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‘Desobediencia’: entre la fe y la sexualidad


Rachel Weisz y Rachel McAdams violan convenciones religiosas contemporáneas en esta cinta dirigida por Sebastián Lelio.


POR Óscar Uriel  



‘Desobediencia’: entre la fe y la sexualidad

El director chileno Sebastián Lelio realiza su primera película no hablada en español llevando a tres populares intérpretes (Rachel Weisz, Rachel McAdams y Alessando Nivola) a lo que podría considerarse la historia de amor de la temporada: Desobediencia.

Rachel Weisz reflexiona que rodar escenas íntimas con otra actriz resultan mucho más apacibles e incluso dulces que aquellas que ha realizado con conocidos compañeros actores. De acuerdo a la intérprete británica, las secuencias sexuales compartidas con Rachel McAdams en Desobediencia fueron mucho más románticas y emocionales, digamos que iban más allá del sexo convencional, lo que las convirtió en algo profundamente poderoso.

Y es que Weisz (en conjunto con la productora Frida Torresblanco) se encontraba buscando algún material apto para el lucimiento de las actrices para contar una historia de amor entre mujeres. Entonces fue cuando se topó con la novela Desobediencia de Naomi Alderman.

“Lo que me atrapó del libro era todo el asunto de la transgresión en un mundo moderno, en donde pareciera que nada es tabú. El término ‘desobediencia’ prácticamente representa algo inviable en la sociedad moderna. Sin embargo, existen comunidades ortodoxas donde este tipo de vínculos entre personas del mismo sexo son prohibidos. Y estamos hablando de sociedades dentro de países considerados de primer mundo. Si encuentras un suceso que de alguna manera parezca transgresor en un micromundo como lo puede ser una comunidad tradicional, creo que el relato inmediatamente cobra una relevancia universal”,nos cuenta la apasionada actriz al referirse a este proyecto en una entrevista exclusiva.

Rachel Weisz recuerda haber crecido cerca de una sociedad similar a la de la película, una comunidad judaica de lo más conservadora situada al norte de Londres y por ese cinto de sigilo que rodeaba al grupo, no pudo convivir lo suficiente como para conocerlos. “Es un tema que siempre me ha fascinado. Curiosamente, Desobediencia fue uno de los primeros proyectos que llegaron a mí y simplemente me pareció una atrayente historia para contar. Nos tomó aproximadamente tres años trabajar en el libreto hasta estar en rodaje. Encontré todo el proceso de transformar la novela en una película realmente atrayente”, agrega la actriz quien asegura que Lelio fue la primera opción para dirigir este proyecto debido a la insistencia de Torresblanco quien le invitó a ver Gloria.


Un sentido del humor punzante


Isabelle Huppert, legendaria intérprete francesa, vuelve a colaborar con Michael Haneke, director austriaco, en ‘Un final feliz’, un corrosivo retrato de la aristocracia francesa.


POR Óscar Uriel  



Un sentido del humor punzante

“Me encanta México. Estuve en el Festival de Cine de Morelia y fue realmente sensacional. Daniela [Michel, directora del festival] me sigue invitando pero mi problema es el tiempo”, nos cuenta de manera cordial Isabelle Huppert al presentarnos en la entrevista. Huppert estuvo en el Festival de Cine de Cannes del año pasado para amparar Un final feliz de Michael Haneke, título que participaba dentro de la competencia oficial.

Las expectativas son altas después de haber ganado la Palma de Oro, presea máxima del evento, por una película como Amour, por lo que Un final feliz se enfrentó a una ola de críticas sustentadas en la premisa que se trataba de un trabajo menor de Haneke. Nos encontramos con una película enigmática sobre la indiferencia de cierta burguesía moderna con respecto a asuntos como la migración y la explotación de ilegales.

Después de que Haneke colaborara en trabajos como La pianista y Amour entre otros títulos, Huppert vuelve a ponerse en sus manos para crear otro contradictorio personaje. En esta ocasión, la gélida Anne Laurent, quien maneja la empresa sostén de la acaudalada familia.

Michael y yo llevamos una relación de amistad fuera del set. Creo que nos caemos bien mutuamente. Considero que algunos de mis mejores trabajos los he conseguido gracias a él. La sorpresa sería no seguir trabajando juntos. Es una persona muy obsesiva respecto a los detalles técnicos de la cinematografía. El asunto con Haneke es que siempre trata de buscar la veracidad en el cuadro que está retratando. Insiste siempre en encontrar la verdad en la escena. Detesta la mentira. La secuencia más complicada para mí en esta película es donde mi personaje le rompe un dedo al niño. Evidentemente esto no sucedió pero fue complejo realizarla”.


Un mercenario al límite


Benicio del Toro protagoniza la secuela de ‘Sicario’, un relato humanista envuelto en una violenta guerra fronteriza.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía de Sony Pictures.

