Archivo del Autor: Óscar Uriel

Una celebración a la cultura pop


Para Steven Spielberg, la vida diaria juega un rol preponderante a la hora de la creación artística, incluso si se trata de la más excéntrica ficción como lo es ‘Ready Player One. Comienza el juego’.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía de Warner Bros. Pictures

Una celebración a la cultura pop

En una distopía más cercana de lo que creemos, la humanidad puede entrar a un mundo virtual llamado Oasis en el cual prácticamente puedes convertirte en todo lo que deseas y protagonizar las más extravagantes aventuras. Todo esto contrastando con la sombría realidad que padece la sociedad. Cuando el creador de Oasis fallece, decide convocar a sus seguidores a un último desafío difícil de rehuir, el cual tiene como recompensa obtener un tesoro escondido. En términos generales, este es el argumento de Ready Player One. Comienza el juego, la popular novela de Ernest Cline que ahora Steven Spielberg convierte en uno de los títulos cinematográficos más esperados de la temporada.

Como en muchas de las aventuras dirigidas por el realizador, el protagonista es un cándido joven quien decidido a salir del infortunio en el que vive con su tía, resuelve aceptar el gran reto que propone el creador de Oasis, una odisea armada con acertijos y enigmas que tienen que ver con la cultura popular de los años ochenta. Precisamente durante ese periodo, Spielberg dirigió sendos clásicos de la cinematografía contemporánea como lo son E.T., el extraterrestre, Cazadores del arca perdida, El color púrpura y El imperio del sol, entre otros. No sabemos con certeza si esa etapa ha sido la más prolífica en la carrera del director pero definitivamente sí una década de auge y prosperidad.

Foto: Cortesía de Warner Bros. Pictures.

Nos trasladamos a la ciudad de Los Ángeles, California para platicar largo y tendido con Steven Spielberg. Para ser más precisos, fueron los estudios de Warner Brothers el lugar estipulado para celebrar la entrevista. Cordial y directo, como es su costumbre, Spielberg contestó cada uno de nuestros cuestionamientos.


En el momento adecuado


Lara Croft —icónico rol femenino— es reinterpretada por Alicia Vikander en una nueva versión de ‘Tomb Raider’, apta para nuestra época e indispensable de la cultura pop.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Warner Bros Pictures

En el momento adecuado

Alicia Vikander pasó tres noches sin dormir cuando le notificaron que un nutrido grupo de gamers visitaría el set de Tomb Raider. De acuerdo a la intérprete, la sola idea de tener en el rodaje a afanosos seguidores del personaje de Lara Croft le provocaba un nerviosismo particular. “Siempre hay una especie de artimaña al participar en este tipo de producciones que están basadas en un personaje muy conocido por el público y el cual cuenta con una fiel legión de fans. Hay un compromiso con el público y no quieres defraudarlo. Vaya, sólo quería demostrarles que había hecho mi trabajo previo de investigación y que estaba preparada para caracterizar ese rol tan amado para ellos. Como actriz en esta circunstancia, tienes que encontrar un balance entre todo el historial alrededor del personaje y esa aportación personal con el objetivo de extender el mito. Ofrecer algo nuevo a los seguidores es siempre una ilusión al participar en este tipo de trabajos”, cuenta Alicia Vikander en una charla realizada en la ciudad de Londres, Inglaterra sobre este polémico reboot de Tomb Raider, un proyecto que desde su concepción ha levantado suspicacia en el ámbito del entretenimiento.

¿Realmente necesitamos otra versión de un personaje basado en un videojuego? ¿Qué tan necesario es producir una película de un rol previamente abordado en el cine con éxito comercial? Éstas eran algunas de las interrogantes que intentamos responder. De acuerdo a Vikander, cuando la actriz le comentó a su mamá que su próxima película se titularía Tomb Raider, le respondió de manera inmediata: “¿No es esa una cinta con Angelina Jolie?”. Y es que la figura de Tomb Raider se encuentra vigente en el subconsciente colectivo.

Casi de manera inminente, el personaje de Lara Croft se convirtió en una de las heroínas de ficción de aventuras consentida con el lanzamiento del videojuego en 1996. Prácticamente hasta ese momento no habíamos tenido la oportunidad de ver un personaje con tales características. Se trataba de una intrépida arqueóloga que más o menos correspondía a una interpretación femenina de Indiana Jones. El personaje originó versiones sucesivas del juego a través de los años convirtiéndose de acuerdo al libro Guinness de los récords en “la heroína humana más exitosa de los videojuegos”.

Después llegaron las películas. Angelina Jolie fue la elección apropiada para encarnar a la protagonista y aunque para ser honestos, al observar esta cintas a destiempo confirmamos que dejaron mucho que desear en el renglón artístico pero su éxito comercial es indiscutible.

“Me hubiera encantado poder platicar con Angelina antes de iniciar con la producción de esta película. Hasta este momento no se ha dado la oportunidad. No sólo me parece una fantástica actriz sino también una mujer quien realiza un gran trabajo como productora y directora. Angelina convirtió a Lara Croft en un ícono del cine de acción. Probablemente debido a estas películas he tenido la oportunidad de interpretar ahora este personaje. Cuando se me invitó al proyecto —hace aproximadamente dos años—, cuestioné a los productores sobre el motivo de reactivar este personaje en el cine y me respondieron que se trataba de una aproximación totalmente distinta a las anteriores producciones, la cual estaría hacía sentir ‘mariposas en el estómago’, ¡tenía 10 años! Aún no he tenido la oportunidad de platicar con él”, recuerda Vikander sobre sus referencias cinematográficas a temprana edad.


Pérdida de la inocencia


El célebre realizador Luca Guadagnino ha elaborado ‘Llámame por tu nombre’, una memorable historia de amor.


POR Óscar Uriel  



Pérdida de la inocencia

Aunque se había pretendido llevar el libro Llámame por tu nombre —de André Aciman— al cine en varias ocasiones, hasta hace poco llegó la adaptación de Luca Guadagnino, quien reclutó a Armie Hammer y a Timothée Chalamet para caracterizar a ese par de jóvenes que emprenden un affaire que marcará sus vidas.

