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Rita Guerrero: 1964-2011


La noticia de su fallecimiento, la noche del 11 de marzo de 2011, detuvo la velada para recordarla y guardarla en nuestro corazón.




Foto: cortesía

Rita Guerrero: 1964-2011

El rock nacional se ha distinguido por tener voces poderosas, incansables, profundas y mágicas. La de Rita era una de esas, esa voz protagonista en cada nota que liberaba al aire. Sus notas viajaban y llegaban directamente a nuestro palpitar.

Rita Guerrero, la gura esencial de Santa Sabina, aquella que tomaba cualquier escenario para ser suyo, tuvo que emprender una fuerte lucha contra el cáncer de mama desde el año pasado. En un angustiante subibaja de sentimientos, Rita, con el apoyo de su familia y amigos, lograba ganar algunas esperanzas, pero desgraciadamente la enfermedad la abrazó sin darle una oportunidad.

Rita estudió música en su ciudad natal, Guadalajara; después se estableció en la Ciudad de México para continuar con su desarrollo artístico y formar a Santa Sabina. Su álbum debut homónimo (1992) trajo a la escena nacional un sonido rock experimental, con tintes góticos y letras que dejaban a un lado lo superficial. Posteriormente, Santa Sabina editó Símbolos (1994), Concierto acústico (1995), Babel (1996), MTV Unplugged (1997), Mar adentro en la sangre (2000) y Espiral (2003). Actuó en la cinta Ciudad de ciegos (1990), al lado de varios músicos y bajo la dirección de Alberto Cortés. Siempre inquieta, logró una interesante investigación musical para dar origen a Ensamble Galileo, su proyecto alterno, para abrirle la puerta a la partitura barroca y renacentista.

Rita Guerrero siempre estuvo ligada al arte en sus diferentes expresiones. Maestra, conductora, actriz y cantante; preocupada por los derechos de los estratos sociales más bajos. Nunca se quedó callada ni esperaba a que las cosas se hicieran solas; ella, junto con su banda, fue un gran pilar en los eventos a bene cio de diversas causas.

Su muerte causó de inmediato gran conmoción en las redes sociales; todos lamentamos su pronta travesía. Varios mensajes brincaban con tristeza. “Descanse en paz Rita Guerrero, una gran pérdida”, Café Tacvba; “Rita en nuestro corazón, Rita nuestra compañera musical, Rita nuestra amiga, Rita siempre en nuestro vecindario”, La Maldita Vecindad; “Se nos fue Rita Guerrero de Santa Sabina, qué tristeza, fuiste una mujer fuera de serie, te vamos a extrañar con todo el corazón”, Aleks Syntek; “Con fuerte dolor enviamos una oración a Rita Guerrero que acaba de abandonarnos”, San Pascualito Rey; “Descansa en paz querida Rita, ¡gracias por todo lo que nos dejaste!, allá nos veremos”, Lino Nava y hasta el mismo Presidente, Felipe Calderón escribió: “Nuestras condolencias al hijo, familia y amigos de Rita Guerrero”.

Su voz se ha transformado en un ser alado que siempre vivirá en su música.

Escuchémosla, está entre nosotros.

 


Aniversario de Santa Sabina


30 años, un festejo en vivo.


POR Natalia Cano  



Fotografías: Alejandro Meléndez.

Aniversario de Santa Sabina

El legado de Santa Sabina y Rita Guerrero en la escena del rock latinoamericano es innegable. La figura de la fallecida cantante como una mujer transgresora hizo que su trabajo, dentro y fuera de los escenarios, moviera conciencias en un sentido artístico, político y social. “Rita fue pionera, y con su trabajo abrió muchos espacios en la música en aquellos años (la década de los noventa). A veces la gente se olvida y se van comiendo los recuerdos, pero ella logró sentar las bases a otras generaciones de mujeres en el rock”, cuenta el guitarrista Pablo Valero.

La charla con Valero y sus compañeros tiene como telón de fondo los 30 años de vida de Santa Sabina, celebración que sus integrantes llevarán al festival Vive Latino el próximo 16 de marzo, en el Foro Sol. Ahí, cada uno de los músicos que formaron parte de esta emblemática agrupación, en sus diferentes etapas, rendirá un tributo a Guerrero y al baterista Julio Díaz, fallecidos en 2011 y 2014, respectivamente.

A la alineación conformada por Pablo Valero y Alejandro Otaola (guitarras), Poncho Figueroa (bajo), Patricio Iglesias (batería), Jacobo Lieberman y Juan Sebastián Lach (teclados), Leonel Pérez (chelo) y Aldo Max (saxofón), se suma una figura muy especial: Belén Ruiz Guerrero, joven chelista y sobrina de Rita. “Nadie tenía proyectado, ni nadie se imaginó siquiera que cuando cumpliéramos 30 años íbamos a hacer algo, ni quienes participaríamos en ello”, señala Alejandro Otaola. El guitarrista refiere que cada uno de los integrantes de la banda vivió un duelo distinto después de la muerte de Guerrero, incluida la poetisa, académica y ensayista Adriana Díaz Enciso, quien fue autora de las líricas de algunas de las canciones más famosas del conjunto. “Cada duelo requirió de sus propios tiempos para que se acomodara la relación que había tenido con Rita y con Santa Sabina, y creo que ese proceso duró siete años porque hasta el año pasado, que coincidimos todos juntos en el Festival de Cine de Guadalajara, cuando se estrenó el documental [Rita, el documental], hasta ese día comenzaron a sincronizarse todos nuestros corazones”, recuerda Otaola.