Un mercenario al límite

Cuando Benicio del Toro terminó de rodar Sicario en el 2014 [y se estrenó al año siguiente], jamás imaginó que participaría en la secuela. La película de Denis Villeneuve pareciera que era un título que se contaba en una sola entrega; sin embargo, el guion de la segunda parte, autoría de Taylor Sheridan [también escritor de la original], era tan sugestivo como para dejarlo pasar. “Las expectativas y los riesgos son altos en esta segunda película y es que el dilema moral al que se enfrenta mi personaje [Alejandro] es por demás atractivo, puesto que él mismo ha formado parte de la guerra contra el narcotráfico. Sin embargo, ha decidido proteger a una jovencita que se encuentra en medio del conflicto. Esta situación muestra un lado distinto del personaje, por lo menos para mí lo fue”, nos cuenta Benicio del Toro en una entrevista exclusiva.

A pesar de que el español no es el primer idioma del actor [nació el 19 de febrero de 1967 en Puerto Rico en una familia donde el anglosajón predominaba], Benicio es un actor pausado y agudo al hablar. Da la impresión que se toma el tiempo necesario para meditar cada una de sus palabras. “Conocí y entendí el personaje de Alejandro en la primera película de Sicario pero en esta segunda parte descubrí sus capas de humanidad, las cuales no había distinguido en la cinta previa. Fue algo muy emocionante”, agrega el actor.

Esta es una de las tantas desigualdades que el espectador encontrará en la continuación. Mientras que Villeneuve es un director más atraído por crear atmósferas, el italiano Stefano Sollima [responsable del serial televisivo Gomorra] se carga más a la violencia explícita mostrando el lado crudo y feroz que se vive a diario en la frontera entre México y Estados Unidos.

“El personaje que interpreta Josh Brolin [Matt Graver] me contrata para realizar otra misión secreta. Básicamente la situación se sale de control y los planes se ven alterados en gran manera. Matt le solicita a Alejandro hacer algo en particular pero a este no le parece que es la salida correcta. Es aquí donde vienen las diferencias y un distanciamiento entre ellos dos. Esto me dio una gran oportunidad para trabajar con mi querido amigo Josh Brolin con quien creo, tengo una química particular en el cine”, agrega el intérprete quien también esclarece que lo que acontece en esta película es puramente ficción, la cual nace a partir de las noticias cotidianas.


Jurassic World: Una dosis de terror gótico en un parque


Platicamos con el elenco y el director de esta nueva entrega que posee elementos cinematográficos que la diferencian del resto de la franquicia.


POR Óscar Uriel  



Foto: Twitter Universal Pictures

Jurassic World: Una dosis de terror gótico en un parque

Se trata de la quinta película de la saga. La segunda de la última trilogía planeada dentro de una de las series cinematográficas más redituables y amadas de todos los tiempos. Jurassic World: el reino caído llega a la pantalla grande trayendo consigo al popular personaje de Owen Grady interpretado por Chris Pratt, y a Claire Dearing, encarnada por Bryce Dallas Howard, pero también teniendo como responsable de esta misión al realizador español Juan Antonio Bayona, una opción un tanto atípica considerando la filmografía del director y la esencia de estas superproducciones.

Con la inclusión de este realizador, es evidente que los productores están buscando revitalizar la historia con una transfusión de nuevas ideas al llevar la anécdota hacia un rumbo distinto. Por ejemplo, acercarse al género del terror.

“En esta ocasión tuvimos la oportunidad de contar con más tiempo para prepararnos. El proceso fue completamente distinto. También creo que la historia se aleja de lo que anteriormente se habría contado. Es diferente, mucho más sólida a pesar de que el entorno es gigantesco. A diferencia de las anteriores experiencias, la mayor parte del rodaje se realizó en los estudios en Londres aunque hacia el final nos mudamos a Hawái”, declara Chris Pratt, quien retorna como el héroe de acción gracias a la primera cinta de Jurassic World, producción que también lo consolidó como un protagonista de este género cuando en el pasado sólo era apreciado como un intérprete secundario con dotes para la comedia.

Sin embargo, la principal sorpresa dentro de esta entrega sigue siendo la inclusión de un director principalmente reconocido por su trabajo en el campo del terror. Juan Antonio Bayona se convirtió en uno de los realizadores en boga gracias a El orfanato, producida por Guillermo del Toro y la cual se convirtió –casi de inmediato– en uno de los paradigmas del boom del cine español dentro del renglón de este género. “Para prepararme para el rodaje, vi todas las películas de la saga además de leer las novelas de Michael Crichton. Era un ejercicio de mirar hacia atrás para entender en donde estaba parado. Soy de los directores que ven un día antes alguna película para inspirarse en la toma a realizar el día siguiente. Hay otro tipo de cintas que ves una y otra vez para encontrar inspiración, curiosamente algunas de estas son de Steven Spielberg, Encuentros cercanos del tercer tipo es una de mis consentidas. Las de Indiana Jones son otras. Aquí prácticamente se trató de regresar al origen. Entender de donde había partido todo”, cuenta Bayona quien, de acuerdo a los productores de la película, fue la primera opción para dirigir esta cinta.