“Nunca en mi vida, tanto en mi juventud como en mi edad adulta, me he sentido tan incómodo y vulnerable en una situación”, confiesa Hammer en una entrevista exclusiva. El actor no se refiere a la realización de las sugerentes escenas románticas que comparte con Chalamet, sino a que la historia requería que su personaje bailara en varias ocasiones al ritmo de la música ochentera. La historia está situada en esa década. Oliver, un estudiante norteamericano de 24 años llega a Italia para pasar seis semanas en la villa de un maestro experto en cultura grecorromana. Ahí conoce a Elio (Chalamet), el hijo del profesor de tan sólo 17 años con quien tendrá un tórrido romance. “El personaje estaba muy bien trazado en la novela. Oliver está aliado de forma irreparable con su fisionomía. Su sexualidad surge a través de su percepción de las cosas, olores, texturas y colores. Desde un principio estas fueron las bases para la creación de Oliver. Luca y yo hablamos mucho al respecto. Mi objetivo principal era hacerle justicia al personaje que muchos lectores tenían presente”, agrega Hammer, quien en un principio se mostró dudoso ante la oferta de intervenir en esta película, a causa del innegable nivel de intimidad que se invertiría. “Es una preocupación que tenemos los actores. El poder encontrar un balance entre nuestra vida personal y el ritmo de trabajo. Es mucho más complicado hacerlo con el paso del tiempo. A los 17 años era mucho más sencillo que a los 21 y así sucesivamente. No sé que deparará el destino. Es aquí donde le pregunto a Armie ¿Tienes algún consejo al respecto?”, agrega un entusiasta Timothée Chalamet, o Timmy como le dice Armie, quien se convirtió en una revelación por su entrañable interpretación de Elio.

La película narra la historia de amor entre dos hombres. Sin embargo, los realizadores han declarado que se trata de un relato de carácter universal. “Contar esta historia se convirtió en mi prioridad. Siempre he tratado de encontrar un balance entre mi vida personal y a lo que me dedico pero no sé si pueda ser una autoridad al respecto. Digamos que continuo en la batalla”, agrega Hammer.


¡El rey ha muerto!


‘Pantera Negra’ es uno de los episodios más fascinantes del universo Marvel en los últimos años. Platicamos con los protagonistas de esta cinta.


POR Óscar Uriel  



Foto: Matt Kennedy / Marvel Studios

¡El rey ha muerto!

“Es un veterano que proviene de esa Guerra Civil en donde auxilió a Los Vengadores. Es un hombre que ha perdido a su padre recientemente. La historia de este primer episodio de Pantera Negra va de su aprendizaje para transformarse en un líder apropiado para su pueblo a pesar de que sigue padeciendo el luto por la muerte de su papá. Es una época de transición para un superhéroe y esto transforma la anécdota en algo atractivo”, así describe Chadwick Boseman a su personaje T’Challa quien posteriormente se convertirá en Pantera Negra.

Conocimos a Chadwick hace algunos años cuando tuvimos la oportunidad de platicar con él al protagonizar la cinta Get on Up (nunca estrenada en cines de México) en donde personificó al icónico James Brown. En aquella ocasión, nos llamó la atención descubrir que en primera instancia, Boseman no estaba interesado en participar en alguna película de este calibre, por lo que a petición del director Tate Taylor y el mismo Mick Jagger, lo convenció de que aceptara la oferta, pues los realizadores no habían encontrado otro intérprete con las características y talento de Boseman.

En aquel momento, el actor tomó la decisión de tomarse un tiempo para desarrollar una carrera como dramaturgo a pesar de ser considerado uno de los egresados más prodigiosos del British American Dramatic Academy en Oxford, Inglaterra. Ahora parece que Boseman ha cambiado de opinión de forma radical pues entra a las filas de los histriones partícipes del universo Marvel en una de las adaptaciones más prometedoras de los últimos años. Pantera Negra es un superhéroe como ningún otro dentro del sello. Se puede considerar como el primer protagonista afroamericano dentro de este firmamento, precursor de Falcon o Luke Cage, por mencionar algunos.

“El poder llevar este cómic al cine se ha convertido en la prioridad de mi vida. Fui un niño que vivió cerca de la bahía de California leyendo todo tipo de novelas gráficas sin importar el color de piel de los superhéroes, desde los X-Men hasta Spider-Man. Sin embargo, mi vida cambió totalmente cuando me topé por primera vez con el personaje de T’Challa. ¡Imagínate la impresión que me causó el poder leer las aventuras de un superhéroe afroamericano! De una manera inconsciente, prácticamente toda mi vida he estado creando en mi cabeza la manera de transformar este relato en una película. Puedo asegurar que contamos con el reparto ideal para desarrollar esta historia”, dice Ryan Coogler, director de la cinta y quien en el 2013 tuvo un debut afortunado cuando presentó la laureada Fruitvale Station en el Festival de Cine de Sundance; un crudo retrato de la cotidianeidad de un joven afroamericano quien sale muy temprano de casa para enfrentar al fatídico destino.

A simple vista, parece una extraña decisión el contratar a Coogler para realizar la adaptación de un cómic pero Marvel ha manifestado abiertamente el interés de encontrar voces autorales para incorporarlas a sus historias. Como muestra, basta mencionar la exitosa afiliación del director neozelandés Taika Waititi con el proyecto Thor: Ragnarok. De acuerdo con Kevin Feige, director de producción de Marvel Cine, el asunto radica en localizar al realizador adecuado para cada material.

“Creo que el mito alrededor de Pantera Negra va de la posibilidad de encontrar la fuerza gracias a las personas que te rodean. Esto es algo distintivo de este superhéroe lo cual lo separa de los demás. Para T’Challa la historia de sus antepasados es fundamental para desarrollarse como un héroe. Creo que Stan Lee entendía perfectamente la cultura afroamericana cuando creó este personaje en 1966. Este es un punto que me interesaba explorar en esta primera película de Pantera Negra“, añade el director que venció a contendientes como Ava DuVernay y F. Gary Gray en la misión de llevar este popular personaje al cine.


Una accidental reina del cine de horror


Lin Shaye, veterana y talentosa intérprete, hermana de uno de los más poderosos ejecutivos de Hollywood, se ha convertido en una representante de la cinematografía de género gracias a ‘La noche del demonio 4: la última llave’.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía Sony Pictures

Una accidental reina del cine de horror

En un principio, el estudio cinematográfico tendría proyectado que tanto Rose Byrne como Patrick Wilson fueran los protagonista centrales de la franquicia de La noche del demonio (Insidiuos), sin embargo fue el rol de Lyn Shaye como la clarividente Elise Rainier, el que finalmente se quedó en el subconsciente del espectador. De alguna manera estamos hablando de la clásica historia de cuando un personaje secundario eclipsa a sus protagonistas.

