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Un viaje a lo desconocido


Aquella legendaria excursión a la Luna redescubierta por Ryan Gosling en ‘El primer hombre en la Luna’.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía de Universal Pictures

Un viaje a lo desconocido

El director Damien Chazelle indaga en uno de los sucesos más importantes de la historia moderna: la llegada del hombre a la Luna, un asunto atípico a abordar considerando que viene del éxito de La La Land. Para tratar de comprender el asunto, platicamos con Ryan Gosling protagonista de El primer hombre en la Luna y quien caracteriza al mítico Neil Armstrong.

Es un hecho que la llegada del hombre a la Luna, el 20 de julio de 1969, surge en medio de la Guerra Fría y que tiene que ver más con un asunto nacionalista que con un hallazgo tecnológico. Sin embargo, también creemos que el paso del tiempo ha transformado este hecho histórico en un suceso universal.

“El camino para que el hombre pisara la Luna fue polémico pero te puedo asegurar que 49 años después, toda esa controversia ha pasado a un segundo plano. Ha trascendido el hecho de que había una competencia para ver que nación alcanzaba ese logro pero el tiempo es el mejor juez y ahora el acto ha pasado a ser una conquista para la humanidad y no solamente un logro para un país determinado”, cuenta Ryan Gosling en una entrevista exclusiva en los legendarios estudios cinematográficos de Universal Pictures, meses antes del estreno oficial de la película dentro de la programación del Festival Internacional de Cine de Venecia.

Neil Armstrong fue el rostro que representó este éxito científico pero siempre él mismo argumentó que era únicamente la imagen detrás de miles de personajes que laboraron en hacer posible el viaje a la Luna.

“Es un tanto irónico porque al igual que la misión, esta película es un trabajo de contribución. He colaborado prácticamente con el mismo grupo creativo en dos películas aunque se trate de proyectos completamente diferentes entre sí. La La Land iba de un desafío muy particular que provenía de la obsesión de Damien mientras que El primer hombre en la Luna tiene otro cometido: contar el hecho histórico de la llegada a la Luna partiendo del lado humano de los personajes, de sus relaciones y familia. Creo que el haber realizado La La Land con ese equipo de producción fue simplemente fundamental porque de alguna manera nos preparó para poder hacer esta película”, agrega el actor quien además tuvo la oportunidad de platicar con algunos de los astronautas sobrevivientes de la misión así como con miembros de la familia de Armstrong, en particular con su hijo y su exesposa Janet (interpretada en la película por Claire Foy).

“¿Iría a Marte? No lo creo. Dos periodos con Trump como presidente y probablemente lo pensaría. Ahora que estuve en la NASA para prepararme para la película me enteré que están probando visitar tanto Marte como la Luna con un grupo de civiles pero creo que yo no soy la persona adecuada para contestar esa pregunta. En lo personal, no tengo interés alguno en visitar otro lugar que no esté en la Tierra aunque reconozco que lo que hace la NASA es inspirador”, añade el intérprete quien asegura que El primer hombre en la Luna abordará también la polémica que se dio en su momento cuando miles de civiles se manifestaban en contra de la misión argumentando que el dinero invertido en la llegada a la Luna pudo haberse destinado a combatir la hambruna que prevalecía en ese momento.

Fotos: cortesía Universal Pictures

“La ciencia ficción siempre me ha interesado pero con un toque de reflexión social. A lo largo de mi carrera he tratado de realizar algunas producciones dentro del género. Creo que Blade Runner no es un mal intento pero realmente me gustaría continuar haciendo más cosas en este apartado aunque no ciencia ficción de divertimento exclusivamente”, responde Gosling al cuestionársele sus intervenciones en producciones de este género.

Sobre las distintas leyendas urbanas que impugnan la llegada del hombre a la Luna, Gosling simplemente respondió: “He escuchado todo tipo de teorías al respecto pero he sido un tipo con mucha suerte y he podido hablar con gente que ha ido a la Luna además de leer las interminable bitácoras de comunicación entre los astronautas y los responsables de la misión mientras realizaban ese viaje. Con esto me basta”, finaliza el intérprete de forma contundente.


