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Chad Smith habló sobre el próximo álbum de Red Hot Chili Peppers


La banda angelina comenzó la producción de este material a finales del 2018.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Steve Keros / cortesía Warner Music

Chad Smith habló sobre el próximo álbum de Red Hot Chili Peppers

Hace unos meses, Anthony Kiedis confirmó que él y sus compañeros estaban por volver al estudio para producir el próximo álbum de Red Hot Chili Peppers, el doceavo en su carrera y el tercero creado por la alineación actual: Chad Smith (batería), Flea (bajo) y Josh Klinghoffer (guitarra).

Recientemente, Smith dijo en una entrevista para SiriusXM que la sesiones de escritura para el nuevo álbum se vieron interrumpidas el año pasado por los incendios que azotaron los condados de Los Ángeles y Ventura que obligó a 295 mil personas a ser evacuadas. 

“Comenzamos a trabajar en el disco, que, para nosotros, solo significa meternos en una habitación, hacer ruido y poner algunas notas juntas. Y luego vinieron los incendios, no hubo daños en la casa en la que estábamos trabajando,  no se quemó, pero no pudimos volver allí. Así que eso detuvo nuestro progreso”, agregó Chad. 

Red Hot Chili Peppers se presentó este pasado domingo en un concierto benéfico para las víctimas del incendio en el Hollywood Palladium de Los Ángeles. “Fue genial. Fue divertido.  Realmente apreciamos a todas las personas que fueron y pagaron mucho dinero, no fue un boleto barato. Pero todos los ingresos van a las personas que sufrieron por los incendios, las familias y todo lo que está involucrado en eso”, mencionó Smith. 

“Yo y Anthony (Kiedis) vivimos en Point Dume. Setenta casas en nuestro vecindario se quemaron. Las nuestras se salvaron, por suerte. Así que nos tocó y queríamos hacer algo. Funcionó y fue divertido”, agregó. 

The Gateaway es el más reciente LP del grupo, el cual fue lanzado en 2016 y de donde se desprenden temas como “Dark Necessities”, “Go Robot”, “Sick Love” y “Goodbye Angels”. Red Hot Chili Peppers promocionó esta producción con una gira mundial en 2016 y 2017.

Aún no hay detalles sobre cuando llegará el nuevo LP de Red Hot Chili Peppers, pero se espera que sea lanzado este año.


The Smashing Pumpkins hizo un cover a “Friday I’m In Love”


El colectivo liderado por Billy Corgan también interpretó “Never Let Me Down Again” de Depeche Mode y “Dross”.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Ralph Arvesen (CC)

The Smashing Pumpkins hizo un cover a “Friday I’m In Love”

The Smashing Pumpkins realizó un cover a “Friday I’m in Love” the The Cure. Esto ocurrió durante un concierto que el colectivo liderado por Billy Corgan ofreció en Washington y días después de que se diera a conocer que encabezarán la próxima edición del festival NOS Alive junto con Bon Iver y The Cure.

“Friday I’m in Love” fue lanzada en 1992 como el segundo sencillo de Wish, el noveno álbum de estudio de la icónica agrupación británica. Rápidamente, el tema se convirtió en un éxito a nivel mundial y se ha convertido en una de las piezas más representativas de The Cure. El guitarrista James Iha fue quien tomó el control del micrófono para interpretar la canción. 

Durante este concierto, The Smashing Pumpkins también debuto en vivo “Knights of Malta” y “Travels”, dos de las pistas que forman parte de Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun. Este es el primer material en 18 años en incluir a tres de los miembros originales del colectivo (Corgan, Iha y Chamberlin). El álbum fue producido por Rick Rubin y ya está disponible en todas las plataformas digitales. 

Otra de las sorpresas de la noche fue el cover que hicieron a “Never Let Me Down Again” de Depeche Mode, el cual no habían tocado desde 1995 y “Dross”, canción que interpretaron por primera vez desde su disolución en el año 2000.  


Un nuevo álbum de Red Hot Chili Peppers está en camino


El líder de la banda angelina, Anthony Kiedis, compartió algunos detalles sobre esta próxima producción.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Steve Keros / cortesía Warner Music

Un nuevo álbum de Red Hot Chili Peppers está en camino

Red Hot Chili Peppers está por volver al estudio de grabación para producir su decimosegundo material discográfico, así lo aseguró el líder de la banda, Anthony Kiedis. Hasta el momento, la agrupación cuenta con un total de once álbumes publicados desde su debut en 1984.

The Gateaway es el más reciente LP del grupo, el cual fue lanzado en 2016 y de donde se desprenden temas como “Dark Necessities”, “Go Robot”, “Sick Love” y “Goodbye Angels”. Red Hot Chili Peppers promocionó esta producción con una gira mundial en 2016 y 2017.

En una entrevista con The New York Post durante un evento celebrado en la más reciente edición del New York Fashion Week, Kiedis confirmó que él y sus compañeros regresarán al estudio en dos semanas para comenzar a trabajar en su próximo disco, el cuál será el tercero creado por la alineación actual: Chad Smith (batería), Flea (bajo) y Josh Klinghoffer (guitarra).