“Básicamente la audiencia ha adoptado estas cintas de horror porque antes que nada tratan de historias cercanas a la gente, son relatos que tienen una apariencia de carácter extraordinario. Sin embargo, James Wan los ha aproximado al público de una forma muy inteligente. Lo que acontece en la casa de los Lambert resulta en una circunstancia muy sugestiva para la audiencia. Es una familia común y corriente en donde el patriarca trata ante todo de mantener a los suyos a salvo, pero esa aparente tranquilidad se ve amenazada por un ente sobrenatural. Ese es el gancho de todo el fenómeno alrededor de las cintas de La noche del demonio. El factor de tener una situación en donde los niños están en peligro es una línea argumental por demás sugestiva”, nos confiesa Lin Shaye, actriz de procedencia teatral quien de manera casi coyuntural recibió la oportunidad de interpretar a la popular médium en la cinta original de la serie. Y es que se considera a Wan que ha reinventado las películas del género al reclutar a actores con magníficas credenciales profesionales en producciones que apuestan de forma considerable al trabajo de sus intérpretes, alejándose de los efectos digitales y de audio a los que estamos acostumbrados.

Foto: Cortesía Sony Pictures

“Todo ha resultado en un viaje extraño. Por razones argumentales, pensé que jamás regresaría a hacer otra película de la serie. El público que ha seguido las cintas sabe el por qué digo esto. Creo que nadie se imaginó que se haría una secuela después de la original pero el éxito fue simplemente abrumador. En la segunda parte, no tengo una participación relevante, sin embargo, en la tercera parte los productores decidieron realizar una especie de precuela en donde observamos cómo Elise decide auxiliar a una adolescente quien está siendo atemorizada por un demonio. Esa película fue una experiencia muy gratificante para mí como intérprete”, agrega la actriz quien gracias a su trabajo ha recibido el mote de la perfecta “Scream Queen” para la generación milenial.

Los productores anhelaron explorar las posibilidades narrativas y comerciales de La noche del demonio y decidieron armar una cuarta cinta que ejerciera como parte faltante del rompecabezas para que la audiencia tuviera un panorama total de la anécdota. Está dirigida por el también actor, Adam Robitel bajo la supervisión de Wan. “Creo que con La noche del demonio 4: la última llave se completa el círculo. La cinta nos provee de más información referente a la infancia de Elise. Somos testigos de como este personaje padeció distintos abusos y de como sobrellevó una infancia complicada. Hay que tener presente que la gente guarda secretos todo el tiempo, todas las familias tienen sus misterios y en muchas ocasiones sus miembros los guarda con devoción. El público entenderá perfectamente el porqué Elise se ha transformado en una representante de la verdad”, finaliza la actriz.


Superhéroes en búsqueda de identidad


Los integrantes de ‘La liga de la Justicia’ no están exentos de crisis de personalidad y su director, Zach Snyder, es consciente de esto. Conversamos con los responsables del evento cinematográfico más esperado de la temporada.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía Warner Bros. Pictures México

Superhéroes en búsqueda de identidad

Históricamente, Batman siempre ha sido un ser solitario y cauteloso. Sin embargo, su admiración hacia Superman probablemente lo lleve a transitar por un camino que desconocía hasta ahora. Por primera ocasión, Batman comprende que para enfrentar al enemigo, es muy probable que necesite ayuda de otros y tenga que articular un equipo. Algo inconcebible en el pasado del superhéroe.

Básicamente, ésta es la premisa de La liga de la Justicia, la gran producción de Warner Brothers y DC Entertainment que se estrena el 17 de noviembre en México y la cual pretende detonar las líneas argumentales que se han venido desarrollando desde años atrás, cuando Zach Snyder presentó El hombre de acero en 2013, suceso que marcó el inicio de DC Entertainment como una ge- neradora de películas basadas en sus cómics con el objetivo de rivalizar con Marvel Cine- matic Universe.

Ben Affleck ha sido uno de los tantos objetivos de conjeturas y especulación alrededor de la producción. “Me siento mucho más cómodo ahora en el personaje. He tomado las decisiones que tienen que ver con la manera que percibo este rol y sobre cómo quiero abordarlo. Me considero más seguro en ese sentido. Paradójicamente el traje que porto en esta película es mucho más incómodo que el anterior, ¡No sé por que!”, dice Ben Affleck.

La tibia recepción hacia Batman vs Superman: el origen de la justicia no ayudó a los ataques en redes sociales ante la confirmación de que el intérprete caracterizaría al superhéroe. La elección de Affleck simplemente disgustó a los fans del cómic. “Al final del día me siento privilegiado de formar parte de una producción como La liga de la Justicia. Estamos viviendo el sueño de nuestras vidas. Desconozco cuál ha sido el camino de cada uno de los que estamos aquí pero cualquiera que sea el trayecto, es una bendición estar en esta posición sin impor- tar el tiempo que dure”, añade Affleck.


Quien controla el clima controla la humanidad


El cine de desastre no ha caducado. Gerard Butler es el protagonista de ‘Geo-Tormenta’ y tiene el desafío de protegernos ante el cambio climático.


POR Óscar Uriel  



Quien controla el clima controla la humanidad

Gerard Butler está seguro que si presentas una película con un mensaje de manera patente y contundente al público, la fuerza del discurso corre el riesgo de diluirse. Aunque Geo-Tormenta es una producción de entretenimiento (que marca el debut en la dirección de Dean Devlin, productor frecuente de Roland Emmerich), toca uno de los temas en boga: el calentamiento global y los adelantos tecnológicos.

“Creo que se trata de la película más ambiciosa en la que me ha tocado participar y no me refiero sólo en cuestión de presupuesto sino también en el renglón de las ideas. De hecho, es mi primera cinta sobre desastres naturales y resultó que la gocé porque es también un espectáculo de efectos digitales. Además, formé parte de un elenco conformado por actores de distintas etnias. Cuando leí el libreto pensé: ’¿De verdad seremos capaces de llevar al espectador por tal viaje?’. Es una historia que toca puntos sensibles sobre lo que está pasando en el planeta con el cambio climático y sus consecuencias. Nuestro planteamiento es que la tecnología va a la par de las variables en los cambios climáticos”, comenta Gerard Butler con su distintivo acento escocés.

Aunque aparentemente la realización de Geo-Tormenta estuvo plagada de contratiempos (por ejemplo, la realización de secuencias bajo el mando de otro director), finalmente llega a pantallas lo que promete ser un espectáculo de efectos visuales que también toca un asunto relevante.