Enlace de universos


A pesar de los evidentes guiños a los elementos nostálgicos del universo de hechicería, ‘Animales fantásticos. Los crímenes de Grindelwald’ promete abordar asuntos nunca antes vistos en el mundo creado por J.K. Rowling.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía de Warner Bros. Pictures

Enlace de universos

Es una entrega mucho más sombría que la primera película, en esto todo el reparto de Animales fantásticos. Los crímenes de Grindelwald está de acuerdo. “Recuerdo perfectamente cuando salía un nuevo libro de la saga de Harry Potter o una película basada en ellos, todos decíamos: ‘Es mucho más oscura que la anterior’ pero en este caso sí es verdad y temo que así sucederá con las próximas producciones”, comenta un emocionado Eddie Redmayne en entrevista exclusiva sobre la esperada secuela del éxito cinemato- gráfico que pertenece al particular universo de Harry Potter.

La inquieta J.K. Rowling y Warner Bros. no quisieron dejar pasar la oportunidad de continuar indagando en el fantástico mundo creado alrededor de la magia y sus coloridos personajes por lo que en 2016 estrenaron Animales fantásticos y dónde encontrarlos, una especie de precuela que contextualiza (de manera brillante) a los seguidores de Harry Potter en el mundo de la magia, previo a las aventuras del pequeño hechicero que conquistó a los lectores.

Esta serie de producciones nos presenta amados personajes ya conocidos en los libros de Rowling pero en otra etapa de sus respectivas vidas. “Digamos que es una versión de Dumbledore mucho más joven que la que estamos acostumbrados a ver en las películas. Es un personaje con una fuerte dosis de picardía y quien es capaz de hacer una que otra travesura porque aún es joven. Hay que recordar que dos grandes legendarios actores lo han caracterizado en el pasado por lo que el compromiso con los fans es muy grande. Lo que me gusta de la historia de esta secuela es que se entabla una amistad muy particular entre él y Newt Scamander (Eddie Redmayne) a pesar de que es su discípulo. Dumbledore reconoce la virtud en Newt de poder tomar las mejores decisiones en momentos críticos, de comportarse de la mejor de las maneras y de ponerse del lado correcto. El maestro confía en él porque en muchas circunstancias él no puede involucrarse”. “Tenemos suerte de que nos caemos muy bien porque pasamos mucho tiempo juntos en espacios muy reducidos por cuestiones de diseño digital. Y también los nuevos integrantes del reparto se han adaptado muy bien a nuestro ambiente y sentido del humor. Esto es básico en una película con estas características”, dice Jude Law, quien se integra al reparto en el amado rol del futuro director de Hogwarts.

Law fue seleccionado de entre un grupo de renombrados intérpretes quienes fueron considerados por los productores para realizar esta caracterización, sin embargo, fue la misma Rowling quien eligió a Law para la encomienda. “Es un gran privilegio formar parte del universo de Harry Potter. Vivimos en un mundo en donde las franquicias son dominantes en el ámbito del entretenimiento y las películas destinadas para ser disfrutadas por toda la familia son la columna vertebral del cine de divertimento. ¡Imagínate ser miembro de esta saga! Sinceramente creo que se trata de la mejor de todas porque tiene elementos de humanidad en un mundo irreal creado por J.K. Rowling, y sin embargo, jamás se es condescendiente con el espectador.


‘Bohemian Rhapsody’


Una magna celebración a Freddie Mercury y Queen.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía 20th Century Fox

‘Bohemian Rhapsody’

La película pudo haber sido una rapsodia suspendida. Sin embargo, sus protagonistas lograron lo que parecía casi imposible: una producción cinematográfica sobre la controvertida vida de Freddie Mercury. Platicamos en exclusiva con ellos.

Retratar la vida de quien probablemente sea el frontman por excelencia de la música moderna es una provocación fílmica nada fácil de ejecutar. Desde el 2010, un grupo de realizadores cinematográficos en conjunto con los miembros remanentes de Queen habrían tratado de producir un largometraje que honrara la vida de Freddie Mercury, el virtuoso compositor e intérprete quien se transformaría en una de las personalidades más provocativas de la música del siglo pasado.

“Soy de los actores que se portan muy mal en el set porque me gusta continuar explorando las distintas posibilidades que podemos encontrar en una escena. No sé a que se deba esto pero una vez que la cámara empieza a grabar, simplemente no puedo parar. Hay una broma en la industria que va que si estoy involucrado en una secuencia, habrá una gran cantidad de tomas”, dice de manera graciosa Rami Malek, el intérprete seleccionado de entre varios actores para caracterizar a Mercury en esa apoteosis cinematográfica titulada apropiadamente Bohemian Rhapsody, la cual captura los momentos relevantes en la vida del cantante y del resto de los integrantes de Queen.

