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El secreto de la música de terror


Los compositores han desarrollado recursos para provocar miedo en el espectador, desde el intervalo del diablo hasta instrumentos espeluznantes.


POR Noemí Contreras  



Imagen: Roger Kastel (CC)

El secreto de la música de terror

Haz un pequeño experimento: pon la película o serie de terror que más pesadillas te haya dado y desactiva el sonido. Lo que sucederá es que las imágenes seguirán siendo aterrorizantes, pero ya no tendrán el mismo efecto en ti (y tal vez ahora te parezca aburrida). Esto se debe al gran poder que tiene la combinación de música y efectos de sonido en el cerebro humano. A lo largo del tiempo, los compositores han identificado una serie de elementos en la música que perturban nuestros oídos y los han utilizado como herramientas para hacer que los proyectos audiovisuales de terror te pongan los pelos de punta.

El tritono –un intervalo de tres tonos que equivale a una quinta disminuida o una cuarta aumentada– recibió el nombre de diabolus in musica (el diablo en la música) en la Edad Media porque se consideraba que su sonido era siniestro, disonante e inestable. Su uso llegó a ser prohibido en los cantos eclesiásticos y, a lo largo de la historia, su sonido continuó estando relacionado con emociones negativas. Por esta razón, este intervalo se encuentra dentro de muchas composiciones para películas e incluso algunas bandas como Black Sabbath también han explotado este recurso, de hecho, el inicio de “Purple Haze” de Jimi Hendrix es un tritono.

Entre otros sonidos que “incomodan” al oído humano, se encuentran las tonalidades menores. En la música occidental, las tonalidades mayores están asociadas con emociones positivas como la alegría y la felicidad, mientras que las menores hacen alusión a lo oscuro, pesimista y sombrío. Un buen ejemplo de esto es “Tocata y fuga en re menor” del compositor barroco Johann Sebastian Bach, una de las piezas más famosas escritas para órgano y ha sido ampliamente usada en películas para ilustrar el terror (Dr. Jekyll and Mr. Hyde de 1931, The Black Cat de 1934, El fantasma de la ópera de 1962, entre otras).

Una de las técnicas que crean más tensión en el espectador es probablemente el glissando (un adorno musical que consiste en una rápida transición entre dos notas, permitiendo que se escuchen todas las notas intermedias). “Threnody to the Victims of Hiroshima” de Krzysztof Penderecki es una obra para 52 instrumentos de cuerda frotada que utiliza glissandos y disonancia y está dedicada a los habitantes de Hiroshima que sufrieron el ataque de la bomba atómica. Esta composición ha sido utilizada para el filme Los niños del hombre de Alfonso Cuarón y la serie Twin Peaks de David Lynch.

Además, existen otros recursos como los intervalos de segunda y séptima (¿recuerdas Tiburón?); instrumentos musicales como el violín, el sintetizador, el waterphone y el theremín; y evidentemente los efectos de sonido o foleys.

Intervalo de segunda en el tema principal de la banda sonora de Tiburón:

Y una demostración del waterphone:

Ahora que conoces los secretos de la música de terror, ¿las películas y las series serán menos espantosas? Posiblemente no. Pero la próxima vez que te adentres en este género y estés al borde del asiento, te invito a que identifiques algunas de las técnicas y notes cómo se complementa el sonido con la imagen.


Live Aid, el festival que hizo historia


Si bien no fue ni remotamente el primero, es indudablemente el más famoso.


POR Benjamín Salcedo  



Live Aid, el festival que hizo historia

La historia nos remonta hasta los años sesenta cuando se comenzó a popularizar este tipo de eventos, en donde se reunían diversos grupos para conformar un espectáculo atractivo. El más conocido, sin duda, fue Woodstock en 1969 antecedido por el Monterey Pop Festival con similares participantes pero en distintas proporciones.

Sin embargo, Live Aid fue único e irrepetible.

Pensado con el objetivo de recaudar fondos para apoyar la lucha contra el hambre en Etiopía, Bob Geldof concibió este concierto uniendo las previas acciones materializadas en bandas y discos de Band Aid en Europa con el tema “Do They Know It’s Christmas?” y en Estados Unidos con USA for Africa y la canción “We Are The World”.

Nunca antes se había realizado un festival musical simultáneamente en dos continentes; en dos ciudades y convertirse en uno solo. Además de ser transmitido completo por televisión al resto del mundo.

En Londres inició el festejo en el legendario estadio de Wembley —a reventar— con la presencia de los príncipes Carlos y la bella Lady D. En la parte superior del escenario destacaba la fecha, julio 13 de 1985 junto con el nombre de Pepsi, uno de los patrocinadores que hicieron posible gran parte de la logística del evento.

Hubo momentos sublimes, desde reuniones de bandas que estaban separadas y se juntaron ese día por el noble fin como por ejemplo Led Zeppelin, Black Sabbath con Ozzy Osbourne y Duran Duran, hasta participaciones fuera de serie como la que hizo Queen.