Warner Bros. México te regala uno de los kits oficiales de Geo-Tormenta (chaleco, libreta y taza). Sólo contesta correctamente lo siguiente:

1 ¿Cuántas tarjetas coleccionables de Rolling Stone hemos publicado?
2 ¿Cómo se llama el personaje de Eugenio Derbez en Geo-Tormenta?
3 ¿Quién nos dijo: “Este es mi primer día libre en semanas” en nuestra actual edición?

Manda tus datos y respuestas a [email protected]


Curiosidad frente al rigor


Una íntima charla con el director de cine, Alfonso Cuarón.


POR Óscar Uriel  



Cortesía: Canon

Curiosidad frente al rigor

Conocí a Alfonso Cuarón hace algunos años cuando fui a entrevistarlo a Nueva York para un programa de televisión mientras él editaba Grandes esperanzas en un loft en SoHo. Me llamó la atención la cordialidad y sencillez que mostró desde que llegué a la cita. He tenido la oportunidad de seguir muy de cerca su carrera como si fuese una especie de hilo conductor en la crónica del cine mexicano que he realizado a través de estas dos décadas. El director mexicano galardonado con dos premios Óscar por Gravity, estuvo en un evento de Canon realizado en la Universidad Panamericana y posteriormente platicamos sobre su carrera profesional.

Tenías 12 años cuando tuviste una cámara contigo, además de que vivías cerca de unos estudios cinematográficos. Probablemente esto tuvo que influir en tu pasión por el cine.
A los 12 años tuve mi primera cámara real. Fue una cámara Super 8 con la cual hice muchos cortos pero nada más de un rollo porque no tenía dinero para más. Pero mi primera cámara en realidad fue un viewfinder de cartón que hice con el que filmaba mis películas cuando era muy pequeño.

El haber sido padre a los 18 años, ¿condicionó tu vocación dentro de tu quehacer cinematográfico?

La vocación ya estaba. Las prioridades cambiaron y creo que es algo que agradezco porque pensaba que el cine era lo más importante en la vida. Sin embargo, al ser padre tan joven me di cuenta que sólo es una parte esencial de ésta; pero no la más importante. No me imagino una imagen sin que esté cargada de vida. La vida viene primero y la experiencia profesional después.


De la admiración a la inspiración


Ryan Gosling, Ana de Armas, Sylvia Hoeks y Denis Villenueve confiesan cómo vencieron sus perjuicios al participar en ‘Blade Runner 2049’.


POR Óscar Uriel  



De la admiración a la inspiración

Resulta extraño hablar de algo que no podemos comentar (ríe). Mira, lo que te puedo decir con toda seguridad es que esta película se trata de una labor de amor hacia la cinta original. Como todos lo tenemos entendido, Blade Runner es un hito en la historia del cine por lo que la misión de realizar una segunda parte fue un reto considerable. Algo que puedo ratificar es que la hicimos con mucho respeto hacia la primera película. Es una historia de detectives con una mezcla de film noir en donde nuestro protagonista es un policía oficial en Los Ángeles, California, quien sigue un caso en particular en este paisaje distópico de 2049”, admite un emocionado Denis Villeneuve al comienzo de nuestra plática pactada con el propósito de hablar de “esa pequeña” producción llamada Blade Runner 2049, probablemente el título cinematográfico más anticipado del año.

Aceptar realizar una segunda parte de lo que para muchos es una de las películas más alegóricas de la ciencia ficción, no es tarea sencilla. El sólo imaginar que Ridley Scott verá la continuación de su creación puede intimidar a cualquiera. Menos al realizador Denis Villeneuve, director de películas como Sicario, Prisioneros o La llegada, entre otros títulos.

Denis Villeneuve declaró que jamás habría podido hacer la película sin percibir la presencia de Scott, por lo que el realizador buscó al legendario director para dialogar sobre esta esperada secuela.


Siniestra diversión


Algunos adjudican su aversión hacia los bufones que amenizan las fiestas infantiles a ‘It (Eso)’, la colosal novela de Stephen King. Ahora, la oportunidad de corroborarlo con una nueva adaptación cinematográfica.


POR Óscar Uriel  



Foto: Warner Bros.

Siniestra diversión

Los productores detrás de la realización fílmica de It (eso) siempre estuvieron conscientes que tendrían que tratarla no como otra película de horror, sino como una de las obras más estimadas por la celosa legión de lectores de Stephen King. Este proyecto tendría que funcionar en varios niveles. Ése era el reto.

Para muchos lectores (incluyéndome) se trata de uno de los primeros encuentros con el autor, quien ha declarado abiertamente que It (eso) es una de sus novelas más personales, amén del impacto causado por la recordada miniserie televisiva de los años noventa, responsable de ese recuerdo macabro de Tim Curry personificando al sobrecogedor Pennywise.

“Recuerdo la primera sesión fotográfica que hicimos con Bill (Skarsgård) el actor a quien finalmente elegimos para dar vida al maléfico payaso. También era la primera ocasión que se hacían pruebas con el equipo de maquillaje que emplearíamos en la producción. Al analizar la sesión, todos estábamos aterrorizados con el resultado y esto lo digo en el mejor sentido de la palabra. Pero no sólo fue la caracterización que se realizó, sino la labor de interpretación de Bill, su voz y sus manierismos eran verdaderamente terroríficos. A todos se nos olvidaba que detrás del disfraz había un apuesto y carismático actor”, nos dice en exclusiva el productor David Katzenberg sobre la decisión de utilizar un actor con escasa experiencia laboral. Sin embargo, se trata de uno de los descendientes de esa célebre dinastía sueca actoral: Bill es hijo de Stellan y hermano de Alexander Skarsgård.


Una playlist en película de acción


‘Baby Driver’ es la historia trepidante de un joven chofer melómano quien se afilia al crimen organizado. Platicamos con la actriz mexicana Eiza González y su director, Edgar Wright.


POR Óscar Uriel  



Una playlist en película de acción

Pareciera inverosímil que Baby Driver sea la inclusión de Edgar Wright en Hollywood. El virtuoso director británico produjo algunos títulos (la mayoría realizados bajo el sello de Working Title) que cobraron popularidad y se convirtieron en referencia inmediata en la cultura pop por su ingenio y peculiar sentido del humor. Sin embargo, su entrada oficial la industria cinematográfica en Estados Unidos se habría frustrado por distintas razones (casi era el director de Ant Man pero eso es otra historia).

