Los 20 mejores discos de 2013


Los álbumes más destacados de este año, según Jon Dolan , Will Hermes , Christian Hoard , Rob Sheffield, y Simon Vozick – Levinson.


POR Staff Rolling Stone México  



Los álbumes más destacados de este año, según Jon Dolan , Will Hermes , Christian Hoard , Rob Sheffield, y Simon Vozick - Levinson.

Como todos los años Rolling Stone Estados Unidos realizó su conteo de Los Mejores Discos del 2013, entre los que podemos encontrar diferentes propuestas que van desde el country, el indie, el rock y el hip-hop. Una mezcla por demás ecléctica entre los nuevos valores de la música y los artistas clásicos que refrescaron su imagen.

A continuación presentamos los primeros veinte discos que conforman esta lista compilada por Jon Dolan , Will Hermes , Christian Hoard , Rob Sheffield, y Simon Vozick – Levinson.

Modern Vampires of the City1.- Vampire Weekend – Modern Vampires of the City

Los dos primeros discos de Vampire Weekend mostraban un sonido como ninguno otro en el rock: una preciosa mezcla de indie pop, ritmos africanos de guitarra y letras secas que a veces eran demasiado lindas para su propio bien. Pero con Modern Vampires of the City, ellos profundizaron, agregando enfoque y un toque de ambición a toda esa sofisticación. En 2013, no otro disco combinó el peso emocional con la habilidad de estudio y el ritmo pegajoso que tiene éste. Es uno de los grandes álbum del rock sobre mirar hacia la madurez y tratar de no parpadear – ese momento en el que, como el vocalista Ezra Koening lo menciona, te das cuenta que “wisdom’s a gift/But you’d trade it for youth.” La música es esculpida y sutilmente loca, con toques de orquesta que balancean la belleza de himnos y los ritmos infectados de dub.


Kanye West - Yeezus

2.- Kanye West – Yeezus

La obra maestra electro de Kanye es su álbum más extremo, lo cual ya es decir algo. No es por nada que el fallecido Lou Reed adoptó Yeezus, ya que básicamente es el concepto de Metal Machine Music traducido en hip-hop futurista, todo ritmo industrial y egomanía hipertensa con vibras hostiles. La música es mitad la onda oscura synth, mitad baile jamaiquino.Pero es todo Kanye, llevándote por un tour guiado de la mierda dentro de su cerebro. Él se queja sobre la política racial (“New Slaves”), pide a gritos sus croissants (“I Am a God”), se prende como una máquina sexual robótica (“I’m in It”). Él convive con El Señor, quien está de acuerdo que Kanye es la neta. Y tal como termina con el himno setentero “Bound 2”, tal vez la canción más audaz que ha escrito, sin mencionar la más hermosa.


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3.- Daft Punk – Random Access Memories

Ahora que el mundo del pop se puso al corriente con lo que Daft Punk estaba haciendo hace 15 años, naturalmente los pioneros franceses del electro decidieron romper todo y empezar de nuevo. Así que pasaron la mayor parte de Random Access Memories haciendo fusiones funk al estilo de los setentas, con reminisencias de Steely Dan o Average White Band. ¿Es una movida extraña en el cénit de la era EDM? Sí. (Cualquier álbum que tiene apariciones de Julian Casablancas de The Strokes, el padrino italiano del disco Giorgio Moroder y el rey del shlock-pop de los setentas Paul Williams, trabaja bajo sus propios términos) ¿Es genial? ¡Claro que sí! Y por todos aquellos detalles de música en vivo, Daft Punk prueban que son fans del pop de corazón con “Get Lucky” – un clásico disco en el que Pharrell y el gran Nile Rodgers brindan por las estrellas.


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4.- Paul McCartney – New

El sonido de un Beatle de 71 años que regresa al ring. McCartney toca con sus fortalezas: Rock-glam al estilo Wings, aullidos de Little Richard y sí, algunas canciones pop beatlescas y arreglos á la George Martin (gracias en parte a que Giles, hijo de Martin, produjo algunos tracks). “Early Days” reta los malentendidos restantes sobre el papel de McCartney en The Beatles. (“I don’t see how they can remember/When they weren’t where it was at”). Sir Paul también se involucra en el pop del siglo XXI con oídos aguzados, introduciendo a productores como Paul Epworth, Mark Ronson e Ethan Johns. E incluso rockea en un casi rap y estilo juguetón como de Lady Gaga en “Queenie Eye”. Como Macca entiende mejor que todos, el rock & roll es propulsado por un hambre de buenos tiempos y una exhuberancia eterna.


