Archivo de la etiqueta: entrevista

Rami Malek dedica su Globo de Oro a Freddie Mercury


El actor angelino se llevó a casa el premio como Mejor Actor por su interpretación del líder de Queen en ‘Bohemian Rhapsody’.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: cortesía 20th Century Fox

Rami Malek dedica su Globo de Oro a Freddie Mercury

El pasado domingo se llevó a cabo la 76ª entrega de los Globos de Oro. Bohemian Rhapsody se coronó como la Mejor Película Dramática, venciendo a El infiltrado del KKKlanNace una estrellaPantera Negra El blues de Beale Street, donde participó Diego Luna.

Rami Malik fue uno de los grandes ganadores de la noche, llevándose a casa la estatuilla por Mejor Actor en la categoría de drama, superando a Badley Cooper (Nace una estrella) y Lucas Hedges (Boy Erased). El premio le fue entregado por Julianne Moore y John Clark. Rami nos platicó todos los detalles detrás de Bohemian Rhapsody, ingresa a este enlace para leer la entrevista.

“Me siento más que conmovido, mi corazón está por salirse de mi pecho. Es un profundo honor recibir este premio y es un privilegio el ser tomado en cuenta junto a tan extraordinarios actores”, dijo Rami al inicio de su discurso. Después agradeció a todo el equipo detrás de Bohemian Rhapsody, a su familia, amigos y productores. 

El actor angelino y de origen egipcio culminó su discurso agradeciendo a Brian May y Roger Taylor, quienes se encontraban dentro del recinto, y dedicó su premio a Freddie Mercury: “Gracias a ti, Brian May, y a ti, Roger Taylor, por asegurarse de que la autenticidad y la inclusión existan en la música, en el mundo y en todos nosotros. Gracias a Freddie Mercury por darme la alegría de mi vida. Te quiero, hombre hermoso. Esto es para, y por ti, hermoso”.

A diferencia de años anteriores, en esta ocasión no hubo alguna producción, ni de cine, ni de televisión, que se llevará a casa más de tres estatuillas, siendo Green Book: una amistad sin fronteras la máxima ganadora de la jornada. Ingresa aquí para conocer al resto de los ganadores.


“Bohemian Rhapsody” es la canción lanzada en el siglo XX más reproducida en plataformas de streaming


“¡Estoy muy contento de que nuestra música siga fluyendo al máximo!”, comentó Brian May.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: cortesía Universal Music

“Bohemian Rhapsody” es la canción lanzada en el siglo XX más reproducida en plataformas de streaming

“Bohemian Rhapsody” de Queen se ha convertido en la canción lanzada en el siglo XX más reproducida en plataformas de streaming. Esta canción fue estrenada en 1975 como el primer sencillo de A Night at the Opera, cuarto álbum de estudio del icónico colectivo británico. De acuerdo con los reportes publicados por Universal Music Group, este tema ha superado los 1,600 millones de reproducciones teniendo en cuenta a todos los servicios de streaming. como Spotify, Apple Music, Deezer y YouTube, entre otros. 

Desde su lanzamiento en 1975, “Bohemian Rhapsody” se convirtió en un gran éxito, liderando e ingresando al top 10 de varias listas de popularidad alrededor del mundo. La pista continuó gozando de gran aceptación por parte de las nuevas generaciones, pero su popularidad vio un incremento considerable gracias al estreno de Bohemian Rhapsody, la película biográfica de Freddie Mercury que protagoniza Rami Malek

Acerca de esto, Brian May comentó: “El ‘río de la música rock’ ha evolucionado en muchas vertientes. ¡Estoy muy contento de que nuestra música siga fluyendo al máximo!”. 

“‘Bohemian Rhapsody’ es una de las mejores canciones, hecha por una de las mejores bandas de la historia. Estamos muy orgullosos de representar a Queen y estamos encantados de ver que la canción sigue inspirando a nuevo fanáticos en todo el mundo más de cuatro décadas después de su lanzamiento”, mencionó Lucian Grainge, director de Universal Music Group. “Mis felicitaciones a Queen y Jim Beach (su manager por mucho tiempo) por un logro increíble que es un testimonio de la grandeza de Queen”, agregó. 

