Archivo del Autor: Óscar Uriel

Crimen y frenesí en la isla


Matthew McConaughey y Anne Hathaway estelarizan ‘Obsesión’, un encuentro dramático tropical.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Diamond Films

Crimen y frenesí en la isla

Cuando dos intérpretes de la talla de Anne Hathaway y Matthew McConaughey se reúnen para colaborar en algún proyecto creativo podemos esperar absolutamente todo menos algo habitual. La última ocasión en la que los dos laboraron juntos fue en Interestelar de Christopher Nolan.

Obsesión no es la excepción. El carácter atípico de esta última película es tan acentuado que nos cuesta trabajo incluso definirla sin que brote algún que otro spoiler. Nos limitaremos a decir que se trata de una historia que nos remite inmediatamente al film noir cargada de una fuerte dosis de sensualidad en la que las cosas no son lo que parecen.

“La relación que Karen Zariakas (Hathaway) tiene con Baker Dill (McConaughey) data de muchos años atrás. Ella lo conoce cuando era una jovencita y para Karen nunca ha existido nadie en su vida con la importancia de Dill. Él va a la guerra y esta situación separa a la familia. Karen es una madre soltera quien tiene que averiguárselas para salir adelante, por lo que conoce a un tipo que aparentemente le ofrece la seguridad que está buscando. Sin embargo, este personaje termina por convertirse en su peor pesadilla”, explica Anne Hathaway en una entrevista acontecida en Marina Del Rey, California, locación hasta donde los dos actores se trasladaron con la finalidad de promover su última aventura cinematográfica.

Tanto Hathaway como McConaughey parecen estar cómodos al responder juntos nuestros cuestionamientos. La química entre los dos es evidente y es que entre las demandas que planteaba el guión de Obsesión requería que sus respectivos personajes protagonizaran una apasionada historia de amor en donde una isla tropical, un barco y una complicidad juegan roles preponderantes en el complejo vínculo que entablan Karen y Dill.

“Hay un dicho que dice: ‘Se hacen cosas malas por buenos motivos’ y se lo escuché decir a nuestro director Steven (Knight) en algún momento durante este rodaje y fue justo en ese momento donde entendí a mi personaje. No creo que esta historia argumente esa frase porque para mí las películas no deben ofrecer respuestas pero sí provocar más preguntas”, manifiesta McConaughey, quien personifica a un capitán de navío de carácter autónomo quien años después vuelve a reencontrarse con ese primer amor. “Desde mi personal punto de vista creo que el hacer o no cosas buenas o malas en la vida depende de los privilegios con los que cuenta una persona. Hay quienes pueden pasar una vida completa con una conducta intachable. Sin embargo, hay otras que por eventualidades ajenas a ella se ven en la situación de cometer actos ilícitos. Justo en este renglón es donde el personaje de Karen irrumpe. Es una mujer en una circunstancia desesperada quien trata de mantener a salvo a su hijo y a ella misma. Por supuesto que en el mundo hay gente buena que se ve obligada a cometer delitos con el objetivo de salvar su propia vida”, explica Hathaway ante el cuestionamiento de la naturaleza de los actos que protagonizan Karen y Dill.


Desafío a dos soberanas


Margot Robbie y Saoirse Ronan interpretan a Isabel I de Inglaterra y María Estuardo respectivamente en ‘Las dos reinas’, un drama histórico con evidentes guiños a la escena contemporánea.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Universal Pictures

Desafío a dos soberanas

La rivalidad entre estas dos célebres reinas siempre ha sido un elemento atractivo a retratar en teatro, cine y televisión. Dos sugestivos personajes monárquicos, contradictorios y adelantados a su época, separadas principalmente por la conspiración creada por los hombres a su alrededor, ¿suena contemporáneo? Esto sucedió en 1547. No es casualidad que intérpretes como Vanessa Redgrave, Glenda Jackson, Samantha Morton, Cate Blanchett o Helen Mirren se han visto seducidas por este par de fascinantes personajes históricos.

“Muchas veces el volver a revisitar historias de antaño tiene como objetivo principal encontrar un sentido a la actualidad. Este relato es muy vigente. Va de dos mujeres en el poder y de la manera en la que su posición jerárquica afecta a los demás, en particular a los hombres quienes las rodean. Nuestra versión se centra en la hermandad que estas mujeres pudieron haber tenido debido a los sucesos de la época y a los obstáculos que las separaban”, revela la imponente Margot Robbie en una charla acontecida en Londres, Inglaterra justo antes de concluir el año pasado a próposito del estreno mundial de Las dos reinas.

La australiana caracteriza a Isabel I, probablemente la emperatriz más amada en la historia de Inglaterra. Saoirse Ronan es María Estuardo, monarca de Escocia y prima de la primera. La rivalidad surgida entre ambas es ya una de las leyendas más revisitadas por historiadores y curiosos en general ¿qué pudo haber provocado tal antagonismo? Más allá de la lucha por el poder, estaba la coyuntura que se trataba de dos mujeres reinando en regiones colindantes. Esta película pretende responder alguna de las interrogantes que por años han inquietado a la humanidad.

“Pasa algo interesante con Las dos reinas. Ultimadamente pudimos haber realizado una película de escala amplificada pues la anécdota tiene un carácter épico natural, sin embargo, se optó por centrarse exclusivamente en la relación entre estos dos controvertidos personajes de la historia con la finalidad de buscar una empatía con la audiencia. Indagamos en el factor humano de estas monarcas, no particularmente en su personalidad como soberanas sino en su calidad como mujeres que competían sin siquiera conocerse. Añadimos una probabilidad que tiene que ver con que María e Isabel coincidieron en una cita clandestina con el objetivo de enfrentar a las protagonistas cara a cara. Al igual que en la actualidad, las relaciones humanas eran por demás complicadas. Ese fue nuestro objetivo”, confiesa Ronan, quien fue el motor definitivo para que esta película pudiera realizarse.


Una relación adictiva


Steve Carell y Timothée Chalamet ofrecen dos de las mejores actuaciones de la temporada en ‘Beautiful Boy’. Nos confiesan la conexión que construyeron a lo largo de la filmación.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Diamond FIlms México

Una relación adictiva

El título de la película Beautiful Boy (que en México se le sumó la frase: Siempre serás mi hijo) viene de una de las composiciones legendarias de John Lennon la cual se incluyó en el álbum Double Fantasy. El periodista David Sheff entrevistó a Lennon y a Yoko Ono en 1980 para un artículo designado por una publicación a propósito del lanzamiento del disco. El artista fallecería tres semanas después de que el álbum saliera a la venta.