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5.- Arcade Fire – Reflektor

Setenta minutos de dance-rock de pantalla ancha co-producido por James Murphy de LCD Soundystem, la banda familiar que llena arenas, tira alto que hace lo que The Clash, Talking Heads y tantos antes que ellos han hecho: reconcectar el rock a su alma bailable. Hay flashes de glam, punk, disco, electro, dub, reggae y rarezas haitianas. Siendo Arcade Fire, también hay crítica cultural y emo-dramática (viendo a las pantallas: ¡No lo hagan!). Claro que hay quienes lo odian; los que se rascan la mandíbula y debaten la política y las corrientes caribeñas del álbum. Pero esa habilidad de provocar sentimientos reales es lo que lo hace genial. Y no estrenar este año y tener un rollo más entretenido. Stephen Colbert los llamó pretenciosos en su cara; ellos se rieron también. Y así empezó la fiesta.


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6.- Queens of the Stone Age – …Like Clockwork

Josh Homme regresó de una enfermedad qe amenazó su vida, llamando a un grupo de amigos rockeros (Dave Grohl, Trent Reznor, Elton John) y revivió su mordaz estilo arch-metal para iniciar un tórrido y aterrador Camaro sólo como él puede. Homme combina amenazadores riffs y refinación glam, sonando como un Bowie renacido como un rey del inframundo. “Fairweather Friends,” con Grohl y Sir Elton, es una fiesta grunge-grease. En “I Sat by the Ocean,” Homme revienta riffs y canta con “a potion to erase you“. Aún a pesar de la asombrosa vibra negativa y genuino ingenio retorcido (como”If I Had a Tail”), Clockwork pegó con una pesadez cotidiana que es muy rara de encontrar estos días. Además, el rey de Queens todavía tiene el mejor falsetto de rock de su generación.


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7.- Lorde – Pure Heroine

“We don’t care/We aren’t caught up in your love affair,” declará la estrella pop de Nueva Zelanda de 17 años Ella Maria Lani Yelich-O’Connor en su éxito “Royals”, una golpe directo a la cultura guiada por el estatus en nombre de cada chico sin dinero (y adulto también) cansado de ello. El álbum debut de Lorde terminó dominando las listas de pop de todas maneras, gracias a una voz sutil, adulta hip-hop y los jams de sintetizador tan pegajosos como los de los éxitos de Miley o Katy. Situado en el contra latido mínimo de la música, sus letras lánguidas aforísticas equilibran una arrogancia de estrella de rock de Lorde y angustia adolescente, así que letras como “We’re hollow like the bottles that we drain” or “We’re so happy, even when we’re smiling out of fear” tienen un poder enervante como nada que se haya visto en 2013.


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8.- The National – Trouble Will Find Me

Estos chicos de Brooklyn han pasado la última década construyendo sureputación de serlos sadsters más resplandecientes del indie rock, una banda cuya música adornada coincide con la angustia al estilo de The Cure del vocalista Matt Berninger. Pero en el mejor disco de su carrera, ellos nuevamente logran ese sonido ricamente ornamental para revelar su esencia pop black-candy. Berninger gime sus súplicas románticas afligidas como un hombre ahogándose en el exceso, evocando a Leonard Cohen,con ritmos sobre una espiral tensa y el brillo de una guitarra brumosa. Las canciones rápidas de The National nunca hantenido tal surgimiento inmediato y sus melodías lentas nunca han tenido tal poder elegíaco. “If you want to see me cry, play Let It Be or Nevermind,” canta Berninger en “Don’t Swallow the Cap,” logrando expresar la ambición del álbum de hacer rock con cambios de ánimo y un sentimiento old-school.


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9.- Arctic Monkeys – AM

En su quinto álbum la banda británica por excelencia se mudó a Los Ángeles, bebe de las fuentes del glam de David Bowie y viejas cintas de Aaliyah e hicieron una bestia de disco, perfecto para ese momento en la tarde cuando te das cuenta que tal vez ese séptimo mensaje de texto que enviaste borracho a tu ex novia no era una buena idea. El disco fue inspirado por el rompimiento de Alex Turner con la modelo y anfitriona de TV Alexa Chung y canciones con “Why’d You Only Call Me When You’re High” y la dolorosa  “Do I Wanna Know” están llenas de un ardor enconado. El interesante “chip-shop rock & roll” (como Turner lo llamó) de discos anteriores fue reemplazado por una paranoia de rock desértico y la frágil melodía de “Mad Sounds”, anunciando que la fiesta terminó podría ser el dulce eco de Velvet Underground y el año final de Lou Reed.


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10.- John Fogerty – Wrote a Song for Everyone

Las canciones que escribió John Fogerty en Creedence Clearwater Revival están incrustadas en el grano americano tal como cualquier rock & roll. Pero esta colección de éxitos de Creedence y tracks solistas – grabados con fans como Bob Seger, My Morning Jacket, Keith Urban, Miranda Lambert y Foo Fighters – muestra cuan vital y relevante se mantiene su composición musical cuarenta años después de que era dueño de la radio. Fogerty actualiza si misiva a la Guerra de Vietnam “Fortunate Son” para la era de Irak-Afganistán apoyado por Foos, se expresa en “Born on the Bayou” juto con Kid Rock, desenreda la balada “Someday Never Comes” con Dawes y se enreda en un duelo de guitarras con Brad Paisley en la subestimada joya solista “Hot Rod Heart”. El resultado es una fabulosa conversación en un disco – sin mencionar lo bien que la
pasamos.