“Creo que el personaje de Baby fue lo que llamó la atención de muchos actores en Hollywood y por consiguiente de productores. Es un rol protagónico muy interesante, algo raro de encontrar en Hollywood. Ansel (Elgort) llegó a la audición decidido a hacer la película, por lo que la atención hacia este proyecto fue algo orgánico, no forzado. Originalmente se trataba de una producción para Universal, sin embargo el estudio estaba inseguro de hacer otra película de acción en automóviles cuando ellos poseen la franquicia de Rápidos y Furiosos. El guión empezó a circular, por lo que tuve una cita con Tom Rothman de Sony Pictures quien quería hacer una película con Ansel. Así se dieron las cosas”, con esa el siempre afable Wright sobre el hype alrededor de esta producción que se ha transformado en uno de los títulos más célebres de esta primera mitad de año.


OMD: el secreto de la resistencia


Paul Humphreys, sobre la importancia de su banda a través de los años y su validez en el panorama musical.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía Cortesía Euritmia Live/Noiselab

OMD: el secreto de la resistencia

Hay quienes simplemente los consideran los padres de la electrónica. Lo que es innegable es que OMD es el precursor del sonido de actualidad que mezcla la tecnología con la música. Parece increíble que la banda aún vigente se inició a finales de los años setenta como grupo que abría las presentaciones de Joy Division.

“Aún amamos tocar en vivo. Somos un grupo que nace a partir de actos en vivo. Creo que la dinámica interactiva que surge entre el público y nosotros es muy importante, es la única manera de conocer lo que está escuchando la audiencia ahora. Para mí el actuar en vivo es una especie de droga, es un estado mental. Es una hora y 45 minutos que significan un reto, simplemente amo estar en el escenario, tocar con Andy. Debo de confesar que las cosas cambian un poco con el paso del tiempo, ya no es tan fácil viajar constantemente, se requiere de una energía muy particular y pues ya no somos esos jóvenes de los años ochenta”, cuenta Paul Humphreys.

A pesar de la devota legión de seguidores en nuestro país, el 2 de este mes será la segunda ocasión en la que OMD nos visita. La primera fue en un festival musical en el 2011, aparición que Humphreys evoca gratamente. “Recuerdo perfectamente la presentación en México en el 2011. Fue nuestro primer encuentro con el público mexicano por lo que no sabíamos qué esperar. Quedamos realmente sorprendidos por la respuesta de la audiencia, se sabían nuestras canciones y coreaban con nosotros. Recuerdo que estábamos en escena y nos sentíamos como niños”, agrega el músico con más de 40 años de carrera, periodo en el cual han inspirado a distintos grupos como Depeche Mode, Underworld y Nine Inch Nails quienes abiertamente han reconocido el peso de OMD en su respectiva música.


OMD regresa a México para un encuentro con sus fans


Platicamos en exclusiva con Paul Humphreys sobre su próximo concierto en el Pepsi Center WTC.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía Euritmia Live/Noiselab

OMD regresa a México para un encuentro con sus fans

La espera ha terminado. Después de seis años, la legendaria agrupación OMD regresa a la Ciudad de México para presentarse el próximo 2 de agosto en el Pepsi Center WTC y complacer a la devota legión de seguidores de estos precursores de la música electrónica. A escasos días del show, platicamos en exclusiva con Paul Humphreys sobre lo que podemos esperar de esta anhelada cita.

Paul, ¿qué sucederá en la presentación de OMD en la Ciudad de México? Tenemos el mejor de los recuerdos de su show en el Corona Capital de 2011.
Vamos a tocar un par de canciones de nuestro nuevo álbum. La verdad no hemos tenido oportunidad de ensayar mucho. Apenas hablé con Andy hace unas horas para ponernos de acuerdo sobre el playlist definitivo de nuestra presentación en México. El público puede tener la certeza de que tocaremos las canciones que espera. Somos un grupo que no se avergüenza de su catálogo. Soy de las personas a las que les gusta escuchar melodías o sonidos del pasado y recordar. Estamos conscientes de que nuestra música provoca eso. Apenas hace unas semanas fui a ver a Kraftwerk. Fue un gran concierto. Simplemente cerré los ojos y me dejé llevar por los sonidos y me transporté años atrás. Queremos provocar esa sensación en el público mexicano.

¿Qué tipo de música escuchas actualmente? ¿Hay algún artista en particular que te guste?
Soy un melómano. Escucho música vieja y nueva. Desde Robyn hasta Arcade Fire. Mi gusto siempre ha sido muy ecléctico. Por supuesto que sigo escuchando electro. Ahora, el internet puede ser una maldición o bendición para un artista, como por ejemplo la posibilidad de encontrar músicos desconocidos con grandes propuestas.

¿Cuál es tu percepción de la industria de la música actualmente? Sin duda alguna han habido cambios drásticos desde tus inicios a finales de los años setenta hasta el día de hoy.
El problema con el negocio de la música hoy en día es que no puedes mesurar ni calcular las cosas. Como te decía, las redes sociales y la red pueden ser una condena y una bendición para un artista al mismo tiempo. Por ejemplo, en Spotify un millón de downloads equivale a sólo unos miles de libras esterlinas, una cantidad relativamente menor a lo que se ganaba en los años ochenta. Nosotros hicimos mucho dinero en su momento pues durante nuestro apogeo había una estructura sólida dentro del mundo de la música además de que supimos invertirlo. Siento un poco de pena por los nuevos artistas porque ellos mismos tienen que encargarse de la promoción de su trabajo. Hace algunos años esto era impensable pues los sellos discográficos se encargaban de la difusión de nuestro trabajo.

¿Qué es lo que te motiva a continuar en esto? Han sido muchas décadas de perseverancia, periodo en el que han inspirado a decenas de grandes artistas.
La música siempre ha sido mi vida. Es mi gran pasión, no hay la menor de las dudas. Soy de las personas que aún va a conciertos, escucha música nueva. El estar en mi estudio me hace pensar que he tenido la mejor de las vidas, ¡han sido 40 años! Prácticamente Andy y yo éramos unos niños cuando en 1978 fuimos escogidos como el acto telonero de Joy Division.

Foto: Cortesía Euritmia Live/Noiselab

Euritmia Live/Noiselab te regala uno de los boletos dobles para el concierto de OMD. Sólo responde correctamente las siguientes preguntas:

1 ¿Qué sencillo lanzó OMD en 1985?
2 ¿En qué lugar dieron su primer show?
3 ¿Qué científico fue inspiración para uno de sus temas?
4 ¿Cuál fue el primer sencillo en el que Humphreys fue la voz principal?
5 ¿En qué película se incluyó el tema “Secret”?

Manda tus respuestas y datos completos a [email protected]

LOS GANADORES SERÁN NOTIFICADOS POR CORREO ELECTRÓNICO.