“Recuerdo que al final de mi primera conversación que tuve con los productores previa a mi contratación, les dije: ‘Haré prácticamente cualquier cosa con tal de hacer esta película’. Siempre tuve la seguridad que esta oportunidad representaba el personaje que cualquier actor soñaría con interpretar y es que la identidad de Freddie es tan compleja y atrayente que provee a los actores de un abanico infinito de posibilidades. Graham [King, productor responsable de cintas como La reina Victoria y Frost/ Nixon, entre otras] me miró y dijo: ‘No hay nadie más considerado para este personaje. Solamente nos hemos entrevistado contigo’. Regresé a casa para estar con mi familia porque lo necesitaba. Se trataba de uno de esos momentos en donde quieres estar con los tuyos. Platiqué con mi madre y hermano y les conté lo que me acababa de suceder. Ellos me miraron con sospecha, entonces dudé de lo que había sucedido horas atrás. Era un sentimiento muy extraño”, añade el actor, quien es reconocido internacionalmente por su mesurada caracterización de Elliot Alderson en el serial de culto Mr. Robot, el cual cuenta con una sólida legión de seguidores en todo el mundo.

Malek nunca vaciló de su capacidad para poder interpretar a tan icónico personaje; de hecho, a dos semanas de haberse entrevistado con los productores decidió enviar un video en donde caracterizaba a Mercury en una entrevista, la cual había encontrado en YouTube. El actor estaba resuelto a interpretar al legendario cantante a como diera lugar.

“Justo me encontraba en medio del rodaje de Mr. Robot, por lo que realmente no tenía mucho tiempo para hacer otra cosa, pero encontré el momento para preparar un video que tenía como propósito convencer al estudio de que yo era la mejor alternativa para el proyecto. Fue muy peculiar porque lo grabé sin que alguien me diera réplica, ya que incorporaba la pregunta a la respuesta que daba a cámara (ríe). Creo que al final todo funcionó”, nos confiesa Rami Malek en la cándida charla acontecida en Londres, Inglaterra, meses después de haber concluido uno de los rodajes más polémicos registrados en los últimos años.

Un complicado génesis para una ‘biopic’ de carácter oficial
La idea de convertir la apasionante vida de Freddie Mercury en una película data de ocho años atrás cuando Graham King se reunió con Brian May y Roger Taylor con el objetivo de concebir una película sobre Queen teniendo como eje central la figura de Mercury. La idea de producir esta cinta parecía seducir a todos, sin embargo, la pregunta era: ¿Qué parte de la historia de Freddie y de Queen se contaría? “Buscamos siempre hacer una celebración a la vida de Freddie. Nunca consideramos retratar la enfermedad y muerte del cantante. Era una parte de su vida que no nos interesaba en absoluto explorar contrario a lo que se publicó en distintos medios de comunicación”, confiesa el productor Graham King al preguntarle sobre las versiones que aseguraban que lo realizadores querían hacer una película casi familiar, a pesar de la polémica vida del artista, en específico su condición homosexual y su padecimiento de sida.


Reseña: ‘Halloween’


40 años después, Michael Myers está de regreso en busca de venganza.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Universal Pictures

Reseña: ‘Halloween’

Halloween
Jamie Lee Curtis
Universal Pictures

Pareciera que no han transcurrido cuatro décadas desde aquel mítico Halloween orquestado por John Carpenter, pues tanto Lee Curtis como el espeluznante personaje de Michael Myers parecen estar en las mejores condiciones. Lo que el director David Gordon Green hace es simplemente respetar los preceptos de la original ofreciendo al público divertimento puro.

Una característica básica para esta época es la imprescindible inflexión de sentido de humor y esta secuela lo tiene, sin desvirtuar el cuento de horror original convirtiéndola en una entretenida función. Habrá quien la califique como una continuación más, que a simple vista pareciera ser una suma de los lugares comunes de la historia. Sin embargo, resulta más placentero ver reunida a la familia completa otra noche de brujas.


Reseña: ‘Nace una estrella’


Entre Lady Gaga y un director nuevo.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Warner Bros. Pictures

Reseña: ‘Nace una estrella’

Nace una estrella
Bradley Cooper
Warner Bros. Pictures

Bradley Cooper ingresa al campo de los actores convertidos en directores eligiendo una clásica historia que se ha llevado a la pantalla en cuatro ocasiones. Es la anécdota milenaria de la gran artista que está por ser descubierta por una leyenda de la música iniciando una relación autodestructiva.

Lo que funciona de esta versión es la dirección clara y aguda de Cooper contando una trama convencional pero enriqueciéndola con detalles. Hay una evidente falta de presunción en este limpio trabajo. Lady Gaga merece mención aparte con su caracterización de Ally y aunque es evidente la carencia de herramientas a la hora de ejecutar escenas dramáticas, su presencia en el escenario corresponde a la de una verdadera estrella.