Recientemente, Bohemian Rhapsody se convirtió en la película biográfica musical más taquillera de la historia. Esta producción ha recaudado hasta el momento más de $596.3 millones de dólares en taquillas, ingresando en la novena posición al top 10 de los filmes con mayor recolección de ingresos en 2018. 

En nuestro número de noviembre podrás encontrar una entrevista exclusiva con Rami Malek y el productor Graham King sobre los retos a los que se enfrentaron durante la realización de Bohemian Rhapsody y lo que los motivó a querer contar la historia de Freddie. Acerca de la polémica que se creó por las críticas recibidas por no ahondar en la enfermedad y la muerte de Mercury, el productor dijo a Rolling Stone: “Buscamos siempre hacer una celebración a su vida. Nunca consideramos retratar la enfermedad y muerte del cantante. Era una parte de su vida que no nos interesaba en absoluto explorar contrario a lo que se publicó en distintos medios de comunicación”. Lee el resto de la entrevista aquí.


‘Bohemian Rhapsody’ se convierte en la cinta biográfica musical más taquillera de la historia


México es el sexto mercado donde más dinero ha recaudado esta película protagonizada por Rami Malek.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: cortesía de 20th Century Fox

‘Bohemian Rhapsody’ se convierte en la cinta biográfica musical más taquillera de la historia

A un mes de su estreno, Bohemian Rhapsody se ha convertido en la cinta biográfica musical más taquillera en la historia. Este largometraje que se centra en narrar la vida de Freddie Mercury y su carrera como vocalista de Queen, ha logrado recaudar hasta el momento, más de $539.5 millones de dólares en miles de salas de cine alrededor del mundo, incluyendo $164.4 millones en Estados Unidos.

Hasta hace un par de semanas Straight Outta Compton –película biográfica de N.W.A.– se encontraba en la cima de esta lista en los Estados Unidos con $161.2 millones de dólares. Otros filmes superados incluyen aquellos enfocados en retratar la vida de figuras de la música como Jim Morrison, Selena, Tina Turner, Notorious B.I.G., Tupac, Mozart, Ray Charles y otros.

A pesar de que las críticas no han sido muy favorables, Bohemian Rhapsody ha sido un gran éxito y ha conseguido recaudar 10 veces su presupuesto. De acuerdo con datos del portal Box Office Mojo, México es el sexto país donde más dinero ha recolectado Bohemian Rhapsody, alcanzando los $18 millones de dólares hasta la semana del 25 de noviembre.

La actuación de Rami Malek es algo que la mayoría de la audiencia ha rescatado del largometraje, e incluso se especula que el actor de origen Egipcio podría recibir una nominación al Óscar como Mejor Actor. “Cuando conseguí el papel inmediatamente supe que podría ser un momento que definiría mi carrera. Después pensé: ‘También podría destruir mi carrera si no lo hago correctamente’. Lo que más me cautivaba de él era la capacidad que tenía para brindarle a la gente la confianza de abrazar sus imperfecciones”, comentó Malek acerca de Freddie Mercury.

En nuestro número de noviembre podrás encontrar una entrevista exclusiva con Rami Malek y el productor Graham King sobre los retos a los que se enfrentaron durante la realización de Bohemian Rhapsody y lo que los motivó a querer contar la historia de Freddie. Acerca de la polémica que se creó por las críticas recibidas por no ahondar en la enfermedad y la muerte de Mercury, el productor dijo a Rolling Stone: “Buscamos siempre hacer una celebración a su vida. Nunca consideramos retratar la enfermedad y muerte del cantante. Era una parte de su vida que no nos interesaba en absoluto explorar contrario a lo que se publicó en distintos medios de comunicación”. Lee el resto de la entrevista aquí.


‘Bohemian Rhapsody’


Una magna celebración a Freddie Mercury y Queen.


POR Óscar Uriel  



Foto: cortesía 20th Century Fox

‘Bohemian Rhapsody’

La película pudo haber sido una rapsodia suspendida. Sin embargo, sus protagonistas lograron lo que parecía casi imposible: una producción cinematográfica sobre la controvertida vida de Freddie Mercury. Platicamos en exclusiva con ellos.

