Archivo del Autor: Noemí Contreras

Restaurantes: de buen diente


Celebra estas fiestas consintiendo tu apetito.


POR Noemí Contreras  



Foto: Cortesía de Margaret

Restaurantes: de buen diente

Margaret
Un elegante ‘diner’

Este lugar fusiona un bistró francés con un restaurante estadounidense, tanto en su decoración como en su cocina. Margaret cuida que el producto sea de primera calidad y al mismo tiempo se encarga de ofrecerle un apapacho en forma de comida a sus clientes con platillos que van desde pechuga de pato con arroz meloso hasta hamburguesa de carne angus.

Su especialidad son los risottos, por lo que debes probar el hogareño risotto de coliflor. Comienza con el foie gras de cocoa, cereza y emulsión de pistache. Disfruta de la deliciosa pesca con pimientos y las albóndigas con pasta udón. Y deja un poco de espacio al final para deleitarte con el shortcake con fresas o la tartaleta de yogurt con limón.

Para acompañar tus alimentos, pide una recomendación a la reconocida sommelier Laura Santander. Ella podrá ayudarte a elegir lo mejor de su carta de vinos –la cual cuenta con 130 opciones e incluye los vinos más representativos dentro de su variedad–, mientras te transporta a otros países y te explica por qué “la fruta es el mayor esfuerzo de una planta por sobrevivir”.

D: Campos Elíseos 199 Col. Polanco.
T: 5281 5903
P: $600-$800
Facebook: @margaretrestaurante

Fotos: Cortesía de Margaret.

Pasillo de Humo
Cultura y herencia

Un restaurante –situado dentro del mercado gastronómico El Parián– que traslada el auténtico sabor oaxaqueño a la Ciudad de México. Para esto, el chef Alam Méndez Florián creó un menú adaptando las recetas que le fueron transmitidas de su madre Celia Florián, quien es dueña del famoso restaurante Las Quince Letras ubicado en el centro de Oaxaca. En Pasillo de Humo se producen todos sus alimentos desde cero y lo mejor es que la mayor parte de sus ingredientes vienen directamente de Oaxaca.

Su concepto se basa en representar las tradiciones desde una perspectiva más personal y es un lugar sin pretensiones, con la parrilla a la vista y platos de barro. El arte de las paredes fue hecho por Ricardo Garduño, con la visión de representar a las tehuanas, mujeres empoderadas zapotecas. Y en cuanto a la música, el restaurante cuenta con distintas playlists de música mexicana, desde sones hasta canciones de Lila Downs.

Aquí podrás encontrar delicias que consentirán tu paladar como hoja santa rellena con chapulines, quesillo, frijoles, guacamole con chepiches y rajas de chile en agua; molotes istmeños con mole rojo; memelitas de papada de cerdo en salsa de chile seco con pico de gallo y verdolagas; y pato en mole negro de chilhuacle con un tamal de siete cueros y plátano asado. No olvides ordenar un imperdible mezcal zapoteco y un chocolate de agua o leche. Y cierra con broche de oro con el flan casero.

D: Av. Nuevo León 107 Col. Hipódromo Condesa.
T: 5211 7263
P: $600-$800
Facebook: @pasillodehumo

Fotos: Cortesía de Pasillo de Humo.

Piedra Sal
¡Barco a la vista!

Ubicado en el corazón de Lomas de Chapultepec, Piedra Sal es una excelente opción para disfrutar de una amplia variedad de propuestas gastronómicas de lunes a domingo. El nombre del lugar tiene su origen en la sal marina, ingrediente que resalta en la gran mayoría de los platillos que aparecen en el menú. Y aunque la especialidad de la casa radica en su oferta de pescados y mariscos, este restaurante también domina la preparación de carnes y aves. El lugar perfecto para degustar de comida del mar y la tierra con un toque de influencia mexicana.

Aquí podrás disfrutar de exquisitos platillos mientras convives en un espacio cosmopolita y monocromático –obra de la arquitecta Verónica González Zavala– donde la naturaleza es parte de su encanto con una estructura de madera limpia que abre la vista hacia el cielo y los árboles del lugar, creando un ambiente lleno de frescura, pero que no deja de ser acogedor.

Algunos de los grandes protagonistas del menú son los ostiones en su concha, las almejas y el king crab. Otros platos que destacan son los sashimis, las tostadas, los aguachiles, así como una gran variedad de entradas, sopas, ensaladas, pastas y arroces. Disfruta del bowl de pescado, el aguachile de huachinango, el pulpo a las brasas y la tarta de plátano.

D: Paseo de la Reforma 1101 Col. Lomas de Chapultepec.
T: 6550 4492
P: $500-$700
Página: piedrasal.com

Fotos: Cortesía de Piedra Sal.


Lucius: de gira con Roger Waters


Platicamos con Holly Laessig –vocalista de Lucius– sobre su visita a México, conocer a Waters y su más reciente álbum, ‘Nudes’.


POR Noemí Contreras  



Foto: cortesía Mom + Pop Music

Lucius: de gira con Roger Waters

Roger Waters regresa a México con tres fechas en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México (28 y 29 de noviembre y 1 de diciembre), dos fechas en la Arena VFG de Guadalajara (4 y 5 de diciembre) y dos fechas en la Arena Monterrey (8 y 9 de diciembre) con su gira Us + Them. Jess Wolfe y Holly Laessig, conocidas por ser las vocalistas de la banda de indie pop Lucius, son actualmente parte del tour del icónico músico británico.

Todo comenzó con la presentación sorpresa de Waters en Newport Folk Festival en 2015, donde My Morning Jacket apoyó a Roger durante un set de sus canciones en solitario y clásicos de Pink Floyd. El artista nacido en 1943 pidió al organizador del festival, Jay Sweet, algunas recomendaciones de coristas y él le sugirió a las vocalistas de Lucius. La banda –también compuesta por Dan Molad y Peter Lalish– ya había logrado cierto éxito con su álbum debut de 2013, Wildewoman. Además, Jess y Holly habían demostrado gran habilidad para armonizar con otros artistas en ediciones anteriores de Newport. Ambas subieron al escenario con Waters esa noche, lo cual fue un parteaguas para sus carreras. Poco después, se convirtieron en sus coristas, acompañándolo en el LP Is This the Life We Really Want? y en sus giras mundiales.

Este año, los roles se invirtieron y Waters fue un invitado especial en el más reciente material discográfico de Lucius, Nudes. Este álbum se compone de 10 temas acústicos donde destacan sus poderosas voces. Para la canción final, el músico proveniente de Surrey se unió a Lucius para cantar el clásico de blues “Goodnight, Irene”, popularizado por Lead Belly e interpretado por todos, desde Johnny Cash hasta Eric Clapton.

Previo a su presentación, platicamos con Holly Laessig sobre sus próximos shows en México, su experiencia con Roger Waters y la creación de Nudes.

Han estado juntos como banda durante varios años. ¿Cuál ha sido el mayor obstáculo al que se han enfrentado?
Buena pregunta. Creo que el mayor obstáculo ha sido estar lejos de casa porque hemos estado viajando durante varios años, seis o siete años, y pasamos la mayor parte de ese tiempo fuera de casa. Creo que eso ha sido lo más difícil.

Han colaborado con varios artistas, como John Legend, Ingrid Michaelson, The War on Drugs y más recientemente Kurt Vile, todos de géneros y estilos diferentes. ¿Cómo encontraron la conexión musical con ellos?
Hemos estado trabajando con el productor Shawn Everett durante mucho tiempo y nos sentimos muy cómodos con él. Conoce nuestras voces por dentro y por fuera y por suerte nos ha recomendado para un montón de proyectos. Por eso, la conexión en común de algunos de esos proyectos, como Kurt Vile y John Legend y The War on Drugs, era Shawn. Y ha sido realmente interesante que hayas mencionado a todos los distintos artistas con los que hemos trabajado, son muy diferentes y tenemos la suerte de poder ser desafiados por eso: en lugar de hacer un rompecabezas, podemos descifrar cómo encajamos en su rompecabezas. Y eso ha sido algo realmente bueno para nosotros, para ampliar nuestras habilidades de composición y lo que podemos hacer vocalmente, y nos ha ayudado en nuestros propios proyectos.