La resurrección de Michael Myers


Uno de los mitos favoritos del cine de horror regresa con distinto aspecto y es que David Gordon Green revisita ‘Halloween’ para estos tiempos.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Universal Pictures

La resurrección de Michael Myers

Una secuela más de Halloween. Simplemente la idea de escuchar un concepto con esta característica nos remite a un asunto agotado y caduco. Sin embargo, te invitamos a considerarlo una vez más teniendo en cuenta que el director es David Gordon Green.

El realizador simplemente es considerado una de las voces más interesantes del cine independiente de Estados Unidos en las últimas décadas. Títulos como George Washington, All The Real Girls y Señor Manglehorn confirman una filmografía que tiene como base la exploración de géneros fincada en sólidos guiones y espléndidas interpretaciones por parte de sus repartos. Aunque el realizador ha logrado mantenerse al margen de los estándares de producción de Hollywood, de vez en cuando ensaya con ellos (tal y como fue el caso con la irreverente y políticamente incorrecta comedia Pineapple Express, protagonizada por James Franco hace algunos años) pero jamás había explorado en el género del horror, aunque siempre ha manifestado una admiración particular por el trabajo del legendario John Carpenter.

Probablemente lo único que comparte Gordon Green con Carpenter es ese carácter autónomo e indómito para concretar sus ideas en películas producidas con escasos recursos. La cinta original de Halloween, estrenada en 1978, ha sido la película independiente más redituable en la historia del cine de Norteamérica.

“La primera película de Halloween nació 40 años atrás. Moustapha Akkad y su socio Irwin Yablans empezaron a trabajar en una compañía de cine independiente llamada Compass International Pictures. Estaban en la búsqueda de proyectos autofinanciables lo cuales pudieran distribuir, además de admitir una admiración particular por el cine que realizaba John Carpenter, sobre todo Asalto a la comisaría del distrito 13. Un buen día decidieron tener una reunión de trabajo con el director y Carpenter les presentó un proyecto titulado Los crímenes de las niñeras. Ellos decidieron correr el riesgo y el resto es historia, comenta en exclusiva Malek Akkad, uno de los responsables de la casa productora Blumhouse quien ha avalado proyectos como ¡Huye! y la serie de películas de 12 horas para sobrevivir y cuya familia trabajó por años dentro del cine viéndose involucrada de manera directa en la creación de la primera Halloween, hace cuatro décadas atrás.


Poco convencional


‘Buscando…’ un thriller narrado a través de dispositivos y monitores de computadoras.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Sony Pictures

Poco convencional

Aunque no se trata de una novedad en todo el sentido de la palabra (hay antecedentes de este ejercicio cinematográfico), Buscando… se diferencia del resto de las películas que verás esta temporada. La pesadilla de todo padre de familia moderno se convierte en una realidad.

Las redes sociales se han transformado, en ocasiones, en peligrosas trampas en las que los adolescentes pueden caer con facilidad provocando la preocupación de sus familiares. El joven realizador Aneesh Chaganty ideó (en conjunto con Sev Ohanian) una película que aborda tal urgente coyuntura pero con una sugestiva vuelta de tuerca: se contaría a través de redes sociales.

“Simplemente era algo que me parecía completamente distinto, que no había visto en el pasado. Se trataba de un proyecto del cual creí que podría aprender mucho”, nos dice en exclusiva el imponente director ruso Timur Bekmambetov quien fungió como productor y principal impulsor de la película. De esta forma, Chaganty y Ohanian se dieron a la creativa tarea de construir una trama de suspenso en la que el espectador fuese descifrando en conjunto con el padre de familia (John Cho) lo que le ha sucedido a su hija de 16 años quien desapareció súbitamente, como si se la hubiera tragado la tierra. Después de 36 horas de estar ausente y desconocer su paradero, el padre decide iniciar la búsqueda por su propia cuenta empezando por las pistas que pudieran existir en la computadora de su hija.


Reseña: ‘Papillon’ – Charlie Hunnam


Charlie Hunnam y Rami Malek protagonizan este remake de la cinta de 1973.