Lo que Sheff nunca imaginó es que el título de esa particular melodía, la cual hacía referencia a la paternidad del músico, sería también el nombre del libro en el que relató la odisea que sobrellevó años después como consecuencia de la adicción a la metanfetamina que padeció su hijo Nic.

Beautiful Boy es ahora una película basada en las memorias de David y Nic Sheff, padre e hijo quienes escribieron respectivamente un libro (Beautiful Boy de David y Tweak de Nick). Los productores adquirieron los derechos de ambos textos para crear un drama que reconoce el dolor de quienes padecen o viven cerca del mundo de las adicciones. Esencialmente es una historia de amor entre un padre y su hijo.

“Existe absolutamente un compromiso con David y Nic de contar el relato de la manera más íntegra posible. No hay forma de evitar esto. Estas dos personas han vivido una experiencia increíblemente traumática y han sido lo suficientemente generosos como para brindar su historia a los lectores. Tanto Timmy (Chalamet) como yo estamos conscientes de esta responsabilidad”, nos cuenta Steve Carell, quien con Timothée Chalamet tuvieron la misión de caracterizar a David y Nic respectivamente en la versión fílmica dirigida por el belga Felix van Groeningen, realizador que cobró renombre internacional hace unos años gracias a El círculo roto, éxito mundial de 2012 que representó a Bélgica en la carrera por el premio Óscar.

Beautiful Boy significa la primera película hablada en inglés de van Groeningen pero también es la apuesta por parte del estudio cinematográfico de proveer al material de una mirada mucho más compleja que lo que sucedería bajo la dirección de un director anglosajón. La historia queda suspendida en la delgada línea en donde cualquier aproximación remilgada puede convertirla en un irrebatible melodrama.

“Convivimos poco tiempo con David y Nic antes de empezar a rodar. Sin embargo, no queríamos que ambos se sintieran como si los estuviéramos estudiando mientras ellos nos compartían sus experiencias. Yo quería tener una idea de la clase de hombre que era David y se alineó perfectamente con la imagen que concebí a partir del libro. Es una persona amable, generosa e inteligente. Al final de nuestro primer encuentro deduje que se trataba de un hombre por demás entrañable”, comenta Carell sobre la impresión que se llevó al conocer al verdadero David Sheff.

Por su parte, Chalamet fue contratado para interpretar a Nic meses antes de que se convirtiera en el It Boy de Hollywood debido a su participación en Llámame por tu nombre (2017) de Luca Guadagnino, por la que fue nominado al Óscar en la categoría de Mejor actor. De acuerdo a los productores, Chalamet se ganó el papel de Nic después de enviar una prueba de video grabada con su propio teléfono celular.

“Tenía una idea e imagen de la extraordinaria persona que era Nic sólo por cómo se le describe en el libro Beautiful Boy. Cuando te encuentras con él puedes percibir inmediatamente lo brillante que es. Sentí un gran alivio al hablar con él sobre la película que estábamos a punto de comenzar a rodar. Siempre se portó generoso y comprensivo con la circunstancia. Debe ser extraño que alguien más te caracterice en una película. De no haber sido así, Steve y yo no hubiéramos podido representarlos como ellos lo vivieron. Fue una gran bocanada de aire fresco para mí porque he escuchado historias de parte de compañeros actores quienes han participado en producciones biográficas y han tenido experiencias difíciles con los personajes que les ha tocado caracterizar. Nosotros corrimos con mucha suerte. De hecho, la hermana de Nic interviene en la producción con un personaje pequeño. Fue un proyecto en el que en todo momento nos sentimos en familia”, declara Chalamet quien paradójicamente regresó a la misma locación donde rodó hace algún tiempo Lady Bird (2017) de Greta Gerwig. Pareciera que los hermosos paisajes de la costa californiana llamarán siempre al novel intérprete.

Felix, nuestro director, tuvo la idea de que Steve y yo pasáramos mucho tiempo juntos antes de comenzar la filmación. Fue un estupendo plan por parte de él porque cuando empezamos el rodaje habíamos creado un vínculo muy especial. También los pequeños actores que interpretan a los hermanos Jasper y Daisy convivieron con nosotros. Así que todos compartimos el mayor tiempo posible ante de empezar la filmación. Además, mi condición de ser el único hijo hombre en la familia me dio un entendimiento especial sobre la dinámica que tiene Nic con su padre; qué cosas son las que lo enfurecen, qué situaciones le incomodan pero creo que, sobre todas las cosas, fue la relación que se dio entre Steve y yo lo que hizo que la dinámica funcionara a la perfección”, finaliza el joven intérprete.


Recuperar la dignidad


Jason Momoa, Amber Heard y el director James Wan en la gran apuesta por ‘Aquaman’.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Warner Bros. Pictures

Recuperar la dignidad

Lo único que podemos confirmar es que Aquaman es una producción destinada a convertirse en el centro de la polémica y materia de acaloradas discusiones entre los entusiastas del género. Finalmente, las producciones que emergen del fascinante mundo de los cómics están predispuestas a las críticas de parte de la legión de celosos seguidores de las tiras cómicas y novelas gráficas, quienes velan suspicaces mitos. Por supuesto que las películas de DC Entertainment no están exentas de estos juicios. Basta revisar la tibia recepción a las producciones que tenían a La liga de la justicia (sin contar la indiferente acogida a El hombre de acero) como proyecto central para darnos cuenta que la empresa está necesitada de otro éxito de taquilla y crítica, tal y como sucedió con la versión de La mujer maravilla de Patty Jenkins en 2017.

Ahora las cartas están sobre la mesa apostando a un solo título: Aquaman, la producción en solitario del superhéroe que esclarece el origen de este particular protagonista. “En las anteriores películas en donde trabajé con Zach [Snyder] apenas vimos indicios del carácter de este personaje, al cual encuentro fascinante por la fracción humana que posee a pesar de su condición de dios. Esa discordancia en el personaje es lo que me seduce de Arthur Curry. Con esta película espero que el público pueda llegar a comprenderlo pues a pesar del coraje que pueda guardar en su ser, básicamente se trata de un hombre que busca todo el tiempo el bienestar de quienes le rodean”, dice Jason Momoa de manera categórica, el actor designado por el mismo Snyder para interpretar el superhéroe en el universo de DC Entertainment.