La banda liderada por Freddie Mercury se desenvolvió como en su casa ya que el estadio había sido sede de sus múltiples conciertos históricos. Mercury y su arrasadora personalidad se adueñaron de inmediato del escenario; sentado al piano inició con la primera parte de su obra maestra, “Bohemian Rhapsody”, sobre ese piano se aprecian unos vasos de Pepsi y una cerveza. Pudiera parecer intrascendente, pero cuando veas la escena en la película del mismo nombre, Bohemian Rhapsody —que se estrena el 2 de noviembre— notarás que ese instante fue fielmente reproducido. Su actuación fue apoteósica e inolvidable, ver a todo el estadio levantar y bajar el puño al ritmo que él marcaba en “Radio Ga Ga” quedará en el recuerdo de quienes lo vieron en vivo.

Cuando comenzaba a caer la tarde en Londres, se unió Estados Unidos y dio inicio el evento y transmisión desde el estadio JFK de Filadelfia, donde comenzaron a desfilar los demás artistas participantes. Algunos se dieron el lujo, como Phil Collins, de tomar un vuelo en el Concorde para participar en ambos estadios el mismo día.

El cierre fue espectacular; el de Wembley a las 10 de la noche (5 de la tarde en Filadelfia) con artistas como Paul McCartney, David Bowie, The Who, Elton John, U2, George Michael y muchos más. Mientras que el cierre en Estados Unidos fue poco antes de la media noche con la mayor parte de los participantes como Lionel Ritchie, The Rolling Stones, Tina Turner, Duran Duran y varios más.

Por la importancia y trascendencia del Live Aid, el 13 de julio anualmente se conmemora el Día Mundial del Rock.


Hoy se celebra el Día Mundial del Rock


Hace 33 años se llevó a cabo el primer ‘Live Aid’ que contó con las presentaciones de Queen, Paul McCartney, Mick Jagger, David Bowie, Bob Dylan, Eric Clapton y muchos más.


POR Staff Rolling Stone México  



Hoy se celebra el Día Mundial del Rock

Hace 33 años se llevó a cabo el primero de los conciertos altruistas ‘Live Aid’, realizados simultáneamente en los estadios de Wembley y en el John F. Kennedy de Londres y Filadelfia, respectivamente.

Organizado por el músico Bob Geldof, el magno evento se planeó con el propósito de apoyar la situación en Etiopía, que en aquellos momentos sufrió una de las peores sequías en la historia del país dejando a miles de habitantes sin alimentos y agua.

Ese día, Geldof logró juntar a grandes nombres del rock como Led Zeppelin, Mick Jagger, Duran Duran, Black Sabbath, Bob Dylan, U2, Paul McCartney, Eric Clapton, Queen y Phil Collins, entre muchos otros, quienes aceptaron participar con el motivo de mejorar la difícil situación que se vivía Etiopía en ese momento.

Live Aid recaudó cerca de 40 millones de dólares, demostrando el poder de la música y de una industria que empujaba hacia la misma dirección. El concierto fue transmitido en un total de 72 países con aproximadamente 1,900 millones de espectadores alrededor del mundo en directo por televisón, según los reportes de CNN.

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Uno de los momentos más memorables de ese día fue cuando Queen subió al escenario a dar uno de los mejores shows en la historia, acompañado por un público de 74 mil personas en el estadio de Wembley, más todas las personas que siguieron el evento desde su hogar. El concierto se convirtió en uno de los eventos musicales más vistos y pasó a la historia como el Día Mundial del Rock.

Y así, el 13 de julio fue declarado como el Día Mundial del Rock.


Phil Vinall, una fábrica de sonidos


El reconocido productor británico sigue apoyando a grupos mexicanos.


POR Jorge R. Soto  



Phil Vinall, una fábrica de sonidos

Phil Vinall, prolífico productor británico desde la década de los ochenta, ha destacado trabajando con bandas tan diversas como Placebo, Pulp, Zoé o Enjambre. Domina todas las facetas de la producción y nos habla de sus experiencias, de la creación del sello La-Dee-Da Records y de Panoram Studios.

Vinall no siempre estuvo detrás de la mezcladora. Aprendió en sus inicios a tocar teclados y batería pero reconoce: “Al final me percaté que quizá no había un lugar para mí, y sí gente que tocaba mejor que yo. Tuve que con armásensucalidad que en la mía”.

Recordando Londres, Phil habla de su primera experiencia laboral: “Cuando empecé, como asistente, había muchos estudios. Fue en Chinatown, un estudio en un sótano. Horrible. Pagaban muy poco. Fue una penosa experiencia”.

Respecto de las diferencias [aparte de lo analógico y lo digital] entre su primera época como productor y la actualidad, comenta: “Tuve la fortuna de trabajar en los estudios más grandes de Londres. Fue una gran experiencia. En un minuto llegaba Queen, al siguiente Duran Duran, XTC, The Cure.

Todas esas bandas iban al mejor estudio y fui afortunado de estar en esos sitios que ya no existen y trabajar, por ejemplo, con Black Sabbath o Eurythmics. Ahora los grupos grandes tienen sus propios lugares. Hoy, trabajas con una banda, si tienes suerte”.

Al preguntarle sobre cuál grabación lo ha hecho sentirse más orgulloso respondió: “El año pasado me gustó mucho producir con Zoé; Enjambre es una banda con la que me divertí trabajando, lo mismo que con Reyno. Sus álbumes se editarán pronto. Si me preguntas cuál es mi favorito, es como con los niños, cada uno tiene sus encantos”.