Una celebración a la cultura pop


Para Steven Spielberg, la vida diaria juega un rol preponderante a la hora de la creación artística, incluso si se trata de la más excéntrica ficción como lo es ‘Ready Player One. Comienza el juego’.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía de Warner Bros. Pictures

Una celebración a la cultura pop

En una distopía más cercana de lo que creemos, la humanidad puede entrar a un mundo virtual llamado Oasis en el cual prácticamente puedes convertirte en todo lo que deseas y protagonizar las más extravagantes aventuras. Todo esto contrastando con la sombría realidad que padece la sociedad. Cuando el creador de Oasis fallece, decide convocar a sus seguidores a un último desafío difícil de rehuir, el cual tiene como recompensa obtener un tesoro escondido. En términos generales, este es el argumento de Ready Player One. Comienza el juego, la popular novela de Ernest Cline que ahora Steven Spielberg convierte en uno de los títulos cinematográficos más esperados de la temporada.

Como en muchas de las aventuras dirigidas por el realizador, el protagonista es un cándido joven quien decidido a salir del infortunio en el que vive con su tía, resuelve aceptar el gran reto que propone el creador de Oasis, una odisea armada con acertijos y enigmas que tienen que ver con la cultura popular de los años ochenta. Precisamente durante ese periodo, Spielberg dirigió sendos clásicos de la cinematografía contemporánea como lo son E.T., el extraterrestre, Cazadores del arca perdida, El color púrpura y El imperio del sol, entre otros. No sabemos con certeza si esa etapa ha sido la más prolífica en la carrera del director pero definitivamente sí una década de auge y prosperidad.

Foto: Cortesía de Warner Bros. Pictures.

Nos trasladamos a la ciudad de Los Ángeles, California para platicar largo y tendido con Steven Spielberg. Para ser más precisos, fueron los estudios de Warner Brothers el lugar estipulado para celebrar la entrevista. Cordial y directo, como es su costumbre, Spielberg contestó cada uno de nuestros cuestionamientos.


En el momento adecuado


Lara Croft —icónico rol femenino— es reinterpretada por Alicia Vikander en una nueva versión de ‘Tomb Raider’, apta para nuestra época e indispensable de la cultura pop.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Warner Bros Pictures

En el momento adecuado

Alicia Vikander pasó tres noches sin dormir cuando le notificaron que un nutrido grupo de gamers visitaría el set de Tomb Raider. De acuerdo a la intérprete, la sola idea de tener en el rodaje a afanosos seguidores del personaje de Lara Croft le provocaba un nerviosismo particular. “Siempre hay una especie de artimaña al participar en este tipo de producciones que están basadas en un personaje muy conocido por el público y el cual cuenta con una fiel legión de fans. Hay un compromiso con el público y no quieres defraudarlo. Vaya, sólo quería demostrarles que había hecho mi trabajo previo de investigación y que estaba preparada para caracterizar ese rol tan amado para ellos. Como actriz en esta circunstancia, tienes que encontrar un balance entre todo el historial alrededor del personaje y esa aportación personal con el objetivo de extender el mito. Ofrecer algo nuevo a los seguidores es siempre una ilusión al participar en este tipo de trabajos”, cuenta Alicia Vikander en una charla realizada en la ciudad de Londres, Inglaterra sobre este polémico reboot de Tomb Raider, un proyecto que desde su concepción ha levantado suspicacia en el ámbito del entretenimiento.

¿Realmente necesitamos otra versión de un personaje basado en un videojuego? ¿Qué tan necesario es producir una película de un rol previamente abordado en el cine con éxito comercial? Éstas eran algunas de las interrogantes que intentamos responder. De acuerdo a Vikander, cuando la actriz le comentó a su mamá que su próxima película se titularía Tomb Raider, le respondió de manera inmediata: “¿No es esa una cinta con Angelina Jolie?”. Y es que la figura de Tomb Raider se encuentra vigente en el subconsciente colectivo.

Casi de manera inminente, el personaje de Lara Croft se convirtió en una de las heroínas de ficción de aventuras consentida con el lanzamiento del videojuego en 1996. Prácticamente hasta ese momento no habíamos tenido la oportunidad de ver un personaje con tales características. Se trataba de una intrépida arqueóloga que más o menos correspondía a una interpretación femenina de Indiana Jones. El personaje originó versiones sucesivas del juego a través de los años convirtiéndose de acuerdo al libro Guinness de los récords en “la heroína humana más exitosa de los videojuegos”.