POR Óscar Uriel  



Reseña: ‘Papillon’ – Charlie Hunnam

Papillon
Charlie Hunnam

Este remake no resulta tan impresionante como la original de 1973 protagonizada por Steve McQueen y Dustin Hoffman, ambos en su mejor momento de popularidad, pero la nueva versión es una efectiva película de fuga que mantiene la atención de la audiencia todo el tiempo. Las memorias (un tanto difusas y al servicio de la película) de Henri Charrière, quien se convierte en convicto de un crimen que no cometió para ser recluido en la Guayana Francesa, se transforman en lo que probablemente es una anécdota ordinaria para un público acostumbrado a tener acceso a este tipo de relatos en distintos medios (al contrario de lo que sucedía en los años setenta). Sin embargo, las actuaciones de Charlie Hunnam y Rami Malek son para echarle un vistazo a lo que aparentemente es otro relato de “triunfo del espíritu”.


Luchar o Morir


El realizador Shane Black y la actriz Olivia Munn poseen más que una semejanza en común. Ambos colaboran en la secuela de ‘El depredador’ y son dos personalidades distintas en la jungla de Hollywood.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía 20th Century Fox

Luchar o Morir

Los terroríficos cazadores de otro planeta arriban al suburbio americano recargados y reforzados para vencer finalmente a la humanidad. Aunque la figura de El Depredador se ha convertido en un ícono del humor involuntario implícito en el cine de género, es innegable la popularidad de este personaje dentro de la legión de seguidores de la ciencia ficción. Existe un controvertido imán entre este antihéroe alienígena y el público, a pesar de que nace como un adversario a vencer por Arnold Schwarzenegger en el cine comercial representativo de los años ochenta.

Disimuladamente, el concepto de El Depredador ha producido tres secuelas de éxito relativo considerando inversión contra ganancia y algunos infames crossovers en donde lo empatan con la figura venerada de Alien, los cuales han sido descalificados por puristas del género pero paradójicamente convertidos en sendos éxitos por el público que únicamente pretende entretenerse sin dificultad alguna.

Ahora llega una versión un tanto particular. Se trata de una revisitación del concepto llevado de la mano de Shane Black, uno de los ya legendarios guionistas por excelencia del género de acción. Black fue el escritor detrás de la serie de cintas de Arma mortal a finales de la década de los ochenta y principio de los noventa. Uno de los primeros guionistas del cine comercial en Hollywood en transformarse en una superestrella gracias a los escandalosos honorarios obtenidos por libretos como El último boy scout (1991) y El largo beso del adiós (1996), ambos sendos fracasos en taquilla. “Mi carrera puede definirse en dos etapas. Antes y después de Iron Man 3 (2013). Ingresé a un programa de rehabilitación y desde entonces he tratado de mantenerme productivo con respecto a mi trabajo”, confiesa Black en una charla informal acontecida a propósito de su aproximación a la franquicia de El Depredador.


Henry Cavill: el dilema del personaje


El intérprete británico confiesa las ventajas y obstáculos de saltar entre mundos totalmente contradictorios.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Paramount Pictures

Henry Cavill: el dilema del personaje

“Era prácticamente imposible que me rasurara el bigote para los llamados extras de Liga de la justicia. Finalmente había hecho un compromiso con los productores de la película que rodaba en ese momento, en la cual estaba prácticamente todo el tiempo pendiendo de un helicóptero. Si hubiera usado uno falso, estoy seguro que hubiese complicado las cosas”, confiesa Henry Cavill, el británico intérprete quien aparece en dos universos cinematográficos que no pueden ser más distintos entre sí, por un lado interpreta a Superman en las controvertidas versiones de DC Entertainment y por el otro se integra al mundo del espionaje internacional como August Walker, agente de la CIA, quien es el único con el poder de enfrentar a Ethan Hunt (Tom Cruise) en la más reciente entrega de Misión: imposible titulada sugestivamente Repercusión.

Nadie consideró que en algún momento ambos rodajes se enlazarían debido a circunstancias ajenas a las agendas de producción. Los ejecutivos del estudio detrás de Liga de la justicia requirieron de los ya frecuentes reshoots una vez que Joss Whedon llegó para relevar a Zach Snyder en la postproducción de la película. Para entonces Cavill ya se encontraba inmerso en la realización de la nueva entrega de Misión: imposible portando un mostacho característico del personaje.