Por su parte, Flea publicará sus memorias, donde el músico de 55 años hablará sobre su vida, sus inicios en la industria del entretenimiento y los problemas que ha tenido que enfrentar gracias a su abuso de las drogas. El libro estará disponible el próximo 25 de septiembre.

Aún no se sabe cuando será lanzado este disco, pero se espera que esté disponible en algún momento de 2019.


Def Leppard hizo un cover a “Personal Jesus” de Depeche Mode


El colectivo inglés también grabó una nueva versión de su éxito “Hysteria”, con motivo del 40 aniversario de su primer show en vivo.


POR Andrea Calderón  



Def Leppard hizo un cover a “Personal Jesus” de Depeche Mode

El pasado miércoles, Def Leppard celebró 40 años desde su primera presentación en vivo. Como parte de este festejo, el grupo liderado por Joe Elliott grabó una serie para Spotify Singles. Durante la sesión, el colectivo grabó su propia versión del popular tema “Personal Jesus”, interpretado originalmente por Depeche Mode.

El cover sigue el ritmo aleatorio del tema original. En él, la voz de Joe Elliott suena parecida a la de Dave Gahan, al tiempo que los riffs de guitarra de Martin Gore aumentan hasta convertir a la nueva versión en una canción de metal.

La agrupación originaria de Reino Unido también grabó una nueva versión de “Hysteria”, sencillo que se desprende de su cuarto material discográfico del mismo nombre y publicado en 1987.

Con esta participación, el colectivo de heavy metal se une a U2, Fitz and the Tantrums y Taylor Swift, entre otros artistas, que también han colaborado para realizar una sesión con Spotify. Fue hace seis meses cuando la agrupación puso fin a su resistencia contra los servicios de streaming y descarga digital y permitió que todo su catálogo se publicara en plataformas digitales.

Regrabar éxitos del pasado se ha convertido en una actividad recurrente para Def Leppard, quienes han versionado temas como “Pour Some Sugar on Me” y “Rock of Ages” en los últimos años.

Actualmente, Def Leppard está de gira junto a Journey. Puedes leer más acerca de este tour aquí.

Escucha a Def Leppard interpretar nuevas versiones de “Personal Jesus” e “Hysteria”:


Depeche Mode publicará un boxset de vinilos con todos sus sencillos


Para acompañar este material, Dave Gahan y compañía también lanzarán una serie de relojes inspirados en cada uno de los sencillos.


POR Andrea Calderón  



Foto: Facebook Depeche Mode

Depeche Mode publicará un boxset de vinilos con todos sus sencillos

Depeche Mode celebrará y hará un homenaje a su larga trayectoria con el lanzamiento de un box set de vinilos de edición especial que incluirá todos los sencillos promocionales que el colectivo ha publicado desde su álbum debut Speak & Spell, hasta su último material discográfico Spirit.

Con la ayuda de Rhino Records, la agrupación británica publicará todos sus sencillos en vinilos de 12 pulgadas después de trabajar en los Abbey Road Studios para remasterizar cada uno de los temas a partir de su cinta original y con esto incrementar la calidad del audio.

El arte de cada vinilo de este box set estará decorado con un nuevo diseño inspirado en las portadas originales.

El lanzamiento del box set será cronológico, comenzando por dos sets que incluirán los sencillos del álbum debut del grupo Speak & Spell de 1981, seguido por los cortes promocionales de A Broken Frame de 1882. Ambos sets estarán disponibles a partir del próximo 31 de agosto y contendrán seis vinilos en blanco y negro.

Esta es la lista de canciones del vinilo de Speak & Spell y A Broken Frame, ambos incluirán también un póster original y una tarjeta para descargar cada álbum digitalmente:

1. “I Sometimes I Wish I Was Dead”
2. “Ice Machine”
3. “New Life” (Remix)
4. “Just Can’t Get Enough”
5. “Any Second Now”

1. “See You” (Versión extendida)
2. “Now This Is Fun” (Versión extendida)
3. “The Meaning of Love”
4. “Oberkorn (It’s a Small Town)
5. “Leave In Silence”
6. “My Secret Garden”

En una entrevista, la banda liderada por Dave Gahan, comentó que el box set representa el pasado del grupo con intensiones de adentrarse al futuro: “Todos nuestro sencillos siempre han sido increíblemente importantes para todos nosotros. Es genial poder volver a compartir estas canciones con nuestros fanáticos más antiguos y aquellos que son nuevos, es una forma de adentrarnos al futuro sin olvidar el pasado. Esperamos que los disfruten tanto como nosotros”.

Depeche Mode también lanzará una serie limitada de relojes Hublot inspirados en sus 55 sencillos. Cada reloj contará con obras de arte del sencillo correspondiente y vendrá con un certificado de autenticidad firmado por la banda.

Actualmente, Dave Gahan, Martin Gore y Andrew Fletcher continúan el Global Spirit Tour por Europa para promocionar su más reciente álbum de estudio Spirit, lanzado en 2017.


El nuevo material y gira de Jared Leto


El cantante de Thirty Seconds to Mars sobre su más reciente LP, los peligros de una gira a la ‘Spinal Tap’, y por qué está a la baja en Bitcoin.