La revolución será feminista
La plática se realizó en la capilla del Claustro de Sor Juana, el recinto cultural donde Rita Guerrero —tras su retiro de la escena musical y la lucha contra el cáncer— pasó sus últimos años como directora del coro renacentista que lleva su nombre. Horas antes, muy cerca de ahí, a la plancha del Zócalo capitalino llegaron cientos de mujeres que protestaron ante las crecientes denuncias de intentos de secuestros en el metro y exigieron que el presidente Andrés Manuel López Obrador se pronuncie sobre esta situación.

Originaria de Guadalajara, Rita Guerrero fue una de las mujeres más activas de su época. Entre sus logros más significativos destaca el de romper con el estereotipo de la feminidad en la escena musical nacional. “Yo sí creo que la revolución es feminista, si habrá una revolución será feminista, no hay otra opción”, afirma el tecladista Jacobo Lieberman. “Siempre hemos sido feministas los hombres de esta banda. El feminismo no es sólo una cuestión de género, es una cuestión humana, va más allá del género. Hay mujeres machistas y hombres feministas y hay que ser capaz de reconocer eso”, añade Valero. Para Poncho Figueroa, desde el nombre, Santa Sabina es una entidad femenina en sí misma. “Una apología a la feminidad indígena. De entrada, cuando el nombre nos descubrió a nosotros como portadores, no sabíamos que lo éramos, pero ahora podemos darnos cuenta qué importancia tiene en la transformación contemporánea del humano al que queremos aspirar”, cuenta el bajista.

El poder del underground
Hace 30 años, el 2 de febrero de 1989, en un lugar de la calle de Donceles, en el centro de la Ciudad de México, se presentó por primera vez un grupo cuyas líricas y atmósferas sedujeron de inmediato al público amante de la cultura gótica, pero también a aquellos apasionados del teatro y la poesía, y los sonidos más elaborados.

Seguidores de la poesía de Xavier Villaurrutia, de las letras de Jean-Paul Sartre y Charles Baudelaire, así como de la música de King Crimson, Santa Sabina fue el resultado del trabajo de un grupo de músicos mexicanos sedientos por descubrir nuevos sonidos y formas, inspirados en las vanguardias literarias y el rock progresivo de la década de los setenta. “Recordaba Patricio (Iglesias) cómo fue ese día. Fue especial, conocimos a muchos que eran iconos del rock como ‘El Flama’, quien sabe quién era él, sabrá qué importancia tenía en la historia del rock en México… Fue padre porque había teatro, música, pintura, eran universos que se juntaron en una noche y que se volvió en un ritual”, recuerda Poncho.

La barra del bar se convirtió en escenario. A Patricio Iglesias lo acomodaron en una plataforma improvisada y a Jacobo Lieberman lo subieron encima de una caja de cartón para que quedara más alto. Lo que había sido un ensayo para adaptar al teatro la novela de Franz Kafka, Amerika se convirtió en los cimientos de una de las agrupaciones más emblemáticas de la escena del rock en América Latina. “Fue una cosa de una naturalidad ahora inverosímil”, opina Figueroa. “En 1989 no había tocadas tan frecuentes, ni exposiciones, entonces cuando había algo, la gente iba”, recuerda Lieberman. “El underground era poderosísimo entonces”, afirma el baterista.

Sin redes sociales, la gente se enteraba de los conciertos y los eventos culturales vía el “de boca en boca”. “Fue un evento muy particular, y la verdad es que a nosotros nos fue increíble. Desde ese día no dejamos de tocar. Ese año hicimos como 200 conciertos”, dice Poncho. “¿En serio? ¡Yo me acuerdo de tres!”, responde bromista Patricio.

Olvido, un himno al EZLN
En 1994, Santa Sabina lanzó el que es considerado su álbum más emblemático, Símbolos, bajo la producción de Adrian Belew, vocalista y guitarrista de la mítica agrupación de rock progresivo, King Crimson. “Recuerdo que realmente disfruté mucho trabajar con ellos. ¡Eran personas grandiosas! Símbolos es todavía uno de mis discos favoritos. Rita (Guerrero) me simpatizaba mucho, siempre había algo misterioso en ella, en su interpretación, en su manera de cantar, en sus letras. ¡Era realmente única!”, contó Belew en una entrevista en 2012, durante una visita a Ciudad de México.

Pablo Valero, quien fue guitarrista de Santa Sabina en su primera etapa, se empeñó en que Belew produjera Símbolos, tras la conexión y el trabajo realizado por el estadounidense con Caifanes en su álbum El Silencio (1992). “Fue una cuestión de necedad. Me soltaron la cuerda y se logró, fuí el vehículo de algo que cuando nos escuchó (Belew) dijo: ‘Sí quiero’”, narra Valero.

Aquel 1994 marcó, sin duda, a la banda, no sólo por el extraordinario trabajo discográfico que ésta lanzó, también porque sentó el inicio de una relación muy cercana con el Movimiento Zapatista al cual dedicó el tema “Olvido”, que dos años más tarde sería incluido en su disco Babel. Santa Sabina fue una de las agrupaciones que más actividad y cercanía tuvo con las comunidades indígenas y el Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN), y Rita Guerrero fue un personaje fundamental en aquel momento. Conciertos, eventos y mucha solidaridad movilizaron a la agrupación en esa época. A la cantante la llamaban “La Comandanta Rita”. Con Santa Sabina, Guerrero editó siete álbumes de estudio: Santa Sabina (1992), Símbolos (1994), Concierto acústico (1995), Babel (1996), MTV Unplugged (1997), Mar adentro en la sangre (2000) y Espiral (2003). “Es la primera vez, desde que se fue Rita, que los corazones de todos nosotros están juntos y en la misma frecuencia; por eso sentimos que vale la pena hacerlo [celebrar 30 años del nacimiento de la banda] como Santa Sabina”, concluye Otaola.