Este año lanzaron Nudes, el cual tiene nuevas canciones y covers, pero también versiones acústicas de sus discos previos. ¿Cómo decidieron qué canciones serían parte de este álbum?
Creo que siempre estamos buscando volver a imaginar las cosas y hacer algo nuevo y de una manera diferente. Algunas de las canciones que hemos hecho anteriormente podían ser acústicas y queríamos volver a hacerlas, queríamos volver a imaginarlas y ver qué podríamos aportar. Entonces así es como elegimos las que están en nuestros álbumes anteriores. Y para los covers, fueron canciones que nos encantan. Queríamos hacer “Eventually” (de Tame Impala) porque queríamos algo contemporáneo. Generalmente hacemos clásicos, que son nuestros favoritos, pero fue genial darle un nuevo giro a eso.

“Eventually” fue algo inesperado, pero resultó ser brillante. ¿Les gustaría colaborar con Kevin Parker?
¡Sí! ¿Tienes su número? [risas] Tal vez en el futuro.

También hicieron el cover de “Goodnight, Irene” con Roger Waters y han estado de gira con él. ¿Qué tan increíble es la experiencia de estar en el camino con una leyenda?
Es bastante loco. Es como todas las historias de rock & roll de los setenta que escuchas… pero sin las drogas [risas]. Es realmente fantástico, especialmente el público de Latinoamérica, Roger nos decía: “¡Va a ser totalmente diferente! ¡Va a estar fuera de lugar!”. Y tenía razón. Hasta ahora ha sido increíblemente divertido, el público está tan energizado y ruidoso y la hemos pasado muy bien.

Roger Waters dijo en una entrevista que se conocieron en Newport Folk Festival y los buscó en Google y le encantó su canción “Go Home”. ¿Cuál fue su primer pensamiento cuando se acercó a ustedes?
Escuchamos a través de un chico que dirige Newport Folk Festival si nos interesaría y dijimos: “¡Por supuesto!”. Y luego cuando lo conocimos fue lo primero que dijo cuando nos conoció, dijo que era un fan y que le gustaba nuestra canción “Go Home”.

De hecho, anteriormente han estado en México con Roger Waters en 2016. Y ahora tienen cinco fechas como parte de su gira, ¿qué tan diferente será esta vez?
El set ha evolucionado con el tiempo, también hay nuevos miembros en la banda, y hemos estado trabajando muy duro para que salga bien. Así que creo que será mejor y un poco diferente a la última vez. Además, cada presentación es diferente porque la audiencia es diferente.

¿Algún mensaje para los fans mexicanos?
Amamos su ciudad y estamos muy emocionados de estar allí con ustedes y compartir un día de música.


Cinco propuestas emergentes en el Corona Capital 2018


Damos un repaso por los nuevos talentos que se presentarán en la novena edición del festival.


POR Noemí Contreras  



Fotos: cortesía de los artistas

Cinco propuestas emergentes en el Corona Capital 2018

PresentadoporDoritos

El Corona Capital se ha convertido en uno de los festivales más esperados del año debido a una oferta musical que abarca diversos gustos y edades. Este año, miles de personas podrán disfrutar de más de 40 bandas que tocarán en en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez durante los dos días del festival. Dentro de su cartel –con Robbie Williams, Lorde, The Chemical Brothers, Imagine Dragons, Nine Inch Nails y Khalid como headliners–, también podemos encontrar propuestas emergentes interesantes que seguramente te sorprenderán.

Bad Sounds

Esta banda fue fundada por los hermanos Ewan (voz y teclado) y Callum Merrett (voz), quienes habían estado juntos en otros proyectos musicales desde que tenían 12 y 14 años. En 2014, Charlie Pitt (bajo), Sam Hunt (guitarra) y Olivia Dimery (batería) se unieron a estos hermanos para formar el colectivo. El sonido único de Bad Sounds surgió como una mezcla de los gustos musicales que Ewan (hip hop) y Callum (soul, pop y R&B) desarrollaron mientras estaban en la universidad. En 2017 presentaron su EP PHRESSSH, al cual se unió un año más tarde su primer álbum de estudio Get Better, material que los ha traído a visitar México para formar parte de la novena edición del Corona Capital.

• Canciones esenciales: “Wages”, “Are You High?” y “Zacharia”
• Escenario: Corona Light
• Horario: domingo a las 16:40 horas

Clairo

Claire Cottrill, mejor conocida como Clairo, es una joven cantautora de lo fi y electro pop proveniente de Massachusetts. Con una filosofía DIY (hazlo tú mismo) inspirada en Brockhampton, ella comenzó subiendo música en Bandcamp, mezclas de rap en SoundCloud, y cortometrajes y covers de Frank Ocean y Maroon 5 en YouTube. El video que Clairo subió a YouTube interpretando “Pretty Girl” fue el que atrajo mucha atención y actualmente cuenta con más de 23 millones de reproducciones. Este año, la artista de 20 años lanzó su primer EP, Diary 001, bajo el sello Fader.

• Canciones esenciales: “Flaming Hot Cheetos”, “Pretty Girl” y “4EVER”
• Escenario: Levi’s Tent
• Horario: sábado a las 15:10 horas

Gus Dapperton

Su nombre real es Brendan Rice y comenzó a escribir y hacer música en la secundaria. Con tal sólo 20 años, Dapperton lanzó su primer EP, Yellow and Such, seguido de You Think You’re a Comic!, su más reciente producción que tuvo su estreno a principios del 2018. Además, formó parte de la banda sonora de la serie 13 Reasons Why con la canción “Of Lacking Spectacle”. El cantautor neoyorquino cita a King Krule, The Smiths, The Beatles, The Beach Boys y Mac Demarco como algunas de sus influencias.

• Canciones esenciales: “I’m Just Snacking”, “Prune, You Talk Funny” y “Moodna, Once with Grace”
• Escenario: Doritos Bunker
• Horario: sábado a las 14:50 horas

The Lemon Twigs

Los hermanos Brian y Michael D’Addario –hijos del multinstrumentista Ronnie D’Addario–, crecieron con influencias como Harry Nilsson, Todd Rundgren y The Zombies. Después de aprender a tocar diferentes instrumentos, crearon The Lemon Twigs y se dieron a conocer con el álbum debut Do Hollywood de 2016. En agosto de este año, la banda lanzó su más reciente proyecto, Go to School, un disco con 16 temas que narra la vida de Shane, un chimpancé que lidia con el día a día ya que fue educado como un ser humano.

• Canciones esenciales: “I Wanna Prove to You”, “These Words” y “Small Victories”
• Escenario: Doritos Bunker
• Horario: Domingo a las 17:30 horas

Yungblud

Dominic Harrison –quien adoptó como nombre artístico Yungblud– es un músico de rock alternativo de Doncaster, Inglaterra. Estudió teatro en Londres para luego comenzar su carrera musical. Él se describe como “un artista socialmente consciente que no teme lanzar canciones de protesta”. A inicios de 2018, Yungblud debutó con un EP homónimo y pocos meses más tarde lanzó 21st Century Liability, su primer álbum de larga duración que incluye una docena de pistas escritas por él mismo, las cuales fueron producidas principalmente por Martin Terefe y Matt Schwartz.

• Canciones esenciales: “Anarchist”, “I Love You, Will You Marry Me” y “California”
• Escenario: Corona
• Horario: sábado a las 15:30 horas


Rumbo al Corona Capital: Lorde


La cantautora neozelandesa se presentará en el Corona Capital 2018 como parte de su Melodrama Tour.


POR Noemí Contreras  



Foto: Krists Luhaers (CC)

Rumbo al Corona Capital: Lorde

PresentadoporDoritos

Lugar de origen: Auckland, Nueva Zelanda
Discografía: dos LPs y dos EPs
Top 5: “Royals”, “Green Light”, “Team”, “Homemade Dynamite” y “Tennis Court”
Presentación: sábado 17 de noviembre, escenario Doritos Bunker de 21:30 a 22:45 horas

Con una voz única y letras poderosas llenas de agudas metáforas, Ella Yelich-O’Connor (mejor conocida como Lorde) se convirtió en la artista neozelandesa más joven en recibir un Grammy, lográndolo cuando sólo tenía 17 años. La cantante debutó con Pure Heroine (2013) criticando el estilo de vida relacionado con el pop, mientras consagraba la gloria y el drama de ser adolescente. Cuatro años más tarde, Lorde exploró los altibajos de la soledad tras una ruptura amorosa con Melodrama (2017). En promoción de este álbum, la artista se encuentra en una gira internacional que tendrá fin en nuestro país durante el Corona Capital 2018.

