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Miguel, el maduro; Bosé, el creativo


Confiesa que cada vez es más tolerante y condescendiente. Hace tiempo que renunció a su propósito de intentar cambiar a alguien; ahora prefiere asumirse. Le llama madurez.


POR Natalia Cano  



Miguel, el maduro; Bosé, el creativo

El español afirma que esa sensatez no sólo le ha ayudado en su vida como Bosé –como le gusta autodenominarse para referirse a su faceta como astro musical y diferenciarse de Miguel, la persona–, también fue el motor que lo impulsó para traspasar el sonido del pop electrónico y new wave que ha caracterizado a su música desde hace cuatro décadas a una versión acústica para el famoso programa MTV Unplugged. “Cuando te asumes te da una risa, porque te ves y piensas: ‘¡No es posible, soy un desastre! ¡Soy una calamidad!’. Soy una especie de catarsis de sinceridad, de franqueza y entonces nada es tan terrible”, dice el cantante entre risas. “Muchos me preguntaban que cuándo haría un MTV Unplugged, y pensaba que las cosas debían estar maduras para que sucedieran. También porque ya estoy viejo”, agrega el cantautor de 60 años.

Bosé se muestra relajado. Su día comenzó a primera hora de la mañana con una multitudinaria rueda de prensa en un lujoso hotel de la Ciudad de México, y posteriormente una ajetreada agenda de entrevistas. Al caer la tarde, la garganta del cantante muestra los estragos de la intensa jornada, pero a diferencia de otras ocasiones, esta vez su buen humor no desaparece. “Llega un momento en el que las cosas a lo mejor tienen el valor que debieron tener siempre, pero que antes no las sentías ni las concebías así”, explica.

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Libertad y evolución


Con más de 20 años de trayectoria, Daniel y Birgir de GusGus hablan sobre lo mucho que queda por descubrir de la electrónica.


POR Michelle Angell  



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Libertad y evolución

Foto por Ari Magg

Birgir Thórarinsson mejor conocido como “Biggi” se muestra confiado y sonriente en una mañana soleada pero airosa en la Ciudad de México. Se ha detenido a pensar en “evolución”. Una palabra fácil de pronunciar pero que conlleva un sin fin de vivencias, de historia. “Creo que como tal nunca hemos parado para reflexionar cómo hemos evolucionado a través del tiempo. La banda empezó como una colaboración de personas y cada una de ellas influenció la manera en la que el grupo se desarrolló. Así era GusGus en los años noventa”, asegura el islandés.

Por su parte, Daniel, el segundo de los miembros fundadores de GusGus, no repara en que Biggi ha ordenado una cerveza. Continúa pensando en la pregunta, en lo que los ha hecho llegar hasta aquí, con más de 20 años de trayectoria. “Durante todo este tiempo, cuando comenzamos a trabajar en un álbum siempre seguimos una línea, ya sea un pensamiento o una actitud. Cuando lo terminamos, esa idea lo hace también y nos movemos hacia la siguiente. Evolución es probar cosas nuevas, ser mejor de lo que eras antes”.

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P&R: Alicia Keys


La cantante, compositora y ‘coach’ de ‘The Voice’ habla de su nuevo álbum y lo que ha aprendido de Prince y Bob Dylan.


POR Staff Rolling Stone México  



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P&R: Alicia Keys

Por Brian Hiatt.

“Si diriges con amor, has ganado”, dice Alicia Keys, que bien puede ser la persona más serena de Norteamérica; está comunicándose durante las pausas del frenético proceso de grabación de las finales de The Voice, pero suena como si estuviera tomando un baño caliente. Una sesión de meditación, un compromiso de filantropía y un renacimiento artístico: Está convencida de que su nuevo álbum, Here, toma riesgos, es crudo y socialmente consciente. Es un gran avance y probablemente tiene razón. “Habla coherente y claramente de dónde estoy”, dice, “y de dónde estamos en el mundo. Voy a hacer grandes discos, porque estoy superándome. Es el mejor que he hecho”.

Estabas decidida a que todas las piezas de tu nuevo álbum encajaran. ¿Qué discos te inspiraron?
La forma en que Wu-Tang hizo sus discos fue una gran inspiración. El Illmatic de Nas, donde había una calidad de pensamiento unificado. Y el What’s Going On [de Marvin Gaye] fue una aventura épica y sónicamente llegó a muchos lugares.

“Holy War” condena la idea de que “la guerra es santa y el sexo obsceno”. ¿De dónde vino eso?
Tenemos tanto miedo de hablar con nuestros hijos sobre el sexo, o queremos esconder todas nuestras partes del cuerpo y no dejar que nadie vea la belleza del amor y de hacerlo. Sin embargo, dejamos que los niños jueguen Call of Duty todo el día y noche, y con eso ¿no hay problema? Es muy confuso y torcido.

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CD: Two Door Cinema Club – ‘Gameshow’


De origen y evolución.


POR Michelle Angell  



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CD: Two Door Cinema Club – ‘Gameshow’

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Gameshow
Two Door Cinema Club
Glassnote Records

Debutaron con Tourist History y les auguraba un excelente inicio, con un sonido especial que hizo girar más de un par de cabezas. Sin embargo, Beacon dejó a la banda tambaleándose un poco entre la rutina y la prisa. Hoy, Gameshow se percibe como un respiro de aire fresco. En temas como “Ordinary” y el popular sencillo “Bad Decisions“, se escucha fuerte; lo que puso a la banda en el mapa y lo que los ha mantenido ahí. “Gameshow” nombra honorablemente este reciente EP augurándole una vez más éxito a la banda irlandesa.

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CD: Empire of the Sun – ‘Two Vines’


Consolidando el dance.


POR Michelle Angell  



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CD: Empire of the Sun – ‘Two Vines’

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Two Vines
Empire of the Sun
Universal

Traen de vuelta la fiesta que empezaron hace algunos años con “Walking on a Dream“. En el nuevo material, el tema “Ride” posee una gran influencia de electrónica que por instantes recuerda a Daft Punk con la frase: “Together we can do it“. “Two Vines” y “First Love” muestran su sonido característico que corre el peligro de tornarse monótono después de ser escuchado un par de veces. El álbum llega a ser plano por momentos, sin embargo es indudable que varios de sus tracks podrán ayudar a ambientar una fiesta en la que los asistentes no podrán dejar de bailar.

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El campeón que ganó el ring y triunfó en la vida


Un entrenamiento con Manny Pacquiao.


POR Miguel H. Zetter  



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El campeón que ganó el ring y triunfó en la vida

Fotos por: Mikey Williams.

Los días siempre comienzan a las cinco de la mañana, porque unos minutos antes de las seis, el único boxeador que ha conseguido levantar el título de campeón mundial ocho ocasiones en ocho categorías diferentes, comienza su preparación física corriendo ocho kilómetros de pendiente en aproximadamente 30 minutos. Sin que fuera un requisito laboral, pero sí un objetivo personal por conocer un poco más de Manny “Pac-Man” Pacquiao; nos preparamos física y mentalmente para, literal, seguir paso a paso la carrera del campeón.

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Recorrimos el circuito en el Griffith Park de Hollywood, California; al lado de una leyenda del boxeo, tratando (sin tener éxito evidentemente) de aguantar el ritmo a quien está en plenitud física por el sorpresivo, pero imaginable regreso a los cuadriláteros. Y es que el “Pac-Man” es un luchador incansable, y hoy en día, su carrera política como senador de Filipinas está creciendo, y su vida en el ring está lista para una nueva oportunidad. Todo esto tiene una enorme motivación que surgió desde su infancia; no olvida que cuando era niño, en ocasiones comía una sola vez al día y tenía que dormir en la calle, pero eso lo hizo fuerte y se convirtió en su inspiración para buscar su bienestar y el de su gente.