 


Entre los mejores del mundo


Rodrigo Prieto, cinefotógrafo mexicano, nominado al Óscar por su trabajo junto a Martin Scorsese por ‘Silence’, asegura que el arte habla por sí solo.


POR Daniela Nuño  



Foto: Cortesía Gussi

Entre los mejores del mundo

Rodrigo Prieto, es parte de un grupo de mexicanos que ha logrado hacer sus sueños de cine realidad. Nominado al premio Óscar en la categoría de Mejor Fotografía por la cinta Silence, de Martin Scorsese, viajó a México previo a la entrega número 89 de los premios de la Academia y aseguró que tratándose de los cineastas mexicanos que han trascendido fronteras “el arte habla por sí solo”.

Antes de saber que sería nominado, el egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica de la Ciudad de México, sabía que su trabajo con Scorsese podría ponerlo en la marquesina de mayor iluminación en el cine, pero no le obsesionan los grandes titulares.

Foto: cortesía Gussi/Kerry Brown

Foto: cortesía Gussi/Kerry Brown

“No estaría mal. Sí me gustaría ir a la fiesta, ¿cómo no? Ya veremos. Es algo que está fuera de mis manos. Simplemente trato de hacer lo mejor para la película y para contar esa historia. Si ese trabajo es reconocido y llama la atención de los miembros de la Academia, pues qué padre, bienvenido. No me quiero hacer ilusiones, ni tener expectativas. Si se da, qué bueno y si no, a lo que sigue”.

Hoy, a sólo unos días de cruzar la alfombra roja más mediática de todas y tener la posibilidad de subir al estrado por una estatuilla con todas las luces sobre él, afirma que sigue tranquilo por la vida, pues es afortunado de hacer lo que le gusta. “El Óscar no siempre tiene que ver con la calidad del trabajo. Si me lo dan, increíble. Si no, no sentiré que mi trabajo no es digno. Mientras tanto disfrutaré”, comentó.

Foto: Cortesía Gussi/Kerry Brown

Foto: Cortesía Gussi/Kerry Brown

“No planeo hablar de política si es que leo mi discurso”, dice confiado y sencillo, características que lo han acompañado desde que hiciera la primera película que le diera notoriedad, Amores perros, junto a Alejandro G. Iñárritu.

De aquella época en México, cuando picaba piedra y no habían alfombra rojas en su honor, lo que más extraña Rodrigo es la fraternidad de los realizadores mexicanos y esa forma de nunca quedarse con las ganas, de inventar sin todos los recursos y arriesgarse.

Foto: Cortesía Gussi/Kerry Brown

Foto: Cortesía Gussi/Kerry Brown

“Extraño los tiempos cuando iba empezando, después de la escuela de cine, cuando hice mis primeras películas como Sobrenatural, Dama de noche o incluso Amores perros, en las que había una búsqueda constante y unas ganas de descubrir y arriesgarse sin saber qué iba a pasar. Por eso ahora trato de hacer lo mismo con los directores con los que colaboro, tener un acercamiento como de estudiante de cine. Sin saber cómo hacer cine y descubrirlo con cada película”.

Foto: Cortesía Gussi/Kerry Brown

Foto: Cortesía Gussi/Kerry Brown

Trabajar con directores de la talla de Martin Scorsese es para el mexicano un privilegio, más cuando se trata de un proyecto tan personal como lo es Silence. “Es una búsqueda espiritual que él ha llevado a lo largo de toda su vida. Entonces ser parte de esa exploración espiritual como ser humano es muy especial. Compartimos lo que es hacer una película sobre lo que significa la fe. Y este asunto de la religión, el colonialismo y todos esos temas que son tan importantes espiritual y políticamente hablando. Una cinta muy compleja, muy profunda, entonces sí resultó un privilegio ser parte de eso, la verdad”.

Foto: Cortesía Gussi/Lisbon Tyler Boswell

Foto: Cortesía Gussi/Lisbon Tyler Boswell

Su filmografía:

Silence (2017)
Passengers (2016)
The Homesman (2014)
The Wolf of Wall Street (2013)
Argo (2012)
We Bought a Zoo (2011)
Agua para elefantes (2011)
Biutiful (2010)
State of Play (2009)
Los abrazos rotos (2009)
Deseo, peligro (2007)
Babel (2006)
Brokeback Mountain (2005)
Alexander (2004)
Persona non grata (2003)
21 gramos (2003)
Comandante (2003)
La hora 25 (2002)
8 Mile (2002)
Frida (2002)
Diez historias cortas de amor (2001)
Pecado original (2001)
Amores perros (2000)
Un embrujo (1998)
Fibra óptica (1998)
Edipo alcalde (1996)
Sobrenatural (1996)

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Mumford and Sons estrena el video oficial de “The Wolf”, inspirado en el Festival Bonnaroo


La banda rindió homenaje a su experiencia como acto principal en el evento de este año.


POR Staff Rolling Stone México  



Mumford and Sons estrena el video oficial de “The Wolf”, inspirado en el Festival Bonnaroo

Mumford and Sons compartió el alocado video de “The Wolf”, el más reciente sencillo de Wilder Mind, su nuevo LP, en su canal oficial de YouTube.

El clip que presentamos a continuación fue dirigido por Marcus Haney y captura la divertida experiencia de la banda liderada por Marcus Mumford, previo a su presentación estelar en la edición 2015 del Festival Bonnaroo.

