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Las mejores bandas sonoras de películas de terror


Ya sea con una escalofriante escala de piano o con un ensordecedor episodio de silencio, sería difícil imaginarnos algunas de las escenas más icónicas del cine de horror sin la música que las acompaña.


POR Andrea Calderón  



Las mejores bandas sonoras de películas de terror

¿Qué tan importante es la música en el cine? Bien lo dice el director Martin Scorsese: “La música y el cine encajan naturalmente, porque hay en ellos una especie de musicalidad intrínseca en la forma en que las imágenes en movimiento funcionan cuando se juntan con un sonido en específico”. Dicha frase queda explícita en el cine de terror.

Con excepción de los musicales, ningún género cinematográfico se sostiene más en la música como sucede en el cine de terror. La música en esta categoría es el alma de cualquier susto, ya sea con una escalofriante escala de piano o con un ensordecedor episodio de silencio, sería difícil imaginarnos algunas de las escenas más icónicas del cine de horror sin la música que las acompaña.

Presentamos algunas de las mejores bandas sonoras de películas de terror que lograron empatar la imagen con el sonido:

Halloween (1978)

Era 1978 cuando John Carpenter hizo Halloween, película que revolucionaría en aquella época el género de terror. El director tenía tan sólo 30 años cuando visualizó la cinta y todavía manejaba las cosas como un estudiante universitario, haciendo todo por sí mismo. Él coescribió el guión, dirigió a los actores y desarrolló una de las bandas sonoras más escalofriantes del cine de horror. Inspirándose en la misteriosa música de Suspiria (cinta dirigida por Goblin) y en el filme Psicosis con música de Bernard Herrmann, construyó una melodía de piano como el tema principal de la cinta, la cual causa tensión desde su inicio hasta la última nota.

Candyman (1992)

La música del compositor clásico Philip Glass ha sido utilizada en tantas películas que es sorprendente que Candyman haya sido su único roce serio con el horror contemporáneo. Según se dice, Glass quedó decepcionado por la película. Lo que para él había supuesto una ingeniosa nueva versión del cuento The Forbidden de Clive Barker, había terminado —en su opinión— en una película de bajo presupuesto. Aún así, no hay duda de que su banda sonora es una mezcla inusualmente espeluznante que incluye una perfecta unión de órganos, coros y un melancólico piano, convirtiéndola en una pieza imponente y apropiada para las sensaciones de la película.-

Suspiria (1977)

Antes de que el cineasta Dario Argento comenzara a trabajar en Suspiria (la sangrienta historia de 1977 que retrata una escuela de baile que oculta un siniestro secreto), el director necesitaba música que pudiera crear el ambiente sombrío que había estado pensado. Argento trabajó anteriormente con una banda progresiva en su cinta de 1976, Rojo Profundo, a los cuales les leyó el guión y les dio tres meses para escribir un soundtrack que pudiera cumplir con lo que Suspiria expresaba. La banda sonora fue creada y su magia fue tal que lograría que la cinta y el tema principal de la película permanecieran en el pensamiento colectivo. Para dicha composición se experimentó con instrumentos atípicos de la época como sintetizadores. Con el paso de los años, la música de esta película se convertiría en un canon de terror que sigue siendo influencia dentro del género hasta la fecha.

Cannibal Holocaust (1980)

El destello orquestal a cargo del compositor italiano Riz Ortolani en la cinta Cannibal Holocaust puede ser descrita como un agudo contraste. El despiadado gore que se expresa en este filme de los años ochenta causó uno de los contrastes más inquietantes en la historia del terror. La belleza agridulce de la guitarra acústica que acompañan a la música de esta cinta continúa siendo uno de los pilares más emblemáticos de la película.

El Resplandor (1980)

Después del éxito que consiguió Naranja Mecánica en 1971, la pionera de la música electrónica Wendy Carlos y la productora Rachel Elkind se reunieron con Stanley Kubrick para colaborar una vez más. Una de las fortalezas de Kubrick fue lograr incorporar que la música y la imagen se unieran perfectamente. Junto al editor de música, Gordon Stainforth, escogieron obras musicales de György Ligeti y Krzysztof Penderecki para envolver a el Hotel Overlook y a sus residentes en un entorno apropiadamente desquiciado.