Como productor, Vinall tiene una larga serie de colegas a quienes admira y el primer nombre que menciona es el de Dr. Dre, aunque después se re ere a grandes personajes de la mezcladora: “Phil Spector –que aunque ahora está en la cárcel me gustan mucho sus ideas de producción; Jeff Lynne, del que me encantan sus sensibilidades pop; George Martin porque rompió varias de las viejas reglas; Brian Eno. Hay muchos”.

Algunos de los proyectos actuales de Phil son La-Dee-Da Records y Panoram Studios sobre los que comenta: “Básicamente son una extensión del estudio Toy Factory, un lugar de rock & roll. No es algo súper intimidante, sino un espacio para sentirse bien. Es único en su atmósfera”. Sobre producir artistas de diversos idiomas afirma: “Si la música es buena, trasciende el lenguaje. Actualmente existe enorme apertura para que las bandas latinas tomen riesgos más grandes. Cuando trabajé en el Reino Unido, todo se volvió muy institucionalizado”.

En 2011, Zoé ganó dos Latin Grammys por el álbum MTV Unplugged/Música de fondo, producido por Vinall y el grupo. Sobre este premio es categórico: “Nunca me han impresionado los premios Grammy porque no necesito que alguien me diga que hice un buen disco, aunque en este caso es un reconocimiento al trabajo duro de todos. La banda merece todo el crédito. Es como los Óscar: La La Land no era la mejor película y no debió ganar, aunque respeto a la gente que recibe un galardón por trabajar duro”.


La construcción musical


El ‘sampleo’ como herramienta creativa


POR Staff Rolling Stone México  



La construcción musical

@Noemí Contreras

El sampling es una práctica de producción musical en la que se toma (¡con permiso!) un elemento de una canción y se hace parte de otra canción nueva y diferente. Para complementar el artículo de la edición de este mes, agregamos más canciones a la lista de música que fue creada a partir de música ya existente.

Crazy Town – “Butterfly” (1999)

Red Hot Chili Peppers – “Pretty Little Ditty” (1989)

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Robbie Williams – “Rock DJ” (2000)

Barry White – “It’s Ecstasy When You Lay Down Next to Me” (1977)

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The Black Eyed Peas – “Pump It” (2005)

Canción tradicional griega “Misirlou” popularizada por Dick Dale (1962)

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Gnarls Barkley – “Crazy” (2006)

Gianfranco y Gianpiero Reverberi – “Nel cimitero di Tucson” (1968)

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Christina Aguilera – “Ain’t No Other Man” (2006)

The Mighty Show-stoppers – “Hippy Skippy Moon Strut” (1969)

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Kanye West – “Hell of a Life” (2010)

Black Sabbath – “Iron Man” (1970)

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Ariana Grande, Mac Miller – “The Way” (2013)

Brenda Russell – “A Little Bit of Love” (1979)

Si quieres aprender más sobre sampleo, visita la página interactiva Art of Sampling donde el músico y productor Robert Glasper explica su técnica con la canción “Ghetto Walkin’”.

También puedes revisar la TED Talk del DJ y productor Mark Ronson sobre cómo el sampling transformó la música.


Ozzy Osbourne anuncia una gira mundial de despedida


El exvocalista de Black Sabbath visitará México como parte de dicho tour.


POR Andrea Calderón  



Ozzy Osbourne anuncia una gira mundial de despedida

Ozzy Osbourne anunció que se embarcará en una gira mundial de despedida a partir de 2018, un viaje que llevará al cantante de Black Sabbath alrededor del mundo hasta 2020.

A pesar de que el tour de despedida marcará el retiro de Osborne de los escenarios, la leyenda del heavy metal planea continuar tocando en vivo en shows especiales. “La gente me pregunta cuándo me jubilaré. Esta será mi última gira mundial, pero no puedo decir que no haré algunos conciertos aquí y allá”, dijo Osbourne en un comunicado.

El anuncio de esta gira llega nueve meses después de que Black Sabbath se despidiera de sus fanáticos con su propio tour de despedida que concluyó el pasado mes de febrero en su natal Birmingham, Inglaterra.

Estas presentaciones comenzarán en mayo de 2018 y visitará México (5 de mayo), Chile, Argentina y Brasil. Después de un par de fechas a principios de junio en Rusia, Osbourne emprenderá una etapa europea de un mes en la que el cantante actuará en festivales de música de todo el continente.

Los detalles de su gira por norteamericana se anunciarán en 2018. El guitarrista Zakk Wylde, el bajista Blasko, el baterista Tommy Clufetos y el tecladista Adam Wakeman servirán como la banda de apoyo de Ozzy.


Luz entre la obscuridad


Ozzy Osbourne relata sus arrepentimientos, la dicha de la sobriedad y porque retirarse no esta en sus planes.


POR Staff Rolling Stone México  



Luz entre la obscuridad

Por Kory Grow

El príncipe de la oscuridad, junto con Black Sabbath, realizaron una gira de despedida que quedó documentada en la cinta The End of the End. Este mes se lanzará el álbum The End. Y buen momento para hablar con Ozzy Osbourne sobre su familia, proyectos y éxito. “La mejor parte del éxito es el hecho de no tener que trabajar en algo que odias. No puedes decir que lo que hago es trabajo, es un pinche regalo del cielo”.