Las juguetonas imágenes que acompañan al video nos dejan ver a los integrantes de Mumford and Sons disfrazados de un pollo, un zorro, Robin Hood, una novia con tenis, combinadas con fragmentos de su concierto en Bonnaroo.

Disfruta el video oficial de “The Wolf” de Mumford and Sons a continuación:

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Mumford and Sons comparte un stream de ‘Wilder Mind’


El álbum llegará a las tiendas vía Glassnote Records.


POR Staff Rolling Stone México  



El álbum llegará a las tiendas vía Glassnote Records.

Mumford and Sons comparte un stream de ‘Wilder Mind’

Esta semana, Mumford and Sons sacará a la venta Wilder Mind, su nuevo álbum de estudio y sucesor oficial de Babel y a manera de adelanto del material, el cual mostró una nueva faceta de la banda liderada por Marcus Mumford, la banda publicó un stream del disco vía Spotify.

Crecimos con Oasis y Yamaha Pacificas conectadas a viejos amplificadores”, mencionó Marcus Mumford en entrevista con Consequence of Sound. Tomamos prestados instrumentos acústicos e hicimos lo que hicimos por un tiempo”, recuerda. “De repente se salió de control”.

Cabe destacar que Wilder Mind es el primer disco de Mumford and Sons grabado y compuesto por completo en un estudio, a diferencia de su método “tradicional” de grabar durante las giras. El LP contó con la producción de James Ford y la guitarra de Aaron Desner.

Escucha completo el stream de Wilder Mind de Mumford and Sons a continuación:

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Marcus Mumford se presentó a lado de King Charles


El dúo compartió el escenario durante un concierto en Gloucester.


POR Staff Rolling Stone México  



El dúo compartió el escenario durante un concierto en Gloucester.

Marcus Mumford se presentó a lado de King Charles

Marcus Mumford, integrante de Mumford & Sons, compartió el escenario con King Charles para interpretar tres canciones durante un concierto del músico en Gloucester Guildhall.

El artista aprovechó la ocasión para interpretar una nueva canción titulada “Loose Change”.

Cabe recordar que Mumford & Sons confirmó su participación en el festival Reading & Leeds 2015Babel, su material más reciente, ganó el galardón a Álbum del Año en la edición 55 de los premios Grammy.

A continuación presentamos la actuación de Marcus Mumford y King Charles en Gloucester Guildhall.




Talento Imparable


Gustavo Santaolalla, el poeta del ronroco y su magistral habilidad para crear música


POR Staff Rolling Stone México  



Gustavo Santaolalla, el poeta del ronroco y su magistral habilidad para crear música

Talento Imparable

Las composiciones de Gustavo Santaolalla se encuentran en diversos proyectos y cada uno es admirable

Por José Xavier Návar
Foto cortesía de Sony Music

Gustavo Santaolalla, el polifacético músico argentino, compositor, productor, dos veces ganador del Óscar por sus bandas sonoras (Brokeback Mountain y Babel), un Globo de Oro y ahora afortunado debutante en el terreno de la ambientación sonora de los videojuegos –con la carta fuerte de Play Station 4: The Last of Us– y nominado al Premio BAFTA, presentó su nuevo álbum solista, titulado Camino y con Bajofondo, Presente.

Ésta es una conversación con el ex líder de Arcoiris y actual encantador del ronroco, que ha tenido entre sus clientes a Charly García, Los Prisioneros, Café Tacvba, Jorge Drexler, Bersuit Vergarabat y Molotov… que fue fan de la lucha libre argentina y que lo es, por supuesto, de la mexicana, así como del cine bizarro nacional; aparte de ser cuate de Guillermo Del Toro, con quien trabaja en una cinta de animación digital.

Santaolalla, revalorizador del folclor argentino convertido en world music, habla del trabajo conceptual de Presente, haciendo una analogía con el fino álbum Ronroco: “En realidad es un álbum como fue Ronroco, que surge como resultado de estar acumulando cosas que yo sentía que en algún momento iba a tener necesidad de sacar. Como sabes, mi forma de grabar se remite a una extensa librería de cosas que voy acumulando y grabando. Así he encontrado en el ronroco, digamos, un instrumento muy personal, de la misma forma como la guitarra, que siempre consideré que era mi instrumento primordial. Hoy en día mis instrumentos son la guitarra y el ronroco. Tengo conexiones muy profundas y placenteras con ese instrumento”.

Presente es el cuarto disco de Bajofondo, se remite a cosas que ha grabado durante 15 años. “La elección de esos temas no sólo son por preferencia personal, sino por cómo podían funcionar en conjunto. El álbum es como un viaje concebido esencialmente en el ronroco (que es un charango grave), pero también me he tomado otras avenidas sonoras hechas con otros instrumentos, como un cuatro venezolano, otras con un tres cubano; algunas con herramientas musicales árabes y otras cosas con las que me he abierto un poco para introducir cambios sonoros que ofrezcan algo distinto”. En cuanto a los riesgos asumidos en el nuevo disco, Gustavo afirma: “Nunca mido las cosas por el riesgo que asumo. Lo que trato siempre es no quedarme en una zona de confort. Siempre trato de buscar algo distinto y, al mismo tiempo, seguir siendo yo”.





En la mira…


Guillermo Arriaga se pone cómodo, nos habla de sus proyectos, Hollywood y de ser cazador.


POR Staff Rolling Stone México  



Guillermo Arriaga se pone cómodo, nos habla de sus proyectos, Hollywood y de ser cazador.