Las tareas de un superhéroe


Tom Holland, Robert Downey Jr. y dos titanes de la producción, unidos para recrear la adolescencia de Peter Parker en ‘Spider-Man. De regreso a casa’.


POR Óscar Uriel  



Las tareas de un superhéroe

De acuerdo a la legendaria ejecutiva Amy Pascal, fue el mismo productor Kevin Feige quien hace años vino con la idea de hacer una película sobre las crónicas de Peter Parker en el colegio. En ese entonces, Feige laboraba como un simple pasante en los estudios Sony Pictures. El joven estaba plenamente convencido que la película tendría que titularse Spider-Man. De regreso a casa. “Es muy curioso porque mi experiencia como productor de cintas de superhéroes nace a partir de las películas que produjo Amy sobre El Hombre-Araña con Sam Raimi”, confiesa el célebre presidente de producción de los estudios Marvel durante nuestra visita al set del rodaje de Spider-Man.

De regreso a casa, una calurosa tarde en Atlanta, Georgia. “Es verdad. Kevin trabajó con nosotros en aquellas películas probablemente llevando café al equipo y guardando silencio. Fue un estupendo alumno porque ¿quién iba a pensar que se convertiría en tan prolífico productor?”, añade Pascal quien ahora se ha transformado en una sólida productora independiente después de su escandalosa salida de los estudios Sony.

Y es que durante el primer trimestre de 2015 pasó lo inaudito; Sony Pictures dio control a los estudios Marvel [de Disney] una de sus propiedades más lucrativas: El Hombre-Araña, por lo que el personaje sería relocalizado en el ren- table entorno construido por Marvel. “Con el paso del tiempo hemos construido todo el universo Marvel a través de exitosas películas, por lo que nos emociona poder introducir al superhéroe en este mundo. Creo que el factor también puede emocionar a los fans de los cómics de El Hombre-Araña ya que fue presentado en las tiras cómicas cuando ya existía el universo de Los Vengadores. Lo que hacía divertido todo el asunto es ver a El Hombre-Araña involucrado en tan emocionantes aventuras. Sin embargo, tenía que llegar temprano a casa para terminar su tarea y realizar sus responsabilidades domésticas, correspondientes a un adolescente. Por primera ocasión tenemos la oportunidad de contar eso en pantalla”, agrega Feige quien extrañamente, en conjunto con Amy, eligió a un joven director prácticamente desconocido en la industria (Jon Watt) para liderar la complicada misión. “Jon hizo una película aparentemente sencilla titulada Cop Car. A Kevin y a mí nos llamó mucho la atención porque es un trabajo redondo e ingenioso, había escenas de acción perfectamente ejecutadas y personajes jóvenes con los que realmente te encariñabas. Es una primera película con un encanto particular. A parte, Jon quería el trabajo a toda costa por lo que nos dio mucha lata hasta que finalmente lo consiguió”, manifiesta Pascal, una mujer que destacó por darle grandes oportunidades a realizadores incipientes mientras fungía como Presidenta de producción de los estudios Sony.


Una derrota llena de victoria


Kenneth Branagh, Tom Glynn-Carney, Cillian Murphy y Harry Styles, entre otros, nos hablan sobre ‘Dunkerque’ cinta de Christopher Nolan en la que abandona sus ilusorios y ficticios universos para recrear, de forma escrupulosa, un apasionante episodio de la Segunda Guerra Mundial.


POR Óscar Uriel  



Una derrota llena de victoria

Una playa puede guardar muchos secretos. La de Dunkerque es el prototipo. El 25 de mayo de 1940 inició la Operación Dinamo, acción que consistía en evacuar a las fuerzas aliadas de las costas de Francia que se veían rodeadas por el poder militar alemán. El suceso llegó a conocerse posteriormente como El milagro de Dunkerque puesto que se logró evacuar a 338,872 combatientes.

“A Christopher Nolan y a mí siempre nos había parecido una historia interesante. Recuerdo que hace años realizamos un viaje en barco con algunos amigos y ahí surgieron varias interrogantes cuando tratamos de reconstruir el hecho histórico. Pero fue hace tres años, cuando estaba leyendo un libro al respecto que le recordé a Chris sobre el asunto y justo en ese momento no teníamos un proyecto en preparación, por lo que empezamos a meditarlo y considerarlo como posible material para nuestra siguiente película”, comenta la productora Emma Thomas durante una visita realizada a esa ciudad del norte de Francia.

Rolling Stone México se trasladó hasta la locación con la oportunidad de vivir una experiencia en la ventosa playa, teniendo como justificación Dunkerque, la más reciente cinta dirigida por el aclamado realizador y la cual pretende construir con exactitud lo sucedido en ese lugar hace 77 años.

“Hay dos cosas que nos entusiasman al respecto. Primero, que no se trata de una batalla en específico a pesar de ser considerada un punto importante en la historia. Va sobre una retirada, y en el retroceso ultimadamente emerge una victoria, es una derrota que se transformó en triunfo. Es fascinante. Tiene que ver con la verdad subjetiva. Nada es blanco y negro en la vida, mucho menos en la historia. Y el otro asunto que nos apasiona de este capítulo, es el hecho de que la milicia fue socorrida e incluso defendida por un grupo de civiles, ciudadanos comunes y corrientes, lo que habla de la esencia del espíritu humano”, añade Thomas, quien ha fungido como productora de todas las cintas de Nolan desde 1997. Christopher Nolan y Emma Thomas también conforman una pareja sentimental. Tienen cuatro hijos y actualmente radican en Los Ángeles, California constituyendo uno de los dúos creativos más solicitados de la industria. Nolan es el visionario y Emma se encarga de transformar las ideas en realidad.

“Definitivamente creo que entre más veraz sea la puesta en escena, el espectador podrá tener una experiencia de inmersión más visceral en ella. El ojo humano es un ente misterioso difícil de engañar. Esto hace que todo se convierta en un evento mucho más auténtico y sincero. Por supuesto que teníamos la posibilidad de sustituir aviones y barcos con esquemas digitales, pero jamás se podría haber logrado un ambiente tan verídico y efectivo como el que logró Christopher en el rodaje de la cinta”, expresa la productora respecto al desafío de tener todos los elementos históricos en escena para evitar los efectos digitales.