Has tenido varios baches en tu matrimonio, incluyendo un amorío muy público, pero has estado con Sharon por 35 años. ¿Cuál es tu secreto?
No dejes que te cachen con tu amante (risas). Es algo que viene con el rock & roll. Tomas lo bueno y lo malo. Cuando era un maldito demente fui muy suertudo de que no me dejara. Ahora que estoy por cumplir cinco años sobrio y limpio, me he dado cuenta del idiota que era. Aún estoy loco, pero tengo más control. Cuando digo: “No dejes que te cachen con tu amante”, no quiere decir que esté orgulloso. Lastimé a mi esposa y a mi familia, he provocado vergüenza. Amo a mi mujer y eso me hizo darme cuenta del gran imbécil que he sido.

¿Qué has aprendido sobre ser padre?
Bueno, en realidad no era un gran padre, era más bien un hijo extra para mi esposa o un delincuente, en todo caso. Un día me peleé con Jack mi hijo y le pregunté: “¿Qué quieres en tu vida?”. Me contestó: “Un padre”. Eso me pegó entre los ojos como una maldita piedra. En ese mismo instante le dije: “Jack, lo siento muchísimo”. Mi ego manejaba mi vida, pensaba que tenía el derecho de ser quien me diera la gana. Ese no fue el caso, porque cuando traes alguien al mundo se convierte en una responsabilidad. Sharon es una de esas madres que aunque haya viajado por todo el mundo, de todos modos regresaría a Inglaterra para llevar a los niños al zoológico o al cine. Mientras ella hacía eso yo estaba en el piso de algún bar y no estoy orgulloso. Pero el estar sobrio les da esperanza de que regresé para quedarme. Ahora mi relación con mis hijos es fabulosa.


Mira la última vez que Black Sabbath tocó “Paranoid” en vivo


Esta actuación marcó el acto final de Tony Iommi, Ozzy Osbourne y Geezer Butler como Black Sabbath.


POR Andrea Calderón  



Mira la última vez que Black Sabbath tocó “Paranoid” en vivo

Black Sabbath compartió el emotivo video de su última interpretación del clásico “Paranoid”. Este clip se encuentra incluido en The End of the End, película que documenta la última gira de la banda, muestra escenas detrás de cámara y entrevistas exclusivas.

Esta cinta fue producida por Dick Carruthers y grabada en la Genting Arena de Birmingham, Inglaterra (lugar de origen de la banda). “Llevar todo a casa después de todos estos años fue bastante especial. Fue muy difícil decir adiós a los fanáticos, quienes nos han sido increíblemente leales a través de los años. Nunca soñamos en los primeros días que estaríamos aquí 49 años después haciendo nuestro último show en nuestro hogar”, mencionó la banda en un comunicado.

Este fue el acto final de Tony Iommi, Ozzy Osbourne y Geezer Butler juntos en el escenario. “Son los mejores. Los amo a todos, gracias, gracias, gracias”, mencionó un emotivo Ozzy Osbourne agradeciendo a la audiencia al final de la canción por las décadas de apoyo.

The End of the End estará disponible a finales de este año en una variedad de formatos, incluyendo blu-ray, vinilo y en un conjunto de cajas de edición de colección.

Mira la última vez que Black Sabbath tocó “Paranoid” en vivo:


Mira un nuevo adelanto del documental de Black Sabbath


Este visual muestra a la legendaria banda interpretar su clásico tema “Children of the Grave”.




Mira un nuevo adelanto del documental de Black Sabbath

Hace unas semanas, Black Sabbath anuncio el lanzamiento The End of the End, película que mostrará los momentos más memorables de su último concierto. El día de hoy, la banda compartió un nuevo adelanto en el cual interpretan su clásico tema de 1971, “Children of the Grave”.

The End of the End documenta el concierto que la agrupación británica ofreció el 4 de febrero en Birmingham, su ciudad de origen. La cinta tendrá un detrás de cámaras y anécdotas íntimas de la banda.

“Llegar a nuestro hogar después de todos esos años fue muy especial”, comentó Black Sabbath en un comunicado. “Fue difícil decir adiós a todos los fans, quienes han sido leales todos estos años. En los primeros días de nuestra carrera nunca pensamos que serían 49 años haciendo esto”.

Este filme será distribuido en más de 1,500 salas de cine por única ocasión el próximo 28 septiembre.

Mira este nuevo adelanto a continuación:


Mira el primer tráiler del nuevo documental de Black Sabbath


‘The End Of The End’ llegará a la pantalla grande el próximo 28 de septiembre.




Mira el primer tráiler del nuevo documental de Black Sabbath

Black Sabbath compartió el primer tráiler de The End Of The End, documental que retratará el último concierto de la legendaria banda. Esta cinta llegará a las salas de cine en un evento único el próximo 28 de septiembre.

“Fue difícil decirle adiós a nuestros fans que han sido tan leales a nosotros durante todos estos años. Nunca imaginamos que estaríamos aquí 49 años después”, comentó la agrupación sobre el lanzamiento del documental.