“Debo confesar que yo fui quien propuso que August portara ese bigote porque considero que ese detalle dice: ‘Este hombre puede tomar decisiones por sí solo’. Sin embargo, cuando escuché que se requerirían de la realización de nuevas secuencias para Liga de la justicia, inmediatamente supe que el asunto se complicaría. ¿Rasurarlo? Imposible. El calendario de producción no me lo permitía pues el rol de August requiere estar gran parte del tiempo suspendido o realizando complicadas coreografías de peleas…


Entre tiburones prehistóricos


El actor Jason Statham y el realizador Jon Turteltaub nos comparten su experiencia en ‘Megalodón’, una de las películas más excéntricas de esta temporada.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía de Warner Bros. Pictures México

Entre tiburones prehistóricos

El director Jon Turteltaub tiene un carácter afable y sencillo que lo llevó a realizar una película de lo más excéntrica titulada Megalodón. Un tiburón. Un tiburón prehistórico que acecha a un grupo de humanos comandados por Jonas Taylor, personaje caracterizado por Jason Statham. La cinta es parte película de acción, ciencia ficción y por supuesto comedia. La típica producción palomera de verano.

“A pesar de que en la industria del cine se viene trabajando con efectos digitales desde hace 20 años, tengo la sensación de que todavía continúa ese sentimiento de novedad porque la evolución continúa. No había hecho antes una producción que necesitara tal cantidad de CGI. Me gusta trabajar con esta herramienta pues considerando lo complicado de la historia mantienes a un elenco y equipo de producción a salvo. No tienes que enfrentarlos a tiburones reales ni exponerlos a secuencias de explosiones. El desafío aquí es que debido precisamente a los efectos especiales, tienes una cantidad de vastas posibilidades a dónde ir y eso puede ser intimidante porque desde mi punto de vista, usualmente los buenos resultados nacen de las mismas limitaciones. Esta situación te pue- de paralizar por lo que debes de ser lo suficientemente inteligente para tomar las resoluciones adecuadas”, con esa el director, quien encontró en Megalodón el vehículo adecuado para emplear toda su competencia como realizador cinematográfico.


‘Desobediencia’: entre la fe y la sexualidad


Rachel Weisz y Rachel McAdams violan convenciones religiosas contemporáneas en esta cinta dirigida por Sebastián Lelio.


POR Óscar Uriel  



‘Desobediencia’: entre la fe y la sexualidad

El director chileno Sebastián Lelio realiza su primera película no hablada en español llevando a tres populares intérpretes (Rachel Weisz, Rachel McAdams y Alessando Nivola) a lo que podría considerarse la historia de amor de la temporada: Desobediencia.

Rachel Weisz reflexiona que rodar escenas íntimas con otra actriz resultan mucho más apacibles e incluso dulces que aquellas que ha realizado con conocidos compañeros actores. De acuerdo a la intérprete británica, las secuencias sexuales compartidas con Rachel McAdams en Desobediencia fueron mucho más románticas y emocionales, digamos que iban más allá del sexo convencional, lo que las convirtió en algo profundamente poderoso.

Y es que Weisz (en conjunto con la productora Frida Torresblanco) se encontraba buscando algún material apto para el lucimiento de las actrices para contar una historia de amor entre mujeres. Entonces fue cuando se topó con la novela Desobediencia de Naomi Alderman.

“Lo que me atrapó del libro era todo el asunto de la transgresión en un mundo moderno, en donde pareciera que nada es tabú. El término ‘desobediencia’ prácticamente representa algo inviable en la sociedad moderna. Sin embargo, existen comunidades ortodoxas donde este tipo de vínculos entre personas del mismo sexo son prohibidos. Y estamos hablando de sociedades dentro de países considerados de primer mundo. Si encuentras un suceso que de alguna manera parezca transgresor en un micromundo como lo puede ser una comunidad tradicional, creo que el relato inmediatamente cobra una relevancia universal”,nos cuenta la apasionada actriz al referirse a este proyecto en una entrevista exclusiva.

Rachel Weisz recuerda haber crecido cerca de una sociedad similar a la de la película, una comunidad judaica de lo más conservadora situada al norte de Londres y por ese cinto de sigilo que rodeaba al grupo, no pudo convivir lo suficiente como para conocerlos. “Es un tema que siempre me ha fascinado. Curiosamente, Desobediencia fue uno de los primeros proyectos que llegaron a mí y simplemente me pareció una atrayente historia para contar. Nos tomó aproximadamente tres años trabajar en el libreto hasta estar en rodaje. Encontré todo el proceso de transformar la novela en una película realmente atrayente”, agrega la actriz quien asegura que Lelio fue la primera opción para dirigir este proyecto debido a la insistencia de Torresblanco quien le invitó a ver Gloria.


Un sentido del humor punzante


Isabelle Huppert, legendaria intérprete francesa, vuelve a colaborar con Michael Haneke, director austriaco, en ‘Un final feliz’, un corrosivo retrato de la aristocracia francesa.


