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LPs esenciales del Summer of Love


Conoce los discos que formaron la banda sonora del verano de 1967.




LPs esenciales del Summer of Love

Uno de los motivos principales de Summer of Love fue la música. Figuras como Jim Morrison, Jimi Hendrix, Syd Barrett, Eric Clapton y más construyeron algunos de los álbumes más representativos de esa época. Conoce la historia detrás de los LPs más importantes de este movimiento:

The Doors
The Doors
El preludio del movimiento cultural comenzó en Norteamérica con uno de los íconos sexules más imponentes de las últimas décadas, Jim Morrison. La represión de una sociedad racista, clasista y pulsional tuvo su catarsis a través del ritmo morboso de “Light My Fire”, “Break On Through (To The Other Side)” y el viaje psicodélico “The End”, fueron el lienzo musical creado por los dedos enérgicos de Ray Manzarek en el órgano y su forma de evolucionar el sonido del Rhythm & Blues a niveles nunca antes explorados.

Jefferson Airplane
Surrealistic Pillow
El sonido vital de las calles de San Francisco fue capturado por Jefferson Airplane. El segundo álbum de la banda fue una de las obras más aclamadas por su personalidad liberal, etérea, espiritual y sobre todo un retrato platónico de los sueños juveniles que se encuentra en la metáfora del título del disco. El ensueño de “Embryonic Journey” y la crónica ácida de “White Rabbit” inspirada en los cuentos de Lewis Carroll, retratan a detalle la vida de un joven estadounidense en el verano de 1967.

Pink Floyd
The Piper at the Gates of Dawn
Syd Barrett fue la piedra angular de la psicodelia británica. El primer álbum de Pink Floyd refleja una liberación de ideas y escenarios mentales inexplicables. Esta obra fue resultado de la ebullición cultural de ese mismo año. Barrett se inspiró en la literatura inglesa fantástica para crear el concepto del disco y utilizó su imaginación sin límites para convertir sus composiciones en epilepsias musicales con sonidos guturales, distorsiones agresivas y disonancias. “Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive” y “Bike”, son el comienzo, desenlace y fin de la narrativa catastrófica causada por el LSD el legendario “Diamante Loco”.

Cream
Disraeli Gears
Inspirados en el blues eléctrico de Chicago, el jazz y una vibra incandescente en las manos de Eric Clapton, Cream abrió una senda colorida en la historia del rock. La exploración sonora del trío británico atrapó la esencia del verano con riffs que se convirtieron con el paso del tiempo en reliquias como la icónica “Sunshine Of Your Love”, cuya frase melódica fue ideada por el bajista Jack Bruce, quien regresó con el tintineo luego de atender a un concierto de uno de sus fanáticos, Jimi Hendrix.

The Jimi Hendrix Experience
Are You Experienced
Jimi Hendrix, Noel Redding y Mitch Mitchell impresionaron al mundo con su virtuosismo utópico en una fusión reverberaciones, ecos y voces que cantaban sobre una depresión maniática y una vida sexual descontrolada como una forma distinta de representar el amor y paz. “Purple Haze” y “Foxy Lady” fueron las principales composiciones en las que Hendrix creó icónicos riffs a través de la distorsión y una técnica dinámica en su Fender Stratocaster, que posteriormente inspiró a guitarristas como como Jimmy Page y David Gilmour. Otras versiones psicodélicas de canciones clásicas de blues como “Hey Joe”, original de Billie Roberts de 1962 y “Manic Depression“, aumentaron las emociones que predominan en el disco: excitación, sensualidad y vitalidad.

The Beatles
Magical Mystery Tour
No conformes con el revolucionario Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, The Beatles construyó la arquitectura sonora de la psicodelia y un mundo mágico con himnos que reafirmaron su legado como la banda más importante del momento. “All You Need Is Love” reflejó la filosofía de la época, “Strawberry Fields Forever” y “I’m The Walrus” mostraron los sueños infantiles de Lennon y “Penny Lane” musicalizó la añoranza de McCartney por su amada Liverpool.