Este filme fue dirigido por Dick Curruthers, quien previamente trabajó con Led Zeppelin en la realización de la cinta Celebration Day (2012).

Para conocer dónde se proyectará The End Of The End y comprar entradas visita la pagina oficial de Black Sabbath.

Mira el tráiler a continuación:


Ve la última presentación de Ronnie James Dio


El legendario vocalista interpretó temas como “Heaven and Hell” y “Die Young” junto a miembros de Black Sabbath.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Photobra|Adam Bielawski

Ve la última presentación de Ronnie James Dio

En los años ochenta, la combinación entre Black Sabbath y la voz de Ronnie James Dio fue única. Una década después, la banda y el cantante intentaron recuperar el éxito con el álbum Dehumanizer antes de que las peleas comenzaran y el grupo se desestabilizara.

En 2007, lo intentaron otra vez con un proyecto llamado Heaven and Hell en el que tocaron sólo las canciones que Dio y Sabbath grabaron juntos. Para sorpresa de muchos, la gente asistió a sus presentaciones aunque sabían que no se encontraban tocando temas como “Iron Man” o “Paranoid”. En esa gira, la banda compartió el escenario con artistas como Alice Cooper, Motörhead y Judas Priest.

Posteriormente en agosto de 2009, Ronnie James Dio ofreció su última presentación en House of Blues, en donde interpretó temas como “Neon Knights”, “Heaven and Hell” y “Die Young”.

Meses después, un comunicado anunció que el vocalista fue diagnosticado con cáncer de estómago. El grupo canceló las fechas que tenían agendadas y a pesar de esto, los fanáticos se vieron animados luego de su aparición en los Premios Golden God, en donde aceptó públicamente su premio como Mejor Cantante de Metal en abril de 2010. Un mes después, el cantante falleció a los 67 años.

Afortunadamente, una cámara filmó lo sucedido en House of Blues durante su último concierto que puedes ver a continuación:


Corey Taylor revela sus 10 álbumes de metal favoritos


El cantante de Slipknot y Stone Sour explicó por qué escogió cada disco de la lista.


POR Camila de la Fuente  



Corey Taylor revela sus 10 álbumes de metal favoritos

En los últimos 20 años, Corey Taylor ha sido la voz principal detrás de la máscara. Él y sus ocho compañeros de Slipknot han conquistado las listas de rock con su peculiar nu metal y fue así como aseguraron su puesto en la lista de los mejores álbumes de metal de todos los tiempos de Rolling Stone.

Taylor ha vivido una doble vida, también es el vocalista de Stone Sour, una banda de hard rock que también iza la bandera del metal. En 2015, el grupo publicó un par de EPs con covers que mostraban los gustos del cantante. En estos se incluyeron canciones de Judas Priest, Metallica, Black Sabbath, Iron Maiden, Slayer y muchos otros.

Además de estos materiales de Stone Sour, Corey Taylor ha trabajado en proyectos con Soulfly, Korn y Zakk Wylde. Incluso después de estas colaboraciones se hizo muy cercano a Anthrax, antes de que regresara Joey Belladonna, el cantante original con quien tuvo algunos conflictos previamente.

Conociendo el gusto de Taylor y su estatus en la comunidad del metal, sin duda fue una de las primeras opciones de Rolling Stone al momento de consultar cuáles eran los discos que debían pertenecer a lista de Los 100 Álbumes De Metal Más Grandes De Todos Tos Tiempos.

A continuación, podrás conocer la lista creada por el vocalista de Slipknot y Stone Sour en sus propias palabras:

Anthrax, Worship Music (2011)

CT: Crecí con Among The Living (1987) y lo hubiese escogido para la lista si luego no hubiesen publicado Worship Music. Amo For All Kings (2016), pero me encanta la manera en la que regresan en Worship Music y la agresividad que este álbum tiene. Especialmente con Joey Belladonna atrás en las vocales. Casi participé en algunas de las grabaciones, entonces ya había escuchado algo de sus canciones de este disco anteriormente, sabía que iba a ser algo especial.

Iron Maiden, Somewhere in Time (1986)

CT: Ese era mi álbum preferido de Maiden. “Waisted Years” fue mi puto soundtrack por años, creo que es una de las canciones más perfectas de heavy metal jamás escritas. Te atrapa. Todavía la pones hoy en día e incluso las personas que no escuchan heavy metal la disfrutan. Tiene una vibra cool. Todo el álbum es brillante, hermano.

Judas Priest, Screaming for Vengeance (1982)

CT: Cada quien tiene su disco de Judas Priest y este es el mío. Mucha gente no le da el crédito merecido a esta banda que es increíble. Screaming For Vengance era tan jodido, amigo. Todo el maldito álbum es increíble. Escuchar todos esos malditos gritos, esa mierda loca que sale de tus malditas bocinas, es una locura. No tenían límites. Son jodidamente brillantes, hombre. Aún así, hasta el día de hoy, es una de mis bandas favoritas.