POR Brian Hiatt  



Foto: Instagram Jared Leto

El nuevo material y gira de Jared Leto

El quinto y nuevo álbum de Thirty Seconds to Mars tiene lo que el vocalista Jared Leto llama “un título bastante cargado” y no está bromeando: America. También es el disco con más electrónica desde su debut homónimo en 2002, y su LP más pop-amigable, con apariciones especiales de Halsey, A$AP Rocky y la producción de una pista por Zedd. “No son necesariamente grandes himnos de guitarra”, dice Leto, recién llegado de Italia para una presentación con su banda.

“Durante mucho tiempo, quería hacer un álbum sobre el sueño americano y Estados Unidos como concepto, y como estaba a la mitad, pensé: ‘Creo que ahora estoy haciendo ese álbum’”.

En el sencillo “Walk on Water”, cantas “Making love with the devil hurts”. ¿Podrías explicar ese sentimiento?
Es la vieja historia sobre el conejo que quería montar un cocodrilo. Y al final se come al conejo y dice: “Soy un maldito cocodrilo. ¿Qué esperabas?”. Entonces, si haces un trato con el diablo, hay ciertas cosas que puedes esperar. “Walk on Water” es una canción sobre los tiempos en que vivimos.

¿Es posible que el diablo esté en la oficina Oval?
Podrías tomar eso como un ejemplo. Toqué en París para 15 mil personas, y me sorprendió lo fuerte que cantaron esa canción. Puedes escribir un tema sobre Estados Unidos, pero éstas son preocupaciones globales.

¿Qué te llevó a los sonidos electrónicos en este álbum?
Siempre me ha gustado esa mezcla, ya sea Depeche Mode o The Who usando sintetizadores, o Pink Floyd usando cualquier tecnología para llegar a donde la canción necesitaba ir. Además, los platillos fuertes y las guitarras distorsionadas no se traducen en este día y era. Si enciendes eso ahora, tus oídos comenzarán a sangrar.

¿No es eso realmente porque todo se está masterizando demasiado fuerte?
Tienes toda la razón. Era agradable subirle el volumen a Zeppelin o Nirvana en tu auto. Ahora todos se quejarían; es tan perforante, brillante. Creo que tiene algo que ver con las decisiones estilísticas que son penetrantes en la música actual.

¿En qué pop moderno y hip hop estás ahora?
Kanye siempre es una inspiración por su valentía. Y una de mis canciones favoritas en los últimos años ha sido “Bored in the U.S.A.”, de Father John Misty. No había escuchado ese tipo de verdad en una canción en mucho tiempo. En general, algunas de los temas más grandes del mundo ahora tienen, como tres instrumentos, incluida la voz. Estamos en este momento de minimalismo increíble, y para una banda que ha estado al máximo, es divertido experimentar en un nuevo territorio y romper nuestras propias reglas.

Nombraste tu gira después del nuevo y enorme tema instrumental “Monolith”. ¿Te inspiró Hans Zimmer?
No directamente. Con los temas instrumentales, le digo al ingeniero: “Disculpa, necesito tu silla por un momento”, y abro Pro Tools y empiezo, básicamente, a componer. Siempre me han gustado los soundtracks de Ennio Morricone y Tangerine Dream. Incluso me encantó Chariots of Fire cuando era niño. Y The Last Temptation of Christ es uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos. “Monolith” es la introducción de esta gigantesca escultura cinética que tenemos en medio de la arena en esta gira, y hay un monolito de 18 metros de altura en el edificio.

Entonces, ¿lograste no tener un Spinal Tap y terminar con un monolito de 18 metros?
Sí [risas]. Pero tenemos mucho de eso. Comenzamos jugando dentro de esta caja rectangular gigante. Hay un gran potencial para que nos atasquemos en esto. Pero nuestros conciertos son tan imprecisos que si ocurriera, probablemente se convertiría en el mejor espectáculo de la gira. Y luego enviaríamos la producción a casa y nunca más la usaríamos.

Filmaste Suicide Squad y Blade Runner 2049 mientras trabajabas en este álbum. ¿Algo de eso no te hizo “sangrar”?
Cuando me concentro en algo, lo hago por completo, y cuando hago música, soy parte mánager, comercial, creativo, escritor, músico, cantante y compositor. Lo disfruto y me vuelve loco muchas veces. Para este álbum, tenemos un documental filmado en todos los estados de Estados Unidos en un solo día, el 4 de julio del año pasado. Estamos en medio de la edición. Ha sido una avalancha de desafíos creativos increíbles. Probablemente el más duro que he trabajado en toda mi vida.

Como gran inversor tecnológico, ¿qué opinas sobre Bitcoin y las criptomonedas?
No me meto con cripto. Ese debería ser el nombre del álbum, realmente. Le pregunté a las dos personas más inteligentes que conozco, dos de las personas más exitosas del mundo y ambas tenían una opinión negativa al respecto. Lo cual no significa que esas dos personas no puedan estar equivocadas.

Como fan de The Smashing Pumpkins. ¿Qué piensas sobre la reunión sin D’arcy?
Yo no… Ni siquiera sabía que había una reunión. Lo siento.


Supersticiones y cábalas del rock


Magia y deidades: los secretos que se esconden detrás del escenario.