Después llegaron las películas. Angelina Jolie fue la elección apropiada para encarnar a la protagonista y aunque para ser honestos, al observar esta cintas a destiempo confirmamos que dejaron mucho que desear en el renglón artístico pero su éxito comercial es indiscutible.

“Me hubiera encantado poder platicar con Angelina antes de iniciar con la producción de esta película. Hasta este momento no se ha dado la oportunidad. No sólo me parece una fantástica actriz sino también una mujer quien realiza un gran trabajo como productora y directora. Angelina convirtió a Lara Croft en un ícono del cine de acción. Probablemente debido a estas películas he tenido la oportunidad de interpretar ahora este personaje. Cuando se me invitó al proyecto —hace aproximadamente dos años—, cuestioné a los productores sobre el motivo de reactivar este personaje en el cine y me respondieron que se trataba de una aproximación totalmente distinta a las anteriores producciones, la cual estaría hacía sentir ‘mariposas en el estómago’, ¡tenía 10 años! Aún no he tenido la oportunidad de platicar con él”, recuerda Vikander sobre sus referencias cinematográficas a temprana edad.


Pérdida de la inocencia


El célebre realizador Luca Guadagnino ha elaborado ‘Llámame por tu nombre’, una memorable historia de amor.


POR Óscar Uriel  



Pérdida de la inocencia

Aunque se había pretendido llevar el libro Llámame por tu nombre —de André Aciman— al cine en varias ocasiones, hasta hace poco llegó la adaptación de Luca Guadagnino, quien reclutó a Armie Hammer y a Timothée Chalamet para caracterizar a ese par de jóvenes que emprenden un affaire que marcará sus vidas.

“Nunca en mi vida, tanto en mi juventud como en mi edad adulta, me he sentido tan incómodo y vulnerable en una situación”, confiesa Hammer en una entrevista exclusiva. El actor no se refiere a la realización de las sugerentes escenas románticas que comparte con Chalamet, sino a que la historia requería que su personaje bailara en varias ocasiones al ritmo de la música ochentera. La historia está situada en esa década. Oliver, un estudiante norteamericano de 24 años llega a Italia para pasar seis semanas en la villa de un maestro experto en cultura grecorromana. Ahí conoce a Elio (Chalamet), el hijo del profesor de tan sólo 17 años con quien tendrá un tórrido romance. “El personaje estaba muy bien trazado en la novela. Oliver está aliado de forma irreparable con su fisionomía. Su sexualidad surge a través de su percepción de las cosas, olores, texturas y colores. Desde un principio estas fueron las bases para la creación de Oliver. Luca y yo hablamos mucho al respecto. Mi objetivo principal era hacerle justicia al personaje que muchos lectores tenían presente”, agrega Hammer, quien en un principio se mostró dudoso ante la oferta de intervenir en esta película, a causa del innegable nivel de intimidad que se invertiría. “Es una preocupación que tenemos los actores. El poder encontrar un balance entre nuestra vida personal y el ritmo de trabajo. Es mucho más complicado hacerlo con el paso del tiempo. A los 17 años era mucho más sencillo que a los 21 y así sucesivamente. No sé que deparará el destino. Es aquí donde le pregunto a Armie ¿Tienes algún consejo al respecto?”, agrega un entusiasta Timothée Chalamet, o Timmy como le dice Armie, quien se convirtió en una revelación por su entrañable interpretación de Elio.

La película narra la historia de amor entre dos hombres. Sin embargo, los realizadores han declarado que se trata de un relato de carácter universal. “Contar esta historia se convirtió en mi prioridad. Siempre he tratado de encontrar un balance entre mi vida personal y a lo que me dedico pero no sé si pueda ser una autoridad al respecto. Digamos que continuo en la batalla”, agrega Hammer.


¡El rey ha muerto!


‘Pantera Negra’ es uno de los episodios más fascinantes del universo Marvel en los últimos años. Platicamos con los protagonistas de esta cinta.


POR Óscar Uriel  



Foto: Matt Kennedy / Marvel Studios

¡El rey ha muerto!

“Es un veterano que proviene de esa Guerra Civil en donde auxilió a Los Vengadores. Es un hombre que ha perdido a su padre recientemente. La historia de este primer episodio de Pantera Negra va de su aprendizaje para transformarse en un líder apropiado para su pueblo a pesar de que sigue padeciendo el luto por la muerte de su papá. Es una época de transición para un superhéroe y esto transforma la anécdota en algo atractivo”, así describe Chadwick Boseman a su personaje T’Challa quien posteriormente se convertirá en Pantera Negra.

Conocimos a Chadwick hace algunos años cuando tuvimos la oportunidad de platicar con él al protagonizar la cinta Get on Up (nunca estrenada en cines de México) en donde personificó al icónico James Brown. En aquella ocasión, nos llamó la atención descubrir que en primera instancia, Boseman no estaba interesado en participar en alguna película de este calibre, por lo que a petición del director Tate Taylor y el mismo Mick Jagger, lo convenció de que aceptara la oferta, pues los realizadores no habían encontrado otro intérprete con las características y talento de Boseman.

