a Cerati le hubiera gustado.

“Este trabajo (Sép7imo Día) fue muy importante para madurar un duelo entre Charly Alberti, Adrián Taverna (productor) y yo. ¡Imagínate, los tres en el estudio trabajando con nuestro material y teniéndolo muy presente!”, cuenta Bosio, en una entrevista telefónica desde Bogotá, ciudad donde la semana pasada aterrizó el espectáculo de la compañía canadiense para iniciar su temporada.

“Empezamos extrañándolo mucho en la sala (de grabación) y terminamos teniendo un encuentro como si Gustavo estuviera ahí. La magia que tiene ese espectáculo es la mejor forma de recordarlo, juntarnos todos en un lugar”, afirma el bajista.

Codirigido por el escritor y director de la obra, Michel Laprise, y Chantal Tremblay, directora de creación, Sép7imo Día. No descansaré es el resultado de dos años de arduo trabajo entre los dos integrantes de Soda Stereo, sus representantes, la familia de Cerati, y el equipo creativo del Cirque du Soleil. La apuesta escénica, la cuadragésima de la compañía con sede en Montreal, tomó como modelo la colaboración creativa del Cirque du Soleil con el legado de Elvis Presley, The Beatles y Michael Jackson.

“Nunca fue (el show) concebido como un homenaje (a Cerati), es una celebración a la historia de Soda Stereo. Me parece que no hace falta hacer homenajes o tributos que jueguen con esa sensibilidad o tristeza para que la gente se emocione”, explicó Alberti. “Gustavo llegó a un nivel de representatividad tal, que yo mismo me sorprendo (…) Nos criamos juntos, empezamos a soñar juntos, nuestro futuro con la música. Hoy en día me sigo dando cuenta de con quién estuve al lado”, concluyó Zeta Bosio.

Sép7imo Día. No descansaré inició sus presentaciones en Argentina en marzo, con paradas Perú, Chile y Colombia.

En México comenzará su temporada el 19 de octubre en Monterrey, para luego viajar a Guadalajara, donde ofrecerá funciones a partir del 8 de noviembre. Al Palacio de los Deportes de la capital mexicana llegará el 28 de noviembre.


Con la creencia mejorada


Babasónicos lanzó el álbum en vivo ‘Repuesto de fe’ a través de un largo camino en el que ha roto utopías.


POR Natalia Cano  



Foto: Cortesía de Sony Music

Con la creencia mejorada

Para Adrián Dárgelos, las fórmulas que garantizan la permanencia de una banda de rock no existen. El único secreto –afirma el vocalista de Babasónicos– es la combinación de individualidades entre los diferentes entes que dan vida a ese universo musical. “Cuando funciona un grupo no es porque sus integrantes sean iguales, todo lo contrario, sus diferencias le aportan un volumen de belleza, algo de lucha, de pugna por ideas; inspiración colectiva, más allá del liderazgo y el seguimiento de los demás”, señala.

Babasónicos cumplió recientemente 26 años sobre los escenarios, hazaña que deja en el líder de la agrupación argentina y sus compañeros “un sabor de victoria”. El regocijo se debe a que el suyo es un proyecto surgido en Lanús, un típico vecindario suburbano en las afueras y al sur de Buenos Aires, habitado por la clase media, y cuyo sonido barrial está más asociado con grupos de rock urbano como Los Redonditos de Ricota. “El campo de referencia es el lugar donde estudiábamos y vivíamos, y eso de especular que dure tantos años es bastante mágico, imposible e incierto porque eso lo haces cuando eres muy joven y tienes otras expectativas de la vida, crecimientos no parejos y ambiciones distintas”, opina el músico. “Honestamente es muy raro que se siga manteniendo el grupo después de tanto tiempo”.

Sentado en un sillón, en un hotel ubicado en la avenida Álvaro Obregón de la Ciudad de México, Dárgelos hace memoria de aquella época en la que se embarcó en una aventura transatlántica que indudablemente marcó parte de la identidad sonora que la banda construyó a principios de la década de 1990.



CD: ‘Nada vale más que tú’ – Kinky


Una mezcla que une géneros para alcanzar la diversidad.