El exorcista (1973)

Tubular Bells” de Mike Oldfield no fue escrita con el propósito de ser utilizada en la cinta, pero fueron sus acordes repetitivos capaces de añadirle una atmósfera espeluznante a cualquier situación, mismos que se convirtieron en el tema principal del filme. Sin dicho tema, tal vez la cinta El exorcista no se habría convertido en el clásico que representa hoy en día.

Psicosis (1960)

Tal vez no exista un sonido más representativo en el género del suspenso que las cuerdas chillonas que se escuchan al fondo de la escena de la ducha en Psicosis, cinta dirigida por Alfred Hitchcock. El compositor Bernard Herrmann había colaborado en trabajos cinematográficos como Ciudadano Kane, pero fue su trabajo con Alfred Hitchcock el más famoso de todos. Los misteriosos estados de ánimo por los que la cinta nos hace pasar como espectadores no son casualidad, es la inquietante y sugestiva música orquestal la razón de dichas sensaciones. En un principio, Hitchcock había querido que la escena que muestra el asesinato en la ducha fuera filmado sin música, con sólo los gritos de Janet Leigh de fondo y el sonido del agua corriendo por el desagüe, pero Herrmann le ofreció algo más. Desde ese entonces, las cuerdas tocadas con fuerza, aparentemente sonando en una frecuencia extraña, han asustado a muchas generaciones.


Bitácora cinéfila desde el TIFF


Arrancó el Festival Internacional de Cine de Toronto en su edición 40, y desde tierras canadienses les compartimos lo más destacado de lo que veremos durante los próximos 9 días


POR Staff Rolling Stone México  



Arrancó el Festival Internacional de Cine de Toronto en su edición 40, y desde tierras canadienses les compartimos lo más destacado de lo que veremos durante los próximos 9 días

Bitácora cinéfila desde el TIFF

Foto: Cortesía TIFF

Primera entrega desde el Festival Internacional de Cine de Toronto.

Por Arturo Aguilar

Arrancó el Festival Internacional de Cine de Toronto en su edición 40, y desde tierras canadienses les compartimos lo más destacado de lo que veremos durante los próximos 9 días.

Hitchcock/Truffaut

Para cualquier cinéfilo de hueso colorado, el libro de la larguísima entrevista entre Alfred Hitchcock y Francois Truffaut, que comparte ahora título con el documental, es una referencia obligatoria y una puerta de entrada a un nuevo nivel de entendimiento y análisis del cine. Detrás de esa idea, el director Kent Jones nos ofrece una visita audiovisual y modernizada de dicha conversación, en donde se expone la claridad y profundidad que estos dos icónicos realizadores puede tener sobre su quehacer artístico y sobre la forma en que funciona el cine como vehículo para contar historias. Por si faltara algo para provocar la curiosidad e interés de los amantes del cine, la cinta incorpora las opiniones de destacados directores como Martin Scorsese, David Fincher, Wes Anderson, Richard Linklater, Olivier Assayas, Kiyoshi Kurosawa, Peter Bogdanovich y Paul Schrader.

Mira el tráiler aquí

Dheepan

El director francés Jacques Audiard, responsable de las muy recomendables Lee mis labios, Un profeta y Metal y hueso, no deja de lado el retrato profundo, social y personal, alrededor de la idea de la adaptación, la asimilación y la integración, vista desde diferentes ángulos. Dheepan es un hombre que ha huído de Sri Lanka con su mujer y su hija. Pero la historia que cuentan para poder escapar de una guerra (en la que su rol y pasado juega una parte importante para la psicología del personaje central) y recibir asilo en Francia es distinta a la realidad. Una vez ahí, el ejercicio de integración y adaptación a un nuevo espacio, contexto y circunstancias (como en las películas antes mencionadas) se convertirá en el tema de fondo y en el eje para un filme emotivo, reflexivo, pero que siendo un buen e interesante filme (ganador de la Palma de Oro del festival de Cannes de este año) no alcanza la contundencia de esa obra mayor que es Un Profeta. Esta película lleará pronto a México, vía la Muestra de la Cineteca Nacional y el Festival Internacional de Cine de Morelia.