En aquel momento, el actor tomó la decisión de tomarse un tiempo para desarrollar una carrera como dramaturgo a pesar de ser considerado uno de los egresados más prodigiosos del British American Dramatic Academy en Oxford, Inglaterra. Ahora parece que Boseman ha cambiado de opinión de forma radical pues entra a las filas de los histriones partícipes del universo Marvel en una de las adaptaciones más prometedoras de los últimos años. Pantera Negra es un superhéroe como ningún otro dentro del sello. Se puede considerar como el primer protagonista afroamericano dentro de este firmamento, precursor de Falcon o Luke Cage, por mencionar algunos.

“El poder llevar este cómic al cine se ha convertido en la prioridad de mi vida. Fui un niño que vivió cerca de la bahía de California leyendo todo tipo de novelas gráficas sin importar el color de piel de los superhéroes, desde los X-Men hasta Spider-Man. Sin embargo, mi vida cambió totalmente cuando me topé por primera vez con el personaje de T’Challa. ¡Imagínate la impresión que me causó el poder leer las aventuras de un superhéroe afroamericano! De una manera inconsciente, prácticamente toda mi vida he estado creando en mi cabeza la manera de transformar este relato en una película. Puedo asegurar que contamos con el reparto ideal para desarrollar esta historia”, dice Ryan Coogler, director de la cinta y quien en el 2013 tuvo un debut afortunado cuando presentó la laureada Fruitvale Station en el Festival de Cine de Sundance; un crudo retrato de la cotidianeidad de un joven afroamericano quien sale muy temprano de casa para enfrentar al fatídico destino.

A simple vista, parece una extraña decisión el contratar a Coogler para realizar la adaptación de un cómic pero Marvel ha manifestado abiertamente el interés de encontrar voces autorales para incorporarlas a sus historias. Como muestra, basta mencionar la exitosa afiliación del director neozelandés Taika Waititi con el proyecto Thor: Ragnarok. De acuerdo con Kevin Feige, director de producción de Marvel Cine, el asunto radica en localizar al realizador adecuado para cada material.

“Creo que el mito alrededor de Pantera Negra va de la posibilidad de encontrar la fuerza gracias a las personas que te rodean. Esto es algo distintivo de este superhéroe lo cual lo separa de los demás. Para T’Challa la historia de sus antepasados es fundamental para desarrollarse como un héroe. Creo que Stan Lee entendía perfectamente la cultura afroamericana cuando creó este personaje en 1966. Este es un punto que me interesaba explorar en esta primera película de Pantera Negra“, añade el director que venció a contendientes como Ava DuVernay y F. Gary Gray en la misión de llevar este popular personaje al cine.


Una accidental reina del cine de horror


Lin Shaye, veterana y talentosa intérprete, hermana de uno de los más poderosos ejecutivos de Hollywood, se ha convertido en una representante de la cinematografía de género gracias a ‘La noche del demonio 4: la última llave’.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía Sony Pictures

Una accidental reina del cine de horror

En un principio, el estudio cinematográfico tendría proyectado que tanto Rose Byrne como Patrick Wilson fueran los protagonista centrales de la franquicia de La noche del demonio (Insidiuos), sin embargo fue el rol de Lyn Shaye como la clarividente Elise Rainier, el que finalmente se quedó en el subconsciente del espectador. De alguna manera estamos hablando de la clásica historia de cuando un personaje secundario eclipsa a sus protagonistas.

“Básicamente la audiencia ha adoptado estas cintas de horror porque antes que nada tratan de historias cercanas a la gente, son relatos que tienen una apariencia de carácter extraordinario. Sin embargo, James Wan los ha aproximado al público de una forma muy inteligente. Lo que acontece en la casa de los Lambert resulta en una circunstancia muy sugestiva para la audiencia. Es una familia común y corriente en donde el patriarca trata ante todo de mantener a los suyos a salvo, pero esa aparente tranquilidad se ve amenazada por un ente sobrenatural. Ese es el gancho de todo el fenómeno alrededor de las cintas de La noche del demonio. El factor de tener una situación en donde los niños están en peligro es una línea argumental por demás sugestiva”, nos confiesa Lin Shaye, actriz de procedencia teatral quien de manera casi coyuntural recibió la oportunidad de interpretar a la popular médium en la cinta original de la serie. Y es que se considera a Wan que ha reinventado las películas del género al reclutar a actores con magníficas credenciales profesionales en producciones que apuestan de forma considerable al trabajo de sus intérpretes, alejándose de los efectos digitales y de audio a los que estamos acostumbrados.