POR Natalia Cano  



CD: ‘Nada vale más que tú’ – Kinky

Nada vale más que tú

Kinky

OCESA Seitrack

Promiscuidad sonora

Si hay algo que distingue a Kinky como banda es el atrevimiento que sus integrantes muestran cuando de hacer música se trata. En su nueva producción discográfica, esta potente maquinaria norteña de ritmos se alejó del tradicional acordeón y apostó por géneros como el trap, el synth pop y hasta el reggaetón en un experimento sonoro que promete apoderarse de las pistas de baile. Sin olvidarse de sus raíces mexicanas, Nada vale más que tú perfila a convertirse en el disco más internacional en la carrera del quinteto, que en esta ocasión contó con múltiples invitados en el estudio como Pepe Aguilar, Adrián Dárgelos [Babasónicos], Mariel Mariel, Jarina de Marco y MLKMN.


El arte de hacer canciones pop


Steven Wilson estrena ‘To the Bone’, un álbum que refleja la sociedad actual
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POR Natalia Cano  



El arte de hacer canciones pop

Steven Wilson se inspiró en algunos álbumes que marcaron su temprana juventud, durante la década de 1980, como So de Peter Gabriel, y Hounds of Love de Kate Bush, para revisitar su ADN musical y explorar su rol como compositor e intérprete de canciones. Harto del pop actual, sin propuestas sólidas y con exponentes del género poco arriesgados –a excepción de figuras como Kendrick Lamar y Beyoncé, con una tradición heredada del R&B– el británico quiso retomar el reto de hacer “art pop” desde el terreno del rock. El resultado fue To The Bone, quizá su trabajo discográfico más “accesible”, pero sin perder nunca de vista la sofisticación que ha caracterizado su música a través de diferentes proyectos.


“Algo que quise en esta ocasión fue dedicarme al arte de escribir buenas canciones y melodías más accesibles, que siempre han sido parte de mis sonidos, melodías lindas y coros pegajosos. Pero, a diferencia de otros discos, esta vez fue más un sentido estricto de remover lo técnico y enfocarme en escribir buenas canciones pop”, dice Steven Wilson.


Illya Kuryaki & The Valderramas, preparan su regreso en solitario


Platicamos con Dante Spinetta, quien nos reveló detalles sobre el futuro de la banda.


POR Natalia Cano  



Foto: Priscila Nuñez

Illya Kuryaki & The Valderramas, preparan su regreso en solitario

Cuando Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur decidieron hacer una pausa en Illya Kuryaki & The Valderramas, el principal reto que enfrentaron fue desarrollar sus respectivas carreras solistas. Una década después, el desafío fue unir las piezas para dar al proyecto musical un segundo aire.

En su segunda vuelta a los escenarios, la dupla argentina lanzó dos álbumes, Chances (2012) y L.H.O.N (2016), que le acreditaron tres premios Grammy latinos, y una de gira por todo el continente. Ahora, después de seis años del encuentro, Spinetta y Horvilleur se preparan para volver al ruedo en solitario, mientras se alistan para regresar al estudio de grabación y preparar la siguiente entrega discográfica de la pareja musical.

Foto: Priscila Nuñez

“A diferencia de la primera vez que la banda se disolvió, en 2001, esta vez lo haremos diferente porque tenemos la madurez, o quizá porque lo estamos pasando muy bien con Illya Kuryaki también. ¡Aún tenemos muchas cosas que decir!”, nos cuenta Dante Spinetta.

El principal motivo de retomar sus respectivos proyectos solistas –explica el cantante y compositor– obedece a necesidades artísticas, de expresión y de poner más música “en la calle”.
Durante ese gran receso que el dúo realizó, Spinetta grabó tres discos como solista en los que experimentó con géneros como el rap y el hip hop. En tanto, su compañero Horvilleur grabó cuatro producciones que van de las baladas rockeras a las cumbias psicodélicas.

“Ahora, en lugar de tener un proyecto, tendremos tres: uno de Illya Kuryaki y los otros dos solistas”, señala.

Mientras el heredero del icónico rockero argentino Luis Alberto Spinetta trabaja para dar forma al sucesor de Pyramide (2010), él y Horvilleur, su socio, amigo y cómplice musical, ofrecerán los últimos shows de este año, incluido su concierto en la Carpa Astros de la Ciudad de México (viernes 16), y su participación en el Festival Machaca, en Monterrey (sábado 17).

Foto: Priscila Nuñez

“Este disco (L.H.O.N.) fue recibido con mucho amor, ahora tenemos la posibilidad de darle un cierre en un marco tan lindo como éste, en la Carpa Astros y Machaca, que seguramente son los últimos shows del año en México, a menos que pase otra cosa”, dice Spinetta. “Esta vez tenemos la posibilidad de entablar un diálogo más profundo con la gente que nos sigue”.