Retratar la vida de quien probablemente sea el frontman por excelencia de la música moderna es una provocación fílmica nada fácil de ejecutar. Desde el 2010, un grupo de realizadores cinematográficos en conjunto con los miembros remanentes de Queen habrían tratado de producir un largometraje que honrara la vida de Freddie Mercury, el virtuoso compositor e intérprete quien se transformaría en una de las personalidades más provocativas de la música del siglo pasado.

“Soy de los actores que se portan muy mal en el set porque me gusta continuar explorando las distintas posibilidades que podemos encontrar en una escena. No sé a que se deba esto pero una vez que la cámara empieza a grabar, simplemente no puedo parar. Hay una broma en la industria que va que si estoy involucrado en una secuencia, habrá una gran cantidad de tomas”, dice de manera graciosa Rami Malek, el intérprete seleccionado de entre varios actores para caracterizar a Mercury en esa apoteosis cinematográfica titulada apropiadamente Bohemian Rhapsody, la cual captura los momentos relevantes en la vida del cantante y del resto de los integrantes de Queen.

“Recuerdo que al final de mi primera conversación que tuve con los productores previa a mi contratación, les dije: ‘Haré prácticamente cualquier cosa con tal de hacer esta película’. Siempre tuve la seguridad que esta oportunidad representaba el personaje que cualquier actor soñaría con interpretar y es que la identidad de Freddie es tan compleja y atrayente que provee a los actores de un abanico infinito de posibilidades. Graham [King, productor responsable de cintas como La reina Victoria y Frost/ Nixon, entre otras] me miró y dijo: ‘No hay nadie más considerado para este personaje. Solamente nos hemos entrevistado contigo’. Regresé a casa para estar con mi familia porque lo necesitaba. Se trataba de uno de esos momentos en donde quieres estar con los tuyos. Platiqué con mi madre y hermano y les conté lo que me acababa de suceder. Ellos me miraron con sospecha, entonces dudé de lo que había sucedido horas atrás. Era un sentimiento muy extraño”, añade el actor, quien es reconocido internacionalmente por su mesurada caracterización de Elliot Alderson en el serial de culto Mr. Robot, el cual cuenta con una sólida legión de seguidores en todo el mundo.

Malek nunca vaciló de su capacidad para poder interpretar a tan icónico personaje; de hecho, a dos semanas de haberse entrevistado con los productores decidió enviar un video en donde caracterizaba a Mercury en una entrevista, la cual había encontrado en YouTube. El actor estaba resuelto a interpretar al legendario cantante a como diera lugar.

“Justo me encontraba en medio del rodaje de Mr. Robot, por lo que realmente no tenía mucho tiempo para hacer otra cosa, pero encontré el momento para preparar un video que tenía como propósito convencer al estudio de que yo era la mejor alternativa para el proyecto. Fue muy peculiar porque lo grabé sin que alguien me diera réplica, ya que incorporaba la pregunta a la respuesta que daba a cámara (ríe). Creo que al final todo funcionó”, nos confiesa Rami Malek en la cándida charla acontecida en Londres, Inglaterra, meses después de haber concluido uno de los rodajes más polémicos registrados en los últimos años.

Un complicado génesis para una ‘biopic’ de carácter oficial
La idea de convertir la apasionante vida de Freddie Mercury en una película data de ocho años atrás cuando Graham King se reunió con Brian May y Roger Taylor con el objetivo de concebir una película sobre Queen teniendo como eje central la figura de Mercury. La idea de producir esta cinta parecía seducir a todos, sin embargo, la pregunta era: ¿Qué parte de la historia de Freddie y de Queen se contaría? “Buscamos siempre hacer una celebración a la vida de Freddie. Nunca consideramos retratar la enfermedad y muerte del cantante. Era una parte de su vida que no nos interesaba en absoluto explorar contrario a lo que se publicó en distintos medios de comunicación”, confiesa el productor Graham King al preguntarle sobre las versiones que aseguraban que lo realizadores querían hacer una película casi familiar, a pesar de la polémica vida del artista, en específico su condición homosexual y su padecimiento de sida.