La leyenda urbana dicta que Zach Snyder buscaba al intérprete ideal en su concepción de los integrantes de La liga de la justicia cuando se topó con Momoa en los memorables episodios del serial Game of Thrones. El instinto del director lo llevó a entrevistar a Jason ofreciéndole el personaje casi de inmediato y es que los productores buscaban una reinterpretación totalmente distinta al Aquaman del pasado. Jason Momoa era la elección perfecta.

“Está comprobado que este personaje le resulta sumamente atractivo a los niños. Esto sucede desde los cómics. Probablemente sea por lo fascinante de todo este universo acuático. Sin embargo, tengo la teoría de que también tiene que ver con el proceso de que este hombre finalmente se transforma de un guerrero a un monarca que asume todas sus responsabilidades”, agrega el intérprete, quien también pidió al estudio que el mismo Snyder fuera el director de la película independiente de Aquaman, demanda que no pudo concretarse debido a que Snyder salió del proyecto de DC Entertainment, supuestamente con el objetivo de atender problemas personales, aunque era conocido por todos que el estudio no estaba contento con los resultados en taquilla de las películas que se estaban produciendo.

“Uno de los aspectos que Zach Snyder quería destacar de la personalidad de Aquaman era la cuestión de que su carácter es básicamente el resultado de dos mundos que colapsan. Y estos dos universos no podrían ser más distintos entre sí. James Wan desarrolló de manera íntima el personaje a quien sólo habíamos visto en determinados momentos en las producciones de La liga de la justicia y es que el tiempo en pantalla en esas cintas fue relativamente escaso. Con Aquaman trataremos de responder el porqué este superhéroe se comporta de determinada manera. Simplemente tuve la oportunidad de trabajar con dos magníficos realizadores”, confiesa Momoa al referirse a la labor hecha por Snyder antes de que James Wan ocupara la silla de director del proyecto.


Golpes duros a la vida


Michael B. Jordan prolonga el mito de Rocky cuando regresa al ring para enfrentar al hijo de uno de los más vehementes contrincantes de Balboa en ‘Creed II’.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Warner Bros. Pictures

Golpes duros a la vida

El director de Creed II, Steven Caple Jr., insiste que esta entrega no va de un enfrentamiento como el de David vs. Goliat, quiere una rivalidad Goliat vs. Goliat. Y es que la secuela del sorprendente éxito de taquilla de 2015 pondrá a Adonis Creed en pugna con Viktor Drago, la máquina boxística, quien no es otro más que el vástago de Ivan Drago, el perpetuo enemigo de Rocky Balboa. De esta manera, dos leyendas se entremezclan presentando una esperada continuación que seguramente será uno de los títulos más comentados de la temporada.

En medio de todo esto se encuentra Michael B. Jordan, quien se establece como uno de los jóvenes intérpretes más interesantes a seguir. Alguien que ha manifestado su admiración por Denzel Washington –y a quien le gustaría emular– ha tenido el mejor de los años con intervenciones en Pantera Negra y en la película para televisión Fahrenheit 451 basada en la novela de Ray Bradbury.

Platicamos en exclusiva con Jordan con la seguridad de que será un nombre que escucharemos constantemente.

Michael, la primera película fue un éxito inesperado, pareciera que el público conectó de una manera muy particular con Creed. ¿A qué le atribuyes el éxito?
A que se trata de una historia que va de alcanzar el éxito a costa de todo. A diferencia de otras franquicias cinematográficas, la saga de Rocky es una serie de cintas donde ha permeado la creatividad. Rocky es un personaje que el público ha amado durante décadas y lo que sucedió con Creed es que el mismo mito se reinventó para las nuevas generaciones y los jóvenes aceptaron estos personajes.

El contrincante a vencer en esta entrega es Viktor Drago, el hijo de Ivan Drago. ¿Qué fue lo que te atrajo del guion? ¿Qué te convenció a aceptar esta segunda parte?
Que se trata de un proyecto con varias capas de lectura. Es una película diseñada para que todos los miembros de la familia la disfruten. Siento que esta producción en particular es como mi bebé. Finalmente el personaje de Adonis Johnson se alza como protagonista sin que la sombra provocada por las películas de Rocky intervengan en esto. En esta segunda parte vemos a Adonis en su propio mundo, con su tribu y sus problemas. Además, se desarrolla la historia de amor con Bianca (Tessa Thompson), ¿qué significa para dos millennials encontrar una pareja? ¿Cómo se desarrolla una relación con estas características? Y luego está toda la leyenda de Rocky, Apollo Creed e Ivan Drago. Lo que estos personajes como padres hicieron para que sus respectivos hijos resultaran con tal personalidad.

De nueva cuenta colaboras con Sylvester Stallone en esta secuela, ¿cómo fue esta experiencia considerando que se trata de la segunda ocasión?
Stallone es simplemente una leyenda. Lo más admirable es que es un tipo de lo más cool. No hay un dejo de egocentrismo en su persona, por el contrario, es un actor que todo el tiempo está dispuesto a compartir su conocimiento con quienes lo rodean. En particular, conmigo ha sido un mentor en todo el sentido de la palabra.

¿Resultó más complicado rodar esta secuela que la primera película de Creed?
En absoluto. Fue totalmente al revés. Hace tres años no tenía la confianza que tengo hoy en día. Mi carrera cambió en relativamente poco tiempo. Recuerdo que la primera película fue sumamente difícil para mí pues sentía una presión particular al llevar un rol estelar al lado de Sylvester Stallone. Esta segunda ocasión derivó en una experiencia por demás placentera. El rodaje fue lúdico todo el tiempo.


Un viaje a lo desconocido


Aquella legendaria excursión a la Luna redescubierta por Ryan Gosling en ‘El primer hombre en la Luna’.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía de Universal Pictures

Un viaje a lo desconocido

El director Damien Chazelle indaga en uno de los sucesos más importantes de la historia moderna: la llegada del hombre a la Luna, un asunto atípico a abordar considerando que viene del éxito de La La Land. Para tratar de comprender el asunto, platicamos con Ryan Gosling protagonista de El primer hombre en la Luna y quien caracteriza al mítico Neil Armstrong.

Es un hecho que la llegada del hombre a la Luna, el 20 de julio de 1969, surge en medio de la Guerra Fría y que tiene que ver más con un asunto nacionalista que con un hallazgo tecnológico. Sin embargo, también creemos que el paso del tiempo ha transformado este hecho histórico en un suceso universal.