Ella Marija Lani Yelich-O’Connor nació el 7 de noviembre de 1996 en Takapuna, Auckland. Su madre, Sonja Yelich, es una poeta de ascendencia croata, mientras que su padre, Vic O’Connor, es un ingeniero civil de ascendencia irlandesa. La carrera de Lorde comenzó cuando su padre envió dos videos de una presentación que tuvo en la radio a Scott Maclachlan de Universal Music. Así, cuando tenía apenas 12 años, Universal firmó un contrato con ella para desarrollar sus habilidades vocales y de composición.

Sin embargo, no fue hasta 2011 que Lorde, junto con Joel Little de Goodnight Nurse, compuso y grabó cinco canciones para un EP titulado The Love Club. La artista lanzó el disco a través de su cuenta de SoundCloud y fue descargado gratuitamente aproximadamente 60 mil veces, por lo que Universal lo lanzó a la venta en 2013. El sencillo “Royals” se volvió inmediatamente un éxito, llegando al Número Uno del Billboard Hot 100 por nueve semanas consecutivas, convirtiéndose en la solista más joven en lograr este puesto desde 1987.

En septiembre de 2013, Lorde lanzó su LP debut, Pure Heroine, el cual incluye los sencillos “Tennis Court”, “Team”, “No Better” y “Glory and Gore”, además de “Royals”. Este álbum recibió críticas positivas y se incluyó en listados de los mejores discos de aquel año, posicionándose en el Número Siete de los Mejores discos de 2013 según Rolling Stone. Un año más tarde, la cantautora lanzó “Yellow Flicker Beat” como el primer sencillo de la banda sonora de Los juegos del hambre. Sinsajo – Parte 1, de la cual fue curadora. Posteriormente, en junio del año pasado, Lorde lanzó su más reciente producción discográfica Melodrama, debutando como Número Uno en el Billboard 200 y recibiendo la nominación a un Grammy por Álbum del Año.

A continuación presentamos algunos datos curiosos de la artista:

1. Lorde menciona a su mamá como una de sus influencias, debido a que la motivó a leer diferentes géneros de literatura. Incluso reconoce que algunos autores como M.T. Anderson, J.D. Salinger, Raymond Carver y Janet Frame la ayudaron a formar su estilo lírico.

2. La cantante no terminó la preparatoria, desertando en el último año para dedicarse completamente a su carrera musical.

3. En una entrevista con Periscope, el pianista de David Bowie, Mike Garson reveló que el músico británico creía que “Lorde era el futuro de la música”. Tras la muerte de Bowie, Lorde le rindió tributo con la canción “Life on Mars?” en los Brit Awards de 2016, y su hijo Duncan Jones escribió en Twitter que su presentación había sido “hermosa”.

4. A los 22 años, Lorde ya ha ganado dos premios Grammy, dos Brit Award, dos Billboard Music Awards, tres MTV Awards y 18 New Zealand Music Awards.

5. En 2013, la revista Time incluyó a Lorde en Los 16 adolescentes más influyentes junto con Kendall y Kylie Jenner, Malia Obama y Justin Bieber. Además, el siguiente año formó parte de la lista 30 menores de 30 de Forbes.

“Royals”:

“Green Light”:

“Perfect Places”:


Restaurantes: a pedir de boca


Deléitate con esta selección gastronómica.


POR Noemí Contreras  



Foto: Cortesía de Luciferina

Restaurantes: a pedir de boca

Luciferina
Como el diablo manda

Situada en una casa del Porfiriato, Luciferina es una taberna, restaurante y club social. La parte de abajo está iluminada con velas y tiene un sorprendente bar circular que evoca los círculos de Alighieri, invitando a sus clientes visitar el inframundo con una amplia carta de coctelería. Te recomendamos pedir (¡sin miedo!) un Aragog, una extravagante bebida de mezcal fusionado con veneno de tarántula que te hace sentir un leve cosquilleo en la lengua y la garganta.

Luciferina es comúnmente visitada por grupos grandes de personas, por lo que su menú es para compartir. Prueba el fish & chips (pescado marinado en cerveza oscura con papa y camote); los ricos camarones en mantequilla con salsa coctelera y alioli de ajo; las costillas en salsa BBQ con mezcal y col morada con crema; y los tuétanos a la parrilla para taquear con tortillas hechas a mano.

Cuando termines tu recorrido por el infierno, sube al cielo, que es en realidad una terraza playera con vegetación y sillones cómodos. Esta sección abre desde las 6 pm para relajarte mientras disfrutas de sus originales tragos. Pasa un buen rato con un passion fruit (ron con licor de guanábana y jarabe de cítricos), un impala (gin con frambuesas, limón verde y vino espumoso), o un freshlychees (gin con lychee, toronja y agua tónica). Todo esto con buena música para bailar.

D: Lucerna 34 Col. Juárez.
T: 5535 4424
P: $600-$800
Página: tabernaluciferina.com

Fotos: Cortesía de Luciferina.

La Tinto
Para el ‘precopeo’

La Tinto es un bar de baguettes, tapas y vino que abre de miércoles a domingo y está ubicado en Barrio Satélite, un nuevo mercado gastronómico para “satelucos”. Su concepto incluye contenedores y arte en las paredes, además de música y comedia los viernes y sábados. La idea de La Tinto surgió cuando los fundadores se dieron cuenta que por la zona no había un lugar con una propuesta gastronómica similar.

Este bar se enfoca en ofrecer a sus comensales un precio accesible sin perder la calidad de los productos. Así, tanto sus quesos, carnes y vinos se importan o producen localmente. Por ejemplo, su vino es sudafricano y es parte de proyecto vinícola mexicano que se dedica a la preservación de la fauna del planeta, y se importa y distribuye en Satélite.

Disfruta de la baguette especial (con jamón serrano, chorizo pamplona y queso ahumado) o carnívora (con jamón serrano, chorizo pamplona y salami) y el bagel de salmón. No te puedes perder las tapas de tres quesos (queso manchego, queso de cabra, queso ahumado), roast beef (con mermelada, queso brie y pimiento) y caprese (mozzarella, jitomate y albahaca). De postre, te recomendamos las tapas de queso mascarpone con miel, fruta y nuez o de nutella con plátano. Acompaña tu comida con un refrescante tinto de verano o un vino de la casa. Y sí, puedes llevar a tu mascota porque Barrio Satélite es pet friendly.

D: Paseo de la Primavera 102 Col. La Florida, Naucalpan de Juárez.
T: 55 4381 3252
P: $100-$300
Facebook: @latintomx

Fotos: Cortesía de La Tinto.


El secreto de la música de terror


Los compositores han desarrollado recursos para provocar miedo en el espectador, desde el intervalo del diablo hasta instrumentos espeluznantes.


POR Noemí Contreras  



Imagen: Roger Kastel (CC)

El secreto de la música de terror

Haz un pequeño experimento: pon la película o serie de terror que más pesadillas te haya dado y desactiva el sonido. Lo que sucederá es que las imágenes seguirán siendo aterrorizantes, pero ya no tendrán el mismo efecto en ti (y tal vez ahora te parezca aburrida). Esto se debe al gran poder que tiene la combinación de música y efectos de sonido en el cerebro humano. A lo largo del tiempo, los compositores han identificado una serie de elementos en la música que perturban nuestros oídos y los han utilizado como herramientas para hacer que los proyectos audiovisuales de terror te pongan los pelos de punta.

El tritono –un intervalo de tres tonos que equivale a una quinta disminuida o una cuarta aumentada– recibió el nombre de diabolus in musica (el diablo en la música) en la Edad Media porque se consideraba que su sonido era siniestro, disonante e inestable. Su uso llegó a ser prohibido en los cantos eclesiásticos y, a lo largo de la historia, su sonido continuó estando relacionado con emociones negativas. Por esta razón, este intervalo se encuentra dentro de muchas composiciones para películas e incluso algunas bandas como Black Sabbath también han explotado este recurso, de hecho, el inicio de “Purple Haze” de Jimi Hendrix es un tritono.

Entre otros sonidos que “incomodan” al oído humano, se encuentran las tonalidades menores. En la música occidental, las tonalidades mayores están asociadas con emociones positivas como la alegría y la felicidad, mientras que las menores hacen alusión a lo oscuro, pesimista y sombrío. Un buen ejemplo de esto es “Tocata y fuga en re menor” del compositor barroco Johann Sebastian Bach, una de las piezas más famosas escritas para órgano y ha sido ampliamente usada en películas para ilustrar el terror (Dr. Jekyll and Mr. Hyde de 1931, The Black Cat de 1934, El fantasma de la ópera de 1962, entre otras).