POR Óscar Uriel  



Un sentido del humor punzante

“Me encanta México. Estuve en el Festival de Cine de Morelia y fue realmente sensacional. Daniela [Michel, directora del festival] me sigue invitando pero mi problema es el tiempo”, nos cuenta de manera cordial Isabelle Huppert al presentarnos en la entrevista. Huppert estuvo en el Festival de Cine de Cannes del año pasado para amparar Un final feliz de Michael Haneke, título que participaba dentro de la competencia oficial.

Las expectativas son altas después de haber ganado la Palma de Oro, presea máxima del evento, por una película como Amour, por lo que Un final feliz se enfrentó a una ola de críticas sustentadas en la premisa que se trataba de un trabajo menor de Haneke. Nos encontramos con una película enigmática sobre la indiferencia de cierta burguesía moderna con respecto a asuntos como la migración y la explotación de ilegales.

Después de que Haneke colaborara en trabajos como La pianista y Amour entre otros títulos, Huppert vuelve a ponerse en sus manos para crear otro contradictorio personaje. En esta ocasión, la gélida Anne Laurent, quien maneja la empresa sostén de la acaudalada familia.

Michael y yo llevamos una relación de amistad fuera del set. Creo que nos caemos bien mutuamente. Considero que algunos de mis mejores trabajos los he conseguido gracias a él. La sorpresa sería no seguir trabajando juntos. Es una persona muy obsesiva respecto a los detalles técnicos de la cinematografía. El asunto con Haneke es que siempre trata de buscar la veracidad en el cuadro que está retratando. Insiste siempre en encontrar la verdad en la escena. Detesta la mentira. La secuencia más complicada para mí en esta película es donde mi personaje le rompe un dedo al niño. Evidentemente esto no sucedió pero fue complejo realizarla”.


Un mercenario al límite


Benicio del Toro protagoniza la secuela de ‘Sicario’, un relato humanista envuelto en una violenta guerra fronteriza.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía de Sony Pictures.

Un mercenario al límite

Cuando Benicio del Toro terminó de rodar Sicario en el 2014 [y se estrenó al año siguiente], jamás imaginó que participaría en la secuela. La película de Denis Villeneuve pareciera que era un título que se contaba en una sola entrega; sin embargo, el guion de la segunda parte, autoría de Taylor Sheridan [también escritor de la original], era tan sugestivo como para dejarlo pasar. “Las expectativas y los riesgos son altos en esta segunda película y es que el dilema moral al que se enfrenta mi personaje [Alejandro] es por demás atractivo, puesto que él mismo ha formado parte de la guerra contra el narcotráfico. Sin embargo, ha decidido proteger a una jovencita que se encuentra en medio del conflicto. Esta situación muestra un lado distinto del personaje, por lo menos para mí lo fue”, nos cuenta Benicio del Toro en una entrevista exclusiva.

A pesar de que el español no es el primer idioma del actor [nació el 19 de febrero de 1967 en Puerto Rico en una familia donde el anglosajón predominaba], Benicio es un actor pausado y agudo al hablar. Da la impresión que se toma el tiempo necesario para meditar cada una de sus palabras. “Conocí y entendí el personaje de Alejandro en la primera película de Sicario pero en esta segunda parte descubrí sus capas de humanidad, las cuales no había distinguido en la cinta previa. Fue algo muy emocionante”, agrega el actor.

Esta es una de las tantas desigualdades que el espectador encontrará en la continuación. Mientras que Villeneuve es un director más atraído por crear atmósferas, el italiano Stefano Sollima [responsable del serial televisivo Gomorra] se carga más a la violencia explícita mostrando el lado crudo y feroz que se vive a diario en la frontera entre México y Estados Unidos.

“El personaje que interpreta Josh Brolin [Matt Graver] me contrata para realizar otra misión secreta. Básicamente la situación se sale de control y los planes se ven alterados en gran manera. Matt le solicita a Alejandro hacer algo en particular pero a este no le parece que es la salida correcta. Es aquí donde vienen las diferencias y un distanciamiento entre ellos dos. Esto me dio una gran oportunidad para trabajar con mi querido amigo Josh Brolin con quien creo, tengo una química particular en el cine”, agrega el intérprete quien también esclarece que lo que acontece en esta película es puramente ficción, la cual nace a partir de las noticias cotidianas.


Jurassic World: Una dosis de terror gótico en un parque


Platicamos con el elenco y el director de esta nueva entrega que posee elementos cinematográficos que la diferencian del resto de la franquicia.