POR Brenda Arriaga  



Foto: Wikimedia Commons

Supersticiones y cábalas del rock

La historia de la humanidad está permeada de cábalas o creencias que se han arraigado a la cultura popular desde hace cientos de años. En el mundo de la música no hay excepción. Los ídolos del escenario se han envuelto en una serie de supersticiones que van desde evitar los encendedores blancos porque fueron hallados en la ropa que vistieron Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison cuando murieron [miembros del famoso Club de los 27] hasta viajar el 3 de febrero para prevenir algún accidente como el ocurrido durante 1959, año en el que Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper perdieron la vida en un trágico episodio conocido como “El día en que la música murió”. Volar el viernes 13 y ofrecer el show número 13 son otras actividades que los músicos descartan.

En relación a estos y otros mitos que rondan el rock, la práctica de los rituales es muy popular entre el gremio. Con el fin de ahuyentar las tragedias, alcanzar la fama y firmar contratos millonarios, los astros de la música se han involucrado en la magia, hechicería, brujería y ocultismo, doctrinas de las cuales retoman ceremonias para consagrar su legado. Independientemente de que estos cultos conecten o no con alguna deidad, la historia enmarca algunos pasajes que tambalean el escepticismo en torno a esta costumbre.

Durante los años setenta, el rock estuvo influenciado por una serie de simbolismos que le otorgaron un sentido místico. No hay una razón específica pero gran parte de la música escrita en este periodo estuvo inspirada en El libro de la ley de Aleister Crowley (1904), una de las figuras más oscuras y enigmáticas del ocultismo. Este personaje dedicó su vida al estudio de la magia sexual, magia negra y filosofía Thelema. En su obra se proclama a la voluntad como un acto verdadero de amor que vuelve a los individuos “únicos como las estrellas”, a través de invocaciones y ceremonias coitales.

Con la premisa de “el amor bajo la voluntad”, Crowley alcanzó a gran número de seguidores entre los cuales había personalidades de la música. Todos ellos se encomendaron al mago negro e hicieron realidad su utopía. Establecieron sus propias reglas y navegaron bajo el siguiente lema: “Hacer tu voluntad será la ley”. Desde luego esta forma de pensamiento se reflejó en el desenfreno sexual, irreverencia lírica y potencia escénica que inmortalizó al rock de los años setenta.

John Lennon fue un admirador de Aleister, a quien incluyó en la controversial portada del disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. La relación entre The Beatles y el mago iría más allá, pues Crowley radicó una parte de su vida en el edificio Dakota, recinto que supuestamente hechizó al marcharse. En este mismo inmueble vivió y fue asesinado Lennon a finales de 1980.

Se dice también que Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, adquirió Boleskine House, la residencia que le perteneció a Crowley, con la esperanza de invocar al brujo para encomendar el futuro de la banda. Iniciaron los rumores sobre santería tras la publicación del cuarto álbum del grupo, donde destaca la simbología impresa en su contraportada. Al respecto, Robert Plant explicó a la prensa que cada miembro eligió un símbolo metafísico que los representara individualmente, “decidimos que el álbum no podía llamarse Led Zeppelin IV”, contó.

La serie de tragedias que envolvieron al grupo evitaron que su relación con la magia se descartara del todo. En 1975, Robert Plant sufrió un accidente automovilístico en Grecia. Este suceso lo inmovilizó por un tiempo por lo que dejó de cantar “In My Time of Dying”. En 1977, mientras Led Zeppelin se encontraba de gira por Estados Unidos, Plant perdió a su hijo de 6 años debido a una extraña infección estomacal. En septiembre de 1980, el baterista del grupo, John Bonham, murió a causa de broncoaspiración en la mansión que Jimmy Page tenía en Windsor, Inglaterra. La especulación sobre el mal karma de los músicos debido a la devoción satánica de su guitarrista terminó por desaparecer a la banda un par de meses después.

The Doors, David Bowie y Ozzy Osbourne son otros que encomendaron su destino al mago negro aunque los rituales oscuros no siempre fueron la clave para atraer a la buena suerte. Un ejercicio básico que ha prevenido infinidad de percances es el soundcheck. Las cosas sencillas son idóneas para conectar la energía positiva. Por ejemplo, Keith Richards come pastel de ternera antes de subir al escenario. Esta ceremonia ha traído buena suerte a los Stones desde 1989, año en el que el guitarrista del grupo comenzó con el ritual durante el Steel Wheels Tour. Una cuestión similar ocurría con Lemmy Kilmister quien tomaba Jack Daniel’s y Coca-Cola en el backstage. Esta combinación acompañó durante mucho tiempo al líder de Motörhead, hasta que reemplazó el coctel por problemas de salud. “Me gustaba más con jugo de naranja”, manifestó Lemmy a The Guardian. Este ritual fue tan icónico que la firma de whiskey lanzó una botella conmemorativa luego de su muerte en 2015.

En febrero de 2018, Paul McCartney reveló durante una entrevista con The Mirror que se toma un tiempo antes de salir al escenario para ver el programa Family Fortunes. De forma particular, Jack White dio a conocer a la revista The New Yorker el ritual que practica antes de un concierto. “Bebo Red Bull, un caballito de whisky y rompo cosas con un bate de béisbol detrás del escenario”. Por su parte, convivir con familiares y amigos cercanos es el ritual de buena suerte que no puede faltar en las giras de U2, Green Day y Depeche Mode; inclusive, se puede observar a Dave Gahan arrullando a su hijo minutos antes de presentarse en el Rose Bowl durante el documental 101, grabado en 1988.