Una de las técnicas que crean más tensión en el espectador es probablemente el glissando (un adorno musical que consiste en una rápida transición entre dos notas, permitiendo que se escuchen todas las notas intermedias). “Threnody to the Victims of Hiroshima” de Krzysztof Penderecki es una obra para 52 instrumentos de cuerda frotada que utiliza glissandos y disonancia y está dedicada a los habitantes de Hiroshima que sufrieron el ataque de la bomba atómica. Esta composición ha sido utilizada para el filme Los niños del hombre de Alfonso Cuarón y la serie Twin Peaks de David Lynch.

Además, existen otros recursos como los intervalos de segunda y séptima (¿recuerdas Tiburón?); instrumentos musicales como el violín, el sintetizador, el waterphone y el theremín; y evidentemente los efectos de sonido o foleys.

Intervalo de segunda en el tema principal de la banda sonora de Tiburón:

Y una demostración del waterphone:

Ahora que conoces los secretos de la música de terror, ¿las películas y las series serán menos espantosas? Posiblemente no. Pero la próxima vez que te adentres en este género y estés al borde del asiento, te invito a que identifiques algunas de las técnicas y notes cómo se complementa el sonido con la imagen.


“Casa de naipes”, la nueva canción de Ruido Rosa


Este tema formará parte de ‘Fragmentos’, el próximo EP de la banda de rock mexicana.


POR Noemí Contreras  



Cortesía de Ruido Rosa

“Casa de naipes”, la nueva canción de Ruido Rosa

Ruido Rosa estrenó “Casa de naipes”, tercer sencillo que se desprende del EP Fragmentos, el cual se lanzará a inicios del próximo año. Platicamos con la vocalista Ale Moreno, sobre el proceso de creación: “Desde que salió el primer riff sabíamos que tendría algo de misterio. Y queríamos tocar sobre eso, de gente que se esconde detrás de una visión muy positiva pero que tienen ondas oscuras. Y habla de eso, de la fragilidad de la casa de naipes, este posicionamiento súper estratégico, pero súper frágil, que en cualquier momento se puede caer”.

La producción de esta canción estuvo a cargo de José Pablo Ibarra y Patricio Dávila (Mylko). Ale nos cuenta la historia detrás de esta decisión: “Carla y yo íbamos en la prepa con ‘Pato’ y lo conocemos desde hace años. Él nos conoce mucho y sabe qué es lo que queremos para la banda y cuando ellos empezaron con Mylko, se nos hicieron muy interesantes los lugares que estaban explorando. Ya teníamos los demos y teníamos por ahí uno que otro productor a la vista, pero les dijimos: ‘Ustedes que están haciendo algo electrónico, ¿qué harían con estos demos?’. Y sentimos que no cambiaron totalmente las canciones, pero hicieron muchas cosas que nosotras no estábamos imaginando, le dieron una visión muy fresca”.

Fragmentos contará con ocho canciones y es el segundo material de estudio de Ruido Rosa, después de su álbum homónimo de 2010. “Con la rapidez de lo que está pasando, sentíamos que el disco se iba a perder muy rápido. Por eso hemos estado sacándolo literal en fragmentos [risas], para darle vida a cada una de sus canciones. Empezamos con ‘Solo’, luego con ‘Vértigo’ y ahora con ‘Casa de naipes’, la cual muestra mucho de lo que viene”.

Para la creación de este proyecto, Ale Moreno, Carla Sariñana, Daniela Sánchez y Alicia Zepeda se alejaron de sus vidas en la ciudad y se enfocaron en la composición de las canciones. “Nos fuimos a Cocoyoc, ya teníamos unas ideas, ya teníamos unas canciones medio hechas y estuvimos ahí unas semanas trabajando las canciones y sacando nuevas”, comenta la vocalista. “Fue ahí donde nos dimos cuenta de que estábamos otra vez en el mismo canal, que queríamos hacer el proyecto como queríamos. Lo que pasó antes fue que de repente no sabíamos a dónde íbamos y nos costó salir adelante, por eso estuvimos un rato viendo qué pasaba”.

En cuanto a sus planes a futuro, Ale Moreno asegura que tienen que regresar a la escena a llenar los espacios donde sienten que falta mucho rock. “Vamos a tocar en el festival Epicentro la próxima semana en Guadalajara y tenemos ahí algunos otros festivales en pie. Pronto estaremos anunciando otras fechas”.

Escucha el nuevo sencillo “Casa de naipes” aquí:


Audio rescate: héroes con micrófonos


A un año del sismo, reconocemos el trabajo de los sonidistas e ingenieros de audio en las labores de rescate


POR Noemí Contreras  



Foto: Icautli Cortés

Audio rescate: héroes con micrófonos

Hace exactamente un año, a la 13:14 horas, se produjo un terremoto de magnitud 7.1 que sacudió al menos cinco estados de nuestro país y cuyo epicentro se localizó a un kilómetro de San Felipe Ayutla, Puebla. Casi inmediatamente después de este brusco movimiento de la corteza terrestre, ocurrió un segundo movimiento: el de los ciudadanos. La sociedad mexicana despertó, removiendo escombros, creando centros de acopio, dando ayuda psicológica, revisando las viviendas afectadas y ofreciendo servicio médico gratuito.

Mucho se habló sobre la coincidencia en la fecha de este sismo con el que ocurrió en 1985. Sin embargo, la similitud en el día (19) fue de las pocas semejanzas que existieron entre ambos. Diferentes epicentros, magnitudes y realidades. Esta vez, las personas buscaron ayudar activamente teniendo tecnología a la mano, algunos a través de las redes sociales y muchos directamente en las zonas de desastre. Participaron desde estudiantes hasta veterinarios, e incluso ingenieros de audio. Estos últimos formaron brigadas de audio rescate, con la intención de buscar señales de vida en las construcciones derrumbadas.

Uno de ellos fue Leonardo Granados, quien este año recibió el Premio Especial de Audio Rescate –junto con Icautli Cortés (ingeniero), Novelli Jurado (músico) y Germán Lobos (músico e ingeniero)– en la Xpo Sound:check, por su labor y participación en las brigadas. Él ha trabajado en proyectos musicales como Alien in the Land of Our Birth (Alien in the Land of Our Birth), Dragón Zaga (Dragón Zaga), Elefante (El que busca encuentra), Monocordio (El primer rayo del sol), Sr. González (Superviviente de mí), Víctimas del Dr. Cerebro (Silencio=Muerte: Red Hot+Latin) y Xavier Asali (Perspectives); y en el diseño sonoro de largometrajes como Los bañistas (2014) y cortometrajes como Paradise (2015).

“En Oídos de Oro (un grupo de Facebook), la productora e ingeniera Jennifer Soots empezó a organizar brigadas para mandar gente con equipo de audio a los diferentes lugares de desastre. Cuando lo vi publicado, dije: ‘Esto sí lo puedo hacer, porque ir a pararme ahí a lo loco pues no’”, narra Leo Granados, quien quería ayudar desde que ocurrió el desastre, pero no tenía claro cómo. “Ahí armaron el centro de control, donde canalizaban toda la información y veían dónde realmente se necesitaba gente. Platiqué con el ingeniero Toño Maldonado y me dijo que Icautli estaba muy cerca del multifamiliar en Tlalpan y me puse en contacto con él. Me mandaron unos PDFs con unos gafetes, entonces los imprimí, me armé mi equipo improvisado: un microfonito AKG que ni siquiera es de boom, una caña y mis audífonos. No te dejaban entrar si no tenías casco, botas y protección”.

Foto: Maria Paula Rojas O.

Leonardo explica en qué consistió el proceso de rescate: “Lo que hacíamos era usar las cañas, como en un equipo de filmación y meterlas entre los pisos. Un piso normal de una casa de tres metros quedaba reducido a 40 centímetros, entonces por ahí los metíamos, lo más adentro que se pudiera”. Reconoce que una de las cosas más impresionantes es que Tlalpan, que normalmente es un caos, lograba quedarse en silencio absoluto ante la señal del topo: “Daba la señal el topo, paraban todo y se hacía el silencio. Grababas y monitoreabas lo más alto que podías y esperabas a oír algo, lo que fuera. Alguien escuchó respiros y en la noche rescataron a un perrito que ahí estaba. El que yo registré suena como un golpe de un gancho, como algo metálico. Esa fue la única señal. Son sonidos mínimos, muy leves”.