Sicario

Protagonizada por Emily Blunt, Benicio del Toro y Josh Brolin, y dirigida por el canadiense Denis Villleneuve, esta película cuenta la historia de una agente especial estadounidense (Blunt) quien es reclutada para una fuerza especial encargada de enfrentar directamente a grupos del narco, en Estados Unidos y en México. El escenario y la premisa sirven para poner en la mesa preguntas que van mucho más allá de la definición de buenos y malos en un enfrentamiento de este tipo, sino que se asoma en los demonios personales y sociales actuales que permiten tener monstruos de ambos lados de esas trincheras. Un gran trabajo de dirección con una fotografía extraordinaria de Roger Deakins. No se sorprendan que la película reciba varias nominaciones al Óscar el próximo enero.

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Guillermo Del Toro rediseña la secuencia inicial de ‘Los Simpson’


El video está cargado con guiños y referencias al género de terror, el cine de serie B y el trabajo del cineasta jalisciense.


POR Staff Rolling Stone México  



El video está cargado con guiños y referencias al género de terror, el cine de serie B y el trabajo del cineasta jalisciense.

Guillermo Del Toro rediseña la secuencia inicial de ‘Los Simpson’

Como parte de su participación en el episodio especial de Noche de Brujas, Treehouse of Horror XXIV, de Los Simpson, el cineasta jalisciense, Guillermo Del Toro, rediseñó completamente la icónica secuencia inicial del programa.

El video, cargado de referencias al género de terror, el cine de serie B y al propio trabajo de Del Toro, fue estrenado el día de hoy vía Entertainment Weekly.

El director de El Laberinto del Fauno, explicó que quería llevar su participación a otro nivel, con su propia versión de la famosa “couch gag” de los créditos iniciales de la serie creada por Matt Groening.

“Los créditos iniciales de Los Simpson son tan icónicos y sin embargo, nunca habían sido llevados por esta línea”, declaró. “Realmente quería aterrizar las conexiones del programa, sus escenarios y títulos, junto con algunas de las películas de terror más icónicas y revolverlo con un poco de mi trabajo, por puro gusto”, agregó.

Las mencionadas referencias van desde la inclusión de escenas o motivos de cintas de Del Toro, como Cronos, El Laberinto del Fauno y Hellboy, así como personajes como el Hombre Lobo, Drácula, Frankenstein y guiños a exponentes del género como Stephen King, Alfred Hitchock, Lovecraft y Edgar Allan Poe.

A continuación presentamos el divertido video.

El capítulo se transmitirá el próximo 6 de octubre por Fox.


Blu-ray: The Birds


Un clásico toma vuelo nuevamente.


POR Staff Rolling Stone México  



Un clásico toma vuelo nuevamente.

Blu-ray: The Birds

thebirdsblurayThe Birds
Universal Studios
Película:

Extras:

Esta cinta de 1963 es una muy buena carta de presentación del maestro del suspenso. Hitchcock tiene varias producciones para ovacionarle, sin embargo, esta película fue importante ya que reafirmó su capacidad de suspenso después del éxito de Psicosis. Los pájaros revoloteaban para atacar y matar a los humanos. Si no tienes la increíble The Masterpiece Collection: Limited Edition, puedes ir haciendo tu colección de forma independiente.


Nuevo avance de ‘Bates Motel’


‘Bates Motel’, la serie se transmitirá en A&E a partir de marzo de 2013 y abordará la adolescencia de Norman Bates, la relación con su madre y el pasado del famoso motel.


POR Staff Rolling Stone México  



'Bates Motel', la serie se transmitirá en A&E a partir de marzo de 2013 y abordará la adolescencia de Norman Bates, la relación con su madre y el pasado del famoso motel.

Nuevo avance de ‘Bates Motel’

Por @Ale H. Morando

Algunas películas y una que otra serie de televisión nos han enseñado que un asesino serial –un psicópata por llamarlo de alguna manera– no nace así, sino que las circunstancias que rodean su vida, muchas veces durante la adolescencia o edad temprana los conducen a ese comportamiento tan escalofriante.