Las supersticiones y rituales endulzan el rock. La razón radica en que la combinación entre la magia y lo sobrenatural genera buenas historias para las chicas, quienes “se fascinan por el lado oscuro de una banda”, como lo determinó Richard Cole, respecto a los rumores cabalísticos de Led Zeppelin.


Bleachers y St. Vincent interpretaron “Just Can’t Get Enough” de Depeche Mode


Jack Antonoff invitó a Annie Clark al escenario durante su presentación en Coachella.


POR Andrea Calderón  



Foto: Instagram Jack Antonoff

Bleachers y St. Vincent interpretaron “Just Can’t Get Enough” de Depeche Mode

Este fin de semana, Bleachers se presentó en Coachella. Durante su show, el grupo invitó al escenario a la cantante tejana St. Vincent para juntos interpretar “Just Can’t Get Enough” de Depeche Mode. El mítico sencillo fue lanzado en 1981 y se convirtió rápidamente en uno de los temas más representativos de los ochentas y un himno en la carrera de la agrupación inglesa.

St Vincent apoyó al vocalista de la agrupación Jack Antonoff prestando su voz para los coros y tocando la guitarra. Ambos músicos son muy buenos amigos y han colaborado anteriormente en varias ocasiones. Jack participó en la escritura y la producción de MASSEDUCTION, el más reciente álbum de Clark.

Mira un fragmento de Bleachers y St. Vincent interpretando “Just Can’t Get Enough” de Depeche Mode:


Cuando hay pasión, hay sangre


‘Demente y alma’: un espacio íntimo para compartir paranoias.




Cuando hay pasión, hay sangre

@AlexCarranco

Si dejaste tu cocktail con frutas frescas, soda, granadina y alcohol a un lado o le dijiste “no” a la playa / alberca para leer esta humilde columna digital, te lo agradezco.

Las vacaciones apasionan y son necesarias para dejar enterrados —momentáneamente— conflictos, presiones, compañeros de oficina o la vida cotidiana que nos convierte en seres emocionalmente opacos, listos para protagonizar una cinta de Orson Welles, Lars von Trier o Darren Aronofsky.

En estos días hay una intensa actividad litúrgica y los cristianos de tiempo completo se envuelven en llanto, alegría y fe para conmemorar la pasión, muerte y resurrección de Jesús de Nazaret. Muy respetable —incluyo a mis tías— pero para miles de cristianos, no tan cristianos, poco cristianos o nada cristianos prefieren un cocktail como vino de consagrar en un destino diferente al dominical.

Los que no pudimos estar en un paraíso; la gula, pereza y lujuria despiertan para disfrutar una urbe sin tanto caos vial para llegar a las puertas de los miles de recintos culturales y de entretenimiento. Desde Caravaggio (Museo Nacional de Arte), Dalí (Atrio de San Francisco), Sgt. Pepper en fotos (Lunario), Our Body (Parque Naucalli) hasta El mundo de Tim Burton (Museo Franz Mayer) y
Starman (Foto Museo Cuatro Caminos), entre muchas otras opciones, serán las benditas vacaciones.

No importan las caídas que puedas tener, sigue caminando con todo el peso de tu alma para llegar a ese museo, sala de cine, auditorio, galería, bar o restaurante. Mientras tanto, con esa pasión que a veces nos hace sufrir y hasta sangrar, disfruta de estos videos que pueden musicalizar esta época tan esperada por muchos y recordada con nostalgia por otros. Solamente no te claves para que goces plenamente.

“Heaven on Their Minds”

Carl Anderson interpreta a Judas Iscariote en Jesus Christ Superstar (1973), ópera rock dirigida por Norman Jewison con música de Andrew Lloyd Webber y escrita por Tim Rice. Una gran cinta que revolucionó en aquella época.

“Passion”

Tema incluido en el soundtrack de The Last Temptation of Christ (1988), compuesto por Peter Gabriel. La cinta dirigida por Martin Scorsese hace una mancuerna impactante con cada armonía de Gabriel. Emociones alteradas que por un largo tiempo fueron censuradas.

“Personal Jesus”

Una de las canciones que destaca en el álbum Violator (1990), de Depeche Mode. Martin Gore la escribió y ha declarado que fue inspirado por el libro Elvis and Me (1985) de Priscilla Presley. Una admiración hacia una persona que finalmente es tu propio ser.

“Spirit in the Sky”

Un one hit wonder, del judío ortodoxo, Norman Greenbaum que se incluye en su LP homónimo de 1969. Años más tarde, en 1986, el grupo Doctor & The Medics realizó su versión con gran éxito, siendo de igual forma, su one hit wonder.

“Sympathy for the Devil”

Y para terminar, no todo es luz en el reino del señor. Para que se haga el bien, debe de existir un lado oscuro. Esta canción formó parte del disco Beggars Banquet (1968) de The Rolling Stones y aquí el testimonio en vivo por una gira en Estados Unidos (2006).