La labor de audio rescate es esencial, sobre todo días después de que ocurre un terremoto porque “al inicio los que están atrapados o lastimados pueden gritar, todavía tienen energía para hacerlo. Pero como va avanzando el tiempo, te debilitas y ya no puedes. Entonces los micrófonos y preamplificadores funcionan muy bien porque captan lo que ya no puedes oír a nivel humano. Ahí es cuando descubres que tu vocación no nada más sirve para grabar rock & roll”.

Mientras tanto, los equipos de rescate de Japón e Israel también hicieron uso de su tecnología. “Ellos estaban haciendo parte de lo mismo, pero también traían cámaras infrarrojas y perros. Los israelíes además traían micrófonos que detectan latidos de corazón, con tecnología de guerra”, cuenta Leo, mejor conocido como “Granleoman”, explicando lo que aprendieron de ellos. “Al final, a la conclusión que llegamos es que tenemos que organizarnos para que se forme un escuadrón, esperando que nunca se utilice, pero para estar listos y entrenados. Porque entre más organizados estemos, la Marina o los que estén ahí a cargo, más confianza te tienen, te dejan pasar porque eres profesional y te dejan hacer tu trabajo”. La idea es crear una asociación civil, equiparse con todo lo necesario y organizarse correctamente; y, además, dar capacitaciones de audio a todos, incluso a los mismos topos para que sepan cómo funcionan los micrófonos.

Meses después de lo ocurrido, Leonardo Granados creó una propuesta de cine con las grabaciones que hizo durante el rescate: “Lo llamé Invidente, porque es puro audio, cero imágenes. Salvo el helicóptero que es de librería y un tono generado, todo lo demás lo grabé ahí en el sismo”. Este proyecto de diseño sonoro sobre una pantalla en negro te transporta al momento exacto cuando los rescatistas encontraron vida entre los escombros.

“La primera parte donde se escucha el topo gritando, sí estaban los micrófonos metidos. Por eso al final puse una foto de cómo estaba, aunque no somos nosotros. Y el otro [grito], ya estábamos con el micrófono afuera y es el que suena más claro”, dice, y hace énfasis en que quiere dar a conocer esta información porque “si te pasa algo y oyes eso, ya sabes que vienen por ti”.

Mira el cortometraje Invidente aquí (te recomendamos escuchar con audífonos o en un lugar sin ruido y seguir las instrucciones):


La interminable lucha de Demi Lovato


La superestrella estadounidense se enfrenta con valor a sus problemas de adicción, ansiedad, bulimia y trastorno bipolar.


POR Noemí Contreras  



Foto: cortesía Universal Music

La interminable lucha de Demi Lovato

El pasado 15 de marzo, Demi Lovato anunció con orgullo que llevaba seis años de sobriedad en sus redes sociales. En una entrevista de 2017 para Rolling Stone, la artista habló sobre cómo logró mantenerse sobria tantos tiempo: “No soy mucho de evitar las drogas y el alcohol porque no me pongo necesariamente en esas situaciones. No voy a clubs. La recuperación define mi vida en el sentido que hago inventarios todo el tiempo. Si quiero enseñarle el dedo de en medio a alguien mientras manejo, checo conmigo primero: ‘¿Por qué quiero hacer eso? ¿Por qué me siento impaciente?’”.

Para celebrar, ese día asistió a una reunión de Alcohólicos Anónimos y habló sobre su adicción. La noche siguiente dio un concierto en Brooklyn, donde Kehlani y DJ Khaled la sorprendieron cantándole “Happy Birthday” junto con el público y ella dio un emotivo discurso. “Hace seis años, estaba tomando vodka de una botella de Sprite a las nueve de la mañana, vomitando en el carro”, le dijo a la multitud. “Y sólo recuerdo haber pensado: ‘Esto ya no es lindo, esto ya no es divertido. Y soy como mi padre’. Entonces puse atención a mi vida y dije: ‘Algo tiene que cambiar, tengo que estar sobria’. Y lo hice”.

Sin embargo, tres meses más tarde, Demi lanzó “Sober” en un post en Instagram con la descripción “my truth” [mi verdad]. Esta canción es una balada de piano con una suave percusión y una letra sobre recaer, sentirse avergonzada y tener el coraje de pedir perdón. “Momma, I’m so sorry I’m not sober anymore”, canta mortificada. “And Daddy please forgive me for the drinks spilled on the floor/To the ones who never left me, we’ve been down this road before / I’m so sorry, I’m not sober anymore”. Durante la última interpretación de “Sober” en un concierto en Paso Robles, California, Lovato no pudo terminar la canción con el verso “I promise I’ll get help” [prometo que buscaré ayuda], diciendo: “Maldición, olvidé la letra”, despertando sospechas, las cuales se confirmaron dos días después.

Desafortunadamente, durante la mañana del martes 24 de julio, el departamento de bomberos de Los Ángeles recibió una llamada a las 11:22 am de una residencia en la cuadra 8000 de Laurel View Drive en Hollywood Hills, donde vive Demi Lovato. La cantante de 26 años fue trasladada de emergencia a un hospital en Los Ángeles tras ser hallada inconsciente por una sobredosis de oxicodona con fentanilo, la combinación que causó la muerte de Prince y Tom Petty. Más tarde, un representante de Lovato anunció para Variety: “Demi está despierta y con su familia, quienes quieren expresar sus agradecimientos a todos por las oraciones y el apoyo”.


P&R: Alessia Cara


La cantante canadiense nos cuenta sobre ganar un Grammy, conocer a Rihanna y lo que podemos esperar de su próximo disco.


POR Noemí Contreras  



Foto: Mary Ellen Matthews / cortesía Universal Music

P&R: Alessia Cara

La era digital ha facilitado la difusión y promoción de la música, sin embargo, los nuevos artistas se enfrentan a cada vez más competencia. Aunque la fórmula del éxito continúa siendo secreta, Alessia Caracciolo –de Ontario, Canadá– lo está logrando.

Ella comenzó subiendo sus videos a YouTube en 2010, llamó la atención de EP Entertainment y firmó con Def Jam. Entonces lanzó Know-It-All en 2015, el cual incluye “Here” (un himno de las personas introvertidas) y “ScarstoYourBeautiful” (sobre autoestima y amor propio). Ahora, después de colaborar con Zedd y Logic, formar parte de la banda sonora de Moana y participar en el tributo a Elton John Revamp, Alessia Cara está lista para crecer.

Hablemos de tu historia. Comenzaste haciendo covers a los 13 años, ¿cuándo empezaste a escribir tu propia música?
Cuando tenía 13 o 14 años pero lo dejé por un tiempo porque me sentía insegura. No fue hasta que mi disquera me descubrió que em- pecé a ir al estudio y escribí otra vez. Se sintió como la primera vez, descubrir quién era yo como compositora.

¿Cuál fue la situación que te hizo decir: “Oye, creo que pue- do vivir de esto”?
Cuando estaba en el estudio haciendo aquellas canciones y después de escucharlas, pensé: “Wow, tal vez esto es algo que puedo hacer”. Sentí que era la única cosa en la que era buena, entonces simplemente gravité alrededor de eso todo el tiempo.

Después firmaste con Def Jam. En una entrevista con Taylor Swift, le contaste que te sentías como si estuvieras viviendo una doble vida, ¿todavía te sientes así?
No realmente. Pienso que mi vida está tan llena de mi carrera que mi vida personal ya está integrada en ella. Fue difícil pero ya están entrelazadas.

¿Intentas de cierto modo encontrar el balance perfecto?
Creo que es importante tener un balance. No quiero estar tan consumida que me pierda a mí misma. Cuando perteneces a tantas personas, es importante recordar quién eres.

Este año ganaste un Grammy [Mejor artista nuevo] y mencionaste en tu discurso que lo habías estado practicando en la regadera desde que eras niña. ¿El momento fue como lo imaginaste?
No, nunca imaginé que realmente sucedería. Hacía esas cosas cuando era pequeña pero eran sólo sueños. Siempre jugamos a pretender que somos actrices o cantantes. Nunca te imaginas que en realidad llegarás ahí, entonces no sabía qué esperar.