A&E nos dará la oportunidad de adentrarnos en la vida y mente de uno de estos criminales, al presentarnos Bates Motel, una serie cuya trama funciona como precuela para la historia de uno de los asesinos psicópatas más famosos del cine: Norman Bates.

En lo que sus productores llaman una “increíble adaptación moderna” del thriller de Alfred Hitchcock, conoceremos a fondo la adolescencia de un joven y tímido Norman Bates interpretado por Freddie Highmore (Charlie y la Fábrica de Chocolates) y a la mujer más importante de su vida: su madre, quien cobrará vida gracias al trabajo de la nominada al Oscar, Vera Farmiga (Amor sin Escalas).

Claro que el pequeño y pintoresco pueblo costero donde Norma Bates y su hijo Norman se mudan al comprar el famoso motel, “esconde algo oscuro y maligno”, según menciona el productor de la serie, Carlton Curse (Lost). La serie girará en torno al joven Norman, y contará con insinuaciones de romance, asesinato, incesto y un oscuro secreto.

El elenco de la serie incluye a Nestor Carbonell (Lost) como el comisario local, Mike Vogel (Pan Am) como su alguacil y a Max Thieriot como el hermano mayor de Norman, Dylan Bates.

A&E dio a conocer un nuevo avance de Bates Motel, serie que se estrenará en marzo del próximo año. Además, la televisora organizó un concurso vía Facebook, en el cual las mejores ideas para los créditos iniciales de la serie serán tomadas en cuenta para crear la secuencia de apertura del programa.

Aquí el avance.


Primeros avances de ‘Bates Motel’ la serie precuela de ‘Psicosis’


La serie se transmitirá por A&E el próximo año y abordará los años mozos del famoso asesino serial Norman Bates.


POR Staff Rolling Stone México  



La serie se transmitirá por A&E el próximo año y abordará los años mozos del famoso asesino serial Norman Bates.

Primeros avances de ‘Bates Motel’ la serie precuela de ‘Psicosis’

Por Ale H. Morando

Da la impresión de que este 2012 fue el año de Alfred Hitchock, gracias a cintas biográficas del Maestro del SuspensoHitchcock y The Girl– y ahora  la serie televisiva Bates Motel, la cual dio a conocer dos avances que nos darán la idea del tono que tendrá la serie.

Bates Motel funciona como una precuela de Psicosis, con Freddie Highmore (Charlie and the Chocolate Factory) interpretando a un joven Norman Bates, y Vera Farmiga (Up in the Air) como su madre.

El primer episodio titulado “First You Dream, Then You Die,” nos dará a conocer el verdadero origen de la historia de Bates, por lo menos relacionado con el icónico Motel: “Norma Bates compra un motel en las afueras de un pequeño e idílico pueblo costero, con la esperanza de un nuevo comienzo con su joven y atractivo hijo, Norman Bates.

Bates Motel se transmitirá por A&E el próximo año, mientras tanto aquí los avances.


La Otra Cartelera – Top 10 de la Historia del Cine


La Otra Cartelera: Top 10 de la Historia del Cine


POR Staff Rolling Stone México  



La Otra Cartelera: Top 10 de la Historia del Cine

La Otra Cartelera – Top 10 de la Historia del Cine

Por Arturo Aguilar (@aguilararturo)

Hace tan sólo un par de semanas se dio a conocer la lista de las 100 Películas de la Historia del Cine Mundial, que cada 10 años publica la revista británica Sight & Sound. La importancia de este canon fílmico establecido por críticos, académicos e historiadores del todo el mundo (que esta vez congregó una cifra récord de participantes invitados por la publicación: más de 800 votantes) es tal que ha sido la lista responsable de que cualquier cinéfilo sepa que, tradicionalmente, El Ciudadano Kane ha sido llamada la mejor película de todos los tiempos.

Eso hasta hace dos semanas, cuando se dio a conocer que los resultados de la encuesta colocan a Vértigo, de Alfred Hitchcock, como la nueva número uno.