En la mira…

Guillermo Arriaga se pone cómodo, nos habla de sus proyectos, Hollywood y de ser cazador

Por Vania Hernández

Guillermo Arriaga acecha. Como el cazador que es, su mirada y su manera de soltar frases son muestra de este instinto, tanto en su vida diaria como en sus proyectos: Se fija en la presa y ataca sin titubeos. Mientras ve la carta y se decide por ordenar un espinazo con verdolagas, salpica unas papas cambray con un poco de sal y pide un refresco de dieta.

Antes de ser reconocido por su trabajo en los guiones de Amores perros, 21 gramos y Babel, Arriaga era maestro universitario, y ahora regresa a la andadas para transmitir sus habilidades a través de un curso de escritura cinematográfica. “He sistematizado ese conocimiento y le doy a toda la gente mis trucos y mis tips, todo lo que he aprendido en este camino, no solamente de escribir, sino de dirigir”, comenta Arriaga.

Al preguntarle sobre Hollywood, asegura que ser parte de la industria no le quita el sueño, al contrario, “me ha dejado dormir muy a gusto [risas]. Todo mundo cree que es una serie de tontos que sólo quieren hacer películas malas y eso no es cierto, hay gente con impecable gusto, saben las reglas del mercado porque también quieren hacer películas diferentes. Hollywood es un lugar y además es una meritocracia. Tengo la fortuna de que he sido muy respetado”, comenta el guionista.


Jason Bateman y Ed Helms protagonizan el video de ‘Hopeless Wanderer’ de Mumford & Sons


Los actores interpretan a los miembros de la exitosa banda indie folk, en el video del cuarto sencillo


POR Staff Rolling Stone México  



Los actores interpretan a los miembros de la exitosa banda indie folk, en el video del cuarto sencillo

Jason Bateman y Ed Helms protagonizan el video de ‘Hopeless Wanderer’ de Mumford & Sons

Tras su exitosa presentación en Lollapalooza 2013, Mumford & Sons revelaron el video del tema “Hopeless Wanderer”, que se desprende de Babel, su más reciente material de estudio.

El clip, que presentamos a continuación, está protagonizado por Jason Bateman, Ed Helms, Jason Sudeikis y Will Forte, quienes interpretan a Marcus Mumford, Ted Dwane, Winston Marshall y Ben Lovett a manera de una divertida parodia.

Aquí el video de “Hopeless Wanderer” de Mumford & Sons.


Concierto completo de Mumford & Sons en Lollapalooza 2013


La banda británica de folk rock conquistó el escenario de Lollapalooza 2013, interpretando temas de Babel, su más reciente producción y un cover de Bruce Springsteen en el encore.


POR Staff Rolling Stone México  



La banda británica de folk rock conquistó el escenario de Lollapalooza 2013, interpretando temas de Babel, su más reciente producción y un cover de Bruce Springsteen en el encore.

Concierto completo de Mumford & Sons en Lollapalooza 2013

Foto: Giancarlo Vilorio

El Festival Lollapalooza 2013 fue engalanado con la participación de bandas como Mumford & Sons, Nine Inch Nails, The Cure, Queens of the Stone Age y The Killers, cuyas presentaciones se transmitieron en vivo desde el Grant Park mediante un stream en el canal oficial del festival en YouTube.

El día de hoy, la organización del festival estrenó los videos oficiales de las presentaciones de Nine Inch Nails, The Killers y Mumford & Sons.

El grupo británico de folk rock interpretó temas de Babel, su más reciente producción, además de un cover de “I’m on Fire” de Bruce Springsteen como parte del encore.

Aquí puedes ver la presentación completa de Mumford & Sons en Lollapalooza 2013.

Setlist de Mumford & Sons en Lollapalooza2013.

1. “Babel”
2. “Little Lion Man”
3. “Whispers in the Dark”
4. “Winter Wind”
5. “Holland Road”
6. “Below My Feet”
7. “Timshel”
8. “I Will Wait”
9. “Lover of the Light”
10. “Thistle & Weeds”
11. “Ghosts That We Knew”
12. “Hopeless Wanderer”
13. “Roll Away Your Stone”
14. “Awake My Soul”
15. “Dust Bowl Dance”
Encore:
16. “Lovers’ Eyes”
17. “I’m on Fire (cover de Bruce Springsteen)”
18. “The Cave”

istockphoto_5590629-hand-cursorNo te pierdas nuestra cobertura especial de Lollapalooza 2013.


Mumford & Sons


Cómo Mumford & Sons añeja sus ráices musicales en el futuro del rock


POR Staff Rolling Stone México  



Cómo Mumford & Sons añeja sus ráices musicales en el futuro del rock

Mumford & Sons

Cómo Mumford & Sons añeja sus ráices musicales en el futuro del rock

Por Brian Hiatt

Mumford, de 26 años, ha padecido brutales migrañas a causa de las tensiones a lo largo de los dos últimos meses, y jura que el palo santo, un incienso sudamericano, es lo único que ha podido ayudarle. “Lo he intentado todo, pastillas, incluso fui a hacerme unos rayos X”, dice. El productor T Bone Burnett recomendó este remedio, lo que nos parece sumamente apropiado: Burnett ensambló la banda sonora para O Brother, Where Are Thou? en 2000. Se trata de un manual básico de la música folk o ‘de raíz’ y una de las influencias principales en la estética color sepia de Mumford & Sons, la banda que Mumford lidera.

“Siempre me siento un poco apenado cuando hablo de la importancia que para nosotros revistió O Brother”, dice Mumford, quien tenía apenas 13 años cuando dicho álbum fue lanzado. “Da la impresión de que se trata de algo muy reciente”. La banda sonora ganó un Grammy al Álbum del Año en 2002, y el segundo disco de Mumford & Sons, Babel, se llevó el mismo premio este 2013. Mientras tanto, Burnett reclutó a la banda para la confección del soundtrack de Inside Llewyn Davis, una nueva cinta de los hermanos Coen que gira en torno a la escena folk sesentera de Greenwich Village.