Estéreo Picnic: “un mundo distinto”


El festival de Colombia da la bienvenida a The Killers, Gorillaz y LCD Soundsystem en su edición 2018.


POR Shanick Mota  



Estéreo Picnic: “un mundo distinto”

El festival Estéreo Picnic es un evento anual realizado en Bogotá, Colombia, donde se congregan artistas de todo el mundo durante tres días de fiesta, música y cultura. Este año, cumplirá su novena edición teniendo como invitados a The Killers, Gorillaz, LCD Soundsystem, The National y muchos más.

Gabriel García es socio de Páramo, la empresa detrás de Estéreo Picnic y la responsable de que el festival sea una realidad año con año. Nos platicó sobre cómo empezó este largo viaje: “La idea nace de la unión de dos cosas; por un lado, varios de los fundadores tuvimos la oportunidad de ir a diferentes festivales en el mundo y vimos que faltaba una experiencia así en Colombia, pero que fuera mucho más allá de la música, no sólo ver bandas, si no pasar el día con una cantidad de vivencias particulares y por otro lado, las agencias nacionales no eran parte primordial de las agendas de los artistas en nuestro país y por lo tanto, no había confirmaciones, promoción ni participación, lo que dificultaba conseguir patrocinios. De ahí surgió una idea en su momento —un poco ingenua—, que era lograr un festival y asegurar patrocinadores para después poder financiar los shows y conseguir los artistas”.

El proceso de curaduría arranca antes de la siguiente edición. Desde enero de 2018, el equipo comenzó a trabajar para el festival del próximo año y se extiende a una planeación de aproximadamente 15 meses. Después se concentran en una labor de nueve meses de ejecución y termina unos días antes del lanzamiento del lineup a finales de septiembre. Además, las condiciones geográficas les permitió una alianza con Lollapalooza Brasil, Argentina y Chile, así que los cuatro países hacen un trabajo de curaduría en conjunto. También, se buscan artistas con nuevo disco o una próxima gira, considerando a los grupos más solicitados de ese momento. De ahí surge una gran lista de ideas con las que comienzan a trabajar, cada país considera si el artista es viable y van descartando hasta llegar a un panorama cercano.

En cuanto a la dificultad para reservar talentos, Gabriel García expresó que “hay varios que tienen mucho tiempo sin presentarse en un festival y vuelven a abrirse a esa posibilidad, como es el caso de Radiohead. Estuvimos mucho tiempo detrás de ellos y por cuestión de semanas, no pudieron estar en ninguno de los festivales pero se presentarán independientemente. Lo mismo nos pasó con Depeche Mode o Arctic Monkeys, que en su caso tuvimos que hacer un concierto pero fuera del festival. Hay muchos que perseguimos durante años y finalmente se puede lograr, como nos pasó con The Strokes. Este año sucedió con Lana Del Rey, estuvimos mucho tiempo detrás de ella y llegamos a tenerla muy cerca para Lollapalooza Colombia pero desgraciadamente lo tuvimos que cancelar y nos quedamos con las ganas de escucharla; lo volvimos a intentar para esta edición y al fin logramos tenerla en las filas del cartel”.

Para la organización de un festival de tal magnitud siempre hay dificultades que se deben atender. “La mayor está en darle a la gente la mejor experiencia posible, siempre hay muchos asuntos logísticos, climatológicos y de toda índole que nos imponen retos que hay que resolver. El caso de la infraestructura es muy difícil en nuestro país, así que hemos tenido que hacer muchos ejercicios para poder mejorar la llegada y salida del festival, es una de las cosas que hemos podido mejorar año con año. En el caso climatológico, en esa época comienza a llover fuerte en Bogotá y hemos buscado cómo hacer que la gente esté resguardada en caso de que sea fuerte. El principal reto está en el tema que tiene que ver con la experiencia y que puedan disfrutarla en todo sentido”, comenta el socio.

No es fácil hacer que un festival sea único, que convierta un fin de semana en una experiencia que vaya más allá de la música. “El factor sorpresa es muy importante para nosotros y nos esmeramos mucho en cosas como la decoración. Nunca vas a encontrar un lugar igual, siempre somos muy sorpresivos en ese sentido, queremos que el festival refleje nuestro slogan: ‘Un mundo distinto’, para que puedan desconectarse de su rutina e ir completamente en el libre albedrío, todo esto genera un ambiente particular que es Estéreo Picnic“.

Las primeras ediciones del festival fueron muy difíciles ya que no se lograron como los organizadores esperaban. Gabriel explicó que hubo un momento en el que diversos socios del festival decían que ya no iba a realizarse una edición más (especialmente en la tercera. Esa vez se enfrentaron ante una gran crisis y tuvieron que hacer una reestructuración que hizo que el festival creciera mucho más; pasó de ser un festival que invertía 250 mil dólares en talento a subir a un millón y en las últimas ediciones se ha invertido aproximadamente tres millones de dólares en artistas.

El organizador concluyó con el posible proyecto de llevar el festival a otros lugares del mundo: “Está en nuestros planes. Hemos tenido a varias personas que han estado interesadas y son conversaciones que se mantienen, obviamente se tienen que coordinar muchos temas regulatorios, financieros y societarios, pero seguimos trabajando para que eso sea posible muy pronto”.