Previo a la publicación de los resultados de Sight & Sound, un grupo de colegas (participantes y no participantes en la encuesta) nos dimos a la tarea de hacer lo casi imposible para cualquier cinéfilo o amante del séptimo arte: definir nuestro personal “Evangelio de la Historia del Cine”. Resultaba sano (e interesante) hacerla antes de que saliera a la luz la lista de Sight & Sound, ver si se coincidía en observaciones o elecciones (más info de esas listas previas, acá).

La idea detrás de mi lista fue ‘simple’: Ver estas 10 películas nos permitiría comprender mejor al llamado séptimo arte, su evolución y logros en diferentes niveles (narrativos, temáticos, visuales). Un Dream Team personal de la Historia del cine.

Citizen Kane (Orson Welles, 1941). Welles tocó el cielo con su primera película. Arriesgada, valiente, anti-establishment, muy divertida, llena de efectos especiales, visuales, de cámara, de maquillaje, estructural y narrativamente sofisticada para sus tiempos, pero por encima de todo, de una contundencia inigualable en el retrato de un magnate vacío buscando llenar ese hueco. Su enorme trascendencia rebasa lo que se ve en la pantalla. Así de grande es.

Rashomon (Akira Kurosawa, 1950). Es posible contar la misma historia varias veces, desde distintas perspectivas, e involucrar al espectador en el intento de resolución de un crimen como nadie lo había hecho. Una innovación respecto a cómo contar historias.

The Searchers (Más corazón que odio/Centauros del desierto, John Ford, 1956). En el ocaso de la época dorada del western, Ford crea el retrato perfecto de la evolución, y sí, del propio ocaso, del vaquero y del lejano oeste. Más allá del romanticismo y heroísmo de la primera etapa de este género, en The Searchers nos encontramos con un protagonista demasiado lastimado y con un enorme bagaje moral-emocional-vivencial en la espalda y la conciencia, incapaz ya de una catarsis o expiación personal plena.

Les quatre cents coups (Los 400 golpes, Francois Truffaut, 1959). Crónica de un intercambio de transgresiones y agresiones entre un niño que termina por perder la poca inocencia que tenía, y la realidad que intenta abatirlo y desmoralizarlo a través de su familia, su escuela, las reglas, etc. La profunda sencillez de la historia de Truffaut es hoy una referencia importantísima del cine de autor que nació de la mano de la Nueva Ola Francesa con este y otros filmes.

Psycho (Psicosis, Alfred Hitchcock, 1960). Un macabro cuento de terror moderno con profundas interpretaciones y reflexiones psicológicas. Como en todo el cine de Hitchcock, sus cintas tienen varios niveles de goce, análisis y sofisticación. Su puesta en escena, el guión que desaparece a su protagonista, el montaje de la escena de la regadera y Norman Bates son apenas unas cuantas razones para asomarse en una obra provocadora.

8 ½ (Federico Fellini, 1963). La mente del director vista (o expuesta) como nunca antes. La estructura onírica de pasajes y viñetas resulta perfecta para mostrar ese universo donde se mezclan la presión, creatividad, recuerdos, obsesiones, deseos y manías de un director de cine por encontrar la idea para su siguiente filme. Tan entretenida como interesante.

2001 Space Odissey (Stanley Kubrick, 1968). Visual y narrativamente propositiva, ya sea que se piense en sus logradas secuencias en movimiento, técnicamente sobresalientes, o en los efectos especiales o saltos temporales. Su estructura rompe con todo esquema aristotélico posible para llevarnos más que por una historia, por una experiencia. Superproducción con toques poéticos, un uso magistral de la música como personaje y una profundísima reflexión sobre la humanidad y nuestra relación (de vida y muerte, de extremo a extremo de nuestra existencia) con las máquinas y las herramientas.

Solaris (Andrei Tarkovski, 1972). En lo personal, Tarkovski es sinónimo de la introspección absoluta (junto con Bergman, en otro tono). ¿Somos capaces de dejar atrás nuestras experiencias a pesar del dolor o nostalgia con que se tenga que vivir o preferiríamos engañarnos con una ilusión que sabemos falsa que nos haga vivir de nuevo un recuerdo? En el marco de la ciencia ficción y la metafísica, una mirada a lo más profundo de nosotros mismos.