Durante nuestro viaje de investigación a Londres, tuvimos la oportunidad de acceder a locaciones reales, reconocer barcos que datan la época, para finalmente viajar en helicóptero desde Londres hasta la playa de Dunkerque, con el objetivo de acercarnos de manera etérea a ese complejo hecho histórico que ahora retrata Nolan en su película. Uno de los desafíos más grande de esta experiencia tuvo que ver con la versatilidad en la manera que se cuenta la historia. “Fue como hacer tres películas. Visitaste el barco Moonstone y nuestro coordinador marítimo Neil (Andrea) te contó lo difícil que fue localizar cada uno de ellos, ahora imagínate lo mismo pero con los aviones. Luego está el asunto de rodar en tierra donde tienes que emplear cientos de extras, sin duda una labor complicada”, dice la productora.

Dunkerque podría parecer una extraña decisión creativa para este dúo de cineastas después de regalarnos la trilogía de El Caballero de la noche, El Origen o Interestelar, sin embargo hay una pieza en común entre estas historias y la de Dunkerque: la esencia humana de poder salir adelante frente a las tribulaciones, por más complicadas que éstas parezcan, ese carácter y valor que nos diferencia del resto de los animales.

La guerra puede sacar lo mejor y peor de una persona
Un día después de nuestra visita a la costas de Dunkerque, Francia, nos trasladamos a un hotel en el centro de Londres para platicar con parte del elenco de la película. En primera instancia, conversamos con el grupo de actores jóvenes que interpretan al equipo de soldados que se encuentran en tierra durante la retirada: Harry Syles, Fionn Whitehead, Jack Lowden y Tom Glynn-Carney. “En las escuelas de Gran Bretaña pueden darte nociones bastante superficiales con respecto a lo que sucedió en Dunkerque. Te enseñan sobre lo que pasó hacia el desenlace y las consecuencias del hecho histórico, más no profundizan en lo que realmente aconteció esos días. Fue un verdadero privilegio poder hacer esta cinta con la intención de mostrarle al público la emoción y complejidad de lo que realmente se vivió en ese lugar”, relata Glynn-Carney sobre las referencias que tienen las nuevas generaciones de ese acontecimiento en particular. “Es un relato sobre subsistir frente a la adversidad. Hay algunas personas que considerarán este proyecto como una película de guerra, pero yo la veo más como un thriller, una historia de suspenso, aunque gran parte de la audiencia conoce perfectamente el desenlace de la misma”, agrega Fionn Whitehead quien interpreta a Tommy en el relato.

De acuerdo a los noveles intérpretes, Nolan les requirió entrenarse y comportarse como si fuesen un pelotón a punto de ir a batalla. Los actores coinciden que se trató de un rodaje nada común, ya que la atmósfera de intensidad permeaba todos los días que duró la producción.

Dentro del joven ensamble actoral sobresale la presencia del cantante Harry Styles quien al igual que sus compañeros, tuvo que resistir un duro proceso de casting. Todo parece indicar que Nolan se tomó el tiempo necesario para escoger a cada uno de los integrantes de su reparto, periodo que padecieron los contendientes.

“Esta historia es sobre el pánico que sientes en una circunstancia de estas características. Estos jóvenes soldados no estaban preparados para vivir tal experiencia. Fue un momento en el que los aliados tuvieron que comportarse con humildad y buscar la manera de retirarse a través de ese canal para regresar a casa”, irrumpe Styles en la charla al describir su emoción de formar parte de la más reciente película de Nolan, un verdadero privilegio para el famoso intérprete tratándose de su debut en la pantalla grande [sin contar su participación en el documental de One Direction, This is Us].

Es evidente que la atención mediática de la película se centrará en la figura de Styles, sin embargo, los realizadores aseguran que nunca se pensó en contratar los servicios del intérprete con la intención de publicitar la cinta. De acuerdo a reportes, Styles insistió en conseguir una cita para la audición una vez que se enteró del proyecto de Nolan. Al igual que sus compañeros, Harry tuvo que sobrellevar un complicado proceso de elección hasta finalmente quedar en reparto.

Chris cuenta la misma historia desde tres puntos de vista: aire, mar y tierra. Esto provoca que la estructura narrativa de la cinta sea más interesante, pero lo que realmente rescato en este renglón, es que el director expone lo sucedido a través de las relaciones entre los personajes. Como todas las cintas de Nolan, estamos hablando de una producción de grandes dimensiones pero es con los pequeños detalles y los actos sutiles que se cuenta esta anécdota”, agrega Styles quien también reconoce el un placer de trabajar con un equipo de personas tan talentosas como Kenneth Branagh.

Y es que el cantante fácilmente pudo haber incursionado en el cine a través de una comedia romántica o una película de suspenso mucho más ligera; sin embargo, el reto de participar en una producción histórica de estas características lo llevó a actuar en Dunkerque. “Algo que sucedió en esa playa resulta en una historia conmovedora. Son un grupo de jóvenes prácticamente inocentes quienes quedan desprovistos de todo, casi desnudos, expuestos. En una situación así reaccionas de dos maneras, o sacas lo mejor de ti o lo peor. Creo que Dunkerque no es una película de guerra, sino una cinta muy personal para Chris que se acerca más a la pérdida de la candidez en extremas circunstancias”, manifiesta el cantante y ahora, actor.

Chris Nolan fue un gran cómplice. Es un director que sabe perfectamente lo que quiere. Es alguien que se fija mucho en los detalles. Es muy fácil trabajar con él porque es una persona muy receptiva a lo que tengas que ofrecer. Tenía algo de temor de sentirme intimidado por él pero fue todo lo contrario. Es alguien quien se toma el tiempo para repetir la secuencia si no está contento con el resultado. De repente lo veía y me preguntaba: ‘¿Cómo una persona tiene tanto en su cabeza?’, y es que en ocasiones no teníamos idea de lo que estaba haciendo, ni nosotros ni el equipo técnico”, de esa forma Styles describe al director de cuya filmografía destaca El Caballero de la noche como una de sus cintas favoritas. Si Harry Styles se transforma en un actor a seguir está por verse, lo que es indudable es que el cantante eligió un proyecto respaldado por las mejores credenciales dentro del quehacer cinematográfico.

Por otro lado, para Jack Lowden este proyecto representa un acto de fraternidad. De acuerdo a Lowden, Nolan se encargó de formar una gran familia, no sólo entre el reparto sino también con el equipo técnico y de producción. “No hay muchos episodios que puedas comparar con lo que sucedió en Dunkerque. Los jóvenes soldados estaban siendo evacuados tras la orden de una retirada pero no tenían claro que estaba sucediendo realmente. Había desorden, caos y complejidad. Lo único que tenían era el uno al otro. Creo que de eso va la cinta”, dice categórico Lowden.