Korn, Korn (1994)

CT: Siento que las personas han olvidado lo explosivo y punzante que era Korn cuando entraron en la escena. Cuando los escuchas vives esos momentos en los que te preguntas “¿de donde carajo surgió esa banda?”. Eran esa jodida pieza clave para tantas personas en su vida. Especialmente en la mía. Y hasta hoy, ese álbum se mantiene. Me encanta el hecho de que soy amigo de todos esos tipos. Eso me hace muy feliz. No sé si alguna vez tendré las pelotas para decirles lo importante que fue el primer álbum. Pero Dios, es bastante bueno.

Megadeth, Peace Sells… but Who’s Buying? (1986)

CT: Sé que mucha gente prefiere Rust In Peace cuando hablamos de Megadeth y está bien. Yo sólo pienso que Rust In Peace fue una producción más limpia, mientras que Peace Sells… but Who’s Buying? se sintió como un disco de metal más rudo. Tenía una producción más sucia. Todo ese álbum para mí, tan oscuro e increíble, es probablemente el que me enganchó a Megadeth. Es el disco que me metió más hacia el metal agresivo y pesado.

Metal Church, The Dark (1986)

CT: Ese fue uno de los álbumes que alguien puso en una cinta para mí y yo no sabía quiénes eran hasta que pregunté. Sólo recuerdo haber escuchado todas las canciones, especialmente “Start the Fire” y “Ton of Bricks” y la pista del título es jodidamente loco. Sólo recuerdo decir “Carajo, esto es tan malvado… ¿quién es?” Y me lo dijeron, así que salí y compré el álbum. Es un maldito disco matador. Si la gente no lo ha escuchado, es tan jodidamente subestimado que es casi crítico lo bueno que es ese maldito álbum. Hay una razón por la que Stone Sour hizo un cover de “The Dark“: fue una gran canción.

Metallica, Master of Puppets (1986)

CT: Este sería mi número uno, si estuviéramos pasando de diez a uno. Es mi disco de metal favorito. Es el álbum de metal perfecto. No hay una puta manera de hacer algo mejor que este álbum. Nunca. Y he tenido tantas malditas discusiones con la gente que es como, “Bueno, ¿qué pasa con Sabbath? ¿Y esto o aquello?” Es como, “Sí, pero Black Sabbath no era un puto álbum completo de arriba a abajo”. El maldito Master of Puppets es perfecto desde el primer rasgueo de la guitarra en el maldito “Battery” hasta el último hit de “Damage, Inc.” ¡Es perfecto! ¡Y lucharé contra quien diga otra cosa! ¡Y ganaré!

Pantera, Far Beyond Driven (1994)

CT: Para mí, Far Beyond Driven fue el primer ejemplo de lo que una producción moderna de metal podría sonar. Era tan espesa y la mezcla estaba un poco más enojada. En mi opinión, era la primera vez que se podía oír lo pesado que podría sonar. Y tiene mi canción favorita de Pantera que es “Becoming“. Esa canción sola gana. Justo cuando pensabas que habías averiguado todo, te jodiste. Ya perdiste.

Sepultura, Roots (1996)

CT: Ese álbum… ¡Jesucristo!. Quiero decir, además de Iowa, Roots es probablemente uno de los discos más pesados y más fuertes que he escuchado, desde el punto de vista de la producción. Es tan asqueroso y sin embargo tan jodidamente impresionante. Algunas de las canciones y los riffs son tan brutales que uno dice como, “¡Santa mierda, hombre!”. Eso, para mí es mi álbum favorito de Sepultura. Quiero decir, me encantan todos sus álbumes, pero ese… probablemente todo el mundo lo ama, pero para mí, es uno realmente especial porque fue otra evolución.

White Zombie, Astro-Creep: 2000 – Songs of Love, Destruction and Other Synthetic Delusions of the Electric Head (1995)

CT: Este puto álbum es tan jodido, coño. Ni siquiera sé si la gente lo consideraría un álbum de metal, pero lo hago, sólo por el hecho de que es tan loco. Las canciones “Electric Head“, partes uno y dos, son muy pesadas. Es sólo un magnífico, fresco, artístico álbum de heavy metal. Tiene tantas buenas canciones en él. No me importa admitirlo, pero “More Human Than Human” y “Super-Charger Heaven” son algunas de las canciones más pesadas que jamás he escuchado. Es un disco matador, todavía lo escucho hoy en día.


La caída de la dependencia


Café Tacvba vive una etapa diferente en su carrera. Autónomo, inteligente y provocador para gritarnos ‘Jei Beibi’.




La caída de la dependencia

Entrevista realizada con el apoyo de Benjamín Salcedo

Fotografías de César Campos

En un mundo retorcido, no muy diferente al actual, cuando George W. Bush tomaba el poder en Estados Unidos; Carlos Menem hacía lo propio en Argentina; Brasil celebraba sus primeras elecciones después de la dictadura; Ted Bundy, el asesino en serie, era electrocutado en la silla eléctrica; la recompensa por tres millones de dólares para asesinar a Salman Rushdie por la publicación de su novela Los versos satánicos seguía vigente; el arte se vestía de negro por la muerte de Salvador Dalí; millones de niños y adolescentes quedaban hipnotizados ante el televisor gracias al estreno de Dragon Ball Z y Los Simpson; las estaciones de radio lanzaban los primeros sencillos de discos como Jaime López (Jaime López), Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio (Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio), Doolittle (Pixies), Steel Wheels (The Rolling Stones), The Stone Roses (The Stone Roses), Flowers in the Dirt (Paul McCartney), Bleach (Nirvana), Technique (New Order), Like a Prayer (Madonna), Dr. Feelgood (Mötley Crüe), Headless Cross (Black Sabbath) y Pretty Hate Machine (NIN), entre tantos. En México corrían los discursos de Carlos Salinas de Gortari con su “política ficción” mientras el Partido de la Revolución Democrática se fundaba y Joaquín Hernández Galicia, “La Quina”, era encarcelado. Era 1989, un año con muchos cambios políticos, sociales y culturales que serían noticias en la prensa, radio y televisión donde el internet hacía sus primeras pruebas privadas en nuestro país y obviamente, las redes sociales no existían.