Annie Hall (Woody Allen, 1977). La tragicomedia romántica por excelencia. Enamorarse no es miel sobre hojuelas, ni asegura finales felices. Enamorarse es divertido, arriesgado, doloroso y necesario. Algo complejo y crudo cuando se trata no de un amor adolescente exaltado sino el de dos adultos. El retrato de la complejidad de las relaciones emocionales no había tenido un filme tan lúcido, divertido y hasta narrativamente atrevido (los personajes le hablan a la cámara, al público).

In the mood for love (Deseando amar, Wong Kar Wai, 2000). La más hermosa historia de amor (frustrado) jamás contada. La historia del otro lado de la infidelidad que da paso a una posible verdadera historia de amor, rítmica y cadenciosamente montada, elegantemente fotografiada, que sumerge al espectador en una atmósfera única, cargada de un enorme romanticismo que a cada paso se sabe contenido y condenado. Hermosa, hermosa película.

La lista completa (las 250 mejores películas) publicada por Sight & Sound, pueden revisarla aquí. Además, la página ofrece la posibilidad de filtrar los resultados para conocerlos por país, director, crítico o película votada.

Este es el Top 10 de Sight & Sound tras su encuesta 2012:

1. Vértigo, Alfred Hitchcock.

2. Citizen Kane, Orson Welles.

3. Tokyo Story, Yasujiro Ozu.

4. La règle du jeu, Jean Renoir.

5. Sunrise, FW Murnau.

6. 2001, A Space Odissey, Stanley Kubrick.

7. The Searchers, John Ford.

8. Man with a movie camera, Dziga Vertov.

9. The Passion of Joan of Arc, Carl Theodor Dreyer

10. 8 1/2 , Federico Fellini.

Una vez conocida la lista, y a propuesta/reto del director de la revista, Benjamín Salcedo, nos daremos a la tarea de en las siguientes semanas publicar aquí en el blog, Tops 10 del cine pero por década. Bajo la misma premisa: 10 películas que por lo que aportaron/arriesgaron/inventaron/generaron, son las paradas obligatorias para entender cómo fue o cómo evolucionó el cine durante esa década.

Que sea esta una invitación abierta a revisitar estas joyas, a conocerlas o reencontrarse con ellas.


John Williams en ‘Tiburón’


La música de Tiburón fue tan responsable como la imaginación del director Steven Spielberg de ahuyentar a la gente del agua en el verano de 1975.


POR Staff Rolling Stone México  



La música de Tiburón fue tan responsable como la imaginación del director Steven Spielberg de ahuyentar a la gente del agua en el verano de 1975.

John Williams en ‘Tiburón’

John Williams hizo nuestra película más intrépida y más emocionante de lo que jamás pude imaginar”. Steven Spielberg, escribiendo sobre Tiburón.

Por Jon Burlingame

Raramente seis bajos, ocho chelos, cuatro trombones y una tuba tienen tanto poder sobre los escuchas. Especialmente en un cine. La música de John Williams para Tiburón está catalogada como una de las más terroríficas jamás escritas para el cine (y, de acuerdo con una encuesta hecha en el 2005 por el Instituto Americano Cinematográfico, está en el Top 10 de las más memorables en la historia del cine).

La música de Tiburón fue tan responsable como la imaginación del director Steven Spielberg de ahuyentar a la gente del agua en el verano de 1975. Su intensidad pura y poder visceral ayudaron a que la película se convirtiera en un fenómeno mundial; Spielberg la comparó a la igualmente aterradora e indeleble música de Bernard Herrmann para Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock.

Era la segunda película en la que Spielberg hacía de director, como lo señaló el compositor en una reciente conversación en su estudio dentro del grupo Universal. El par había trabajado por primera vez en la cinta debut de Spielberg, The Sugarland Express (Loca Evasión, 1974).