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“Estoy trabajando muy duro para dar lo mejor de mí arriba del ring porque sé que es lo que la gente quiere. Y no estoy hablando de aquellos que están en el boxeo, sino de las personas en Filipinas que creen en lo que hago y esperan mucho de mí. La vida me ha enseñado muchas cosas, pero la lección más grande que he tenido ha sido la de servir y la de crecer. Cuando sirves a la gente, creces como persona, tu interior se fortalece y pro- vocas que los que te rodean se vuelvan fuertes también; pero para ello necesitas un motor que te impulse a levantarte diario y que te mantenga focalizado en todo momento, eso es lo que más importa”, comenta Pacquiao en exclusiva para Rolling Stone.

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El mundo de Bruno Mars


Estilo por fuera, ansiedad por dentro: En el estudio con Mars mientras busca el sonido perfecto.


POR Staff Rolling Stone México  



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El mundo de Bruno Mars

Por Josh Eells.

“¡He estado viviendo en este cuarto por 18 meses!”, dijo Bruno Mars en un estudio de grabación en Burbank, California. El cantante estaba en el patio –vestía playera blanca, gorra de Versace sobre sus rizos y tenis blancos sin calcetines– fumando su enésimo cigarro del día y tratando de completar su álbum con toda la fuerza que le cabía en el cuerpo.

“Estoy apunto de terminarlo”, dijo Mars de 31 años. “Quiero completarlo para mediados del mes siguiente. ¡Tengo una fecha límite y esta mierda –refiriéndose al lugar– no es nada barata!”.

La canción que debía terminar en ese momento era una colaboración con Skrillex, a quien le pidió que le ayudara con un tema que le había dado problemas por meses. “[Skrillex] es un genio del sonido y su versión es increíble”, aseguró Mars. “Pero hay algo que todavía no siento listo. El groove no es el correcto, o hay algo que no estamos haciendo en el coro. No sé cuál es la matemática apropiada. Sólo quiero averigurar por qué de pronto me distraigo en ciertas partes”.

La última vez que Mars lanzó un disco fue en diciembre de 2012 –hace cuatro años, una eternidad para una estrella pop. Sin embargo, se mantuvo muy activo en el intermedio, con dos presentaciones en el medio tiempo del Súper Bowl (como acto principal en 2014 y haciendo una aparición en el de 2016 al lado de Coldplay y Beyoncé), eso sin tomar en cuenta su exitosa colaboración con Mark Ronson, “Uptown Funk“, una de las canciones que más ha vendido en los últimos años. Pero en realidad ha pasado mucho tiempo desde que lanzó un álbum, tanto que hasta olvidó cómo funciona todo el proceso: Las dudas, los interminables arreglos, los cigarros. “Llegó un punto en el que sentíamos que íbamos a perder la cabeza”, comentó. “Mi ingeniero quería matarme. Ha sido un proceso muy extraño. Sentarse en esta caja helada intentando inventar canciones”.

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Entre el sacrificio y la violencia


Mel Gibson y Andrew Garfield conversaron sobre ‘Hasta el último hombre’, cinta de enorme acción y profundas reflexiones.


POR Arturo Aguilar  



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Entre el sacrificio y la violencia

Al pasar la puerta de la suite, Mel Gibson se encuentra preparándose un té junto a la ventana, mientras Andrew Garfield se levanta rápidamente del sofá en el que estaba sentado para presentarse. Es una tarde particularmente calurosa en Los Ángeles y Gibson disfruta de una refrescante brisa que entra mientras regresa al sofá, saluda y se acaricia la larga y canosa barba que se ha dejado.

Ambos están aquí para hablar de Hasta el último hombre, filme protagonizado por Garfield que significa el regreso de Gibson a la silla de director desde que realizara Apocalypto en 2006. El mismo año en que su carrera como destacado cineasta y regular protagónico sufriera un fuerte golpe tras la polémica suscitada por la serie de insultos antisemitas que profirió a un oficial de policía judío que lo detuvo mientras conducía bajo los efectos del alcohol.

Para Garfield (nacido en Los Ángeles pero criado en Inglaterra), quien perfectamente rasurado y como quien sigue los protocolos formales de todo educado joven británico, viste con pantalón, camisa y zapatos de vestir (lo opuesto de Gibson, quien usa unos jeans y un suéter), esta es una de las dos películas que protagoniza y que llegan a salas para cerrar este 2016 y que rápidamente han puesto su nombre entre la lista de los aspirantes a posibles nominaciones y estatuillas en la próxima temporada de premios de Hollywood (el otro filme es Silence de Martin Scorsese).

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Una rebelde con causa


Jennifer Lawrence no le teme a nada y existe la posibilidad de una revolución en ‘Pasajeros’.


POR Óscar Uriel  



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Una rebelde con causa

Pasajeros es una fantasía romántica en el espacio en la cual Jennifer interpreta a Aurora Lane, una exploradora que viaja en una nave en la que un desperfecto provoca que ella y James Preston (Chris Pratt) despierten de ese sueño inducido años antes de lo pronosticado.

“¿Qué lees?”, pregunta la actriz cuando observa que entro a la habitación con mi grabadora y un libro en mano. “Es una novela americana titulada A Little Life, escrita por Hanya Yanagihara la cual ha sido traducida al castellano”, respondí.

Jennifer está sentada cómodamente en una de las sillas de la amplia mesa de juntas aledaña al estudio fotográfico. “¿Te gustaría en algún momento poder emigrar a otro planeta?”, le pregunto para romper el hielo. “No, no creo. Bueno, todo depende del resultado de las próximas elecciones en mi país”, responde y suelta una sonora carcajada insinuando la atmósfera para la conversación. Y es que la entrevista se celebró escasos días antes de las controvertidas elecciones en Estados Unidos, las cuales lanzaron a Donald Trump como presidente.

Días posteriores a la histórica fecha en la que el candidato republicano se proclamó como mandatario y ante un atribulado panorama mundial, Lawrence escribió un ensayo el cual se transformó en fenómeno viral: “Si estás preocupado por el estado de tu planeta, investiga todo lo que puedes hacer para protegerlo. Si estás preocupado por la violencia provocada por el racismo entonces ama más que nunca a quien esté a tu lado sin importar sus creencias o sus preferencias políticas. Si tienes miedo que se construya un muro que provoque una recesión en nuestro país, entonces organicémonos y manifestemos nuestro descontento”.

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Asuntos Internos: Salir de nuestra zona de confort


El alcance del fenómeno Trump en contraste con la realidad económica nacional.


POR Staff Rolling Stone México  



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Asuntos Internos: Salir de nuestra zona de confort

Por Eduardo Reyes.

La elección presidencial de Estados Unidos amerita, tanto por causas como por efectos, pasar a la historia como un momento emblemático y aleccionador. Destaca –en el corto plazo– que en un entorno de incredulidad y tras un proceso electoral accidentado, la inminente polarización del pueblo estadounidense (que pecó de sobre ideologizado), la derrota de las formas políticamente correctas y el aparente desencantamiento del mundo, “de la nada” y sin que muchos se dieran cuenta llevó a la conformación de un nuevo orden mundial.

La victoria de Donald Trump pone en el ojo del huracán las proyecciones económicas y la política exterior –al menos– del hemisferio occidental (me quedo corto). En este contexto, es preciso tener la inteligencia y sobre todo actuar sin temor para concientizarnos y entender hasta donde somos responsables de lo que internamente padecemos; ello no es otra cosa que asumir gran parte de la culpa respecto a la volatilidad de nuestras monedas y la medida en que hemos acarreado –de manera perversa y conveniente– la dependencia de nuestras economías a un modelo, que por desigual y disfuncional amerita ser catalogado como caduco (neoliberalismo).

El presente artículo analiza brevemente el estado de nuestra economía en el contexto de la coyuntura que representa el arribo de Trump al poder, demostrando que si bien su elección es factor negativo y de elevado riesgo para nuestro país, el telón de fondo –y por tanto lo subyacente– se remite a la forma en que hemos creado una economía de servicios trasnacionales, que renunció a crear industria propia, vista en el mundo como plataforma de ensamblaje; endeble y plagada de contradicciones y desaciertos, que, a fin de cuentas son lo que justifican las visiones catastróficas de un futuro aparentemente incierto.