Las arenas de la playa de Dunkerque
Dunkerque es y será siempre un lugar recordado por un evento que no debe celebrarse. Aunque se reconoce el rescate de miles de vidas, lo que aconteció ahí fue un acto horrífico. Hay una sensación difícil de describir en el aire cuando se está ahí, se percibe una extraña calma a pesar del constante viento y de que la oscilación de la arena imposibilita ver con claridad.

“Tendemos a olvidarnos de lo jóvenes quienes estuvieron involucrados en la batalla. Por lo general vemos documentales o leemos libros e imaginamos adultos implicados en este terrible suceso, pero se trataba de prácticamente niños”, dice Kenneth Branagh durante una reunión pactada posterior a nuestra visita a Dunkerque. El renombrado intérprete y director, caracteriza al Comandante Bolton, militar que se encuentra en tierra durante el desalojo del lugar. Esta intervención es algo particular para Branagh, ya que últimamente ha dedicado su carrera al renglón de la dirección escénica.

“Creo que se trata de una posición excepcional. Hoy en la mañana estaba hablando con Danny Boyle y me decía que envidiaba de alguna manera mi situación de poder laborar con otros realizadores siendo yo también un director. Chris vino a Londres y vio un trabajo teatral, The Winter’s Tale en donde participaba. Al día siguiente nos reunimos en un hotel y conversamos durante horas sobre Dunkerque y lo que representaba ese hecho para la historia. Me llamó la atención que quería centrar su interés en la pérdida de la inocencia de un grupo de jóvenes a través de la guerra. Chris es padre de cuatro niños por lo que es más que consciente de la fragilidad de la vida. Me apasionó ver a alguien tan vehemente ante un asunto histórico”.

De acuerdo a Branagh, cada uno de los personajes de esta cinta son protagonistas de su propia película, desde los capitanes al mando, pasando por pilotos. En el aire hasta llegar a los soldados en tierra, en sus respectivas circunstancias cada uno de ellos son héroes de su propio entorno, tienen que enfrentar al miedo y desconcierto.

“Es un guion que te deja sin aliento pero que al final se convierte en algo sobrecogedor. Nolan nos entregó un libreto visceral. He visto muy poco de la película, pero me tocó apreciar unas secuencias en donde Tom Hardy está en la cabina de mando de un avión, me pregunto: ‘¿De cuántas maneras distintas puedes rodar una secuencias en un espacio tan reducido?’ Nolan lo ha averiguado. Es un virtuoso detrás de la cámara”, manifiesta Branagh.

Cillian Murphy vuelve a trabajar con Nolan en Dunkerque. El personaje que interpreta el irlandés se ha mantenido como un misterio más de la producción. Sin embargo, adivinamos que se trata de una pieza significativa en el acertijo que representa la historia. “No sé como explicar este vínculo. Si no volviera a hacer una película con Christopher Nolan de cualquier manera seguiría siendo uno de mis mejores amigos y uno de mis directores consentidos. Fui fan de Memento y de Insonmio y para mi suerte es alguien a quien le place volver a trabajar con gente con quien laboró en el pasado.

Hay una confianza especial entre él y yo”, expone el actor tratando de dilucidar en el porqué de su constante relación laboral con el realizador. Ésta representa la quinta colaboración con Nolan, misma que nació cuando Murphy realizó un casting para el protagónico de Batman inicia. El intérprete no ganó el rol estelar, pero sí la confianza del director.

“Creo que Dunkerque es una continuación lógica en la carrera de Nolan. Mis directores favoritos por lo general se trasladan por distintos géneros, desde ciencia ficción hasta noir o melodramas. Con esta película, Chris manifiesta su curiosidad por contar todo tipo de historias. No he visto la cinta pero te aseguro que será una aproximación Nolanesca del asunto”, asegura el actor, quien ahora se considera un intérprete con la suficiente paciencia como para esperar el proyecto adecuado, algo que antes no hacía. Ahora, Murphy simplemente espera conseguir papeles en películas que a él le interese ver en la pantalla grande. Tal es el caso de Dunkerque.

“Creo que como actor tienes el deber de estar informado del contexto social y político en el que se desenvuelve el personaje. Mi investigación acerca del rol depende totalmente de la película en cuestión, aunque te digo que no soy de los actores que construyen el pasado de sus personajes. El guion es el mapa en tu interpretación. Con Chris no hay mucho lugar para la improvisación porque sus libretos son muy precisos”, finaliza el actor.

Rolling Stone y Warner Bros. Pictures México prepararon kits especiales que incluyen una mochila, una playera, un reloj, una agenda y un llavero. Para ganar, lo único que tienes que hacer es contestar correctamente las siguientes preguntas:

1. ¿Qué actor interpreta al comandante Bolton en Dunkerque?
2. Menciona las otras dos películas en las que Tom Hardy y Christopher Nolan han trabajado juntos.
3. ¿Quién es el compositor de la banda sonora de Dunkerque?

Manda tus respuestas al correo [email protected].

LOS PRIMEROS EN CONTESTAR SERÁN LOS GANADORES DE UNO DE LOS KITS Y SERÁN NOTIFICADOS POR CORREO ELECTRÓNICO.


Daños colaterales y nuevos inicios


Todos tenemos derecho a una segunda oportunidad, siempre y cuando no afecte a un tercero. Michel Franco examina dicha circunstancia en la inquietante cinta ‘Las hijas de Abril’.


POR Óscar Uriel  



Daños colaterales y nuevos inicios

Michel Franco se describe a si mismo como uno de los pocos realizadores en México que tiene control total de sus películas. Es un director que filma en orden cronológico y que provee a sus actores de un tiempo conveniente para prepararse en sus respectivos roles antes de iniciar rodaje. Privilegios difíciles de encontrar en los complicados planes de trabajo dentro del quehacer cinematográfico nacional. Sin embargo, Michel ha construido a paso firme su propio esquema de producción, que le ha redituado una carrera prolífica.

“Me dan muchísimos nervios porque como director siempre quieres hacer una cinta que guste a la gente, que sea bien aceptada. Después de años de labor no quieres que tu trabajo sea maltratado. Yo no voy a los festivales a ganar premios, voy a que mi película sea vista. En esta ocasión voy muy contento y orgulloso”, me cuenta el director mientras disfrutamos un café matutino.

Franco describe a Las hijas de Abril como su cinta más comercial hasta el momento, una historia aparentemente sencilla pero cargada del dramatismo y urgencia que caracteriza sus obras. Es el relato de Valeria, una adolescente embarazada quien vive con su hermana en Puerto Vallarta. Pronto, la llegada de la madre de ambas cambiará sus vidas radicalmente.