La salida del comediante Sacha Baron Cohen del proyecto también amparó tales afirmaciones. A pesar de que el actor había manifestado su interés en caracterizar a Mercury y de que los fans habían expresado su aprobación con la elección, Baron Cohen salió del plan de rodaje teniendo como excusa el clásico pronunciamiento de “diferencias creativas” aunque se reportó que el intérprete nunca estuvo de acuerdo con la aproximación tan ligera y candorosa que los realizadores pretendían realizar del personaje de Mercury.

“Sacha fue considerado pero también Ben Whishaw. La preocupación de Brian y de Roger era que el carácter casi implícito de comediante que posee Baron impediría al público estar convencido de que se encontraba frente al Freddie que queríamos presentar en la cinta. Estamos hablando de una figura icónica por demás reconocida y amada por el público”, añade el productor. Dexter Fletcher también se integró al proyecto como director a cargo de la misión. Aunque las credenciales de Fletcher eran un tanto endebles (Wild Bill y Eddie The Eagle entre ellas), la propuesta del realizador impresionó tanto a King como a Brian May y Roger Taylor, consiguiendo uno de los encargos más anhelados en la industria en los últimos años.

Los problemas en ese renglón también empezaron a manifestarse casi de inmediato. Debido a la pluralidad en el equipo de productores, las opiniones con respecto al tratamiento del libreto variaban de tal forma que el desconcierto provocó la salida de Fletcher y del actor Ben Whishaw. “Es totalmente falso que Brian May quiso tomar el control de la película. Yo compré los derechos de la vida de ellos y busqué involucrar a Brian y a Roger activamente en el proyecto, pero nada más. Ellos podrían opinar en las distintas decisiones creativas pero nunca estuvimos condicionados a sus criterios. El proceso de gestación de Bohemian Rhapsody fue largo y en el camino algunas personas no obtienen lo que desean por lo que se dicen cosas falsas. La verdad es que yo jamás salí a desmentir lo que se publicaba porque finalmente tenía una película qué hacer. Esa era mi prioridad”, agrega contundente King sobre los distintos rumores que circularon durante la realización de esta película.

El controvertido caso de Bryan Singer
De acuerdo a King, la preocupación más grande era el poder condensar la carrera de Mercury y Queen en una película de dos horas de duración. El productor recordaba cómo años atrás había desistido en hacer una biografía de Alejandro Magno que dirigiría Martin Scorsese y sería protagonizada por Leonardo DiCaprio [antes de la versión de Oliver Stone] porque el realizador había llegado a la conclusión de que se necesitarían 10 horas para contar esa historia en particular. Algo que funcionaría mucho mejor en el formato de miniserie para televisión.

“¡Nos tomó tanto tiempo tener un libreto de Bohemian Rhapsody del cual me sintiera satisfecho! Creo que no me había pasado antes en mi carrera. Tenía una responsabilidad muy grande con la banda, quienes me habían cedido los derechos, con la gran legión de fans de Queen y sobre todo con el estudio que había confiado en mí para hacer esta película y me había dado el dinero para producirla. En ocasiones tardas hasta ocho años en tener un guion adecuado”, continúa King quien sintió que la primera versión del guion de la autoría del reconocido Peter Morgan no era lo que se buscaba en un principio.

Entonces, apareció Bryan Singer. “Bryan llegó a mi oficina para platicar de películas en general. Es un amante de la cinematografía internacional. Por supuesto que me había encantado Los sospechosos comunes. Desde un principio le aclaré que yo no era un fan de X-Men para ir clarificando el terreno. Por una cuestión que aún no recuerdo, había en mi escritorio algunos álbumes de Queen y me dijo: ’Supongo que alguien está produciendo esa película. Me hubiera encantado dirigirla’. Paradójicamente justo en esos días habíamos encontrado un ángulo narrativo interesante a explorar en la cinta, le platiqué del proyecto en general pero su reacción inmediata fue: ‘No encontrarás a un actor joven que pueda caracterizar a Freddie. Es prácticamente imposible’. Fue entonces cuando le mostré la audición que había realizado Rami”, manifiesta King.

La saga para encontrar a un Freddie Mercury prototipo
“Uno de mis asistentes mencionó el nombre de Rami Malek. Sabía de la existencia de la serie de televisión Mr. Robot pero no estaba familiarizado con ella. Volé a Los Ángeles y me entrevisté con él. Era tal su entusiasmo que grabó videos imitando a Freddie de tal manera que convenció a los demás productores, al estudio, a los integrantes de la banda y a mí”, continúa recordando King quien asegura que después de contratar a Bryan Singer para dirigir la película, el proyecto empezó a tomar forma.