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Hasta pronto, Leonard Cohen: La muerte de un Don Juan


Cómo Cohen perfeccionó una nueva manera de componer, entre lo sexual y lo espiritual; y cómo continuó reinventándose hasta el final.


POR Staff Rolling Stone México  



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Hasta pronto, Leonard Cohen: La muerte de un Don Juan

Por Rob Sheffield.

Si existe un momento que ejemplifique perfectamente el depravado ingenio de Leonard Cohen es su presentación de “Sing Another Song, Boys” en el infame festival de Isle of Wight de 1970. El poeta se apareció por el escenario a las cuatro de la mañana en su arrugada gabardina color caqui, con guitarra acústica bajo el brazo y sus ojos ferozmente oscuros que agujeraban los lentes de las cámaras al mirarlos. Con su ronca voz, emitió otra balada sobre amantes condenados al fracaso.

“They’ll never, ever reach the moon”, cantó. “At least not the one that we’re after”. Ni siquiera notaba cuando su voz se salía de rango. “It’s oating broken on the open sea look out there, my friends!”, incluso las coristas se percibían alarmadas por la locura dibujada en su rostro. “And it carries no survivors”. La concentración de Cohen se antojaba religiosa. Mientras les hacía el amor con la mirada a un millón de extraños en un miserable festival al aire libre. Todos los testigos temblando, sin descanso y drogados, sin embargo atrajo a todos con su encanto. Nadie más podría haber logrado algo así.

Gracias por tu vida, Leonard Cohen. Este hombre era tanto la grieta que separa las cosas como la luz que penetra poéstas. Nadie más escribía baladas tan honestas y magníficas para sentarse solo en la oscuridad, mirando hacia la ventana, o hasta la pared. “Joan of Arc“, “Chelsea Hotel“, “Tower of Song“, “Famous Blue Raincoat“, “Closing Time“. Era el músico judío-canadiense más codiciado, mucho antes de que Drake naciera, persiguiendo el dinero y la piel. Como Bowie y Prince, creó su propio reino de espiritualidad y sexualidad, y como ellos llegó hasta la cima de sus poderes musicales. Ningún otro compositor se adaptó a la vejez con mayor temple y gusto.

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Los grandes planes de The Who


Una nueva energía en el escenario, una magnífica colección y sus shows de 2017.


POR Staff Rolling Stone México  



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Los grandes planes de The Who

Desde hace dos años, The Who se ha visto inmerso en lo que ellos llaman “su última gran gira”, saliendo al escenario a presentar algunos de sus shows más extensos en décadas, con una energía renovada. La gira ha sido especialmente vigorizante para Pete Townshend, quien por años había percibido los shows en vivo como algo aburrido. “La gente solía preguntarme: ‘¿Te diviertes en el escenario?’, a lo que contestaba: ‘No, en realidad no. Es sólo lo que hago'”, admitió el cantante.

La actitud de Townshend comenzó a cambiar en las últimas cinco semanas de la gira, que incluyó una presentación en el Desert Trip de Indio, California. Para muchos fans la banda fue lo más destacable del festival. Townshend se ha motivado con las caras jóvenes que ha visto en la audiencia, y así fue como encontró un nuevo sentido en su forma de tocar, algo más natural, menos pensado. “Tal vez es por que puedo ver el final del camino en el místico futuro”, comenta. “Pero últimamente he sentido que lo que hago tiene una consecuencia mayor. Significa más para mí. Me siento mucho mejor que nunca al pensar en el futuro de The Who“.

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Las 100 mejores series de TV de todos los tiempos


Última parte de nuestra lista con las mejores series.


POR Staff Rolling Stone México  



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Las 100 mejores series de TV de todos los tiempos

Nunca ha existido un boom creativo tan impactante en la televisión como en el que estamos viviendo. The Sopranos cambió la forma en que vemos la TV, a partir de ella disfrutamos una época de oro que no parece tener intenciones de bajar la velocidad. ¡Qué mejor momento para dar un paso atrás y celebrar los mejores programas! Actores, escritores y críticos nos dimos a la tarea de buscar las mejores series de todos los tiempos; cualquiera podía votar por lo que quisiera. Los ratings no importaron, lo que contó fue la calidad. Los votantes han ha-blado, ¡Y hubieron opiniones diferentes!

En esta lista encontrarás desde las reliquias clásicas hasta las consentidas actuales. Psico-dramas ambiciosos y comedias de drogadictos, series de culto que nunca han sido valoradas como merecen pero que están listas para redescubrirse; policías, caricaturas y cazadores de vampiros. Encontrarás las grandes creaciones del pasado y las innovaciones de nuestro tiempo. Esta selección está garantizada para provocar todo tipo de argumentos pero la eterna belleza de la televisión es lo que sigue dándonos tanto para discutir.

100. Eastbound and Down (2009-2013)

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Danny McBride constuyó un héroe sin precedentes en Kenny Powers, un fallido jugador de beisbol que intentó pelear por redención. Uno de los shows más grandes en la historia de las series deportivas.

99. 0z (1997-2003)

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Este drama se ambienta en una prisión. Brutalmente franca con la violencia, Oz fue demasiado escandalosa para su época y sigue siéndolo años después.

98. The Golden Girls (1985-1992)

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Cuatro descaradas mujeres mayores comparten un departamento en Miami. Bea Arthur como la cínica Dorothy, Betty White es la linda pero tonta Rose, Rue McClanahan es la sexy Blance y Estelle Getty, el ángel siciliano es Sophia Petrillo.

97. Portlandia (2011-presente)

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No hay duda de que Portlandia debutó estruendosamente. Burlándose de las aspiraciones hipsters actuales, es un tema del que nunca se terminan las bromas.

96. Gunsmoke (1955-1975)

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Los westerns fueron una parte importante en la primera mitad del siglo, siendo éste uno de los dramas que más duró con James Arness y Marshal Matt Dillon.

95. Key & Peele (2012-2015)

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Jordan Peele y Keegan-Michael-Key no son cómicos magníficos. Son ladrones culturales que suelen meterse en áreas prohibidas con estereotipos raciales, políticas de género, comida, trabajo y nalgadas eróticas. Pero su arma más letal es su manera tan especial de mostrar los detalles tan hilarantes de la neurosis masculina.

94. Jeopardy! (1964-1975, 1984-presente)

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¿Eres el rival más fuerte?, desde los shows de juegos más viejos hasta los más nuevos. Aún puedes seguir jugando desde tu sala.

93. Mystery Science Theater 3000 (1988-1999)

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Un intendente y su compañero robot se sientan en la oscuridad e interrumpen uno de los peores lados B creados en la historia del cine, añadiendo sus propios comentarios.

92. American Idol (2001-2016)

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Una de las competencias musicales más importantes de todos los tiempos, le otorgó al mundo a memorables personajes como Simon Cowell, el juez hostil y Paula Abdul. Tuvo a estrellas como Kelly Clarkson, Adam Lambert y William Hung.

91. Broad City (2014-presente)

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Abbi Jacobson e Ilana Glazer inventaron esta nueva comedia sublime. Estas mujeres jamás parecen aprender o crecer, ni siquiera logran absolutamente nada; todo lo que les importa son ellas mismas, viviendo su estilo de vida al límite.

90. The Dyke Van Dyke Show (1961-1966)

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El dios de la comedia Carl Reiner, puso sus propias experiencias en este programa que dejaba ver la vida de un escritor televisivo. La forma en la que Dick se pegaba continu mente con el mismo mueble era una metáfora para la vida doméstica.

89. Homeland (2011-presente)

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Claire Danes regresó con fuerza después de 15 años de aparecer en My-So-Called Life, como una agente de la CIA en un drama de terrorismo. Con su descabellada trama, Homeland se convirtió en un éxito improbable.

88. Party Down (2009-2010)

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Lizzy Caplan y Adam Scott administran un servicio de catering –integrado por actores fracasados– que servía comida en convenciones de estrellas porno, reuniones de preparatoria y cualquier cantidad de desastres. Esta serie consolidó su propio espacio en la escena.