“Ya sabía de la novela”, recuerda Williams. “Creo que no la había leído, pero el libro de Peter Benchley fue mucho, muy popular. Recuerdo haber visto la película en una sala de proyección aquí en Universal, Estaba solo; Steve estaba en Japón en ese momento.”

“Salí de la proyección muy emocionado”, dice Williams. “Había trabajado en Hollywood por cerca de 25 años pero nunca había tenido la oportunidad de hacer un filme que fuera absolutamente brillante. Ya había dirigido El Violinista en el Tejado (1971) y había trabajado con directores como William Wyler y Robert Altman entre otros. Pero Tiburón me noqueó.”

Williams vio el thriller de Spielberg sobre un tiburón blanco gigante que aterrorizaba a los bañistas de las playas de Nueva Inglaterra, como una oportunidad para realizar una gran contribución. No solo podía caracterizar al pez predador en términos obscuros y poderosos, si no que también, como recuerda haberle dicho a Spielberg, “Realmente imaginé esto como una persecución marítima, algo que también tuviera humor, así la orquesta también podría tomar su capa y espada algunas veces”.

La primera en llegar – y la única parte de la música que Williams le mostró a Spielberg previo a las sesiones de grabación – fue el tema del tiburón. Encontró un sello que no solo le quedaba perfecto a la creatura, si no que también probó ser lo suficientemente flexible para funcionar de distintas formas tal como el mismo tiburón: Sonidos de lo profundo de la orquesta (cuerdas e instrumentos de viento bajos) que a su vez eran rítmicos: “tan simple, insistente y con dirección, que parecían imparables, tal como el ataque del tiburón”, explicó Williams. La música podía ser fuerte y rápida si el tiburón estaba atacando, suave y lenta si estaba acechando, pero siempre en un tono amenazador.

Sorprendentemente, tomo un poco convencer al director. “Solamente toqué para él la simple E-F-E-F línea del bajo que todos sabemos en el piano”, y Spielberg se rió al principio. Pero mientras como Williams explica, “Simplemente empecé a jugar con diferentes tonadas que podían ser distribuidas en la orquesta, y me instalé en lo que creí era lo más poderoso, lo que a decir verdad es lo más simple. Como la mayoría de las ideas, siempre son las más atractivas”.

De acuerdo con Williams, la respuesta de Spielberg fue: “Vamos a intentarlo”. Williams pasó dos meses escribiendo más de 50 minutos de música para la cinta. La grabaron a principios de marzo de 1975 con una orquesta de 73 miembros. “Fue muy divertido, como un gran patio de juegos”, recuerda el compositor. “Realmente nos la pasamos muy bien, y Steven lo amó”. De hecho lo amó tanto, que decidió involucrarse. Al principio de la película, una banda de preparatoria toca una marcha de Sousa en un desfile callejero, y Williams tenía que grabar una interpretación verdaderamente desastrosa con su orquesta, que incluía a muchos de los más finos músicos de Hollywood. “Es realmente difícil pedirle a estos grandes músicos que toquen mal”, señaló. Pero Spielberg, quién tocó el clarinete en la banda de su preparatoria, decidió unirse a la orquesta en ese número. Y, dice Williams, “agregó justo la calidad amateur necesaria a la pieza. Algunos de esos compases todavía sobreviven en la película”.

Mientras que el tema del tiburón se mantiene como la parte más popular de la música de la cinta, la aportación completa de Williams es mucho más diversa. Escribió una encantadora pieza (graciosamente titulada “Turistas en el Menú” en el soundtrack original del álbum) para la concurrencia de la Playa Amity el Cuatro de Julio, y un espeluznante paisaje sonoro para Quint (Robert Shaw) relatando su horrible experiencia como sobreviviente del hundimiento del USS Indianapolis.

Una de las partes favoritas de Williams es la “fuga de la jaula para tiburones”, mientras Hooper (Richard Dreyfuss) ensambla el aparato bajo el agua que le permitirá observar al predador de las profundidades de cerca. Inspirado en su entrenamiento clásico, Williams compuso una pieza al estilo Bach que indicaba la complejidad del trabajo y la urgencia del momento al mismo tiempo.