La protagonista de esta nueva película es Carey Mulligan, la mujer que hace 11 meses contrajo nupcias con Mumford. Ted Dwane, el contrabajista de la banda –y a los 28, el integrante más viejo y el más estable en términos emocionales, es decir, aquél que el resto busca cuando necesita un par de consejos– se ha entusiasmado también con el palo santo, del que asegura tener buenas provisiones en casa. Winston Marshall, el astro del banjo y listillo designado –y el miembro más joven, con sólo 25 años de edad– no se muestra convencido. “El palito estrella”, dice, lo que provoca las demenciales risotadas de Mumford. “¡La ramita diva!”. También está el tecladista Ben Lovett, de 26 años.

Sin embargo, colectivamente, Mumford & Sons tienen todo que ver con la madera santa. En la segunda década del siglo XXI, han logrado empujar tanto la música acústica como las armonías-cantadas-alrededor-delmicrófono hacia el meollo de la cultura pop.

Mumford es un ferviente admirador de Radiohead. Pero Mumford & Sons saben que están alimentando una especie de hambre. Mumford sonríe cuando le recuerdo una cita de Bono, proferida en 1985, en la que el cantante de U2 predijo un futuro contraintuitivo para la música en una “era electrónica”: “Será un sonido totalmente naturalista, quizá acústico. Así será la música que se escuche en los jardines, facultades y dormitorios de las universidades, precisamente porque nos recordará algo perdido”. Mumford responde: “Todo un profeta”.

La era electrónica ha llegado, y supone algo a la vez impresionante y horroroso –pronto usaremos diademas con Google, justo a tiempo para documentar el momento preciso en que los robots o el caos arrebaten nuestros empleos. Para los chicos que maduran en un mundo en donde todo lo sólido se ha convertido en aire, debe haber algo profundamente reconfortante en la mezcla moralmente seria y extática de esa madera, el fierro, las voces y el sentimiento. “Nuestros tiempos son muy complicados”, dice Mumford. “Utilizo mi celular todos los días, pero no tengo ni idea de cómo funciona –hablo literalmente”. (Utiliza un iPhone viejo y roto que no se ha molestado en optimizar).

“En cambio, cuando veo a alguien tocar una guitarra acústica con pasión, yo comprendo el mecanismo. Creo que nosotros no ofrecemos sencillez –no quiero hablar mal de mi propia música tildándola de ‘simple’–, pero a veces da gusto poder escuchar aquello que estás viendo. La gente puede confiar en la honestidad del músico en una era en la que todos nos hemos vuelto cínicos porque tememos que se nos tome el pelo”.

La noción de cuatro jóvenes universitarios y británicos encontrando la inspiración en estilos norteamericanos antediluvianos –y ocasionalmente ataviándose como los Okies (el mote que se les otorga a los afectados emigrantes que llegan procedentes de Oklahoma) de los años treinta que mencionan en sus letras– ha provocado una andanada de cuestionamientos en torno a su autenticidad.


Mumford & Sons estrenó el video de “Whispers in the Dark”


El tema muestra a los cuatro integrantes de la banda en pantalla dividida, contando cuatro historias diferentes.


POR Staff Rolling Stone México  



El tema muestra a los cuatro integrantes de la banda en pantalla dividida, contando cuatro historias diferentes.

Mumford & Sons estrenó el video de “Whispers in the Dark”

Mumford & Sons dio a conocer el video de su tema “Whispers In The Dark”, sencillo que forma parte de su exitosa placa Babel, la cual rompió records de ventas el año pasado en Estados Unidos.

El video se encuentra dividido en cuatro pantallas,  y cuenta cuatro historias, en las que cada uno de los integrantes de la banda hará un viaje para llegar a un concierto y reunirse.

Cabe recordar que Babel ganó el Grammy como Álbum del Año el mes pasado y ha vendido 2 millones de copias, de acuerdo con información de Nielsen Soundscan.

Aquí el video de “Whispers in the Dark”.


Ganadores de los Grammys 2013


The Black Keys, Fun y Mumford and Sons, los grandes ganadores en los Grammys 2013


POR Staff Rolling Stone México  



The Black Keys, Fun y Mumford and Sons, los grandes ganadores en los Grammys 2013

Ganadores de los Grammys 2013

La noche del 10 de febrero se llevó a cabo la entrega de los Grammy 2013, donde los grandes ganadores fueron fun., The Black Keys y Gotye.

El premio a Mejor Álbum del Año fue para Mumford & Sons por el disco Babel, mientras que la estatuilla por Mejor Grabación del Año fue para Gotye con “Somebody That I Used to Know”. fun ganó en las categorías de Mejor Artista Nuevo y canción del Año por “We Are Young”.

Por su parte, la dupla conformada por Dan Auerbach y Patrick Carney se coronaron en las categorías de Mejor Performance de Rock por “Lonely Boy”, Mejor Álbum de Rock por El Camino y Mejor Canción de Rock.

Aquí la lista completa de ganadores:

Mejor Álbum del Año:
Babel, Mumford & Sons

Mejor Grabación del Año:
“Somebody That I Used to Know”, Gotye

Mejor Artista Nuevo:
Fun.