87. Doctor Who (1963- presente)

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Una historia de ciencia ficción que sigue prosperando a través de los años. Como el dueño del tiempo, el culto que ha creado Doctor Who tiene el poder de regenerarse, actualmente con Peter Capaldi encarnando la serie como el doceavo Doctor.

86. Good Times (1974-1979)

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Los chicos de la familia Evans siguen siendo los más relacionables con las familias actuales. Michael, el hijo pequeño, fue probablemente el único niño en la historia al que mandaron lejos por decir que George Washington tenía esclavos.

85. The Real World (1992-presente)

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MTV cultivó este virus de reality shows y pronto se esparció por todos lados. The Real World fue una gran influencia desde su debut, juntando a un grupo de extraños en un departamento para pelear, llorar y meterse a la cama.

84. Real Time with Bill Maher (2003-presente)

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Bill Maher ha sido uno de los políticos más confiables en el medio, logrando hacer enojar con sus ataques poco filtrados hacia la religión, y el presupuesto militar, entre otros.

83. House of Cards (2013-presente)

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Sublime actuación de Kevin Spacey como Frank Underwood y su asesino político de D.C., quien recita soliloquios tan irresistibles que no hay manera de que puedas ver solo un episodio.

82. The Jeffersons (1975-1985)

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Sherman Hemsley e Isabel Sanford fueron los clientes más cool de la cuadra, una pareja de sarcásticos y groseros individuos que de alguna manera se complementaban perfectamente.

81. Dallas (1978-1991)

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Sue Ellen y J.R. Ewing es un matrimonio construido en el cielo de la televisión. Este éxito plagado de sexo y dinero cuenta el mal de los Ewings y su emporio de petróleo en Texas.

80. The Fugitive (1963-1967)

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El Dr. Richard Kimble fue encarcelado injustamente por el supuesto asesinato de su esposa pero justo antes de escapar, se dedicó a buscar al verdadero asesino. El final de la serie fue poseedor de ratings históricos.

79. In Living Color (1990-1994)

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Keenan Ivory Wayans le dio un sentido hip hop a la comedia en formato sketch. Estaba Homey el payaso, la familia más trabajadora del este y un hombre blanco que estiraba su cara, antes llamado James Carrey.

78. Thirtysomething (1987-1991)

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Serie sobre los suburbios que suben la escalera corporativa, buscando maneras de cumplir con sus compromisos; tanto los de trabajo como los de casa.

77. The Walking Dead (2010-presente)

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Un monstruoso éxito con un grupo de humanos que tratan de luchar contra muertos vivientes, dejando ver escenas repulsivas y viscerales en la pantalla chica.

76. Late Night With Conan O’Brien (1993-2009)

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Conan fue anunciado como el sucesor de Letterman y a través de los años, nadie pudo pararlo. Incluso ahora, exiliado a TBS, Conan continúa dándole al mundo lo que probablemente sellará su legado.

75. The People v. O.J. Simpson: American Crime Story (2016)

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Esta miniserie de 10 episodios explora el caso del asesinato de O.J. con apariciones de John Travolta, Sarah Paulson y David Schwimmer. Logró volver a poner en la mira a los falsos juicios televisivos con la puesta en escena.

74. The Ren & Stimpy Show (1991-1995)

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Eran los días post The Simpsons, cuando todos esperaban ver la próxima gran comedia animada creada por John Kricfalusi. Era sobre un entrañable dúo: Un perro chihuahua y su leal amigo, un gato.

73. Transparent (2014-presente)

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Este drama de Jill Soloway jamás se había visto en la pantalla con Jeffrey Tambor como el patriarca de una familia que se convierte en matriarcado cuando hace una transición de Mort a Maura. Toca fibras sensibles en todos los niveles.

72. Girls (2012-presente)

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Lena Dunham aspiraba ser la voz de su generación –o al menos la voz de alguna generación– con esta inquebrantable comedia sobre un cuarteto de mujeres sarcásticas fallando durante sus veintes.

71. Mr.Show (1995-1998)

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Qué carreras tan extrañas han tenido Bob Odenkirk y David Cross. Sus parodias como Jesus Christ Superstar los pusieron en el mapa, con Jack Black como el mesías hippie, o la banda de metal gay Wyckyd Sceptre.

70. Roseanne (1988-1997)

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Impactó como un midwestern de clase media que hacía que las demás comedias de los años ochenta no parecieran mucho. Ella era la matriarca de esta familia en problemas, con su esposo John Goodman y Laurie Metcalf como su hermana Jackie. Roseanne mantuvo encendida la luz durante los tiempos más difíciles para los canales de comedia.

69. The Ed Sullivan Show (1948-1971)

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Sullivan le dio a The Beatles su primer debut en Estados Unidos, rompiendo récords cuando 73 millones de estadounidenses lo sintonizaron para escuchar “She Loves You” en 1964. También fue el hombre que censuró a Elvis Presley de la cintura para abajo y le ordenó a The Stones cambiar “Let’s spend the night together” por “Let’s spend some time together”, lo que permite explicar porqué salió del aire en 1971.

68. The State (1993-1995)

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Después de permanecer tres años en MTV, la serie se mudó a una cadena y fue destruida. Pero su culto continuó creciendo, especialmente después de que se pensara en Wet Hot American Summer.

67. The Odd Couple (1970-1975)

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Tony Randall encarnó a Felix, un neurótico obsesivo de la limpieza; Jack Klugman era Oscar, el periodista deportivo. Corridos por sus esposas, ambos compartían un departamento de solteros en Park Avenue, desquitando toda su angustia de mediana edad el uno con el otro.

66. Downton Abbey (2011-2016)

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Bienvenidos a la aristocracia inglesa en el campo, en 1912, donde la familia Crawley de Julian Fellowes sufre la caída del imperio británico, exponiendo desde las elites cómodamente situadas en sus habitaciones, hasta los bajos mundos de la servidumbre.

65. Happy Days (1974-1984)

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Que descanse en paz el gran Garry Marshall. El maestro de la comedia obtuvo su momento excepcional con Henry Winkler como Fonz mostrado de la mejor manera en el episodio en donde es protagonista en Hamlet.

64. Chappelle’s Show (2003-2006)

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La comedia es una droga peligrosa. Dave Chappelle era un loco excéntrico. Mandaba choques eléctricos a la cultura popular, ya fuera que se encontrara inmortalizando los recuerdos de Charlie Murphy sobre Rick James y Prince o simplemente jugando con la supremacía de razas.

63. The Wonder Years (1988-1993)

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Planeada perfectamente para la década de los ochenta, representó la infancia de los baby boomers en su aspecto más nostálgico, mientras Fred Savage como Kevin Arnold creció en los suburbios de 1960 y aprendió todo de Winnie Cooper.
 

62. Sex and the City (1998-2004)

 
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Esta fantasía de Manhattan se volvió icónica. Nadie podía detener la fiebre que los fans sentían por Carrie (Sarah Jessica Parker) y su grupo de amigas: Cynthia Nixon, Kristin Davis y Kim Cattrall. Construían sus vidas mientras salían con chicos ricos, para darse cuenta que las únicas almas gemelas que tenían eran una a la otra.
 

61. Your Show of Shows (1950-1957)

 
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Sid Caesar perfeccionó el formato de sketch cómico en los años cincuenta, con leyendas como Carl Reiner e Imogene Coca. Cuando Nanette Fabray remplazó a Coca en 1954, cambió a Caesar’s Hour, pero el espíritu no se sustituyó. Su equipo de escritores le removió el freno a novatos de la talla de Mel Brooks, Neil Simon y Woody Allen.
 

60. Beavis & Butt-head (1993-1997, 2011)

 
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El humor negro, sarcasmo y burlas han sido los motivos de conversación entre Beavis y Butt-head para arrancarnos carcajadas.
 