Foto: Cortesía Sony Pictures

“Todo ha resultado en un viaje extraño. Por razones argumentales, pensé que jamás regresaría a hacer otra película de la serie. El público que ha seguido las cintas sabe el por qué digo esto. Creo que nadie se imaginó que se haría una secuela después de la original pero el éxito fue simplemente abrumador. En la segunda parte, no tengo una participación relevante, sin embargo, en la tercera parte los productores decidieron realizar una especie de precuela en donde observamos cómo Elise decide auxiliar a una adolescente quien está siendo atemorizada por un demonio. Esa película fue una experiencia muy gratificante para mí como intérprete”, agrega la actriz quien gracias a su trabajo ha recibido el mote de la perfecta “Scream Queen” para la generación milenial.

Los productores anhelaron explorar las posibilidades narrativas y comerciales de La noche del demonio y decidieron armar una cuarta cinta que ejerciera como parte faltante del rompecabezas para que la audiencia tuviera un panorama total de la anécdota. Está dirigida por el también actor, Adam Robitel bajo la supervisión de Wan. “Creo que con La noche del demonio 4: la última llave se completa el círculo. La cinta nos provee de más información referente a la infancia de Elise. Somos testigos de como este personaje padeció distintos abusos y de como sobrellevó una infancia complicada. Hay que tener presente que la gente guarda secretos todo el tiempo, todas las familias tienen sus misterios y en muchas ocasiones sus miembros los guarda con devoción. El público entenderá perfectamente el porqué Elise se ha transformado en una representante de la verdad”, finaliza la actriz.


Superhéroes en búsqueda de identidad


Los integrantes de ‘La liga de la Justicia’ no están exentos de crisis de personalidad y su director, Zach Snyder, es consciente de esto. Conversamos con los responsables del evento cinematográfico más esperado de la temporada.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía Warner Bros. Pictures México

Superhéroes en búsqueda de identidad

Históricamente, Batman siempre ha sido un ser solitario y cauteloso. Sin embargo, su admiración hacia Superman probablemente lo lleve a transitar por un camino que desconocía hasta ahora. Por primera ocasión, Batman comprende que para enfrentar al enemigo, es muy probable que necesite ayuda de otros y tenga que articular un equipo. Algo inconcebible en el pasado del superhéroe.

Básicamente, ésta es la premisa de La liga de la Justicia, la gran producción de Warner Brothers y DC Entertainment que se estrena el 17 de noviembre en México y la cual pretende detonar las líneas argumentales que se han venido desarrollando desde años atrás, cuando Zach Snyder presentó El hombre de acero en 2013, suceso que marcó el inicio de DC Entertainment como una ge- neradora de películas basadas en sus cómics con el objetivo de rivalizar con Marvel Cine- matic Universe.

Ben Affleck ha sido uno de los tantos objetivos de conjeturas y especulación alrededor de la producción. “Me siento mucho más cómodo ahora en el personaje. He tomado las decisiones que tienen que ver con la manera que percibo este rol y sobre cómo quiero abordarlo. Me considero más seguro en ese sentido. Paradójicamente el traje que porto en esta película es mucho más incómodo que el anterior, ¡No sé por que!”, dice Ben Affleck.

La tibia recepción hacia Batman vs Superman: el origen de la justicia no ayudó a los ataques en redes sociales ante la confirmación de que el intérprete caracterizaría al superhéroe. La elección de Affleck simplemente disgustó a los fans del cómic. “Al final del día me siento privilegiado de formar parte de una producción como La liga de la Justicia. Estamos viviendo el sueño de nuestras vidas. Desconozco cuál ha sido el camino de cada uno de los que estamos aquí pero cualquiera que sea el trayecto, es una bendición estar en esta posición sin impor- tar el tiempo que dure”, añade Affleck.


Quien controla el clima controla la humanidad


El cine de desastre no ha caducado. Gerard Butler es el protagonista de ‘Geo-Tormenta’ y tiene el desafío de protegernos ante el cambio climático.


POR Óscar Uriel  



Quien controla el clima controla la humanidad

Gerard Butler está seguro que si presentas una película con un mensaje de manera patente y contundente al público, la fuerza del discurso corre el riesgo de diluirse. Aunque Geo-Tormenta es una producción de entretenimiento (que marca el debut en la dirección de Dean Devlin, productor frecuente de Roland Emmerich), toca uno de los temas en boga: el calentamiento global y los adelantos tecnológicos.

“Creo que se trata de la película más ambiciosa en la que me ha tocado participar y no me refiero sólo en cuestión de presupuesto sino también en el renglón de las ideas. De hecho, es mi primera cinta sobre desastres naturales y resultó que la gocé porque es también un espectáculo de efectos digitales. Además, formé parte de un elenco conformado por actores de distintas etnias. Cuando leí el libreto pensé: ’¿De verdad seremos capaces de llevar al espectador por tal viaje?’. Es una historia que toca puntos sensibles sobre lo que está pasando en el planeta con el cambio climático y sus consecuencias. Nuestro planteamiento es que la tecnología va a la par de las variables en los cambios climáticos”, comenta Gerard Butler con su distintivo acento escocés.