“El camino para que el hombre pisara la Luna fue polémico pero te puedo asegurar que 49 años después, toda esa controversia ha pasado a un segundo plano. Ha trascendido el hecho de que había una competencia para ver que nación alcanzaba ese logro pero el tiempo es el mejor juez y ahora el acto ha pasado a ser una conquista para la humanidad y no solamente un logro para un país determinado”, cuenta Ryan Gosling en una entrevista exclusiva en los legendarios estudios cinematográficos de Universal Pictures, meses antes del estreno oficial de la película dentro de la programación del Festival Internacional de Cine de Venecia.

Neil Armstrong fue el rostro que representó este éxito científico pero siempre él mismo argumentó que era únicamente la imagen detrás de miles de personajes que laboraron en hacer posible el viaje a la Luna.

“Es un tanto irónico porque al igual que la misión, esta película es un trabajo de contribución. He colaborado prácticamente con el mismo grupo creativo en dos películas aunque se trate de proyectos completamente diferentes entre sí. La La Land iba de un desafío muy particular que provenía de la obsesión de Damien mientras que El primer hombre en la Luna tiene otro cometido: contar el hecho histórico de la llegada a la Luna partiendo del lado humano de los personajes, de sus relaciones y familia. Creo que el haber realizado La La Land con ese equipo de producción fue simplemente fundamental porque de alguna manera nos preparó para poder hacer esta película”, agrega el actor quien además tuvo la oportunidad de platicar con algunos de los astronautas sobrevivientes de la misión así como con miembros de la familia de Armstrong, en particular con su hijo y su exesposa Janet (interpretada en la película por Claire Foy).

“¿Iría a Marte? No lo creo. Dos periodos con Trump como presidente y probablemente lo pensaría. Ahora que estuve en la NASA para prepararme para la película me enteré que están probando visitar tanto Marte como la Luna con un grupo de civiles pero creo que yo no soy la persona adecuada para contestar esa pregunta. En lo personal, no tengo interés alguno en visitar otro lugar que no esté en la Tierra aunque reconozco que lo que hace la NASA es inspirador”, añade el intérprete quien asegura que El primer hombre en la Luna abordará también la polémica que se dio en su momento cuando miles de civiles se manifestaban en contra de la misión argumentando que el dinero invertido en la llegada a la Luna pudo haberse destinado a combatir la hambruna que prevalecía en ese momento.

Fotos: cortesía Universal Pictures

“La ciencia ficción siempre me ha interesado pero con un toque de reflexión social. A lo largo de mi carrera he tratado de realizar algunas producciones dentro del género. Creo que Blade Runner no es un mal intento pero realmente me gustaría continuar haciendo más cosas en este apartado aunque no ciencia ficción de divertimento exclusivamente”, responde Gosling al cuestionársele sus intervenciones en producciones de este género.

Sobre las distintas leyendas urbanas que impugnan la llegada del hombre a la Luna, Gosling simplemente respondió: “He escuchado todo tipo de teorías al respecto pero he sido un tipo con mucha suerte y he podido hablar con gente que ha ido a la Luna además de leer las interminable bitácoras de comunicación entre los astronautas y los responsables de la misión mientras realizaban ese viaje. Con esto me basta”, finaliza el intérprete de forma contundente.


Enlace de universos


A pesar de los evidentes guiños a los elementos nostálgicos del universo de hechicería, ‘Animales fantásticos. Los crímenes de Grindelwald’ promete abordar asuntos nunca antes vistos en el mundo creado por J.K. Rowling.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía de Warner Bros. Pictures

Enlace de universos

Es una entrega mucho más sombría que la primera película, en esto todo el reparto de Animales fantásticos. Los crímenes de Grindelwald está de acuerdo. “Recuerdo perfectamente cuando salía un nuevo libro de la saga de Harry Potter o una película basada en ellos, todos decíamos: ‘Es mucho más oscura que la anterior’ pero en este caso sí es verdad y temo que así sucederá con las próximas producciones”, comenta un emocionado Eddie Redmayne en entrevista exclusiva sobre la esperada secuela del éxito cinematográfico que pertenece al particular universo de Harry Potter.

La inquieta J.K. Rowling y Warner Bros. no quisieron dejar pasar la oportunidad de continuar indagando en el fantástico mundo creado alrededor de la magia y sus coloridos personajes por lo que en 2016 estrenaron Animales fantásticos y dónde encontrarlos, una especie de precuela que contextualiza (de manera brillante) a los seguidores de Harry Potter en el mundo de la magia, previo a las aventuras del pequeño hechicero que conquistó a los lectores.

Esta serie de producciones nos presenta amados personajes ya conocidos en los libros de Rowling pero en otra etapa de sus respectivas vidas. “Digamos que es una versión de Dumbledore mucho más joven que la que estamos acostumbrados a ver en las películas. Es un personaje con una fuerte dosis de picardía y quien es capaz de hacer una que otra travesura porque aún es joven. Hay que recordar que dos grandes legendarios actores lo han caracterizado en el pasado por lo que el compromiso con los fans es muy grande. Lo que me gusta de la historia de esta secuela es que se entabla una amistad muy particular entre él y Newt Scamander (Eddie Redmayne) a pesar de que es su discípulo. Dumbledore reconoce la virtud en Newt de poder tomar las mejores decisiones en momentos críticos, de comportarse de la mejor de las maneras y de ponerse del lado correcto. El maestro confía en él porque en muchas circunstancias él no puede involucrarse”. “Tenemos suerte de que nos caemos muy bien porque pasamos mucho tiempo juntos en espacios muy reducidos por cuestiones de diseño digital. Y también los nuevos integrantes del reparto se han adaptado muy bien a nuestro ambiente y sentido del humor. Esto es básico en una película con estas características”, dice Jude Law, quien se integra al reparto en el amado rol del futuro director de Hogwarts.

Law fue seleccionado de entre un grupo de renombrados intérpretes quienes fueron considerados por los productores para realizar esta caracterización, sin embargo, fue la misma Rowling quien eligió a Law para la encomienda. “Es un gran privilegio formar parte del universo de Harry Potter. Vivimos en un mundo en donde las franquicias son dominantes en el ámbito del entretenimiento y las películas destinadas para ser disfrutadas por toda la familia son la columna vertebral del cine de divertimento. ¡Imagínate ser miembro de esta saga! Sinceramente creo que se trata de la mejor de todas porque tiene elementos de humanidad en un mundo irreal creado por J.K. Rowling, y sin embargo, jamás se es condescendiente con el espectador.  Creo que todo se resume a un asunto de personajes. La autora no tiene una necesidad económica como para seguir creando alrededor de estos roles salvo esa exigencia personal de seguir brindando historias para su legión de seguidores. Es un enorme orgullo ser parte de todo esto”, añade Law quien sin duda es un intérprete acostumbrado a laborar en producciones de este calibre, por lo que su incorporación se sintió de manera orgánica.