Mike Judge capturó el espíritu del adolescente americano, estandarizado por dos personajes que vivían para el metal, los nachos y para romper las reglas. Hablaban su propia poesía escandalosa viendo MTV. Además, compartían escena con Daria, quien más tarde obtuvo su propio show.
 

59. Hill Street Blues (1981-1987)

 
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Serie recordada y querida en aquel tiempo en donde las cadenas televisivas no tenían gran repertorio de drama. Estos policías eran personas problemáticas, tratando de superar conflictos morales, corrupción urbana y sus desordenadas vidas.
 

58. Roots (1977)

 
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Solamente estuvo vigente durante ocho episodios, pero cambió la forma en la que Estados Unidos veía su propia historia. El tema de la esclavitud era un innombrable tabú en la cultura hasta que esta miniserie trajo consigo los horripilantes detalles a la vida real.
 

57. Fawlty Towers (1975-1979)

 
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John Cleese situó al peor de los dueños de hoteles en este resort, en donde la pandilla de Monty Python se hospedó alguna vez. Basil Fawlty es el personaje más antipático y repugnante que Cleese haya interpretado.
 

56. 24 (2001-2010)

 
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Thriller lleno de adrenalina protagonizado por Kiefer Sutherland, dejó a un lado cualquier principio civil. De igual manera poseía esa inusual y original estructura de tiempo real, cada temporada era una crisis de 24 hrs. en la que cada episodio era una hora que el reloj de Jack corría sin freno.
 

55. Six Feet Under (2001-2005)

 
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Cada episodio abría con una perturbadora (cómica, o a veces ambas) escena de muerte. El drama de Alan Ball era oscuro, pero a la vez tierno. Exploró un nuevo horizonte y los episodios de cierre ayudaron a innovar la idea de que el final de una serie debe de ser un epitafio artístico.
 

54. The Muppet Show (1976-1981)

 
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Se convirtió en un fenómeno global en 1970 protagonizado por la Rana René, Miss Piggy, Fozzie, Gonzo y Animal. Con grandes números musicales como Elton John cantando “Crocodile Rock” con un coro de animales. Gracias a estos personajes, el espíritu de Jim Henson vive por siempre.
 

53. The Bob Newhart Show (1972-1978)

 
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Newhart ya era una leyenda de la comedia por sus brillantes monólogos en la década de los sesenta. Un psicólogo de Chicago que trataba un loco tras otro, perfecto para la característica mirada sarcástica de Newhart.
 

52. The Colbert Report (2005-2014)

 
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El corresponsal de Daily Show, Stephen Colbert despegó un nuevo acercamiento hacia las noticias falsas. “Queremos que la gente sufra y se confunda”, nos dijo en 2006. “No tengo problema en inventar cosas, porque no existe ninguna credibilidad que pueda perder”.
 

51. Fargo (2014-presente)

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Convertir el clásico cinematográfio de los hermanos Coen en una serie fue una idea terrible. No obstante, Noah Hawley le probó a todo el mundo que ideas terribles ocasionalmente poseen las semillas de la grandeza.

50. ER (1994-2009)

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Convirtió a Julianna Margulies en una estrella que previamente había sido opacada por George Clooney. Pero la principal sorpresa fue cómo ER continúo prosperando, reemplazando a sus personajes principales y aún así quedándose durante 15 años.

49. Taxi (1978-1983)

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Ciertamente, la idea parecía todo menos un futuro éxito televisivo, pero logró sobresalir por su extrema e inusual calidez, además de que sus personajes se complementaban perfectamente. Danny DeVito de pronto se convirtió en la estrella interpretando a Louie De Palma.

48. The Office (EE UU) (2005-2013)

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Nadie esperaba que esta serie fuera algo más que una copia ba-rata de una arriesgada propuesta británica. Sin embargo, con Steve Carell como el peor jefe de la historia, se convirtió en una innovadora y original comedia en su propia forma, con un equipo ejemplar de excéntricos empleados perdidos en los cubículos de Dunder-Mifflin. Era más relajada, más arriesgada y mucho más ambiciosa que la original.

47. The Rockford Files (1974-1980)

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James Garner era una nueva raza de los usuales detectives de la pantalla chica. Un ex convicto que había pasado un mal rato en San Quentin. Siempre se salvaba con su arrogante encanto.

46. The Mary Tyler Moore Show (1970-1977)

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El último modelo de cómo lograr hacer una comedia de oro siendo un adulto neurótico y manejar la soledad en una ciudad tan grande. Tocaba temas como el sexo y los anticonceptivos. Todas las comedias la copiaron un poco.

45. Battlestar Galactica (2003-2009)

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Esta serie original de 1970 fue un prometedor pero fracasado intento de crear una franquicia de ciencia ficción, uno de los apurados experimentos que nacieron tras el surgimiento de Star Wars. Pero la versión de Ronald D. Moore fue la rara adaptación que superó a la original, con una colonia de humanos en el espacio que escapaban de The Cylons y buscaban un hogar en algún rincón del vasto universo.

44. Columbo (1971-1978)

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El detective Peter Falk fue uno de los policías más cool de los años setenta. Se lanzaba a las calles como un imbécil desalineado, murmurando y pidiendo un lápiz prestado, mientras se alejaba del villano, fue el menospreciado, pero de esa forma jugaba con la mente de las personas, quienes cometían el temible error de pensar que era un idiota.

43. The Americans (2013-presente)

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Kerri Russell y Mathew Rhys interpretan a un par de espías rusos encubiertos, viviendo en los suburbios a principios de la década de los ochenta. Sin duda eran amables, normales, felices incluso. La pareja estadounidense perfecta excepto que hacía cosas como ejecutar a un sicario a ritmo de “Tainted Love”. Esta obra maestra es un intenso thriller de espionaje como un íntimo drama marital.

42. NYPD Blue (1993-2005)

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Steven Bochco resucitó el realismo policial, aquel que era sucio y bajo. Los detectives fueron traídos a la vida real por Jimmy Smiths, Amy Brenneman y David Caruso. El detective Sipowicz de Dennis Franz era un perfecto alcohólico, matón y racista.

41. The Honeymooners (1955-1956)

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Nació de un sketch del show de variedades de Jackie Gleason, en el que hablaba sobre Ralph Kramden, un conductor de autobús de Brooklyn y de su esposa Alice, personificada por Audrey Meadows. La serie era una escena brutal de la vida de un obrero.

40. The Shield (2002-2008)

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La primera vez que conocimos a Vic Mackey, se encontraba disparándole a uno de sus compañeros (policías) justo en la cara. Michael Chiklis introdujo uno de los policías más escalofriantes de la televisión en Mackey, un sucio detective con bastante inteligencia callejera pero con pocos escrúpulos.

39. Lost (2004-2010)

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Un viaje cósmico tan misterioso que en realidad nadie pudo descifrar del todo; un grupo atrapado en una isla, con la presencia de un monstruo de humo, un enigmático culto llamado Los Otros y múltiples líneas del tiempo ocurriendo en universos paralelos, dejaba una serie de pistas que creaban una discusión que podría durar años. Probó que había una extensa audiencia que buscaba que sus programas fueran impredecibles, retadores. Después de Lost, la TV no ha vuelto a ser la misma.

38. Buffy the Vampire Slayer (1997-2003)

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Sarah Michelle Gellar instituyó a una vengadora supernatural en Jon Whedon. Esta chica californiana lucha contra vampiros a diestra y siniestra. En Buffy, sobrevivir la adolescencia y pelear con fuerzas del mal, de cierta forma se convirtieron en la misma cosa.

37. Orange is the New Black (2013-presente)

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Cuando el drama de la prisión femenina de Jenji Kohan comenzó, en realidad no existía manera de saber si seguiría manteniendo aquel ritmo de grandeza al moverse las manecillas del tiempo. Pero en realidad cada vez se pone mejor. Ningún otro drama puede igualar este ensamble, gracias a las actrices Uzo Aduba, Jessica Pimentel, Danielle Brooks y Samira Wiley.