Mejor Álbum de Country:
Uncaged, Zac Brown Band

Mejor Colaboración de Rap:
“No Church in the Wild”, Jay-Z & Kanye West (con Frank Ocean & The-Dream)

Mejor Álbum Vocal Pop:
Stronger, Kelly Clarkson

Mejor Performance de Rock:
“Lonely Boy”, The Black Keys

Mejor Álbum Urbano Contemporáneo:
Channel Orange, Frank Ocean

Canción del Año:
“We Are Young”, Fun. & Janelle Moáne

Mejor Performance de Country:
“Blown Away”, Carrie Underwood

Mejor Performance Pop:
“Set Fire to The Rain”, Adele

Mejor Álbum de Música Alternativa:
Making Mirrors, Gotye

Mejor Performance de Pop Dúo/Grupo:
“Somebody That I Used To Know”, Gotye feat. Kimbra

Mejor Álbum de Rock:
El Camino, The Black Keys

Mejor Canción de Rock:
“Lonely Boy”, Dan Auerbach, Brian Burton y Patrick Carney

Mejor Álbum de World Music:
The Living Room Sessions, Part1, Ravi Shankar

Mejor Canción de Country:
“Blown Away”, Josh Kear, Chris Tompkins y Carrie Underwood

Mejor Performance de Country Dúo/Grupo:
“Pontoon”, Little Big Town

Mejor Canción de Rap:
“N****s In Paris”: Shawn Carter (Jay-Z), Mike Dean, Chauncey Hollis y Kanye West

Mejor Performance de Rap:
“N****s In Paris”, Shawn Carter (Jay-Z) y Kanye West

Mejor Banda Sonora para Medios Visuales:
The Girl With The Dragon Tattoo, Trent Rezno & Atticus Ross

Mejor Álbum de R&B:
Black Radio, Robert Glasper

Mejor Performance Tradicional de R&B:
Beyoncé.

Mejor Álbum de Electrónica/Dance:
Bangarang, Skrillex

Mejor Grabación Dance:
“Bangarang”, Skrillex feat. Sirah

Mejor Video Formato Largo:
“Big Easy Express”, Mumford & Sons, Edward Sharpe & The Magnetic Zeros & Old Crow Medicine Show

Mejor Video Formato Corto:
“We Found Love”, Rihanna feat. Calvin Harris

Mejor Álbum de Latin Jazz:
¡Ritmo!, The Clare Fischer Latin Jazz Big Band

Mejor Álbum Tropical Latino:
Retro, Marlow Rosado y La Riqueña

Mejor Álbum Tejano o Regional Mexicano:
Pecados y milagros, Lila Downs

Mejor Álbum Latino de Pop, Rock o Urbano:
MTV Unplugged Deluxe Edition, Juanes

Mejor Álbum Latino de Rock, Urbano o Alternativo:
Imaginaries, Quetzal

Mejor Álbum de Roots Regional:
The Band Courtbouillon, Wayne Toups, Steve Riley & Wilson Savoy

Mejor Álbum de Folk:
The Goat Rodeo Sessions, Yo-Yo Ma, Stuart Duncan, Edgar Meyer & Chris Thile

Mejor Álbum de Blues:
Locked Down, Dr. John

Mejor Álbum de Americana:
Slipstream, Bonnie Raitt

Mejor Álbum de Compilación de Banda Sonora:
Midnight In Paris

Mejor Álbum de Jazz Vocal:
Radio Music Society, Esperanza Spaulding

Mejor Solo de Jazz Improvisado:
“Hot House”, Gary Buron & Chick Corea

Mejor Álbum de Música New Age:
Echoes of Love, Oakram

Mejor Álbum de Comedia:
Blow Your Pants Off, Jimmy Fallon

Mejor Álbum de Palabra Hablada:
Society’s Child: My Autobiography, Janis Ian

Mejor Álbum para Chicos:
Can You Canoe?, The Okee Dokee Brothers

Mejor Álbum de Reggae:
Rebirth, Jimmy Cliff

Mejor Álbum de Composición Clásica Contemporánea:
Hartke, Stephen: Meanwhile – Incidental Music To Imaginary Puppet Plays, Stephen Hartke

Mejor Compendio Clásico:
Penderecki: Fonogrammi; Horn Concerto; Partita; The Awakening of Jacob; Anaklasis, Antoni Wit

Mejor Performance Vocal de Clásico:
“Poemes”, Renee Fleming

Mejor Productor del Año, Clásica:
Blanton Alspaugh

Mejor Performance Orquestal:
Adams Harmonielehre and Shor Ride In A Fast Machine, Michael Tilson Thomas

Mejor Grabación de Ópera:
“Wagner: Der Ring Des Nibelungen”, James Levine and Fabio Luisi

Mejor Ingeniero de Sonido, Clásica:
Life & Breath, Tom Caufield y John Newton

Mejor Álbum de Música Cristiana Contemporánea:
Eye on It, TobyMac

Mejor Álbum de Gospel:
Gravity, Lecrae

Mejor Canción de Música Cristiana Contemporánea:
“10.000 Reasons (Bless the Lord)”, Matt Redman, (Escritores: Joans MYrin y Matt Redman) & Your Presence is Heaven, Israel y New Breed (Escritores: Israel Houghton y Micah Massey)

Mejor Canción Gospel:
“Go Get It, Mary Mary” (Escritores: Erica Campbell, Tina Campbell y Warryn Campbell

Mejor Performance Musical de Gospel Cristian Contemporáneo:
“10.000 Reasons (Bless the Lord)”, Matt Redman

Mejor Álbum de Sonido Surround:
Modern Cool, Jim Anderson, Ingeniero de mezcla surround; Darcy Proper, Ingeniero de mastering surround; Michael Friedman, productor Surround (Patricia Barber)

Mejor Grabación Remixada, No Clásica:
“Promises”, (Skrillex & Nero Remix), Skrillex, remixer, Nero