La presencia consumada de Johnny Depp como el villano Gellert Grindelwald es otro de los elementos atrayentes en esta secuela. Aunque el actor habría hecho una fugaz participación en la película anterior, es hasta en esta producción cuando se devela la rivalidad con Dumbledore de manera patente. Depp aceptó participar en estas producciones aún sin haber leído los guiones, pues su entusiasmo por los libros de Harry Potter era motivo suficiente para ingresar al universo de Rowling.

“Lo de Johnny Depp fue una sorpresa para todos. En la primera película, realizamos algunas secuencias en donde el personaje aparecía pero cuando las rodamos, él no estaba. Así que imagínate nuestra sorpresa cuando nos enteramos que estaba en la producción. Lo que recuerdo de su presencia en el rodaje era que cuando Johnny se encontraba en el set, todos guardábamos un completo silencio y simplemente observábamos su interpretación. Es un actor con toda la experiencia y una estampa espectacular. Simplemente es fantástico en la película, el público va a estar de acuerdo con esto. Ya verán”, comenta Katherine Waterston, quien caracteriza a Tina Goldstein y quien admite tener una admiración particular por Depp.

La polémica no ha estado exenta en esta producción. En algún momento Rowling expresó abiertamente que Dumbledore (Law) era gay y que su áspera relación con Grindelwald (Depp) tenía que ver con una íntima relación en el pasado que se habría deteriorado, sin embargo, el director David Yates aseguró que esto no se tocaría en la película por lo que varios fans y seguidores de la saga manifestaron su descontento a través de redes sociales acusando a los productores de cobardía. Jude Law se refiere al respecto: “El asunto se tocará de una manera mesurada en esta película. No quisimos acentuar el asunto de la sexualidad porque no queremos que este tema sea predominante en la historia. Simplemente se trata de las preferencias sexuales de algunos personajes, nada más. Todo está tocado de una manera muy fina. J.K. Rowling se ha comprometido en explorar esta cuestión de una manera más amplificada en próximas películas [el proyecto está considerado para ser cinco películas en esta etapa]”.

Otro de los misteriosos personajes que se desarrollan en esta entrega es el de Leta Lestrange, joven bruja quien tiene un rol preponderante dentro de la trama y cuya relación con Newt Scamander es trascendental. “Eddie fue fantástico en todo el pro- ceso de casting para la película porque no fue fácil quedarse con el personaje. Crecí leyendo las novelas de Harry Potter, de hecho fue el primer libro que le pedí a mi mamá que me comprara. Jamás olvidaré la sensación de entrar al foro para rodar en Hogwarts y ver a cientos de jóvenes con sus uniformes y sus lechuzas en jaulas. Me dieron ganas de llorar. Siento que esto es lo que provoca J.K. Rowling entre sus lectores, vivir en un mundo alterno a través de sus libros creando lugares en donde el público pueda sentirse embelesado por lo que acontece”, declara Zoë Kravitz.

Finalmente, de acuerdo con los protagonistas, esta cinta promete ser uno de los viajes más sintomáticos en la historia de la comunidad mágica, una incertidumbre que sólo J.K. Rowling puede crear alrededor del mundo de la magia.


‘Bohemian Rhapsody’


Una magna celebración a Freddie Mercury y Queen.


POR Óscar Uriel  



Foto: Alex Bailey/20th Century Fox

‘Bohemian Rhapsody’

La película pudo haber sido una rapsodia suspendida. Sin embargo, sus protagonistas lograron lo que parecía casi imposible: una producción cinematográfica sobre la controvertida vida de Freddie Mercury. Platicamos en exclusiva con ellos.

Retratar la vida de quien probablemente sea el frontman por excelencia de la música moderna es una provocación fílmica nada fácil de ejecutar. Desde el 2010, un grupo de realizadores cinematográficos en conjunto con los miembros remanentes de Queen habrían tratado de producir un largometraje que honrara la vida de Freddie Mercury, el virtuoso compositor e intérprete quien se transformaría en una de las personalidades más provocativas de la música del siglo pasado.

“Soy de los actores que se portan muy mal en el set porque me gusta continuar explorando las distintas posibilidades que podemos encontrar en una escena. No sé a que se deba esto pero una vez que la cámara empieza a grabar, simplemente no puedo parar. Hay una broma en la industria que va que si estoy involucrado en una secuencia, habrá una gran cantidad de tomas”, dice de manera graciosa Rami Malek, el intérprete seleccionado de entre varios actores para caracterizar a Mercury en esa apoteosis cinematográfica titulada apropiadamente Bohemian Rhapsody, la cual captura los momentos relevantes en la vida del cantante y del resto de los integrantes de Queen.

“Recuerdo que al final de mi primera conversación que tuve con los productores previa a mi contratación, les dije: ‘Haré prácticamente cualquier cosa con tal de hacer esta película’. Siempre tuve la seguridad que esta oportunidad representaba el personaje que cualquier actor soñaría con interpretar y es que la identidad de Freddie es tan compleja y atrayente que provee a los actores de un abanico infinito de posibilidades. Graham [King, productor responsable de cintas como La reina Victoria y Frost/ Nixon, entre otras] me miró y dijo: ‘No hay nadie más considerado para este personaje. Solamente nos hemos entrevistado contigo’. Regresé a casa para estar con mi familia porque lo necesitaba. Se trataba de uno de esos momentos en donde quieres estar con los tuyos. Platiqué con mi madre y hermano y les conté lo que me acababa de suceder. Ellos me miraron con sospecha, entonces dudé de lo que había sucedido horas atrás. Era un sentimiento muy extraño”, añade el actor, quien es reconocido internacionalmente por su mesurada caracterización de Elliot Alderson en el serial de culto Mr. Robot, el cual cuenta con una sólida legión de seguidores en todo el mundo.

Malek nunca vaciló de su capacidad para poder interpretar a tan icónico personaje; de hecho, a dos semanas de haberse entrevistado con los productores decidió enviar un video en donde caracterizaba a Mercury en una entrevista, la cual había encontrado en YouTube. El actor estaba resuelto a interpretar al legendario cantante a como diera lugar.