36. Law & Order (1990-2010)

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Este proceso tan largo de Dick Wolf, creó su propia fórmula: Crímenes violentos, policías, abogados idealistas y jueces tercos. Cada personaje constituye una diferente pieza en esta máquina que resuelve problemas.

35. My So Called Life (1994-1995)

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Claire Danes se convirtió en la semidiosa de la depresión adolescente con este clásico preparatoriano, tan adelantado a su tiempo que fue cancelado después de una temporada.

34. 30 Rock (2006-2013)

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Lemon Liz (Tina Fey) es una chica soltera que se pasa sus tardes jugando Monopoly sola y cantando “Night Cheese”. Pero Fey la convirtió en una heroína atemporal con su usual humor que llegaba hasta los pasillos de SNL. Alec Baldwin acopló su rol como el papel de su vida.

33. South Park (1997- presente)

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Trey Parker y Matt Stone tocaron a América en un lugar profundo y especial. Año tras año, esta caricatura ofrecía una mirada satírica hacia la hipócrita mierda que se vive en nuestra sociedad, mientras todos sufrimos al lado de Cartman, Stan, Kyle, Kenny y Butters. Una crítica que nunca debería de terminar. Hace algunos años, cuando todo empezó, Matt Stone nos dijo: “Nos sentiríamos plenamente realizados cuando el show se cancele porque nadie le entiende”. Así que salud por 20 años de fracaso y que vengan otros 20 más.

32. I Love Lucy (1951-1957)

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Las aventuras de la pareja hollywodense en la vida real, Lucille Ball y Desi Arnaz. Casados en una era en donde el canal solo les permitía dormir en camas separadas y esperar en la vida real al pequeño Ricky sin mencionar una sola vez en el aire que estaba embarazada.

31. Sesame Street (1969-presente)

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Ningún show infantil ha sido tan amado como esta utopía urbana. Ambientado en un vecindario habitado por un elenco multirracial de adultos sonrientes, un gigante pájaro amarillo, un amargado bote de basura, un vampiro amante de las matemáticas, además de muchos números y letras. Se ha mantenido dulce y al aire desde hace 40 años.

30. The Tonight Show with Johnny Carson (1962-1992)

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Hay una razón por la que Carson sigue siendo la marca para cada uno de los shows de media noche, después de coronarse rey en este tipo de programas por tres décadas. Sus monólogos fueron la banda sonora de una generación. Casi después de 25 años se retiró (y aún más de 10 años después de su muerte), el fantasma de Carson aún embruja las noches.

29. Monty Python’s Flying Circus (1969-1974)

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La perfecta combinación de comedia con cinco británicos intelectuales burlándose de la vida americana en BBC con Terry Gilliam. Monty Python fue The Beatles de la comedia, cada elemento clave en una mezcla química, desde la ira inmediata de John Cleese, hasta los precisos juegos de palabras de Eric Idle. Fueron padrinos de todos los cómicos que vinieron después, hambrientos de éxito. Sus 45 episodios son el equivalente al Monte Everest: Prohibidos, casuales, terroríficos.

28. The X-Files (1993-2002, 2016)

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Chris Carter creó un mundo de mitológica ciencia ficción con esta serie. Todas las cínicas conspiraciones en el universo no se acercan a la unión entre los agentes del FBI: Mulder (David Duchovny) y Scully (Gillian Anderson). X-Files inventó un nuevo tipo de TV en una era en la que los mensajes se transmitían por internet, sin dejar de mostrar los detalles geeks que tanto aman los devotos. Su archienemigo, William B. Davis encarnó a The Smoking Man, un maravilloso burócrata en las sombras de las conspiraciones, que recorren desde el asesinato de JFK hasta los resultados vendidos del Super Bowl.

27. Arrested Development (2003-2006, 2013)

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El relato de Mitch Hurwitz sobre la familia Bluth parecía demasiado absurdo para cualquier canal. Sin embargo, duró tres temporadas en Fox sin perder su naturalidad gracias a Will Arnett, Jason Bateman, David Cross y Henry Winkler. Alcanzó un nivel emocional extraño, como cuando Jeffrey Tambor se esconde en el ático para espiar su propio funeral.

26. Friends (1994-2004)

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Un grupo de veinteañeros en Nueva York se sientan a quejarse de sus trabajos, su vida sexual y sus familias disfuncionales. Una fórmula que muchas comedias han intentado llevar a cabo a través de los años. El éxito le vino a la pandilla de Central Perk por la diversidad de sus personajes, desde Phoebe, la extravagante cantante de folk, hasta la típica historia de amor entre Ross y Rachel.

25. Veep (2012-presente)

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Julia Louis-Dreyfus preside la saga política más actual del momento, siendo más brillante en cada temporada. Su presidente Selina Meyer es uno de los monstruos más grandiosos de la historia de la TV. Cada episodio es un rápido conjunto de insultos, muchos dirigidos al detestable Jonah de Timothy Simons.

24. Friday Night Lights (2006-2011)

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Un pueblo de Texas en donde todos viven y mueren por el equipo de futbol de la preparatoria. Pero Friday Night Lights no tiene nada que ver con futbol, sino con familia, clase, trabajo y el amargo sabor de los sueños rotos, con Kyle Chandler como el entrenador Taylor, Connie Britton como la esposa de Tami y Taylor Kitsch interpretando a Tim Riggins.

23. Deadwood (2004-2006)

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El épico western de David Milch explora el año 1870 ambientado en un campo minero de oro en Dakota del sur. En el centro de todo, Al Swearengen (Ian Mcshane) sirve tragos, cuenta dinero y corta yugulares. Un espectáculo que muestra un número de freaks que están haciendo fila para inmiscuirse en la última pelea de su vida.

22. Louie (2010-presente)

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Louis CK escribe, dirige y protagoniza la puesta en escena como un padre soltero en Nueva York. Louis puede desaparecer en su propia cabeza por temporadas, pero también muestra niveles emocionales importantes.

21. The Office (Reino Unido) (2001-2003)

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Ricky Gervais creó uno de los tiranos más cómicos de la televisión. David Brent, un amargado, incómodo y vanidoso jefe de oficina, que se encargaba de aterrorizar a los empleados de una compañía de papel en Londres. Invisible para todos salvo para las personas con las que trabaja y tienen que soportarlo. Este falso documental elevó el sentimiento de vergüenza ajena en cualquier tipo de comedia del mundo, llevándola a la creación de su versión estadounidense.

20. Cheers (1982-1993)

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Todos necesitamos un lugar en donde conozcan tu nombre –incluso si es solo un bar en Boston lleno de clientes que no tienen ningún otro lugar a dónde ir. Cheers empezó con un enfoque sobre una relación entre el personaje de Ted Danson y Diane, una comedora de libros interpretada por Sheeley Long. Pero regularmente se renovaba a sí misma trayendo nueva sangre como Woody Harrelson, Kirstie Alley y Kelsey Grammer.

19. Curb Your Enthusiasm (2000-presente)

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Pensamos que ya conocíamos a Larry David desde su alter ego en Seinfeld, George Costanza, pero gracias a Curb logramos conocer su faceta de “asesino social”. El virtuoso de la plática y de las catástrofes. Desde religión hasta raza, la burla de la reunión de Seinfeld hasta el ardiente dilema ético que destacaba si era correcto o no que un hombre usara shorts en un avión, Larry siempre aparece para hacer de una situación incómoda algo peor.

18. Star Trek (1966-1969)

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La conquista del espacio duró alrededor de cinco años: “Explorar nuevos mundos, para encontrar nuevas civilizaciones y vidas”, y fueron exitosos en crear la franquicia de ciencia ficción más grande y famosa que sigue vigente. Con William Shatner como el increíble Capitán Kirk, el lógico Mr. Spock de Leonard Nimoy además de Bones, Sulu, Uhura y Scotty hiceron un extraño contacto con inexplicables formas de vida. Durante estos tres años, Star Trek sufrió de bajos ratings hasta que decidieron dejarla de transmitir, pero gracias al más sospechoso pero leal club de fans (¿recuerdas cuando decir “Trekkie” era un insulto?) y la visión de Gene Roddenberry, quedó inmortalizada y prospera hasta el día de hoy.