Dante Spinetta considera que a seis años de la reunión de Illya Kuryaki, el proyecto vive su mejor momento. “Quizá sea por la madurez que hemos adquirido y la fuerza en el escenario, así que vamos a seguir dando todo, como siempre, y aun más”, concluye el rockero.


Carla Morrison, amorosa y suprema


Inicia su gira de la mano de su más reciente álbum, ‘Amor supremo desnudo’.


POR Natalia Cano  



Fotos: cortesías de Carla Morrison

Carla Morrison, amorosa y suprema

Amor supremo desnudo fue ideado en la intimidad de la casa de Carla Morrison, en la Ciudad de México, y concebido en una atmósfera de energía y sentimientos desbordados durante los conciertos que la cantautora ofreció durante su gira pasada.

El álbum, producido por AlejandroJandro” y Demian Jiménez, es una declaración sonora en la que reitera su posición desde el terreno independiente. En él refleja la madurez que la joven compositora ha adquirido en casi una década de carrera, desde sus primeros pasos en foros pequeños de su natal Tecate, y Phoenix, Arizona, donde años atrás colaboró con bandas como Zombras, Revolver y Babaluca. “Creo que a veces la gente piensa que cuando eres independiente no eres exitoso, o que no te puede ir bien, o que estás ahí cargando tus cosas, y sí, claro que una puede cargar su equipo, pero simbólicamente también una puede lograr mucho”, nos cuenta Morrison. “El éxito no es la fama, sino que la gente que vaya a tus shows realmente conecte contigo, que tú puedas pararte sobre el escenario de un Festival Vive Latino o Coachella, el que sea”.

Foto: cortesías de Carla Morrison

Su nueva entrega discográfica contiene dos nuevos sencillos, “Te regalo” y “Dime mentiras”, éste último estrenado la semana pasada, así como una nueva versión de “Tierra ajena” a la que Ely Guerra sumó su voz. “La verdad es que el acústico siempre ha sido parte de mi proyecto, pero con este último disco me fui por otra ruta porque tenía muchas ganas, era un capricho mío. De repente íbamos a España o a Argentina, y la gente pedía acústicos, a mí me gusta cómo suenan las canciones en ese formato, así que decidimos hacerlo”,señala.

Para la cantante, el poder de la palabras y las acciones ha significado una herramienta muy valiosa en su experiencia en la industria musical, a fin de mantener su libertad. “Para mí, es muy importante ser muy coherente conmigo misma, no sólo con mi proyecto, sino en toda la vida. En mi casa no me enseñaron mentir para conseguir algo, me enseñaron a trabajar duro. La vida es constancia, trabajo, disciplina y echarle ganas, no conozco otra ruta”, subraya.

Foto: cortesías de Carla Morrison

Su pasado concierto en el Foro Indie Rocks! marcó el inicio de la gira nacional de agrupaciones indie que llevará a Carla Morrison a otras ciudades de México como Texcoco y Pachuca. El 11 de octubre llegará al escenario del Teatro Metropólitan para cerrar la serie de presentaciones, y retirarse unas semanas de escena para preparar su siguiente álbum.“Tengo ganas de descansar, tengo muchas canciones nuevas, pero quiero poner sólido el concepto del disco”, concluye.


El lado oscuro


San Pascualito Rey proyecta momentos de altibajos emocionales en ‘Todo nos trajo hasta hoy’.


POR Natalia Cano  



Foto: Facebook San Pascualito Rey

El lado oscuro

La fotografía de la portada en Todo nos trajo hasta hoy retrata un cúmulo de experiencias que han llevado a los integrantes de San Pascualito Rey a ser una de las bandas de rock más propositivas de la escena musical en el México contemporáneo: un viejo sampler utilizado en su disco debut, Sufro, sufro, sufro (2003); un monedero azul de metal que aportó el guitarrista Alex Otaola en honor a su amiga y compañera en Santa Sabina, Rita Guerrero; el cuadernillo que Pascual Reyes solía usar para escribir las letras de las canciones de la banda; una pintura con la mano del bajista Juan Morales y un bolso estilo cartero, propiedad del baterista Luca Ortega.

Todos los objetos ahí reunidos reflejan las diferentes etapas que ha vivido la agrupación en 17 años de vida, incluido el complejo proceso que enfrentó durante los dos últimos años para dar vida a su nueva entrega discográfica, lanzada en febrero pasado y que trajo como uno de los sencillos “En la oscuridad”, un tema a dúo con el líder de No Te Va Gustar (NTVG), Emiliano Brancciari. “En el afán de no repetirnos y no caer en las mismas cosas que ya habíamos hecho, hubo muchas fricciones creativas entre nosotros, algunas de ellas muy profundas”, cuenta el vocalista Pascual Reyes.