De acuerdo a reportes de la BBC, el rodaje de la película fue una experiencia muy dura para todos los involucrados. Singer siempre se ha distinguido por poseer una manera muy particular de dirigir imponiendo su estilo y carácter a lo que hace por sobre todo los demás. Inmediatamente su personalidad chocó por completo con la de Malek, ocasionando un conflicto mayúsculo en el set y provocando que Singer fuera suspendido de la filmación a dos semanas de concluir la fotografía principal.

“Yo nunca corrí a Bryan Singer, el estudio lo hizo. De hecho, sigo en contacto con él, seguimos hablando por teléfono. Los problemas no se dieron entre nosotros. Justo durante el rodaje, Bryan estaba pasando por una situación personal muy complicada. Su madre estaba muy enferma y en ciertas ocasiones creo que hay cosas más importantes que estar haciendo películas. Bryan quería suspender el rodaje para atender su circunstancia familiar. Creo que proponía un par de meses de pausa, algo a lo que el estudio se negó rotundamente. Considero hasta de cierta manera que estaba siendo responsable con su trabajo. Él mismo reconocía que sus pensamientos e intereses no estaban propiamente en la película”, añade King al aludir el controvertido episodio, mismo que fue reportado en distintos medios de comunicación dando una sensación de incertidumbre alrededor de la producción.


Fito Páez: obscenamente libre


El cantautor argentino habló sobre su carrera y la inspiración detrás del deseo de querer convertirse en músico.


POR Camila de la Fuente  



Foto: Óscar Villanueva

Fito Páez: obscenamente libre

“Las personas somos una mezcla de nuestro genoma y la cultura: del amor que te han dado, la comida que has probado, el lugar en donde naciste, la coyuntura y las cosas que traes en la sangre”, explicó Fito Páez con convicción. El cantante argentino recuerda, como si fueran hoy, dos hechos determinantes en su vida: el concierto de Charly García, el 7 de agosto de 1976 en el Teatro Astengo y dos semanas después, el show de Luis Alberto Spinetta. “Me acuerdo que salí diciendo: ‘¡Quiero ser músico!’ Lo mío es generar esa energía, quiero intentar crear eso y acercarme a ese sentimiento que despierta esta persona en mí”. Ahí comenzó todo.

Para Fito, en su recorrido hubo una entremezcla de varios elementos: deseo, suerte y voluntad. “Primero el deseo animal que tiene cualquier adolescente de salir a gritar que está vivo”, expresó el músico, “después comienza la búsqueda profesional funda del lenguaje musical, que es un océano infinito, que al día de hoy no terminé ni siquiera de llegar a la orilla”. Con el deseo de hacerlo y oportunidades, Páez ha logrado una trayectoria de más de tres décadas que suma 23 álbumes de estudio, “si tenés esas tres cosas, te diría que el camino está marcado y aseguras casi una felicidad”.

Hay tres pilares fundamentales en la forma de hacer música del argentino: el instante, el paso del tiempo y la pasión. La inspiración viene de todo, para él, los artistas tienen una antena para captar lo que está sucediendo a su alrededor, “hay que encontrar la sensualidad y la pasión de ese momento, si no, es un problema. Los conciertos son momentos en los que se da esta celebración y hay que entregar todo allí”, manifestó el compositor antes de ejempli car con la presentación que dio en el Festival Vive Latino de este año en la Ciudad de México, “fue un show muy rabioso, ¡ameritaba la situación!”.

A pesar de que el artista cree que es importante estar conscientes de nuestra propia finitud y de vivir cada instante apasionadamente, también cree que es esencial arriesgar y tomar todas las oportunidades. “Hay una historia hermosa”, narró el cantante, “me acuerdo que en 1998 grabamos música con una métrica diabólica. Yo no tenía nada, sólo partecitas de música”. Pasaron años, y en un viaje en una montaña a la que fueron a hacer un disco, apostaron a que algo se les iba a ocurrir. En medio de esa vivencia de no saber que iba a pasar, aparece un álbum que se llama Confiá. “La letra surge en el intento de ir a un lugar y confiar que las cosas iban a suceder. Ese texto necesitó atravesar una experiencia específica para tener forma dentro de música compuesta hace 10 años. Es el vínculo de lo que vos hacés con el paso del tiempo y cómo las cosas que uno piensa que no pueden estar en escena en este momento, en el futuro van a cumplir un papel central”.