The Velvet Underground & Nico
The Velvet Underground & Nico
Los personajes más excéntricos de Nueva York se reunieron en el que sería el Estudio 54 para grabar un documento musical que capturó la agresividad y la furia juvenil provocada por los deseos más salvajes. La oscuridad de la obra escrita por Lou Reed, cantada por la enigmática Nico, y promocionada con una de las portadas más memorables de Andy Warhol, retratan la utopía de la escena underground que heredó su ideología nihilista al mundo con canciones como “Sunday Morning”, “I’m Waiting For The Man”, “Femme Fatale” y “Heroin”, una oda que deconstruye la felicidad, el amor y la paz que sigue satisfaciendo a los inconformes.

The Rolling Stones
Their Satanic Majesties Request
Mick Jagger no recuerda nada de la psicodelia. Los Stones ya utilizaban demasiadas drogas y su única rehabilitación fue este álbum conceptual que imaginaba a la banda en alguna tierra fantástica creada por Frank Baum (The Wizard of Oz) o J.R.R Tolkien (The Hobbit, The Lord of the Rings).

The Beach Boys
Smiley Smile
Después del fracaso comercial de Pet Sounds y la demencia que sufrió Brian Wilson, The Beach Boys lanzaron uno de los álbumes más lúcidos de su carrera. Tan sólo un año antes, el primer sencillo, “Good Vibrations” funcionó como un catalizador para la psicodelia con una de las líneas de bajo más icónicas del siglo pasado creadas por Carol Kaye. Wilson y una orquesta se encargaron de crear esta canción, un testamento pop que trascendió una temporada para quedarse en el inconsciente colectivo.

Grateful Dead
The Grateful Dead
Bob Weir y Jerry García fueron los encargados de llevar el estandarte de San Francisco a los oídos de los jóvenes con su mezcla de rock & roll, bluegrass y country. La producción orgánica del disco fue responsabilidad de David Hassinger (productor de “Satisfaction” y Jefferson Airplane), quien orientó el estilo del álbum a un sonido más rudimentario y sin tapujos como en el caso de “Viola Lee Blues” o “Cream Puff War”. Después del lanzamiento del disco, Grateful Dead se convirtió en una de las bandas más populares de Norteamérica y se presentó en casi todos los eventos del verano.

Big Brother & The Holding Company
Big Brother & The Holding Company
Janis Joplin fue ella quien levantó la voz por el género que en aquel entonces no tenía siquiera el derecho a elegir. Big Brother & The Holding Company fue la comunidad con la que la extrovertida Joplin salió a la luz y demostró su coraje y talento con una voz desgarrante a través del blues. El instrumento natural de la estadounidense inspiró a vocalistas como Robert Plant, quien debutaría un año después con Led Zeppelin. “Women is Losers” e “Intruder”, composiciones íntimas de la cantante, formaron parte de la colección de temas que construyeron su carrera.

Love
Forever Changes
El estilo de vida y la sensación latente de protesta fueron descritos en las letras de Forever Changes, un manifiesto musical del verano del amor. La guitarra acústica de Arthur Lee dirigió una orquesta que dibujó flores en el cabello de los que escucharon el disco. El folk rock germinaba en temas como “Alone Again Or”, “Old Man” y “Bummer In The Summer”, auténticas pinceladas de colores en un lienzo social que buscaba un camino diferente al de sus antepasados.

Buffalo Springfield
Buffalo Springfield Again
Buffalo Springfield no sólo será recordada por Neil Young. La producción de su segundo álbum de estudio fue un factor importante para que sus canciones en el soundtrack del año del amor y paz. Jack Nietzche (mano derecha de Phil Spector) creó un collage de folk, rock y sonidos de la época como en “Mr. Soul”, una reminiscencia a The Rolling Stones. En este disco, la agrupación retrata el sonido de California en su máximo esplendor.

Van Morrison
Blowin’ Your Mind
Bob Dylan inspiró a muchos con Highway 61 Revisited en 1965 y uno de ellos fue Van Morrison, que a pesar de ser presionado por su disquera, fue uno de los artistas que logró ser el medio para hacer soñar a los adolescentes americanos de la época como Bruce Springsteen. La metamorfosis de la música tradicional norteamericana se vio reflejada en este disco.

The Byrds
Younger Than Yesterday
The Byrds
expandió su estilo con un álbum que mostró la transición del rock hacia la psicodelia. En febrero de 1967, la banda estrenó Younger Than Yesterday, la obra experimental del country y folk más influyente de los últimos tiempos. El productor Gary Usher incorporó sonidos más electrónicos y reverberaciones nunca antes escuchadas en la música popular del país de las barras y las estrellas.