Aunque aparentemente la realización de Geo-Tormenta estuvo plagada de contratiempos (por ejemplo, la realización de secuencias bajo el mando de otro director), finalmente llega a pantallas lo que promete ser un espectáculo de efectos visuales que también toca un asunto relevante.

Warner Bros. México te regala uno de los kits oficiales de Geo-Tormenta (chaleco, libreta y taza). Sólo contesta correctamente lo siguiente:

1 ¿Cuántas tarjetas coleccionables de Rolling Stone hemos publicado?
2 ¿Cómo se llama el personaje de Eugenio Derbez en Geo-Tormenta?
3 ¿Quién nos dijo: “Este es mi primer día libre en semanas” en nuestra actual edición?

Manda tus datos y respuestas a [email protected]


Curiosidad frente al rigor


Una íntima charla con el director de cine, Alfonso Cuarón.


POR Óscar Uriel  



Cortesía: Canon

Curiosidad frente al rigor

Conocí a Alfonso Cuarón hace algunos años cuando fui a entrevistarlo a Nueva York para un programa de televisión mientras él editaba Grandes esperanzas en un loft en SoHo. Me llamó la atención la cordialidad y sencillez que mostró desde que llegué a la cita. He tenido la oportunidad de seguir muy de cerca su carrera como si fuese una especie de hilo conductor en la crónica del cine mexicano que he realizado a través de estas dos décadas. El director mexicano galardonado con dos premios Óscar por Gravity, estuvo en un evento de Canon realizado en la Universidad Panamericana y posteriormente platicamos sobre su carrera profesional.

Tenías 12 años cuando tuviste una cámara contigo, además de que vivías cerca de unos estudios cinematográficos. Probablemente esto tuvo que influir en tu pasión por el cine.
A los 12 años tuve mi primera cámara real. Fue una cámara Super 8 con la cual hice muchos cortos pero nada más de un rollo porque no tenía dinero para más. Pero mi primera cámara en realidad fue un viewfinder de cartón que hice con el que filmaba mis películas cuando era muy pequeño.

El haber sido padre a los 18 años, ¿condicionó tu vocación dentro de tu quehacer cinematográfico?

La vocación ya estaba. Las prioridades cambiaron y creo que es algo que agradezco porque pensaba que el cine era lo más importante en la vida. Sin embargo, al ser padre tan joven me di cuenta que sólo es una parte esencial de ésta; pero no la más importante. No me imagino una imagen sin que esté cargada de vida. La vida viene primero y la experiencia profesional después.


De la admiración a la inspiración


Ryan Gosling, Ana de Armas, Sylvia Hoeks y Denis Villenueve confiesan cómo vencieron sus perjuicios al participar en ‘Blade Runner 2049’.


POR Óscar Uriel  



De la admiración a la inspiración

Resulta extraño hablar de algo que no podemos comentar (ríe). Mira, lo que te puedo decir con toda seguridad es que esta película se trata de una labor de amor hacia la cinta original. Como todos lo tenemos entendido, Blade Runner es un hito en la historia del cine por lo que la misión de realizar una segunda parte fue un reto considerable. Algo que puedo ratificar es que la hicimos con mucho respeto hacia la primera película. Es una historia de detectives con una mezcla de film noir en donde nuestro protagonista es un policía oficial en Los Ángeles, California, quien sigue un caso en particular en este paisaje distópico de 2049”, admite un emocionado Denis Villeneuve al comienzo de nuestra plática pactada con el propósito de hablar de “esa pequeña” producción llamada Blade Runner 2049, probablemente el título cinematográfico más anticipado del año.

Aceptar realizar una segunda parte de lo que para muchos es una de las películas más alegóricas de la ciencia ficción, no es tarea sencilla. El sólo imaginar que Ridley Scott verá la continuación de su creación puede intimidar a cualquiera. Menos al realizador Denis Villeneuve, director de películas como Sicario, Prisioneros o La llegada, entre otros títulos.

Denis Villeneuve declaró que jamás habría podido hacer la película sin percibir la presencia de Scott, por lo que el realizador buscó al legendario director para dialogar sobre esta esperada secuela.


Siniestra diversión


Algunos adjudican su aversión hacia los bufones que amenizan las fiestas infantiles a ‘It (Eso)’, la colosal novela de Stephen King. Ahora, la oportunidad de corroborarlo con una nueva adaptación cinematográfica.


POR Óscar Uriel  



Foto: Warner Bros.

Siniestra diversión

Los productores detrás de la realización fílmica de It (eso) siempre estuvieron conscientes que tendrían que tratarla no como otra película de horror, sino como una de las obras más estimadas por la celosa legión de lectores de Stephen King. Este proyecto tendría que funcionar en varios niveles. Ése era el reto.