Mejor Trabajo de Ingeniera en un Álbum, No Clásica:
The Goat Rodeo Sessions, Richard King, ingeniero; Richard King, Ingeniero de mastering (Yo-Yo Ma, Stuart Duncan, Edgar Meyer & Chris Thile)

Mejor Álbum Histórico:
The Smile Sessions Deluxe Box Set, Alan Boyd, Mark Linett, Brian Wilson & Dennis Wolfe, productores de compilación, Mark Linett, ingeniero de mastering (The Beach Boys)

Mejores Notas de Álbum:
Singular Genios: The Complete ABC Singles, Billy Vera, escritor de notas de álbum (Ray Charles)

Mejor Edición Especial Limitada:
Woody at 100: The Woody Guthrie Centennial Collection, Fritz Klaetke, director de arte (Woody Guthrie)

Mejor Packaging:
Biophilia, Michael Amzalag & Mathias Augustyniak, director de arte (Björk)

Mejor Arreglo Instrumental de Acompañamiento de un Vocalista:
“City of Roses”, Thara Memory & Esperanza Spalding, arreglos (Esperanza Spalding)

Mejor Arreglo Instrumental:
“How About You”, Gil Evans, arreglos (Gil Evans Project)

Mejor Composición Instrumental:
“Mozart Goes Dancing”, Chick Corea, compositor (Chick Corea & Gary Burton).


Mumford & Sons apuestan por la electrónica


Mumford & Sons podrían cambiar los banjos por sintetizadores en su próximo disco, según Marcus Mumford.


POR Staff Rolling Stone México  



Mumford & Sons podrían cambiar los banjos por sintetizadores en su próximo disco, según Marcus Mumford.

Mumford & Sons apuestan por la electrónica

Mumford & Sons podrían cambiar los banjos por sintetizadores en su próximo disco, según declaró el líder de la banda, Marcus Mumford.

El grupo londinense ha tenido un éxito rotundo este 2012 con el álbum Babel, que llegó a número uno en las principales listas de popularidad del mundo. Sin embargo, Marcus Mumford comentó en entrevista con Style Magazine, que piensan darle un giro a su sonido folk para el próximo año, y que han considerado adentrarse en la electrónica.

Comentó que “siempre hemos hecho lo que se siente bien para nosotros y así seguiremos trabajando, sea con un banjo, una guitarra eléctrica o un sintetizador.” Puntualizó que “es peligroso para nosotros hablar sobre lo que hemos discutido para el tercer álbum, pero sí buscamos abrirnos a cosas nuevas para evitar estancarnos.” Ben Lovett agregó que “no seremos la banda que se estanca en un mismo género”.

A principios de diciembre, Winston Marshall confirmó que ya se encuentran trabajando en nuevas canciones, alegando que no quieren esperarse años para sacar nuevo material, a pesar del éxito de Babel.


CD: Mumford & Sons ‘Babel’


Este disco hace crecer el estilo de Mumford & Sons sin cambiarlo demasiado. Se siente más pulido, pegajoso, más cercano al rock.


POR Staff Rolling Stone México  



Este disco hace crecer el estilo de Mumford & Sons sin cambiarlo demasiado. Se siente más pulido, pegajoso, más cercano al rock.

CD: Mumford & Sons ‘Babel’


Mumford & Sons
Babel
Glassnote

Por: Will Hermes

Este disco hace crecer el estilo de Mumford & Sons sin cambiarlo demasiado. Se siente más pulido, pegajoso, más cercano al rock de grandes arenas que su debut; la banda se desgañita, silba, puntea y rasguea como auténticos músicos ambulantes. Los temas se inclinan hacia el contagioso ritmo folk de canciones como “Little Lion Man” y “The Cave”, cuyo melancólico sentimiento y contundente compás marcaron a Sigh No More.Para muestra están el primer sencillo de Babel, “I Will Wait”, y “Lover of the Light”.

En Babel abunda una charla religiosa, con metáforas bíblicas que se entretejen con maestría como si se tratara de una película de Christopher Nolan. Jesús es invocado sobre ritmos de guitarra al estilo de The Edge en “Below My Feet”. En “Whispers in the Dark”, Mumford declara su intención de “servir al Señor” sobre sincopados al estilo Riverdance.

Mientras intérpretes como Rick Ross le inyectan cierto sabor clerical a las historias callejeras para aligerarlas, los Mumford se sirven de lo religioso para acrecentar y complicar los temas amorosos. “Lover’s Eyes” es la mejor de varias canciones que exponen el sentimiento de culpa del traidor.En “Broken Crown” parece declararse pecador y víctima del pecado. El poder de los arreglos y las atormentadas vocales de Marcus Mumford resultan innegables. Esta fusión de amor, lujuria y espiritualidad cristiana suena más como mera confusión que como un intento de evangelizar, y es ahí donde revela la sinceridad.


Mumford and Sons estrena el video de “Lover of the Light”


La banda inglesa Mumford and Sons acaba de estrenar el video de “Lover of the Light”


POR Staff Rolling Stone México  



La banda inglesa Mumford and Sons acaba de estrenar el video de “Lover of the Light”

Mumford and Sons estrena el video de “Lover of the Light”

La banda inglesa Mumford and Sons acaba de estrenar el video de “Lover of the Light”, que es el segundo sencillo de su más reciente producción Babel.

El video, dirigido y estelarizado por Stringer Bell (también conocido como Idris Elba) narra la conmovedora historia de un hombre ciego que encuentra la felicidad viendo la luz.

Las panorámicas del video son impresionantes, y fue grabado en Pembrokeshire, Gales. También anunciaron que sacarán próximamente un DVD en vivo titulado The Road To Red Rocks.