Galería: Fito Páez



POR Staff Rolling Stone México  



Galería: Fito Páez

Foto: Óscar Villanueva

Foto: Óscar Villanueva

Foto: Óscar Villanueva

Foto: Óscar Villanueva

Foto: Óscar Villanueva

Foto: Óscar Villanueva

Foto: Óscar Villanueva

Foto: Óscar Villanueva

Foto: Óscar Villanueva


A.N.I.M.A.L.: metal en su estado más puro


Platicamos con Andrés Giménez, líder y vocalista de A.N.I.M.A.L. sobre su nuevo disco y su próxima participación en el Vive Latino.


POR Shanick Mota  



A.N.I.M.A.L.: metal en su estado más puro

El Vive Latino se caracteriza por juntar bandas de diferentes géneros y países en un solo lugar. Estos grupos pueden ser nuevos o ya consolidados a nivel internacional como es el caso de A.N.I.M.A.L., exitosa banda de metal argentino conformada por Andrés Giménez, Cristian Lapolla y Marcelo Castro.

A Andrés Giménez le resulta emocionante presentarse con A.N.I.M.A.L. en el Vive Latino: “Estamos muy contentos de poder participar en el festival, es uno de los más importantes y no vemos la hora de tocar. Tenemos muchos amigos en México así que el show contará con algunos de ellos, preparamos canciones que todos los fans quieren escuchar y queremos que esta presentación sea memorable”. Justo este año festejan 20 años de Poder latino, disco esencial en su carrera y que cuenta con colaboraciones de lujo como Max Cavalera de Sepultura. Andrés nos comentó que Poder latino es muy importante para ellos y para los seguidores de la banda, por tal motivo lo celebrarán en el festival tocando varias de sus canciones.

No es la primera vez que Giménez se sube a un escenario de Vive Latino, ya que De La Tierra —su proyecto alterno— se presentó en el 2014. “La respuesta de la gente siempre es impresionante. El público mexicano es único y la energía que transmite es recordada por cualquier grupo que se pare frente a ellos. Nos gustaría regresar a tocar otra vez con De La Tierra si hubiera una oportunidad, nos encantaría”.

La banda ha tocado con grandes personalidades del metal como lo son Robert Trujillo de Metallica y la leyenda Lemmy Kilmister, pero para Andrés todas las colaboraciones han sido importantes: “Hemos trabajado con muchos amigos y ha sido increíble. Lemmy fue una persona que admiramos mucho y fue un honor trabajar con él, así ha sido con todas las personas que nos han ayudado a formarnos como A.N.I.M.A.L., cada persona es única y así fue el trabajar con cada una de ellas”. La agrupación se siente muy afortunada de poder colaborar con gente tan talentosa y de diversos países; ha sido un camino largo para lograrlo. Como Giménez menciona, “la clave fue el arduo trabajo y la constancia, ya que todo este camino fue demasiado sinuoso y difícil de manejar”.

Vivo en Red House es el más reciente material de la banda en el que repasan sus 25 años de trayectoria a lo largo de 20 canciones (cuatro inéditas). Este disco fue grabado en vivo y Andrés nos explicó su creación: “Vivo en Red House es un material en el que queríamos mostrar a A.N.I.M.A.L. como lo fue en sus principios, una banda que tocaba en lugares pequeños pero que irradia tal energía que parezcan miles de personas. No quisimos hacerlo en un recinto grande porque así es la banda: íntima y potente”.

Para mediados de este año, la agrupación planea lanzar un nuevo álbum. “Ya estamos en el proceso de un nuevo disco, estamos emocionados con esto que está por venir y esperamos hacerle promoción en toda América Latina y algunos países en Europa. El disco va a contar con diferentes colaboraciones de nuevos amigos, son muchas cosas nuevas por venir”, concluye Andrés.