Para muchos lectores (incluyéndome) se trata de uno de los primeros encuentros con el autor, quien ha declarado abiertamente que It (eso) es una de sus novelas más personales, amén del impacto causado por la recordada miniserie televisiva de los años noventa, responsable de ese recuerdo macabro de Tim Curry personificando al sobrecogedor Pennywise.

“Recuerdo la primera sesión fotográfica que hicimos con Bill (Skarsgård) el actor a quien finalmente elegimos para dar vida al maléfico payaso. También era la primera ocasión que se hacían pruebas con el equipo de maquillaje que emplearíamos en la producción. Al analizar la sesión, todos estábamos aterrorizados con el resultado y esto lo digo en el mejor sentido de la palabra. Pero no sólo fue la caracterización que se realizó, sino la labor de interpretación de Bill, su voz y sus manierismos eran verdaderamente terroríficos. A todos se nos olvidaba que detrás del disfraz había un apuesto y carismático actor”, nos dice en exclusiva el productor David Katzenberg sobre la decisión de utilizar un actor con escasa experiencia laboral. Sin embargo, se trata de uno de los descendientes de esa célebre dinastía sueca actoral: Bill es hijo de Stellan y hermano de Alexander Skarsgård.


Una playlist en película de acción


‘Baby Driver’ es la historia trepidante de un joven chofer melómano quien se afilia al crimen organizado. Platicamos con la actriz mexicana Eiza González y su director, Edgar Wright.


POR Óscar Uriel  



Una playlist en película de acción

Pareciera inverosímil que Baby Driver sea la inclusión de Edgar Wright en Hollywood. El virtuoso director británico produjo algunos títulos (la mayoría realizados bajo el sello de Working Title) que cobraron popularidad y se convirtieron en referencia inmediata en la cultura pop por su ingenio y peculiar sentido del humor. Sin embargo, su entrada oficial la industria cinematográfica en Estados Unidos se habría frustrado por distintas razones (casi era el director de Ant Man pero eso es otra historia).

“Creo que el personaje de Baby fue lo que llamó la atención de muchos actores en Hollywood y por consiguiente de productores. Es un rol protagónico muy interesante, algo raro de encontrar en Hollywood. Ansel (Elgort) llegó a la audición decidido a hacer la película, por lo que la atención hacia este proyecto fue algo orgánico, no forzado. Originalmente se trataba de una producción para Universal, sin embargo el estudio estaba inseguro de hacer otra película de acción en automóviles cuando ellos poseen la franquicia de Rápidos y Furiosos. El guión empezó a circular, por lo que tuve una cita con Tom Rothman de Sony Pictures quien quería hacer una película con Ansel. Así se dieron las cosas”, con esa el siempre afable Wright sobre el hype alrededor de esta producción que se ha transformado en uno de los títulos más célebres de esta primera mitad de año.


OMD: el secreto de la resistencia


Paul Humphreys, sobre la importancia de su banda a través de los años y su validez en el panorama musical.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía Cortesía Euritmia Live/Noiselab

OMD: el secreto de la resistencia

Hay quienes simplemente los consideran los padres de la electrónica. Lo que es innegable es que OMD es el precursor del sonido de actualidad que mezcla la tecnología con la música. Parece increíble que la banda aún vigente se inició a finales de los años setenta como grupo que abría las presentaciones de Joy Division.

“Aún amamos tocar en vivo. Somos un grupo que nace a partir de actos en vivo. Creo que la dinámica interactiva que surge entre el público y nosotros es muy importante, es la única manera de conocer lo que está escuchando la audiencia ahora. Para mí el actuar en vivo es una especie de droga, es un estado mental. Es una hora y 45 minutos que significan un reto, simplemente amo estar en el escenario, tocar con Andy. Debo de confesar que las cosas cambian un poco con el paso del tiempo, ya no es tan fácil viajar constantemente, se requiere de una energía muy particular y pues ya no somos esos jóvenes de los años ochenta”, cuenta Paul Humphreys.

A pesar de la devota legión de seguidores en nuestro país, el 2 de este mes será la segunda ocasión en la que OMD nos visita. La primera fue en un festival musical en el 2011, aparición que Humphreys evoca gratamente. “Recuerdo perfectamente la presentación en México en el 2011. Fue nuestro primer encuentro con el público mexicano por lo que no sabíamos qué esperar. Quedamos realmente sorprendidos por la respuesta de la audiencia, se sabían nuestras canciones y coreaban con nosotros. Recuerdo que estábamos en escena y nos sentíamos como niños”, agrega el músico con más de 40 años de carrera, periodo en el cual han inspirado a distintos grupos como Depeche Mode, Underworld y Nine Inch Nails quienes abiertamente han reconocido el peso de OMD en su respectiva música.