“Justo me encontraba en medio del rodaje de Mr. Robot, por lo que realmente no tenía mucho tiempo para hacer otra cosa, pero encontré el momento para preparar un video que tenía como propósito convencer al estudio de que yo era la mejor alternativa para el proyecto. Fue muy peculiar porque lo grabé sin que alguien me diera réplica, ya que incorporaba la pregunta a la respuesta que daba a cámara (ríe). Creo que al final todo funcionó”, nos confiesa Rami Malek en la cándida charla acontecida en Londres, Inglaterra, meses después de haber concluido uno de los rodajes más polémicos registrados en los últimos años.

Un complicado génesis para una ‘biopic’ de carácter oficial
La idea de convertir la apasionante vida de Freddie Mercury en una película data de ocho años atrás cuando Graham King se reunió con Brian May y Roger Taylor con el objetivo de concebir una película sobre Queen teniendo como eje central la figura de Mercury. La idea de producir esta cinta parecía seducir a todos, sin embargo, la pregunta era: ¿Qué parte de la historia de Freddie y de Queen se contaría? “Buscamos siempre hacer una celebración a la vida de Freddie. Nunca consideramos retratar la enfermedad y muerte del cantante. Era una parte de su vida que no nos interesaba en absoluto explorar contrario a lo que se publicó en distintos medios de comunicación”, confiesa el productor Graham King al preguntarle sobre las versiones que aseguraban que lo realizadores querían hacer una película casi familiar, a pesar de la polémica vida del artista, en específico su condición homosexual y su padecimiento de sida.

La salida del comediante Sacha Baron Cohen del proyecto también amparó tales afirmaciones. A pesar de que el actor había manifestado su interés en caracterizar a Mercury y de que los fans habían expresado su aprobación con la elección, Baron Cohen salió del plan de rodaje teniendo como excusa el clásico pronunciamiento de “diferencias creativas” aunque se reportó que el intérprete nunca estuvo de acuerdo con la aproximación tan ligera y candorosa que los realizadores pretendían realizar del personaje de Mercury.

“Sacha fue considerado pero también Ben Whishaw. La preocupación de Brian y de Roger era que el carácter casi implícito de comediante que posee Baron impediría al público estar convencido de que se encontraba frente al Freddie que queríamos presentar en la cinta. Estamos hablando de una figura icónica por demás reconocida y amada por el público”, añade el productor. Dexter Fletcher también se integró al proyecto como director a cargo de la misión. Aunque las credenciales de Fletcher eran un tanto endebles (Wild Bill y Eddie The Eagle entre ellas), la propuesta del realizador impresionó tanto a King como a Brian May y Roger Taylor, consiguiendo uno de los encargos más anhelados en la industria en los últimos años.

Los problemas en ese renglón también empezaron a manifestarse casi de inmediato. Debido a la pluralidad en el equipo de productores, las opiniones con respecto al tratamiento del libreto variaban de tal forma que el desconcierto provocó la salida de Fletcher y del actor Ben Whishaw. “Es totalmente falso que Brian May quiso tomar el control de la película. Yo compré los derechos de la vida de ellos y busqué involucrar a Brian y a Roger activamente en el proyecto, pero nada más. Ellos podrían opinar en las distintas decisiones creativas pero nunca estuvimos condicionados a sus criterios. El proceso de gestación de Bohemian Rhapsody fue largo y en el camino algunas personas no obtienen lo que desean por lo que se dicen cosas falsas. La verdad es que yo jamás salí a desmentir lo que se publicaba porque finalmente tenía una película qué hacer. Esa era mi prioridad”, agrega contundente King sobre los distintos rumores que circularon durante la realización de esta película.

El controvertido caso de Bryan Singer
De acuerdo a King, la preocupación más grande era el poder condensar la carrera de Mercury y Queen en una película de dos horas de duración. El productor recordaba cómo años atrás había desistido en hacer una biografía de Alejandro Magno que dirigiría Martin Scorsese y sería protagonizada por Leonardo DiCaprio [antes de la versión de Oliver Stone] porque el realizador había llegado a la conclusión de que se necesitarían 10 horas para contar esa historia en particular. Algo que funcionaría mucho mejor en el formato de miniserie para televisión.

“¡Nos tomó tanto tiempo tener un libreto de Bohemian Rhapsody del cual me sintiera satisfecho! Creo que no me había pasado antes en mi carrera. Tenía una responsabilidad muy grande con la banda, quienes me habían cedido los derechos, con la gran legión de fans de Queen y sobre todo con el estudio que había confiado en mí para hacer esta película y me había dado el dinero para producirla. En ocasiones tardas hasta ocho años en tener un guion adecuado”, continúa King quien sintió que la primera versión del guion de la autoría del reconocido Peter Morgan no era lo que se buscaba en un principio.

Entonces, apareció Bryan Singer. “Bryan llegó a mi oficina para platicar de películas en general. Es un amante de la cinematografía internacional. Por supuesto que me había encantado Los sospechosos comunes. Desde un principio le aclaré que yo no era un fan de X-Men para ir clarificando el terreno. Por una cuestión que aún no recuerdo, había en mi escritorio algunos álbumes de Queen y me dijo: ’Supongo que alguien está produciendo esa película. Me hubiera encantado dirigirla’. Paradójicamente justo en esos días habíamos encontrado un ángulo narrativo interesante a explorar en la cinta, le platiqué del proyecto en general pero su reacción inmediata fue: ‘No encontrarás a un actor joven que pueda caracterizar a Freddie. Es prácticamente imposible’. Fue entonces cuando le mostré la audición que había realizado Rami”, manifiesta King.

La saga para encontrar a un Freddie Mercury prototipo
“Uno de mis asistentes mencionó el nombre de Rami Malek. Sabía de la existencia de la serie de televisión Mr. Robot pero no estaba familiarizado con ella. Volé a Los Ángeles y me entrevisté con él. Era tal su entusiasmo que grabó videos imitando a Freddie de tal manera que convenció a los demás productores, al estudio, a los integrantes de la banda y a mí”, continúa recordando King quien asegura que después de contratar a Bryan Singer para dirigir la película, el proyecto empezó a tomar forma.

De acuerdo a reportes de la BBC, el rodaje de la película fue una experiencia muy dura para todos los involucrados. Singer siempre se ha distinguido por poseer una manera muy particular de dirigir imponiendo su estilo y carácter a lo que hace por sobre todo los demás. Inmediatamente su personalidad chocó por completo con la de Malek, ocasionando un conflicto mayúsculo en el set y provocando que Singer fuera suspendido de la filmación a dos semanas de concluir la fotografía principal.