Hace 28 años, Rubén Albarrán, Meme del Real, Joselo y Quique Rangel unían su talento musical para tocar en diversos bares, dándole forma a lo que actualmente conocemos como Café Tacvba: la banda nacional con mayor creatividad musical.

En cada uno de sus discos se reflejan esos detalles en la producción y composición. Su estilo es conocido internacionalmente y al escuchar Café Tacvba [1992], Re [1994], Avalancha de éxitos [1996], Revés / Yo soy [1999], Cuatro caminos [2003], Sino [2007] y El objeto antes llamado disco [2012] ejemplifican esa cara ante los problemas en México con un optimismo rítmico que fusiona el rock, electro y pop con armonía tradicional mexicana y sudamericana.

Hoy, el cuarteto se caracteriza por su carisma y disposición para platicar sobre lo que hay alrededor de Jei Beibi, su más reciente álbum después de cinco años. La elegancia y amabilidad de Quique destaca para recordar lo que atravesaba Café Tacvba un poco antes de este lanzamiento. “En el 2015 todavía teníamos algunos compromisos, consecuencia de haber hecho gira con El objeto llamado disco, sobre todo festivales y algunas presentaciones. A principios de ese año nos habíamos cuestionado si era el momento, si queríamos ver la luz de un siguiente disco. No recuerdo si una de las intenciones era que ese año empezáramos a grabar un álbum o a principios de 2016, pero nos hicimos el tiempo para que en septiembre de 2015 empezáramos a trabajar en canciones nuevas. No había –y en realidad nunca hubo cuando tuvimos un contrato discográfico– una presión patente por tiempos, de cuándo teníamos que hacer o entregar un álbum y esto fue una inquietud de empezar a sacar canciones. Trabajamos en ese primer cúmulo de temas, fueron seis, hicimos un demo y seguimos con nuestros compromisos para terminar el año, pensando que teníamos que retomar ese proceso para el 2016. Y lo hicimos hasta julio”, mientras que Joselo, enfundado en pantalón y chamarra de mezclilla, complementa las palabras de su hermano: “Nos sentamos y dijimos: ‘¿Vamos a seguir viviendo de canciones del recuerdo?’. Son dos caminos y tienes que decidir cuál tomar. Cada uno de nosotros compone de manera individual, tiene ideas que luego se llevan al grupo y de ahí surge todo, entonces empezamos a trabajar en temas, dedicamos todo ese año a hacer un disco que reflejaba el momento que estábamos viviendo. No nos sentimos una banda del recuerdo porque estamos componiendo, tenemos ideas nuevas y ganas de salir”.

Mira el detrás de cámaras de la entrevista y sesión de fotos:


Black Sabbath lanzará una película sobre su último concierto


El cineasta Dick Carruthers documentó los momentos más memorables de la última presentación de la legendaria banda británica.


POR Héctor Elí Murguía  



Black Sabbath lanzará una película sobre su último concierto

Black Sabbath anuncio el lanzamiento The End of the End, película que mostrará los momentos más memorables de su último concierto. Este filme será distribuido en más de 1,500 salas de cine por única ocasión el próximo 28 septiembre.

The End of the End documenta el concierto que la banda británica ofreció el 4 de febrero en Birmingham, su ciudad de origen. La cinta tendrá un detrás de cámaras y anécdotas íntimas de la banda. El director Dick Carruthers (Led Zeppelin: Celebration Day, Imagine Dragons: Smoke + Mirrors Live) captura en escena las interpretaciones de canciones clásicas como “Iron Man“, “Paranoid” y “War Pigs“, así como algunas versiones de estudio que no fue incluido en el tour.

“Llegar a nuestro hogar después de todos esos años fue muy especial”, dijo Black Sabbath en un comunicado. “Fue difícil decir adiós a todos los fans, quienes han sido leales todos estos años. En los primeros días de nuestra carrera nunca pensamos que serían 49 años haciendo esto”.


La historia de Rolling Stone México: junio


En los meses de junio.


POR Staff Rolling Stone México  



La historia de Rolling Stone México: junio

Ya iniciamos la mitad del año. El tiempo ha pasado muy rápido y en la redacción hemos tenido varias anécdotas editoriales. Y como cada mes, desde aquel noviembre de 2002, nos hemos hecho la misma pregunta: “¿A quién pondremos en la portada?”, respuesta que has tenido en tus manos a lo largo de estos 15 años. El calor nos abruma y antes de que nos derritamos, nos detuvimos en algunos junios para recordar.