Estéreo Picnic se llevará a cabo los próximos 23, 24 y 25 de marzo en el Parque Deportivo 222 de Bogotá, Colombia.

¿Eres mexicano y estarás en Bogotá durante este fin de semana? Contesta 3 sencillas preguntas y gana un abono sencillo para Estéreo Picnic.

1. Menciona 10 bandas colombianas que se presenten en esta edición de Estéreo Picnic.
2. ¿Qué artistas representan a México en Estéreo Picnic?
3. ¿Qué artista de Estéreo Picnic es la portada actual de Rolling Stone México?

Manda un correo con el asunto “Estérero Picnic” a rollingstonemexico@gmail.com. No olvides ponernos tu nombre, teléfono y edad.

LOS GANADORES SERÁN NOTIFICADOS POR CORREO ELECTRÓNICO


Eddie Vedder, Will Ferrell y Chad Smith de Red Hot Chili Peppers hicieron un cover de “Personal Jesus”


Los músicos y el comediante interpretaron el popular tema de Depeche Mode en un concierto de caridad el pasado lunes.


POR Andrea Calderón  



Foto: Facebook Pearl Jam

Eddie Vedder, Will Ferrell y Chad Smith de Red Hot Chili Peppers hicieron un cover de “Personal Jesus”

Eddie Vedder, Mike McCready (Pearl Jam), Will Ferrell, Chad Smith (baterista de Red Hot Chili Peppers) y la cantante de folk Brandi Carlile realizaron un cover de “Personal Jesus”, popular tema original de Depeche Mode.

Esta divertida versión se llevó a cabo durante un concierto benéfico en Seattle, en donde muchas personas y celebridades se reunieron para recaudar dinero para la organización Cancer for College, fundación que proporciona becas y apoyo económico a estudiantes sobrevivientes de cáncer.

La interpretación comenzó cuando Ferrell cantó una versión a capella de “Dust in the Wind” para después darle paso a los músicos de tocar “Personal Jesus”.

Josh Klinghoffer de Red Hot Chili Peppers y Stefan Lessard de Dave Matthews Band también actuaron durante la noche. Juntos, repasaron varios clásicos como “Sway” original de The Rolling Stones, “Fire” de Jimi Hendrix y “Babe I’m Gonna Leave You” de Led Zeppelin. El evento recaudó más de $300,000 dólares.

Mira el cover de “Personal Jesus” de Depeche Mode:


Conoce la lista de nominados al Salón de la Fama del Rock & Roll 2018


Radiohead, Judas Priest, Depeche Mode y Nina Simone son algunos de los artistas que aspiran pertenecer al prestigioso club.


POR Andrea Calderón  



Conoce la lista de nominados al Salón de la Fama del Rock & Roll 2018

Se ha dado a conocer la lista de los 19 artistas nominados que compiten por la inducción al Salón de la Fama del Rock & Roll de 2018. Como es costumbre, los artistas nominados son una mezcla fascinante de distintos géneros musicales.

De los 19 artistas, nueve están debutando como nominados, tal es el caso de Kate Bush, Dire Straits, Eurythmics, Judas Priest, The Moody Blues, Radiohead, Rage Against the Machine, Nina Simone y Sister Rosetta Tharpe. El resto son artistas que reaparecen en la lista, como Bon Jovi, Depeche Mode, Link Wray, The Zombies, entre otros. Recordemos que el único requisito para ingresar al famoso salón es haber publicado un disco hace más de 25 años.

El Salón de la Fama ofrecerá a los fans la oportunidad de participar oficialmente en el proceso de selección de la inducción, el cual comienza el día de hoy y finaliza el 5 de diciembre. Esta votación podrá ser posible a través del sitio oficial del salón de la fama. De igual manera, un grupo de votantes que comprende artistas, historiadores y miembros de la industria de la música también evaluarán a los candidatos.

Ve el video oficial con todos los nominados:

Los elegidos se darán a conocer en diciembre y la ceremonia se realizará en el auditorio de Cleveland el 14 de abril de 2018. La transmisión del evento correrá a cargo de la cadena de televisión HBO.


Depeche Mode hace un emotivo cover a “Heroes” de David Bowie


La banda presentó el video de la conmovedora versión que le hicieron al clásico de Bowie para celebrar 40 años de su estreno.


POR Staff Rolling Stone México  



Depeche Mode hace un emotivo cover a “Heroes” de David Bowie

Cuando Depeche Mode grabó una serie de canciones en un parque público de Nueva York previo al lanzamiento de su más reciente LP, Spirit, uno de los temas que interpretaron fue la apasionada versión del clásico inmortal de David Bowie, “Heroes“. Los de Essex convirtieron este cover en una canción recurrente de su gira actual y hoy lanzaron un video del mismo para celebrar el 40 aniversario de la canción original (que se estrenó el 23 de septiembre de 1977).

“‘Heroes‘ es la canción más especial para mí en este momento”, comentó Dave Gahan en un comunicado. “Bowie es el único artista que se ha quedado conmigo desde mi adolescencia. Sus discos siempre son los que llevo en las giras y hacerle un cover a ‘Heroes‘ es sencillamente un homenaje”.