17. Twin Peaks (1990-1991)

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“Estas chicas son verdaderamente hermosas”, el autor de Twin Peaks, David Lynch nos dijo en 1990. “Sólo son mujeres líderes. Y están llenas de secretos”. La pequeña ciudad de Twin Peaks está repleta de estas mujeres y sus secretos mortales, desde el asesinato de la reina de la graduación de preparatoria, Laura Palmer, hasta la viva y seductora Audrey Horne. Unos años después de Blue Velvet, el misterio surreal de Paciffic Norhwest fue seguido de Kay MacLachlan como el agente del FBI, Dale Cooper en busca de buen café, para terminar con la aclaración del asesinato de Palmer.

16. M*A*S*H (1972-1983)

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El show sobre la guerra coreana que duró tres veces más que la guerra en sí, despegando desde la revolucionaria comedia de Robert Altman, mientras los doctores y las enfermeras del 4077° Hospital Quirúrgico Móvil Militar esperaban por el siguiente helicóptero, con los gemidos de la “carne para cirugía”. M*A*S*H comenzó como una comedia no tan fácil de digerir con Alan Anda y el resto del elenco intentado mantener el sentido del humor con vida, sin importar la diaria carnada de alcohol e infinidad de parrandas. Sin embargo, evolucionó a una solemne meditación de la fútil guerra. El final fue visto por más de 120 millones de personas y permanece como uno de los eventos más populares de la televisión.

15. The West Wing (1999-2006)

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Aaron Sorkin le dio a América un líder que no merecía en el benevolente presidente Jed Bartlet interpretado por Martin Sheen, un profesor católico de New Hampshire. Haciendo su debut en el otoño de 1999, The West Wing se presentaba como una era de fantasía que describía cómo se vería la política en el futuro. Pronto se convirtió en un paso equivocado en los años de Bush-Cheney. Pero el sello personal de Sorkin, su rapidez de diálogo y el idealismo de la administración de Bartlet, hizo de esto un universo paralelo bien recibido.

14. The Larry Sanders Show (1992-1998)

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El fallecido Garry Shand, pudo haber sido el conductor de The Tonight Show pero en lugar de eso, protagonizó su propia pesadilla en versión ficción. Como Larry Sanders encarnó a un monstruo del espectáculo que detestaba cualquier interacción humana (especialmente con él mismo) lo dejó sin opción más que hacerle pláticas triviales a extraños detrás de un escritorio. Larry Sanders debutó en 1992 con un look totalmente diferente y se convirtió en un éxito absoluto. Larry siempre tuvo el ego más grande de la habitación pero su competencia era Artie, el productor de Rip Torn y el entrañable compañero de Jeffrey Tambor, Hank. Incontables leyendas de la comedia comenzaron su carrera aquí.

13. Late Night with David Letterman (1982-2015)

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Un hombre que se dedica a informar sobre el clima ha fallado terriblemente, toma un turno en el cementerio que quedó después de Johnny Carson y cambia completamente la manera en la que América se ve a sí misma. Letterman mezcló a personas extrañas que nunca antes habíamos visto. Él era un conocedor de las excentricidades estadounidenses sin tener que pretender que él mismo era una. Un magnífico entrevistador, especialmente cuando se encontraba con un reto, como cuando Cher lo llamó “imbécil”. Cuando Letterman decidió cambiarse a Late Show de CBS en 1993, cambió títulos y límites de tiempo, pero mantuvo ese espíritu aeróbico con vida –especialmente en sus encantadoras semanas finales, cuando rompió récords. “33 años, 6,028 shows, ocho minutos de risas”. Nunca veremos a nadie como él.

12. Game of Thrones (2011- presente)

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La noche es negra y llena de terrores, especialmente cuando es domingo y Game of Thrones está en la televisión. Con su premisa que la describe como: “The Sopranos en la Tierra Media”, es la serie que rompió las barreras para consolidarse como una de las más realistas e irresistibles al aire, yendo más lejos que los libros de George R.R. Martin. Puede llamar la atención por los desnudos, dragones y cabezas cortadas, pero en el fondo es un thriller profundamente político. Como Martin declaró a Rolling Stone, “la historia está escrita en sangre, es una mina de oro”, los reyes, los príncipes, los generales y las prostitutas; las traiciones, las guerras y los secretos, son el 90% de lo que están hechas las fantasías.

11. Freaks and Geeks (1999-2000)

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Un momento brillante para Freaks and Geeks: La experta en matemáticas afiliada al club de nerds en la preparatoria, Lindsay, le da una calada a un porro de marihuana, sólo para ser atrapada por sus perdedores amigos que la enfrentan: “Yo sé como se ven las personas drogadas. ¡Fui a un concierto de Seals and Crofts en el verano!”. Paul Feig y Judd Apatow verdaderamente capturaron la agonía que puede ser la adolescencia estadounidense, en esta compasiva comedia que se lleva a cabo en Michigan de 1980. Trágicamente solo duró una temporada, pero los 18 episodios fueron todo un éxito, con un soundtrack rockero y un elenco lleno de futuras leyendas.

10. The Daily Show (1996- presente)

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El show de noticias falsas que de alguna manera tenía más credibilidad que las noticias reales. Comedy Central comenzó con The Daily Show en 1996, pero se enalteció cuando Jon Stewart se unió en 1999. The Daily Show se tornó mucho más político en cuanto las noticias reales comenzaron a ponerse peor. Stewart tenía la furia de un hombre que había firmado contrato al final de los años de Bill Clinton, solo para terminar con un Estados Unidos más feo, que daba más miedo que el que él había pedido. El enojo era palpable: “Es un cómic con líneas de tristeza” le dijo a Rolling Stone en 2006. Mientras la franquicia se las arregla sin él, los alumnos de Daily, John Oliver y Samantha Bae aún mantienen ese espíritu enérgico en sus propios shows.

9. All in the Family (1971-1979)

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Qué sorpresa ver este exitoso show en 1971, en medio de los años de Nixon –el mal hablado Archie Bunker, su esposa Edith, Gloria, su hija feminista y su esposo hippie, Mike, viviendo juntos en el mismo departamento en Queens, discutiendo. Y fue Número Uno en las listas de popularidad cada año, porque jamás redujo a sus personajes. Carroll O’Connor le dio a Archie dignidad y decencia, aunque expresara opiniones como “Inglaterra es un país de maricas”. All in the Family se arriesgó y tocó temas en la televisión que jamás habían sido viables.

8. Saturday Night Live (1975-presente)

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Más de 40 años después, los jóvenes que no estaban listos para el prime time reinventaron la comedia como si fuera rock & roll. SNL ha mantenido esa energía eléctrica. Todos pensaron que el elenco clásico de 1970 –John Belushi, Gilda Radner, Bill Murray y Dan Aykroyd– era demasiado loco y salvaje para reemplazar. Pero no: SNL le brindó a Eddie Murphy al mundo en los años ochenta, a Mike Myers y a Chris Rock en los años noventa, a Will Ferrell y a Tina Fey en el 2000 y a Kate McKinnon y Aidy Bryant el día de hoy. Las personas siguen pensando que esta vez ya es tiempo de que Saturday Night muera, sin embargo resurge de las cenizas. Ningún otro show ha desatado tantos comediantes tan poéticamente dementes.

7. The Twilight Zone (1959-1964)

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Rod Serling edificó una antología de series que no tiene temporalidad. Los mejores episodios de Twilight Zone son aquellos que le daban cabida a las rarezas. Incontables viñetas siguen formando parte de los clásicos, desde William Shatner viendo hacia afuera de una ventana de avión y observando un monstruo en el ala, hasta el gigante y sonriente alien encarnado por Richard Kiel, quien llega con todas las soluciones para los problemas de la tierra simplemente porque quiere servirle a los humanos.