POR Óscar Uriel  



Foto: Twitter Universal Pictures

Jurassic World: Una dosis de terror gótico en un parque

Se trata de la quinta película de la saga. La segunda de la última trilogía planeada dentro de una de las series cinematográficas más redituables y amadas de todos los tiempos. Jurassic World: el reino caído llega a la pantalla grande trayendo consigo al popular personaje de Owen Grady interpretado por Chris Pratt, y a Claire Dearing, encarnada por Bryce Dallas Howard, pero también teniendo como responsable de esta misión al realizador español Juan Antonio Bayona, una opción un tanto atípica considerando la filmografía del director y la esencia de estas superproducciones.

Con la inclusión de este realizador, es evidente que los productores están buscando revitalizar la historia con una transfusión de nuevas ideas al llevar la anécdota hacia un rumbo distinto. Por ejemplo, acercarse al género del terror.

“En esta ocasión tuvimos la oportunidad de contar con más tiempo para prepararnos. El proceso fue completamente distinto. También creo que la historia se aleja de lo que anteriormente se habría contado. Es diferente, mucho más sólida a pesar de que el entorno es gigantesco. A diferencia de las anteriores experiencias, la mayor parte del rodaje se realizó en los estudios en Londres aunque hacia el final nos mudamos a Hawái”, declara Chris Pratt, quien retorna como el héroe de acción gracias a la primera cinta de Jurassic World, producción que también lo consolidó como un protagonista de este género cuando en el pasado sólo era apreciado como un intérprete secundario con dotes para la comedia.

Sin embargo, la principal sorpresa dentro de esta entrega sigue siendo la inclusión de un director principalmente reconocido por su trabajo en el campo del terror. Juan Antonio Bayona se convirtió en uno de los realizadores en boga gracias a El orfanato, producida por Guillermo del Toro y la cual se convirtió –casi de inmediato– en uno de los paradigmas del boom del cine español dentro del renglón de este género. “Para prepararme para el rodaje, vi todas las películas de la saga además de leer las novelas de Michael Crichton. Era un ejercicio de mirar hacia atrás para entender en donde estaba parado. Soy de los directores que ven un día antes alguna película para inspirarse en la toma a realizar el día siguiente. Hay otro tipo de cintas que ves una y otra vez para encontrar inspiración, curiosamente algunas de estas son de Steven Spielberg, Encuentros cercanos del tercer tipo es una de mis consentidas. Las de Indiana Jones son otras. Aquí prácticamente se trató de regresar al origen. Entender de donde había partido todo”, cuenta Bayona quien, de acuerdo a los productores de la película, fue la primera opción para dirigir esta cinta.


Una celebración a la cultura pop


Para Steven Spielberg, la vida diaria juega un rol preponderante a la hora de la creación artística, incluso si se trata de la más excéntrica ficción como lo es ‘Ready Player One. Comienza el juego’.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía de Warner Bros. Pictures

Una celebración a la cultura pop

En una distopía más cercana de lo que creemos, la humanidad puede entrar a un mundo virtual llamado Oasis en el cual prácticamente puedes convertirte en todo lo que deseas y protagonizar las más extravagantes aventuras. Todo esto contrastando con la sombría realidad que padece la sociedad. Cuando el creador de Oasis fallece, decide convocar a sus seguidores a un último desafío difícil de rehuir, el cual tiene como recompensa obtener un tesoro escondido. En términos generales, este es el argumento de Ready Player One. Comienza el juego, la popular novela de Ernest Cline que ahora Steven Spielberg convierte en uno de los títulos cinematográficos más esperados de la temporada.

Como en muchas de las aventuras dirigidas por el realizador, el protagonista es un cándido joven quien decidido a salir del infortunio en el que vive con su tía, resuelve aceptar el gran reto que propone el creador de Oasis, una odisea armada con acertijos y enigmas que tienen que ver con la cultura popular de los años ochenta. Precisamente durante ese periodo, Spielberg dirigió sendos clásicos de la cinematografía contemporánea como lo son E.T., el extraterrestre, Cazadores del arca perdida, El color púrpura y El imperio del sol, entre otros. No sabemos con certeza si esa etapa ha sido la más prolífica en la carrera del director pero definitivamente sí una década de auge y prosperidad.

Foto: Cortesía de Warner Bros. Pictures.

Nos trasladamos a la ciudad de Los Ángeles, California para platicar largo y tendido con Steven Spielberg. Para ser más precisos, fueron los estudios de Warner Brothers el lugar estipulado para celebrar la entrevista. Cordial y directo, como es su costumbre, Spielberg contestó cada uno de nuestros cuestionamientos.