Tim Saccenti, fotógrafo y director que ha trabajado con Depeche Mode, Phantogram, Lana Del Rey y Vince Staples, dirigió el video. Aunque la música fue tomada de la sesión que tuvieron en el parque, el video se grabó en un estudio con imágenes de árboles y paisajes desérticos proyectados detrás de ellos.

A principios de este año, Gahan habló con Rolling Stone sobre lo que significaba para él hacer el cover de “Heroes“: “Estaba tan conmovido que apenas pude sostenerme para ser honesto. Martin (Gore) escuchó ‘Heroes‘ cuando terminó la mezcla y de la nada me dijo ‘Wow, eso fue jodidamente bueno’… y yo dije ‘Sí que lo fue, ¿verdad?’.

Justo en estos tiempos, esta legendaria composición alimenta la esperanza y nos impulsa a seguir luchando. Todos podemos ser héroes.


Depeche Mode estrenó el video de “Cover Me”


En este clip Dave Gahan deambula por las calles de Los Ángeles vestido de astronauta.




Depeche Mode estrenó el video de “Cover Me”

Depeche Mode estrenó el día de hoy el video de “Cover Me“, canción que forma parte de Spirit, su decimocuarto álbum de estudio.

Este clip en blanco y negro fue dirigido por Anton Corbijn y muestra a Dave Gahan deambular por las calles de Los Ángeles vestido de astronauta.

Depeche Mode se encuentra de gira promocionado su más reciente material discográfico y el próximo 11 y 13 de marzo de 2018 visitarán la Ciudad de México para presentarse en el Foro Sol.

Mira a continuación el nuevo video de Depeche Mode:


OMD: el secreto de la resistencia


Paul Humphreys, sobre la importancia de su banda a través de los años y su validez en el panorama musical.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía Cortesía Euritmia Live/Noiselab

OMD: el secreto de la resistencia

Hay quienes simplemente los consideran los padres de la electrónica. Lo que es innegable es que OMD es el precursor del sonido de actualidad que mezcla la tecnología con la música. Parece increíble que la banda aún vigente se inició a finales de los años setenta como grupo que abría las presentaciones de Joy Division.

“Aún amamos tocar en vivo. Somos un grupo que nace a partir de actos en vivo. Creo que la dinámica interactiva que surge entre el público y nosotros es muy importante, es la única manera de conocer lo que está escuchando la audiencia ahora. Para mí el actuar en vivo es una especie de droga, es un estado mental. Es una hora y 45 minutos que significan un reto, simplemente amo estar en el escenario, tocar con Andy. Debo de confesar que las cosas cambian un poco con el paso del tiempo, ya no es tan fácil viajar constantemente, se requiere de una energía muy particular y pues ya no somos esos jóvenes de los años ochenta”, cuenta Paul Humphreys.

A pesar de la devota legión de seguidores en nuestro país, el 2 de este mes será la segunda ocasión en la que OMD nos visita. La primera fue en un festival musical en el 2011, aparición que Humphreys evoca gratamente. “Recuerdo perfectamente la presentación en México en el 2011. Fue nuestro primer encuentro con el público mexicano por lo que no sabíamos qué esperar. Quedamos realmente sorprendidos por la respuesta de la audiencia, se sabían nuestras canciones y coreaban con nosotros. Recuerdo que estábamos en escena y nos sentíamos como niños”, agrega el músico con más de 40 años de carrera, periodo en el cual han inspirado a distintos grupos como Depeche Mode, Underworld y Nine Inch Nails quienes abiertamente han reconocido el peso de OMD en su respectiva música.


CD: ‘Hopeless Fountain Kingdom’ – Halsey


Una historia de corazones rotos cargada de sintetizadores.


POR Staff Rolling Stone México  



CD: ‘Hopeless Fountain Kingdom’ – Halsey

Hopeless Fountain Kingdom

Halsey

Astralwerks

Por Rob Sheffield

Tiene sentido que Halsey se proclame a sí misma como “una nerd de Marvel”, su propia historia de origen es maravillosa. Nacida en 1994, se convirtió en un icono pop de la noche a la mañana con el himno “New Americana”, hablando por toda una generación de depresión juvenil y electro.

Halsey mantiene su nivel de pop rebelde con grandes confesiones: bisexual, con orígenes de dos razas, bipolar; retando al mundo a que continúe subestimándola. Su segundo disco consolida las fortalezas de su debut de 2015, Badlands y persigue nuevas y arriesgadas ambiciones. Halsey mantiene el álbum en movimiento, escogiendo synth pop distópico, sonando como Trent Reznor en “Closer”, mucho más en confort que en el hit al lado de The Chainsmokers. En “Heaven in Hiding” y “Alone”, recuerda su gusto por el melodrama y se inspira en Shakespeare y Depeche Mode, con ayuda de mega productores: Greg Kurstin, Benny Blanco y Lido. La más atrevida de todas: “Sorry”, en donde deja su voz vulnerable junto al piano y se cuestiona si alguna vez se amará a sí misma suficiente para dejar que alguien más se acerque. Después de este LP, Halsey podría ir a cualquier sitio.