“Yo nunca corrí a Bryan Singer, el estudio lo hizo. De hecho, sigo en contacto con él, seguimos hablando por teléfono. Los problemas no se dieron entre nosotros. Justo durante el rodaje, Bryan estaba pasando por una situación personal muy complicada. Su madre estaba muy enferma y en ciertas ocasiones creo que hay cosas más importantes que estar haciendo películas. Bryan quería suspender el rodaje para atender su circunstancia familiar. Creo que proponía un par de meses de pausa, algo a lo que el estudio se negó rotundamente. Considero hasta de cierta manera que estaba siendo responsable con su trabajo. Él mismo reconocía que sus pensamientos e intereses no estaban propiamente en la película”, añade King al aludir el controvertido episodio, mismo que fue reportado en distintos medios de comunicación dando una sensación de incertidumbre alrededor de la producción.


Reseña: ‘Halloween’


40 años después, Michael Myers está de regreso en busca de venganza.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Universal Pictures

Reseña: ‘Halloween’

Halloween
Jamie Lee Curtis
Universal Pictures

Pareciera que no han transcurrido cuatro décadas desde aquel mítico Halloween orquestado por John Carpenter, pues tanto Lee Curtis como el espeluznante personaje de Michael Myers parecen estar en las mejores condiciones. Lo que el director David Gordon Green hace es simplemente respetar los preceptos de la original ofreciendo al público divertimento puro.

Una característica básica para esta época es la imprescindible inflexión de sentido de humor y esta secuela lo tiene, sin desvirtuar el cuento de horror original convirtiéndola en una entretenida función. Habrá quien la califique como una continuación más, que a simple vista pareciera ser una suma de los lugares comunes de la historia. Sin embargo, resulta más placentero ver reunida a la familia completa otra noche de brujas.


Reseña: ‘Nace una estrella’


Entre Lady Gaga y un director nuevo.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Warner Bros. Pictures

Reseña: ‘Nace una estrella’

Nace una estrella
Bradley Cooper
Warner Bros. Pictures

Bradley Cooper ingresa al campo de los actores convertidos en directores eligiendo una clásica historia que se ha llevado a la pantalla en cuatro ocasiones. Es la anécdota milenaria de la gran artista que está por ser descubierta por una leyenda de la música iniciando una relación autodestructiva.

Lo que funciona de esta versión es la dirección clara y aguda de Cooper contando una trama convencional pero enriqueciéndola con detalles. Hay una evidente falta de presunción en este limpio trabajo. Lady Gaga merece mención aparte con su caracterización de Ally y aunque es evidente la carencia de herramientas a la hora de ejecutar escenas dramáticas, su presencia en el escenario corresponde a la de una verdadera estrella.


La resurrección de Michael Myers


Uno de los mitos favoritos del cine de horror regresa con distinto aspecto y es que David Gordon Green revisita ‘Halloween’ para estos tiempos.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Universal Pictures

La resurrección de Michael Myers

Una secuela más de Halloween. Simplemente la idea de escuchar un concepto con esta característica nos remite a un asunto agotado y caduco. Sin embargo, te invitamos a considerarlo una vez más teniendo en cuenta que el director es David Gordon Green.

El realizador simplemente es considerado una de las voces más interesantes del cine independiente de Estados Unidos en las últimas décadas. Títulos como George Washington, All The Real Girls y Señor Manglehorn confirman una filmografía que tiene como base la exploración de géneros fincada en sólidos guiones y espléndidas interpretaciones por parte de sus repartos. Aunque el realizador ha logrado mantenerse al margen de los estándares de producción de Hollywood, de vez en cuando ensaya con ellos (tal y como fue el caso con la irreverente y políticamente incorrecta comedia Pineapple Express, protagonizada por James Franco hace algunos años) pero jamás había explorado en el género del horror, aunque siempre ha manifestado una admiración particular por el trabajo del legendario John Carpenter.

Probablemente lo único que comparte Gordon Green con Carpenter es ese carácter autónomo e indómito para concretar sus ideas en películas producidas con escasos recursos. La cinta original de Halloween, estrenada en 1978, ha sido la película independiente más redituable en la historia del cine de Norteamérica.

“La primera película de Halloween nació 40 años atrás. Moustapha Akkad y su socio Irwin Yablans empezaron a trabajar en una compañía de cine independiente llamada Compass International Pictures. Estaban en la búsqueda de proyectos autofinanciables lo cuales pudieran distribuir, además de admitir una admiración particular por el cine que realizaba John Carpenter, sobre todo Asalto a la comisaría del distrito 13. Un buen día decidieron tener una reunión de trabajo con el director y Carpenter les presentó un proyecto titulado Los crímenes de las niñeras. Ellos decidieron correr el riesgo y el resto es historia, comenta en exclusiva Malek Akkad, uno de los responsables de la casa productora Blumhouse quien ha avalado proyectos como ¡Huye! y la serie de películas de 12 horas para sobrevivir y cuya familia trabajó por años dentro del cine viéndose involucrada de manera directa en la creación de la primera Halloween, hace cuatro décadas atrás.


Poco convencional


‘Buscando…’ un thriller narrado a través de dispositivos y monitores de computadoras.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Sony Pictures

Poco convencional

Aunque no se trata de una novedad en todo el sentido de la palabra (hay antecedentes de este ejercicio cinematográfico), Buscando… se diferencia del resto de las películas que verás esta temporada. La pesadilla de todo padre de familia moderno se convierte en una realidad.

Las redes sociales se han transformado, en ocasiones, en peligrosas trampas en las que los adolescentes pueden caer con facilidad provocando la preocupación de sus familiares. El joven realizador Aneesh Chaganty ideó (en conjunto con Sev Ohanian) una película que aborda tal urgente coyuntura pero con una sugestiva vuelta de tuerca: se contaría a través de redes sociales.

“Simplemente era algo que me parecía completamente distinto, que no había visto en el pasado. Se trataba de un proyecto del cual creí que podría aprender mucho”, nos dice en exclusiva el imponente director ruso Timur Bekmambetov quien fungió como productor y principal impulsor de la película. De esta forma, Chaganty y Ohanian se dieron a la creativa tarea de construir una trama de suspenso en la que el espectador fuese descifrando en conjunto con el padre de familia (John Cho) lo que le ha sucedido a su hija de 16 años quien desapareció súbitamente, como si se la hubiera tragado la tierra. Después de 36 horas de estar ausente y desconocer su paradero, el padre decide iniciar la búsqueda por su propia cuenta empezando por las pistas que pudieran existir en la computadora de su hija.


Reseña: ‘Papillon’ – Charlie Hunnam


Charlie Hunnam y Rami Malek protagonizan este remake de la cinta de 1973.