6. The Simpsons (1989-presente)

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¿Cómo es que han durado tanto? Porque de alguna forma, además de ser la caricatura consentida del público, son la familia americana más realista. Especialmente Homero, el papá torpe en el que a todos les da miedo convertirse, el error más cruel de la naturaleza. O especialmente Lisa, la voz de la sabiduría en tonos de sax. Matt Groening nos confesó en 2002: “Los personajes toman, fuman y no usan cinturón de seguridad, tiran basura y usan armas”.

5. Seinfeld (1989-1998)

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La serie que no hablaba sobre nada y que de pronto se convirtió en la gran comedia americana. Jerry, George, Elaine y Kramer: Cuatro amigos que en realidad son personas terribles, en Nueva York. Todos podían inferir que Seinfeld era la comedia más graciosa, un milagro semanal. Julia Louis Dreyfus nos dijo en 1998 que “la realidad es que estos personajes son un grupo patético y deberían desintegrarse pronto. Es decir, si das dos pasos hacia atrás, verás que se hacen cosas terribles uno al otro. Sin embargo siguen queriendo estar juntos. Es un comportamiento sociópata”.

4. Mad Men (2007-2015)

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Se convirtió en la sensación en cuanto hizo su primera transmisión. Jon Hamm como Don y su habilidad para conquistar mujeres, un genio que moldea los sueños y las fantasías de otras personas, pero que no puede escapar de su propia soledad. “Un buen publicista es como un artista, conecta con la cultura”, nos dijo el creador Matthew Weiner. “Están sosteniendo un espejo mientras dicen: ‘Esto es lo que quisieras ser. Esto es lo que te da miedo’”. Don puede hacer que una audiencia rompa en llanto haciendo lo más insignificante, a pesar de que todas las historias sobre su familia feliz son un auténtico fraude. No había existido nada tan seductor como Mad Men en la televisión.

3. Breaking Bad (2008-2013)

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Bryan Cranston, quien previamente le había dado vida al dentista de Seinfeld y al encantador padre de Malcom in the Middle, se convirtió en un villano estelar en la puesta en escena noir de Vince Gilligan. Walter White, un amargado profesor de química de preparatoria, es diagnosticado con cáncer de pulmón y decide ver por su familia convirtiéndose en el chef más codiciado de metanfetaminas.

Desafortunadamente para su familia, sus víctimas y prácticamente todo el que lo conoce, Walter está enamorado de su nueva vida secreta como el mafioso Heisenberg.

Es terrorífico porque en realidad él es ordinario, cualquier perdedor estadounidense que consigue una oportunidad de actuar en sus fantasías criminales más deseadas, que en el caso de Walter es finalmente ser bueno en algo. Eso es lo que hace que Breaking Bad sea tan adictiva como el Cristal azul que cocina Walter.

Conforme Walt se va transformando en Heisenberg cava aún más profundo en el lado oscuro del sueño americano. Después de un espectacular asesinato que incluyó la explosión de una silla de ruedas, Walt le habla a su esposa para reportarle: “Se ha acabado. Estamos a salvo. Yo gané”. La parte trágica es que se lo cree, pero ya se ha perdido a sí mismo y a su familia hace mucho tiempo.

2. The Wire (2002-2008)

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“Haz venido con el rey, no debes fallar”. El antiguo reportero David Simon apostó en grande por esta épica historia que relata el juego de las drogas en Baltimore. Cada temporada contaba una historia diferente. “Después de la primera temporada, pensé: No hay manera en la que pueda renovarme”, nos dijo Simon. “Pero nadie nos ha dicho que paremos. Es decir, cualquiera que se atreva a hacer más de 50 horas de TV, en lo que respecta a esa ciudad americana y espera que la gente lo vea, merece lo que pueda obtener”. The Wire le dio a sus personajes lo que nadie había visto. Michael K. Williams creó un personaje increíble e intrépido en Omar, aquel vengador con una pistola en mano y su representativa gabardina en tantos momentos inolvidables en The Wire.

1. The Sopranos (1999-2007)

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Esta saga mafiosa partió la historia de la televisión, inauguró una época de oro en la que todo parecía posible. Con The Sopranos, David Chase arrasó con las reglas de lo que se podía realizar en la pantalla chica. Creó un inmortal antihéroe en James Gandolfini, el jefe de la mafia de Nueva Jersey, Tony Soprano, presidiendo un grupo de gánsteres que de igual forma fungían como padres y esposos de familia dañados, hombres intentando vivir con sus secretos asesinos y memorias oscuras. Como el fallecido Gandolfini nos dijo: “Escuché a David Chase decir una vez que todo se resumía en la manera en la que nos mentimos a nosotros mismos, y el caos que esto provoca”. Chase demostró que la ambición por contar una historia puede brindarle mucho a la televisión. El auge de los siguientes años no hubiera sucedido de no ser porque The Sopranos abrió la puerta.

Pero Chase tuvo muchos problemas para conseguir que un canal apostara por una historia sobre un gánster lleno de culpa que va a terapia mientras que su madre planea matarlo. “No teníamos ni idea de que este show le fuera a gustar a la gente”, nos dijo. “Para ser franco, hizo tanto ruido que nos dejó helados”.

De cierta forma, The Sopranos logró durar más de seis magníficas temporadas con una audaz mezcla de matanza y humor.

The Sopranos está llena de personajes dañados que permanecen en nuestra mente. El guitarrista de E Street Band, Steve Van Zandt, se convirtió en Silvio Dante, el asesor de Tony. Chase lo descubrió desde los primeros álbumes de Bruce Springsteen. Esto no hubiera sido posible sin la intensidad suprema de Gandolfini, lenta pero ardiente. Era el único actor que podía traer a la vida la verdadera angustia y desdicha de Tony. El guion, actuación y dirección de la puesta en escena llegaron a lugares nunca antes vistos.

En The Sopranos la lealtad hacia la familia cambia, tanto en las calles como en casa. Entrañables personajes pueden ser eliminados en cualquier momento. Mantiene vivo ese sentido de peligro constante hasta el último segundo. Después de una década, todo se fue a negros en un restaurante mientras una rocola tocaba “Don’t Stop Believin’”. The Sopranos aún es el estándar que todos los ambiciosos expertos de la televisión esperan alcanzar.

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Semillas de esperanza en una galaxia muy muy lejana…


Felicity Jones junto a Diego Luna protagonizan ‘Rogue One: A Star Wars Story’, bajo la dirección de Gareth Edwards.


POR Staff Rolling Stone México  



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Semillas de esperanza en una galaxia muy muy lejana…

Por David Avitia T.

En octubre de 2012, The Walt Disney Company adquirió LucasFilm Ltd. por 4 mil 60 millones de dólares y a través de su nueva presidenta, Kathleen Kennedy se hizo el anuncio de lo que hasta ese momento había sido un sueño reprimido para millones de fans de la saga más taquillera en la industria cinematográfica y un rumor durante años: Una nueva trilogía de Star Wars venía en camino.

En febrero de 2013, Bob Iger, CEO de Disney, confirmó los spin-offs o antologías inicialmente conocidas como Star Wars Anthology Series que se mantenían al margen del arco argumental en la historia de los Skywalkers. Nadie podía creerlo. Para diciembre de 2015, The Force Awakens rompió récords y al momento ha recaudado casi 2 mil 70 millones de dólares en el mundo, colocándola en el tercer lugar del box office de todos los tiempos en menos de un año.

Rogue One: A Star Wars Story se sitúa entre Episode III: Revenge of the Sith y Episode IV: A New Hope –mucho más cercano a éste último en la línea de tiempo– y cuenta la historia de cómo La Rebelión consigue los planos de la Estrella de La Muerte para establecer la trilogía original. Platicamos con el director Gareth Edwards (Monsters, Godzilla) y con los protagonistas Felicity Jones (The Amazing Spider Man 2, The Theory of Everything, Inferno) y Diego Luna (Y tu mamá también, The Terminal, Contraband, Elysium) en exclusiva para Rolling Stone.

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