“No lográbamos acordar para dónde llevar una canción, o la otra, o quién la llevaría y fue un jaloneo, a veces hasta violento”. Con la ayuda del productor argentino y ganador del Grammy latino, Camilo Froideval, el grupo logró superar esas diferencias y conciliar a favor de la música para crear Todo nos trajo hasta hoy, su primer disco de estudio en seis años. Se trata de un álbum con 12 piezas en las que redefinió su sonido a través de texturas que oscilan entre el rock alternativo, el trip hop y la cumbia, con fuertes influencias de bandas como Queens of The Stone Age, en canciones como “En la oscuridad”. Tras la experiencia de trabajar con Toy Selectah y Maurizio Terracina como productores de Valiente, su álbum de 2011, la banda apostó por Froideval, a quien conocieron años atrás cuando concibieron dicho álbum en los estudios de Molotov, Topetitud, ubicados en el barrio de Coyoacán de la Ciudad de México.

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De la ficción a la realidad: Sergio Arau, un “candidato a la presidencia”, que tiene el valor de responderle a Trump


El exintegrante de Botellita de Jeréz nos cuenta sus planes para ser el jefe máximo de la nación.


POR Natalia Cano  



De la ficción a la realidad: Sergio Arau, un “candidato a la presidencia”, que tiene el valor de responderle a Trump

Sergio Arau tramitó la ciudadanía estadounidense después de 18 años de residencia en California. El músico estaba convencido de que su voto, al igual que el de miles de mexicanos en el vecino país del norte, ayudaría a derrocar al entonces candidato a la presidencia, el magnate Donald Trump. Pero la historia fue otra.

Hace 13 años, el exintegrante de Botellita de Jerez filmó Un día sin mexicanos, película que surgió de la necesidad de revalorizarse como alguien nacido en México. La idea emergió de la experiencia de Arau en Estados Unidos, a donde llegó para comenzar una vida, con la desventaja de no saber inglés. “Llegué a San Diego hace casi dos décadas, que es una ciudad muy republicana, y donde ahora las redadas antiinmigrantes se han desatado”, cuenta el rockero. “A diferencia de Los Ángeles, donde todos estamos revueltos, mexicanos, centroamericanos, árabes, a mí me tocó vivir en un lugar con cierta intolerancia hacia los hispanos”.

SENTADO COMO PRESIDENTE

Con la llegada de Trump a la Casa Blanca, Un día sin mexicanos se convirtió en una especie de himno que ha acompañado al movimiento social “Un día sin inmigrantes”, que realizó actos hace unas semanas, como respuesta a las políticas antiinmigrantes del empresario y político. “Estoy más rabioso que nunca, creo que es la suma de todo. Claro que hay que protestar contra Trump y exigirle que no nos insulte y ponernos al brinco, porque se trata de nuestra soberanía y la tenemos que defender”, opina.

Para el realizador fílmico, el arte puede ser una buena herramienta para la resistencia antiTrump, en una era de muros fronterizos y crisis migratorias. Además de su faceta como músico, realizador y pintor, también goza de una carrera como monero. “El humor es unas herramienta maravillosa”, señala el guitarrista. “Fui caricaturista político, así que las letras de Botellita de Jerez están plagadas de humor. Con el grupo retomamos tradiciones, la comedia de las carpas, del teatro popular, y echamos mano de esos elementos pata hablar de cosas políticas y sociales”.

Sergio Arau 12345

Siguiendo la tradición de la música, el cineasta también utiliza las canciones para hacer una crítica al sistema, y junto con su nueva agrupación, Los Heavy Mex, Arau responde a la intensidad de los tiempos actuales, a través de una fusión de metal y punk rock. “Estoy totalmente de acuerdo con lo que ha dicho Tom Morello, y cómo la música acompaña a los movimientos sociales y políticos. El arte en general siempre está ligada a los grandes momentos en los que la humanidad evoluciona”. Sergio Arau & Los Heavy Mex es la continuación de un experimento sonoro que el rockero comenzó en la década de 1990, a la cual llamó Sergio Arau y la venganza de Moctezuma. “Sé que en este momento debe haber proyectos que en papel suenan parecido, pero musicalmente les garantizo que no”, concluye.

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