POR Óscar Uriel  



Reseña: ‘Papillon’ – Charlie Hunnam

Papillon
Charlie Hunnam

Este remake no resulta tan impresionante como la original de 1973 protagonizada por Steve McQueen y Dustin Hoffman, ambos en su mejor momento de popularidad, pero la nueva versión es una efectiva película de fuga que mantiene la atención de la audiencia todo el tiempo. Las memorias (un tanto difusas y al servicio de la película) de Henri Charrière, quien se convierte en convicto de un crimen que no cometió para ser recluido en la Guayana Francesa, se transforman en lo que probablemente es una anécdota ordinaria para un público acostumbrado a tener acceso a este tipo de relatos en distintos medios (al contrario de lo que sucedía en los años setenta). Sin embargo, las actuaciones de Charlie Hunnam y Rami Malek son para echarle un vistazo a lo que aparentemente es otro relato de “triunfo del espíritu”.


Luchar o Morir


El realizador Shane Black y la actriz Olivia Munn poseen más que una semejanza en común. Ambos colaboran en la secuela de ‘El depredador’ y son dos personalidades distintas en la jungla de Hollywood.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía 20th Century Fox

Luchar o Morir

Los terroríficos cazadores de otro planeta arriban al suburbio americano recargados y reforzados para vencer finalmente a la humanidad. Aunque la figura de El Depredador se ha convertido en un ícono del humor involuntario implícito en el cine de género, es innegable la popularidad de este personaje dentro de la legión de seguidores de la ciencia ficción. Existe un controvertido imán entre este antihéroe alienígena y el público, a pesar de que nace como un adversario a vencer por Arnold Schwarzenegger en el cine comercial representativo de los años ochenta.

Disimuladamente, el concepto de El Depredador ha producido tres secuelas de éxito relativo considerando inversión contra ganancia y algunos infames crossovers en donde lo empatan con la figura venerada de Alien, los cuales han sido descalificados por puristas del género pero paradójicamente convertidos en sendos éxitos por el público que únicamente pretende entretenerse sin dificultad alguna.

Ahora llega una versión un tanto particular. Se trata de una revisitación del concepto llevado de la mano de Shane Black, uno de los ya legendarios guionistas por excelencia del género de acción. Black fue el escritor detrás de la serie de cintas de Arma mortal a finales de la década de los ochenta y principio de los noventa. Uno de los primeros guionistas del cine comercial en Hollywood en transformarse en una superestrella gracias a los escandalosos honorarios obtenidos por libretos como El último boy scout (1991) y El largo beso del adiós (1996), ambos sendos fracasos en taquilla. “Mi carrera puede definirse en dos etapas. Antes y después de Iron Man 3 (2013). Ingresé a un programa de rehabilitación y desde entonces he tratado de mantenerme productivo con respecto a mi trabajo”, confiesa Black en una charla informal acontecida a propósito de su aproximación a la franquicia de El Depredador.


Henry Cavill: el dilema del personaje


El intérprete británico confiesa las ventajas y obstáculos de saltar entre mundos totalmente contradictorios.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía Paramount Pictures

Henry Cavill: el dilema del personaje

“Era prácticamente imposible que me rasurara el bigote para los llamados extras de Liga de la justicia. Finalmente había hecho un compromiso con los productores de la película que rodaba en ese momento, en la cual estaba prácticamente todo el tiempo pendiendo de un helicóptero. Si hubiera usado uno falso, estoy seguro que hubiese complicado las cosas”, confiesa Henry Cavill, el británico intérprete quien aparece en dos universos cinematográficos que no pueden ser más distintos entre sí, por un lado interpreta a Superman en las controvertidas versiones de DC Entertainment y por el otro se integra al mundo del espionaje internacional como August Walker, agente de la CIA, quien es el único con el poder de enfrentar a Ethan Hunt (Tom Cruise) en la más reciente entrega de Misión: imposible titulada sugestivamente Repercusión.

Nadie consideró que en algún momento ambos rodajes se enlazarían debido a circunstancias ajenas a las agendas de producción. Los ejecutivos del estudio detrás de Liga de la justicia requirieron de los ya frecuentes reshoots una vez que Joss Whedon llegó para relevar a Zach Snyder en la postproducción de la película. Para entonces Cavill ya se encontraba inmerso en la realización de la nueva entrega de Misión: imposible portando un mostacho característico del personaje.

“Debo confesar que yo fui quien propuso que August portara ese bigote porque considero que ese detalle dice: ‘Este hombre puede tomar decisiones por sí solo’. Sin embargo, cuando escuché que se requerirían de la realización de nuevas secuencias para Liga de la justicia, inmediatamente supe que el asunto se complicaría. ¿Rasurarlo? Imposible. El calendario de producción no me lo permitía pues el rol de August requiere estar gran parte del tiempo suspendido o realizando complicadas coreografías de peleas…


Entre tiburones prehistóricos


El actor Jason Statham y el realizador Jon Turteltaub nos comparten su experiencia en ‘Megalodón’, una de las películas más excéntricas de esta temporada.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía de Warner Bros. Pictures México

Entre tiburones prehistóricos

El director Jon Turteltaub tiene un carácter afable y sencillo que lo llevó a realizar una película de lo más excéntrica titulada Megalodón. Un tiburón. Un tiburón prehistórico que acecha a un grupo de humanos comandados por Jonas Taylor, personaje caracterizado por Jason Statham. La cinta es parte película de acción, ciencia ficción y por supuesto comedia. La típica producción palomera de verano.

“A pesar de que en la industria del cine se viene trabajando con efectos digitales desde hace 20 años, tengo la sensación de que todavía continúa ese sentimiento de novedad porque la evolución continúa. No había hecho antes una producción que necesitara tal cantidad de CGI. Me gusta trabajar con esta herramienta pues considerando lo complicado de la historia mantienes a un elenco y equipo de producción a salvo. No tienes que enfrentarlos a tiburones reales ni exponerlos a secuencias de explosiones. El desafío aquí es que debido precisamente a los efectos especiales, tienes una cantidad de vastas posibilidades a dónde ir y eso puede ser intimidante porque desde mi punto de vista, usualmente los buenos resultados nacen de las mismas limitaciones. Esta situación te pue- de paralizar por lo que debes de ser lo suficientemente inteligente para tomar las resoluciones adecuadas”, con esa el director, quien encontró en Megalodón el vehículo adecuado para emplear toda su competencia como realizador cinematográfico.