Creciste escuchando a todos estos artistas que admiras y ahora eres parte de su mundo, ¿qué tan cool es eso?
Mucho. Es raro porque todavía soy fan de ellos y se me olvida que saben quién soy y que conocen mi música. Entonces siempre me sorprende mucho cuando dicen que les gusta mi música también. Es increíble, conocí a Rihanna, a Coldplay. Son mis músicos favoritos y ¡pude conocerlos!

Tu próximo LP se llama The Pains of Growing, ¿crecer es la columna vertebral de tu disco?
Es un concepto recurrente en todo el álbum. Hay diferentes elementos sobre crecer, ya sean personales, mentales, emocionales o incluso relaciones con otras personas. Creo que todas esas pequeñas partes y eventos son parte de crecer.

Han pasado casi tres años desde Know-It-All, ¿qué tan diferente será?
No tanto, pienso que todavía es muy yo. Entonces si eres fan de mi música, espero que te guste. Pero es diferente en el sentido de que es más maduro y no quiero quedarme en el mismo lugar, quiero intentar cosas nuevas. También es más personal, hablo de una forma muy vulnerable de mí misma, de un modo que no lo había hecho antes.

En tu primer sencillo, “Growing Pains”, cantas: “Starting to look like Ms. Know-It-All can’t take her own advice”, ¿por qué te sentías así?
Creo que en mi primer disco, muchos me encasillaron como una persona positiva que siempre se siente segura de ella misma y me dieron la responsabilidad de ser
esa luz para las personas. Y aunque todas las cosas que dije eran verdad, sentí que no estaba a la altura de lo que estaba diciéndole a los demás porque me sentía muy negativa e insegura y pensé: “Creo que no estoy siguiendo mis propios consejos”.

Debe ser difícil ser un modelo a seguir para esas chicas…
Es más complicado cuando estás atravesando tiempos difíciles porque sientes que las estás decepcionando. Ellas confían en mí para ser felices pero yo no puedo ser feliz siempre.

El día de tu cumpleaños lanzaste “A Little More”, escrita y producida por ti. ¿Fue tu primera experiencia como productora?
Fue la primera vez que lancé algo que era sólo mío. Había producido antes pero después un productor real trabajaba mis demos, por lo que esta fue la primera vez que lo dejé tal cual lo hice. Un poco aterrador pero increíble, estoy orgullosa de haber podido hacerlo.

¿Eso hizo que la canción se sintiera más personal?
Sí, por eso que quería mantenerla así. Creo que si la regrababa, nunca habría sido lo mismo porque la escribí en el momento exacto que estaba sintiendo eso. Incluso ahora, cuando la canto en vivo, nunca puedo transmitir la emoción que sentí. Algunas veces atrapas algo pequeño en una botella y no puedes replicarlo.

En tu proceso de escribir canciones, ¿qué es primero, la melodía o la letra?
Para ser honesta, siempre es diferente. A veces imagino la melodía y la grabo y después me regreso y escribo la letra. O al revés. Otras veces llegan juntas, cuando tengo mi guitarra y toco acordes, las palabras y notas fluyen.

Hace dos años confesaste que estabas intentando hacer tus propios beats. ¿Cómo va eso?
Lo intento. Todavía no soy buena. No puedo practicar mucho porque estoy escribiendo y no me enfoco tanto en producir. Pero sigo intentando, quiero llegar a ese punto.


Cut Copy: la nostalgia del synth pop


Dan Whitford, vocalista y líder de la banda, nos platica sobre su próximo show en México, los formatos físicos y la era del streaming.


POR Noemí Contreras  



Foto: Andrea Gonar

Cut Copy: la nostalgia del synth pop

Desde Melbourne, Cut Copy vuelve a México para presentar su más reciente material discográfico, Haiku from Zero, el cual está repleto de pinceladas tropicales. La banda de australiana –integrada por Dan Whitford, Tim Hoey, Mitchell Scott y Ben Browning– nos hará bailar con su sonido synth pop en El Plaza Condesa el próximo 21 de agosto. Platicamos con Dan, líder de Cut Copy, acerca de los cambios de la industria, sus planes a futuro e incluso nos dio algunas recomendaciones de artistas australianos.

Cut Copy viene a México como parte de su gira, ¿qué podemos esperar de este show?
Es la primera vez que hacemos un concierto en la Ciudad de México después de un rato y vamos a estar tocando el material de nuestro nuevo álbum, Haiku from Zero, pero de igual forma creo que hemos estado aquí un rato –este es nuestro quinto disco– y hay mucho material que nuestros fans quieren escuchar, entonces vamos a intentar tocar un poco de cada álbum que hemos hecho. Será un poco de lo nuevo y algunos temas clásicos de Cut Copy también.

¿Habrá algunas sorpresas?
Tendrán que esperar para saberlo (risas).

Han estado juntos como banda por muchos años, ¿tienen un ritual antes de subir al escenario?
Frecuentemente hacemos teamback como si estuviéramos jugando un deporte con un pequeño discurso motivacional antes de un juego de futbol. Juntamos nuestras cabezas y decimos: ‘¡Hay que hacerlo!’. Hacemos eso y también escuchamos algún disco de The Beach Boys o algo parecido que tenga muchas voces para que podamos cantar juntos antes del show.

¿Todavía se ponen nerviosos antes de un concierto?
Sí, creo que tienes que ponerte nervioso. Y definitivamente, mientras más grande sea el show que tocamos, festivales o conciertos masivos, más nervioso te pones porque quieres que la presentación sea tan buena como sea posible y quieres dar todo. Pienso que hay un poco de más confianza cuando tocas con una banda, pero aún así hay nervios.

Después de más de una década de dar shows en vivo, ¿cuál ha sido su peor experiencia en el escenario?
Hemos tenido algunos conciertos decepcionantes y es usualmente porque algo está fuera de nuestro control. Una vez estábamos tocando y en medio de una canción, todo se apagó, eso nos pasó dos o tres veces. Al principio creíamos que era nuestra culpa, que estábamos haciendo algo mal. Y como no había energía eléctrica, no podíamos hablar en el micrófono y decirle al público lo que pasaba. Fue muy frustrante. Pero por otro lado, cuando tocamos en Pitchfork Festival en Chicago, nuestro vuelo se retrasó cinco o seis horas y pensamos que íbamos a perdernos nuestro set pero afortunadamente llegamos justo a tiempo. Hicimos que un conductor de taxi manejara al doble del límite de velocidad (risas). Creo que pudimos tocar sólo cuatro canciones antes de la hora límite pero toda la multitud nos esperó. Y aunque sólo tocamos cuatro canciones, fue uno de los shows más memorables que hemos tenido. A veces estos problemas se solucionan y hay un final feliz.

¿Tienes alguna canción favorita para tocar en vivo de ‘Haiku from Zero’?
Creo que “Living Upside Down”. Gran parte de su proceso de creación fue de sólo improvisar en el estudio con mis compañeros de banda, entonces es una canción que me hace sentido tocar en vivo y disfrutar el momento. Es usualmente la más divertida y mi favorita.

En este álbum experimentaron con más sonidos tropicales, ¿qué otros sonidos les gustaría explorar en el futuro?
Existen tantos ritmos pero como ya hicimos un disco que tiene un sonido tropical, siento que nos iremos al extremo totalmente opuesto para lo siguiente que hagamos. Creo que iremos de algo súper tropical a algo súper frío o un poco más mecánico y minimalista, con sintetizadores.

Muchas cosas han evolucionado gracias a la tecnología desde su primer disco hasta ahora. ¿Qué cambios principales han experimentado en la forma en la que se crea música electrónica?
Ahora puedes hacer música electrónica sin otro equipo más que una computadora, lo cual no era el caso cuando recién empezamos. Recuerdo que cuando me interesé en hacer música y fui a un estudio, pregunté: “¿Qué necesito para empezar?”, y me dieron una lista que me hizo pensar que se necesitaban muchas piezas para hacer música. Esto fue hace 15 años. Ahora, básicamente todo lo que haces es en una computadora y todos tienen una, así es como suceden las cosas. Pienso que simplemente es más accesible para todos y creo que eso significa que también es más barato, porque antes generalmente sólo un par de personas con mucho dinero podían comprar todo el equipo y hacer música electrónica. Pero ahora cualquier persona con motivación puede intentarlo y creo que es cool que todos tienen una oportunidad de hacerlo.