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11.- Parquet Courts, Light Up Gold

Las canciones en el álbum pionero de Parquet Courts son rápidas, breves y divertidas. Los chicos de Brooklyn tomaron inspiración de la vibra de los noventas de Pavemet o Archers of Loaf, golpeando su gloria en el ritmo climático de guitarras “Stoned and Starving”, en el que elegir botanas en una bodega, se siente como una aventura épica.


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12.- Jake Bugg, Jake Bugg

El cantautor británico de 19 años es un revivalista acústico con las agallas para sacudir las tradiciones que ama, en su debut, Bugg le dio al Bob Dylan, Buddy Holly y los Everly Brothers del ’62 una carga presuntuosa de Oasis, mientras que acompañó sus canciones de observaciones agudas sobre la confusión de la edad adulta y la lucha callejera.


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13.- Disclosure, Settle

Este dúo británico de hermanos podría ser demasiado joven para entrar a alguno de los clubes en los que su música está sonando. Pero irrumpieron en la historia disco (“White Noise” podría ser un clásico techno de la vieja escuela). Settle suena como una antología de grandes sencillos de club, usando vocalistas invitados y saltos estilizados para fluir como una cinta de fiestas expertamente curada.


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14.- Drake, Nothing Was the Same.

Con Kanye respirando fuego en aire rarificado, Drake es el rapero del pueblo, un chico list conflictuado sobre su fama, corazón, familia.. todo a excepción de su potencia al micrófono. Pero lo que hace que este viaje fantástico en solitario importe es su peso emocional, el cual llega a su amplificación crucial en los beats envolventes de Noah “40”, Shebib.


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15.- Atoms for Peace, Amok

El proyecto alterno de Thom Yorke mueve tu cuerpo, aún como lo hacen las cosas antinaturales de Radiohead en tu mente. Acompañado por Flea y el productor de Radiohead, Nigel Godrich, Yorke rara vez ha sonado tan libre, vocalmene hablando y el matrimonio de la música con la improvisación en vivo y la mezcla en el estudio le da una paleta rica con la que puede jugar.


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16.- David Bowie, The Next Day

El primer viaje de Bowie en 10 años se torna más fascinante y más raro conforme lo escuchas (sobre todo la inteligente parodia de Leonard Cohen “You Feel So Lonely You Could Die”). Pero es la emocióon desnuda de “The Stars (Are Out Tonight)” que suma lo que The Next Day representa — fuerte, melódico, intenso, con el hombre empujando su voz delgada hacia la estratósfera.


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17.- Danny Brown, Old.

La narrativa hip-hop callejera del año provino de un nativo de Detroit alocado con un don para la instrospección vívida y un gusto por los beats salvajes, del techno de Detroit de “Dubstep” a la trampa avant-garde de “Side B (Dope Song)”. No se puede hacer más perturbadoramente real que la crónica cruda y sexual de
“Dope Fiend Rental.”


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18.- Ashley Monroe, Like a Rose

Esta chica de Knoxville nos dio un jugoso set al estilo old-school, honky-tonk envuelto en acero, lleno de personajes tan reales como tus vecinos y cantó con el encanto y alma de Dolly Parton. Pero cuando Monroe sugiere el uso de látigos y cadenas a su hombre en “Weed Instead of Roses”, es claro que no es la música country que escucharía tu abuela.


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19.- Nine Inch Nails, Hesitation Marks.

En el primer álbum de Nine Inch Nails en cinco años, Trent Reznor dio una fiesta dance en el límite del olvido. Canciones como “Came Back Haunted” y “All Time Low” combinan el enredado impulso del NIN vintage con la atmósfera helada que Reznor ha llevado a su trabajo reciente en bandas sonoras.


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20.- Laura Marning, Once I Was An Eagle

Marling es la más atractiva cantautora que retoma sus raíces británicas, con una voz que evoca a una joven Joni Mitchell. Iniciando con una suite de siete canciones, su cuarto LP es el disco que Carey Mulligan en Inside Llewyn Davis, podría haber grabado tras sacar de su vida a Justin Timberlake. .

Para leer la lista completa de los mejores 50 discos de 2013, según los expertos de Rolling Stone Estados Unidos, haz click aquí.

Nota: El staff de Rolling Stone México no se hace responsable del contenido de la lista publicada arriba, próximamente les presentaremos nuestra propia compilación de Lo Mejor de 2013.



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