Había una danza alegre (un baile tradicional de marineros) que se escuchó mientras la orca dejaba el muelle de Amity hacia mar abierto, y fanfarrias para el bote que perseguía al tiburón hacia el mar. “Sonaba muy al estilo Korgoldian”, comenta Williams, refiriéndose a Erich Wolfgang Korngold, el famoso compositor Austriaco que orquestó muchas películas de piratas entre los años de 1930 y los ‘40s; “esperarías ver a Errol Flynn al timón de esta cosa. Nos hizo reír”.

Williams no estaba en América cuando Tiburón se estrenó el 20 de junio de 1975 e inmediatamente tomó a los fanáticos del cine por sorpresa. Se encontraba trabajando en la puesta en escena de un musical. Recuerda a uno de sus colaboradores entrando al teatro un día diciéndole “el tiburón ese es el último grito en los Estados Unidos”.

Tiburón no solo se convirtió en la película más taquillera de su tiempo, también impulsó a John Williams a la delantera de los compositores para cine modernos. Ganó su segundo Premio de la Academia por la composición (uno de los cinco que tiene ahora) así como un Globo de Oro, un Grammy y un Premio BAFTA Anthony Asquith por la música de la cinta. Junto con Star Wars – que Williams compondría dos años después para el amigo de Spielberg, George Lucas – el fenomenal éxito de Tiburón hizo resurgir el interés en la orquestación sinfónica de las cintas y cimentó el camino para futuras Spielberg-Williams piezas maestras como E.T., El Extraterrestre (1982) y La Lista de Schindler (1993).

Más que otra cosa, la música de Williams para Tiburón ayudó al director a alcanzar su meta: meterles un buen susto a los cinéfilos. Como después lo pondría Spielberg: “Creo que la orquestación fue responsable por la mitad del éxito de la película”.

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Jon Burlingame escribe acerca de la música de las películas para Variety y es el autor de Sound and Vision: 60 Years of Motion Picture Soundtracks.


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Anthony Hopkins interpretará a Alfred Hitchcok


El siempre versátil Anthony Hopkins se encargará de interpretar al aclamado director, Alfred Hitchcock, en una nueva película


POR Staff Rolling Stone México  



El siempre versátil Anthony Hopkins se encargará de interpretar al aclamado director, Alfred Hitchcock, en una nueva película

Anthony Hopkins interpretará a Alfred Hitchcok

El siempre versátil Anthony Hopkins se encargará de interpretar al aclamado director, Alfred Hitchcock, en una nueva película.

La cinta, dirigida por Sacha Gervasi, se titula Hitchcock y narra como fue la realización del filme Psycho de 1960.

La filmación acaba de comenzar y actúan Helen Mirren como la esposa de Hitchcock, James D’Arcy como Anthony Perkins, Scarlett Johansson como Janet Leigh, Jessica Biel y Vera Miles.


Scartlett Johanson interpretará a Janet Leigh


Scarlett Johanson será la encargada de interpretar a Janet Leigh, actriz principal en Psicosis en la cinta The Making of Psycho


POR Staff Rolling Stone México  



Scarlett Johanson será la encargada de interpretar a Janet Leigh, actriz principal en Psicosis en la cinta The Making of Psycho

Scartlett Johanson interpretará a Janet Leigh

Dará vida a la icónica actriz en The Making of Psycho

Por Ale H. Morando

De acuerdo con informes del periódico Variety, Scarlett Johanson será la encargada de interpretar a Janet Leigh, actriz principal en Psicosis en la cinta The Making of Psycho al lado de James D’Arcy, quien interpretará a Anthony Perkins.

The Making of Psycho es una crónica de la lucha del legendario director Alfred Hitchcock para filmar el la cinta Psicosis, en una época donde el cine de terror era visto con recelo.

El guión correrá a cargo de John McLaughlin, Tom Thayer y Stephen Rebello, autores de la novela en la que está basada la película y estará dirigida por Sacha Gervasi.

El papel de Alfred Hitchcock será interpretado por Anthony Hopkins y Helen Mirren dará vida a la esposa del director, Alma Reville.

La película empezará a filmarse el próximo mes.