¿Crees que la era del streaming hace las cosas más fáciles para los nuevos artistas?
Hay dos formas de mirarlo. Por un lado, es mucho más fácil lanzar música y hay más artistas lanzando su propia música por ellos mismos o a través de disqueras pequeñas. Pero por el otro, creo que porque ahora puedes hacerlo sin mucho esfuerzo –no necesitas ahorrar dinero para hacer discos, puedes básicamente poner algo directamente en internet–, eso significa que hay competencia. Estás compitiendo con tantas personas que están haciendo lo mismo que tú y debes, de cierto modo, hacerte notar entre el ruido.

Antes de lanzar su último disco, pusieron a la venta ‘January Tape’ en casete –lo cual fue una decisión audaz en estos tiempos digitales. ¿Cómo te sientes respecto a los formatos físicos?
Probablemente me siento nostálgico y me aferro a ellos porque cuando estaba creciendo, los formatos físicos fueron los dominantes por años. Tengo la idea de que algo es más real cuando hay algo físico, ya sea un casete, un vinyl o incluso un CD, hay algo que se siente más auténtico. No me apasiona lo digital porque no es algo que puedas poner en un estante si te gusta ver la portada, simplemente estará en Spotify o Apple Music. Se siente como si algo se hubiera perdido con la música digital y creo que el valor de un disco incluye su arte, que es de lo que me enamoré al inicio. Es bueno que hay una cultura del vinyl, de personas comprando y coleccionando. Parece ser que las persona lo están descubriendo y espero que sea el formato que resista la prueba del tiempo y se quede por siempre. Pienso que es el mejor formato.

Cut Copy lanzó recientemente un remix con Tensnake de “Standing in the Middle of the Field”. ¿Cómo funcionan los remixes? ¿Ustedes ofrecen sus canciones o se las piden?
Puede pasar de diferentes maneras. A veces personas que son nuestros amigos nos contactan y quieren hacer un remix de una de nuestras canciones. A veces nosotros contactamos a las personas y les pedimos si quieren hacer un remix y eso es lo que pasó con Tensnake. Obviamente somos grandes fans de su música desde hace mucho tiempo y probablemente nos hemos movido en los mismos círculos pero nunca nos hemos conocido. Entonces le preguntamos si estaba interesado, le enviamos la canción y le gustó. Así sucedió.

¿Hay algún artista australiano que le recomienden a sus fans mexicanos?
Para ser honestos, hay muchas bandas australianas que realmente me gustan. Como no estoy viviendo por ahora en Australia, no conozco muy bien los actos más novedosos que hay pero en la escena de los DJs hay cosas increíbles. Personas como Ara Koufax, Tornado Wallace, Andras Fox y No Zu, todos ellos están haciendo música interesante en el área del dance y la electrónica. Hace algunos años, tres o cuatro, hicimos una compilación –llamada Oceans Apart– de la música dance de Melbourne y algunos de estos artistas estaban en esa colección de actos emergentes. Desde entonces, algunos de ellos han hecho cosas más grandes, lanzar sus propios álbumes y volverse tan famosos como Cut Copy en algunas partes del mundo. En cuanto a música electrónica, Australia tiene mucho qué ofrecer.

Para la portada de este mes, Rolling Stone creó una lista de las 100 mejores canciones del siglo hasta ahora. Si tú crearas tu propia lista, ¿cuáles son tres canciones que crees que deberían estar ahí?

“Nikes” – Frank Ocean

“Can’t Do Without You” – Caribou

“22 (Over Soon)” – Bon Iver


“What’s the Use?”, la nueva canción de Mac Miller


Este tema formará parte de ‘Swimming’, el próximo LP del rapero originario de Pittsburgh.


POR Noemí Contreras  



Cortesía de Warner Bros. Records

“What’s the Use?”, la nueva canción de Mac Miller

Hace casi dos semanas, Mac Miller comunicó vía Instagram que su próximo álbum de estudio, titulado Swimming, saldrá a la venta el 3 de agosto de 2018. De este disco se desprenden los temas Small Worlds (con la colaboración de John Mayer y Jon Brion) y “Self Care” (en referencia al accidente automovilístico que tuvo en marzo y el arresto por conducir bajo la influencia de alcohol). Swimming es el sexto proyecto en la carrera de Miller y tendrá su estreno dos años después del LP The Divine Feminine.

Swimming. August 3rd.

Una publicación compartida de Mac (@larryfisherman) el

“What’s the Use?” es el tercer adelanto que comparte de su próxima producción discográfica. Se trata de una canción sobre una línea de bajo funky que evoca los años setenta y sintetizadores que crean una atmósfera etérea, donde Mac Miller alterna entre rapear y cantar, algo común en su estilo.

Junto con el lanzamiento de “What’s the Use?”, Mac publicó el cartel de la gira en promoción de Swimming, la cual cuenta con 26 fechas confirmadas y comenzará en octubre en San Francisco. El multinstrumentalista Thundercat y el rapero J.I.D. formarán parte del show como actos teloneros.

Escucha “What’s the Use?”, la nueva canción de Mac Miller:


Sam Smith, desde lo más profundo


El cantautor inglés que convirtió en arte su corazón roto, regresa a México.


POR Noemí Contreras  



Foto: cortesía de Universal Music

Sam Smith, desde lo más profundo

Justo antes de lanzar su segundo disco, The Thrill of It All de 2017, Sam Smith habló sobre la fluidez de género en el periódico The Sunday Times: “Me encantan los tacones. Tengo muchos en casa. Las personas no saben esto, pero cuando tenía 17 años, recuerdo que me obsesioné con Boy George y Marilyn. Hubo un momento en mi vida en el que no tenía ni una sola pieza de ropa de hombre. Solía usar maquillaje diario en la escuela, pestañas, leggings con Dr. Martens y enormes abrigos de piel. Todo esto por dos años y medio”. También explicó que no se considera a sí mismo como un hombre cisgénero. “No sé cuál sea el nombre pero me siento tanto mujer como hombre”.

Además de ser fan de Boy George y Marilyn, Sam creció cantando la música de John Legend, Norah Jones, Britney Spears, Beyoncé y Lady Gaga. James Corden, durante un Carpool Karaoke lleno de bromas y talento natural, le preguntó si era verdad que había faltado a la escuela para ir a la presentación del Gaga Monster Ball en la O2 Arena. “Falsifiqué una nota para mis maestros en una computadora de la biblioteca de mi escuela y olvidé cerrar sesión. La bibliotecaria la vio”, respondió riéndose. “Y la excusa no fue la mejor… [la nota] decía que iba a un funeral”. Gaga dijo para Rolling Stone que saber que inspiró a Smith fue “una de las experiencias más poderosas que he tenido como artista. Yo era como Sam. Todavía soy como Sam en muchos aspectos”. Incluso, Smith le confesó a Corden que es un “harmonizer”: “Cuando escucho a Fifth Harmony me siento libre, me siento vivo, siento que la mujer dentro de mí está en fuego”.

Tres años antes, previo al lanzamiento de su álbum debut, In the Lonely Hour, Sam Smith se declaró gay ante la industria musical y sus fans. “No sentí que estuviera saliendo del clóset. Salí del clóset cuando tenía como cuatro años y mi mamá dice que ella ya sabía desde que yo tenía tres. Ni siquiera tuve que decírselo”, explicó en The Ellen DeGeneres Show en diciembre de 2014. “Supe que era gay a una edad muy joven pero sentía que tenía que mencionarlo antes de sacar mi disco, sólo para que las personas supieran sobre quién se trata. Y sentí que era algo valiente, lo quise hacer antes porque las personas iban a creer que si lo hacía después, estaba mintiendo sólo para vender mi álbum –lo cual no fue el caso–”.

Por otro lado, Sam quería que los reflectores estuvieran sobre él por su talento y no por su sexualidad. “Al verlo en retrospectiva, era el miedo de decir algo equivocado y ofender. Y tenía apenas 19 años cuando empecé a escribir el primer disco. Acababa de llegar a Londres de un pueblo –yo era literalmente el único gay en mi pueblo—. No sabía lo que quería decir”, dijo Sam Smith en exclusiva para Rolling Stone. “Me acuerdo que, al inicio de mi carrera, me llamaban un ‘cantante gay’, y yo no quería eso. Quería que me vieran como un cantante primero, antes de que hablaran sobre mi vida privada. Y ahora eso ha cambiado –yo he cambiado–. Me doy cuenta que tal vez no me molesta el título”.


Los sonidos en el cine


Te mostramos cómo se crearon los efectos de sonido de algunos clásicos como ‘Star Wars’, ‘Jurassic Park’ y ‘Godzilla’.