2002
Un cuarteto joven y consentido del rock mexicano. Café Tacvba promocionaba su álbum Cuatro caminos y estuvimos con ellos en una sesión de fotos exclusiva en lo que fue el Toreo de Cuatro Caminos, allá, por los rumbos del grupo.

“Ya no quiero ser ‘frontman’, me doy cuenta de que tengo el mejor vocalista de cualquier grupo, que tengo al mejor tecladista y al mejor bajista”
Joselo Rangel

2005
Ely Guerra siempre ha sido camaleónica y fue la protagonista de nuestra portada en la que también hablamos sobre sexo en la música: videos ardientes, canciones explícitas, mitos, escándalos y ¡hasta nos metimos a un club swinger!

“En estas fotos veo a las mujeres guerreras que han criado a todos los hijos de este país”.
Ely Guerra

2008
Una edición de gran formato en la que realizamos varios shootings con Miguel Bosé, Bunbury, San Pascualito Rey, Álex de la Iglesia, Marta Sánchez y Lino Nava, entre otros. Además, entrevistas con Martin Scorsese, Jack White, Mike Jagger, Keith Richards, Steve Carell, Zakk Wylde, Damián Alcázar, Javier Gurruchaga y Carlos Marín colaboró en “Asuntos Internos”.

“Me encantaría poder componer música, pero no puedo. Sin embargo, puedo crear historias a partir de la conjunción de música e imágenes”.
Martin Scorsese

2010

Publicamos dos portadas: Mick Jagger y Keith Richards, entrevistas exclusivas sobre los recuerdos y mitos del álbum Exile on Main Street.

“La atmósfera era muy extraña, había mucho polvo y no podías ver nada. Un ambiente como de Hitler”.
Keith Richards

2012
La furia de Metallica estuvo en portada. Además, en temas políticos entrevistamos a Andrés Manuel López Obrador y Gabriel Quadri. Pero un artículo esperado fue la entrevista que realizamos con Peter Dinklage, emblemático actor de Game of Thrones.

“Fumé mucha marihuana, me desvelé, participé en una gran cantidad de obras y me enamoré de Pixies y Dinosaur Jr.”.
Peter Dinklage

2013
Con una portada reversible te sorprendimos gracias a las conversaciones que tuvimos con Daft Punk (a quienes les quitamos los cascos) y Taylor Momsen (a quien le quitamos… nada). Pero no sólo fue eso, en nuestras páginas de ese año publicamos artículos de Black Sabbath, Bruno Mars, Fall Out Boy, John Mayer, Deep Purple y el Dr. Ozzy que siempre te daba el mejor consejo.

“No es que no podamos hacer cosas locas que suenen futuristas pero queríamos jugar con el pasado
Guy-Manuel de Homem-Christo

2014
Una edición especial con los cuatro integrantes de Kiss en nuestra portada y contraportada. Sólo para fans y coleccionistas. Tuvimos una reveladora entrevista con ellos por su 40 aniversario.

Kiss es como una cucaracha que vivirá más que todos ustedes”.
Gene Simmons

2015
Nuestra portada tomó otro color gracias a Cobain: Montage of Heck y la entrevista con Frances, su hija. Entre las páginas de esta edición, destacan las pláticas con Townshend de The Who, Martin Gore, My Morning Jacket, Scott Weiland, Dinosaur Jr, Matt and Kim y Muse, entre otros.

“¿Debo fingir ser adulto? Sea como sea, parece que finjo…”

–Pete Townshend

Estos han sido algunos libros que hemos reseñado:

Xavier Velasco – Diablo Guardián ★★★★★ (2003)
Andy Summers – I’ll Be Watching You. Inside The Police ★★★★★ (2007)
Élmer Mendoza – Balas de Plata ★★★1⁄2 (2008)
Kevin Powers – Los Pájaros Amarillos ★★★1⁄2 (2007)
Bob Stanley – Yeah! Yeah! Yeah! La Historia del Pop Moderno ★★★★ (2016)


Black Sabbath anuncia su fin de manera oficial


La legendaria banda oficializó su final definitivo en su página de Facebook con una imagen contundente.


POR Héctor Elí Murguía  



Black Sabbath anuncia su fin de manera oficial

Black Sabbath anunció de manera oficial su final definitivo a través de su página de Facebook. El mensaje fue compartido de manera contundente por medio una imagen que comunica su epitafio: “Black Sabbath 1968-2017″. Un video expresa la nostalgia de la banda por momentos históricos como su presentación en el programa de televisión Top Of The Pops en 1970.

Foto: Facebook Black Sabbath

Foto: Facebook Black Sabbath

Algunas fotografías se remiten a recordar la juventud de los integrantes de Sabbath, así como encuentros relevantes en su historia como la reunión con Electric Light Orchestra y John Bonham, baterista de Led Zeppelin. Así también, el video que muestra su perfil de Facebook lleva por nombre “The final song and final bow”, un video tomado por un asistente anónimo en su última interpretación de “Paranoid”.

A pesar de que en distintas entrevistas Tony Iommi mencionara la intención por organizar un show final, las últimas imágenes han dictaminado el final rotundo de la agrupación.

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