POR Noemí Contreras  



Fotos: cortesía Warner Pictures / Disney / Paramount Pictures

Los sonidos en el cine

Como se mencionó en el artículo “El arte de los foleys” de la edición impresa de este mes, Gonzalo Gavira fue la mente maestra detrás del efecto de sonido de la siguiente escena en El exorcista (la cual ganó el premio Óscar a Mejor sonido en 1973):

“Para la escena donde la niña gira la cabeza, Gonzalo Gavira utilizaba un peine de madera. Es curioso que un sonido de una escena tan icónica se haya hecho con un objeto tan común. Esa es la magia de un foley”, explica Jacobo Martínez, quien tuvo la oportunidad de colaborar y dar algunos cursos con él.

Existe un sinfín de ejemplos similares a este, en los que se utilizaron grabaciones impensables para recrear sonidos o incluso inventarlos. Aquí revelaremos el secreto detrás de algunos de los más distintivos en el mundo del cine:

Star Wars

El diseñador de audio de las películas de Star Wars, Ben Burtt, cuenta que para el sonido de las espadas láser realizó lo siguiente: en su universidad tenían un proyector con un motor que producía un “increíble zumbido”. A la grabación de este sonido le añadió el que obtuvo cuando, por accidente, grabó la estática que se produjo mientras caminaba con un micrófono cerca de una televisión. Y para crear el efecto aural de movimiento, reprodujo el tono resultante en un altavoz y lo grabó moviendo el micrófono de lado a lado.

Jurassic Park

Jurassic Park es una de las películas más queridas de todos los tiempos simplemente porque los dinosaurios son monstruosos y fantásticos. Aunque sólo podemos imaginarnos cómo se escuchaban los sonidos que producían estas criaturas, el diseñador de audio, Gary Rydstrom, se dio a la tarea de intentar que sonaran “reales” y al mismo tiempo aterradores. Para ello, utilizó diferentes grabaciones de animales como cisnes, halcones, víboras de cascabel y monos aulladores, entre otros.

Terminator 2

La secuela del éxito comercial que impulsó la carrera de James Cameron como director y de Arnold Schwarzenegger como actor se estrenó a inicios de la década de los noventa. Los efectos de sonido son la columna vertebral de las películas de ciencia ficción, por lo que los detalles son muy importantes. Por ejemplo, para crear el sonido del arma de Terminator, se mezclaron los sonidos de un revólver calibre .38, el eco de un rifle, la bala de un cañón y otra bala de cañón con más velocidad.

Star Trek

Para el reboot de esta franquicia, Ben Burtt (Star Trek, E.T.) fue el diseñador de audio y se encargó de apoyar la narrativa de la historia con efectos fascinantes. Para recrear el sonido de lava, utilizó hielo seco en agua; y para el rechinido de las puertas en la nave al abrir y cerrar, usó una aspiradora. Al ser fan de Star Trek, Ben pudo cumplir el sueño de ser parte de esta aventura con su creatividad e ingenio.

Psycho

La famosa escena de la regadera en Psycho de Alfred Hitchcock es una de las más traumantes de la historia del cine –esto sin mostrar violencia gráfica, únicamente con efectos de sonido. Para obtener algo parecido a lo que se escucha cuando se apuñala la piel, Hitchcock mandó pedir diferentes melones y sandías al set. Después de probar el cuchillo en todos, dijo: “Casaba” [o melón verde]. Hoy en día, el melón verde todavía es una de las principales opciones para el foley de apuñalar a alguien.

El señor de los anillos

Es importante reconocer el espléndido trabajo de post-producción de El señor de los anillos. En este caso, el diseñador fue Ethan Van Der Ryn, y para recrear los sonidos de la manera más fiel y real, no sólo se grabaron dentro del estudio sino que también fueron a lugares naturales, lo cual fue un reto debido al ruido exterior y el poco control que tenían sobre él.

Godzilla

El intimidante rugido de Godzilla ha tenido diferentes variantes desde 1954 hasta 2014, pero el primero es probablemente uno de los sonidos más icónicos del cine. En 2014, Erik Aadahl, se basó en el original –el cual fue creado con un guante de cuero y un contrabajo– para poder rediseñar el nuevo rugido pero utilizando la nueva tecnología disponible. Erik explica que “lo que escuchas es tan importante como lo que ves”.

Sin lugar a dudas, engañar a nuestro cerebro a través del sentido del oído es una tarea fácil para aquellos que conocen su función y la reacción de las personas ante ciertos sonidos. Para terminar, te recomendamos echarle un vistazo a la siguiente conferencia TED, donde Tasos Frantzolas (fundador de Soundsnap) cuenta algunas de las mentiras detrás del diseño de audio:


CD: ‘High As Hope’ – Florence + the Machine


Melodías de esperanza, un LP creado desde lo más profundo y por el placer de hacer música.


POR Noemí Contreras  



Foto: Vincent Haycock, cortesía de Florence + The Machine

CD: ‘High As Hope’ – Florence + the Machine

High As Hope
Florence + the Machine
EMI / Universal

El nombre del cuarto material discográfico de Florence + the Machine surgió cuando Florence Welch, originaria de Londres, se inspiró en “la ciudad que nunca duerme” para escribir el poema “New York Poem (For Polly)”, el cual incluye la línea “every reaching, high as hope”.

Por un lado, High As Hope contrasta con How Big, How Blue, How Beautiful (2015) al tener un mensaje más positivo sobre la vida y, por el otro, se asemeja a su álbum debut Lungs (2009) –aunque con nueve años más de experiencia profesional y personal.

A través de la música, la agrupación es capaz de procesar el sufrimiento y el anhelo (“The End of Love”) y exteriorizar la íntima conexión que existe entre el amor y el dolor (“100 Years”). La inconfundible voz de Welch tiene un papel estelar en “No Choir” y “Sky Full of Song”, iniciando a capela y elevándose gradualmente, intensificando su calidad etérea al estar repleta de reverberación.

El elemento sorpresa es “Patricia”, donde Florence (amante de la poesía) rinde homenaje a la cantautora y poetisa Patti Smith, haciendo referencia a su libro M Train (“She told me all doors are open to the believer”) y explicando cómo la artista estadounidense ha sido una guía durante su carrera (“Oh Patricia, you’ve always been my North Star”).

Destacadas: “100 Years” y “Sky Full of Song”.


Tash Sultana desde las calles de Melbourne


Cómo la multinstrumentista australiana superó su adicción y se volvió una artista internacional.


POR Noemí Contreras  



Foto: cortesía Tash Sultana

Tash Sultana desde las calles de Melbourne

“Mi trayectoria musical es larga pero el éxito llegó muy rápido”, reconoce Natasha “Tash” Sultana. Su abuelo le dio su primera guitarra cuando tenía tres años y su meta fue aprender a tocar tantos instrumentos como le fuera posible: instrumentos de viento, percusiones, cuerdas, beatboxing…

Sin embargo, cuando tenía 17 años, se relacionó con las personas incorrectas y se dejó llevar por las drogas. “Desarrollé psicosis inducida por sustancias y estuve en un estado mental por siete meses de no saber qué era o qué no era real”, narró durante su TED Talk de 2016. “No podía ir a la escuela porque no podía entender lo que estaba enfrente de mí. ¿Cómo puedes vivir cuando tienes miedo de morir, miedo de vivir y no hay un punto intermedio?”.

Entonces la música se convirtió en su terapia. “Me mantuvo completamente real, fue mi salvación”, cuenta para Rolling Stone. Como no tenía una banda pero ya podía tocar más de 10 instrumentos, Tash decidió ser lo que ella llama una one-human band. Aprendió a usar el pedal de loops y empezó a crear su propia música. “Surgió cuando pensé: ‘¿Por qué no le agrego más cosas? Ritmo, piano y cada vez más instrumentos’”, dice la australiana, quien cumplió apenas 23 años el mes pasado.

Al no poder encontrar un trabajo, la artista autodidacta salió a las calles de Melbourne a tocar su música y grabó videos de sus sesiones de improvisación para subirlos a YouTube, volviéndose viral de la noche a la mañana. Así, el año pasado lanzó Notion, un EP que la llevó a recorrer el mundo. “Es una locura hacer todo esto sin un álbum”, dice. Como parte de su gira, visitó México en marzo de este año, sobre lo que declaró: “Claro que me acuerdo. ¡Están locos! [risas] Me encantó, México es increíble. Es 100% seguro que regresaré”.