A.N.I.M.A.L. se presentará en el Vive Latino el domingo 18 de marzo a las 6:05 p. m. en la Carpa Doritos Bunker.


Las huellas de México


Durante una reciente visita a la Ciudad de México conversamos con Lydia Cacho en exclusiva sobre las heridas que ha dejado en ella una vida marcada por la infamia.


POR Jovel Álvarez  



Foto: Jovel Álvarez

Las huellas de México

Después de tres meses de escritura desesperada, Lydia Cacho llegó a un pequeño edificio de Polanco, en la Ciudad de México, para entregar su libro Los demonios del Edén. Era 2005, y en sus brazos iba cargando decenas de fólderes con las evidencias que documentaban la red de pornografía infantil que operaba en Cancún bajo la protección de políticos y empresarios de alto perfil. Al entrar a la oficina de su editorial, la periodista decidió no usar el elevador, sino subir por las escaleras. Corrió y llegó al cuarto piso agitada, agotada. Entró a la sala y todos le preguntaron por qué entraba así. En ese momento Cacho se dio cuenta de que aquello era un reflejo de lo que en realidad hacía: ya corría para salvar su vida.

El objetivo de ese libro, de acuerdo con Lydia, era “contar una historia que tenía que ser contada y salvar las vidas de estas niñas y niños que estaban bajo riesgo”. Nadie estaba tan consciente en ese momento del escándalo que vendría como Lydia. “Estaba segura de que iba a venir una crisis enorme, que en la editorial no creyeron que fuera a llegar, pero se las advertí”, dice. Y así fue.

La periodista fue secuestrada meses después por policías poblanos en Cancún que tenían la orden de torturarla, asesinarla y tirar su cuerpo al mar. Sin embargo, la presión ejercida por la prensa durante su traslado de más de 20 horas por tierra hizo que llegase con vida a Puebla, adonde la esperaba una venganza orquestada por uno de los empresarios denunciados en su libro y por el “Góber precioso”. Cacho pasó por tortura física, psicológica y sexual, y su liberación bajo fianza se consiguió sólo porque la opinión pública ya estaba convulsionada ante su detención. A esto le siguió un extenuante proceso judicial.

Han pasado 12 años desde aquella infamia, de la que quedó una mujer que hoy ve sus innumerables heridas de guerra y reflexiona sobre ellas.

Lydia ha perdido al menos a 17 amigos y amigas periodistas en manos del narcopoder, ha sobrevivido a tres intentos de homicidio, dos atentados, al menos 17 amenazas de muerte y ha huido del país en cinco ocasiones para salvar su vida.

Foto: Jovel Álvarez

“Nunca me he sentido blindada, pero hay una parte del cerebro que funciona así para sobrevivir y seguir adelante. Entonces me cuento a mí misma que sí, y le cuento a mi familia que sí, y mis amigos me dicen que sí, y así estamos todo el tiempo, contándonos esa historia, porque de otra manera viviría en la crisis perenne. Sí queda la sensación de agotamiento emocional y vital, y a veces estás buscando la esperanza a tu alrededor y es difícil asirte de algo o de alguien”, comenta.

Aunque del pasado quedan solo cicatrices, algunas duelen ocasionalmente.

“El día que estaba en el larguísimo careo con el comandante de la policía que me torturó, algo sucedió. Hubo una pregunta en la que me empezaron a doler muchísimo las muñecas. No tiene mucho sentido, pero tiene que ver con haber estado esposada, la tortura, y las 20 horas en el auto con los policías. Entonces el cuerpo lo revive aunque la mente intente retrasar ese recuerdo u olvidarlo”, comenta.

Para esta mujer mirar sus heridas resulta indispensable. “No reconocer tus heridas, no trabajar en ellas, no llorarlas, ni sanarlas, te puede convertir en un tirano”, afirma.

Pese a la nobleza que motiva sus acciones, Lydia ríe distendida cada vez que la palabra “heroína” llega a sus oídos.

“En nuestra cultura y en nuestro acervo literario el héroe o la heroína siempre son seres que terminan en la soledad o en el abandono, y por eso tal vez me da tanta preocupación la palabra héroe”, afirma. “No creo que soy una persona excepcional. Pienso que he trabajado muchísimo para lograr todo. Lo que se ve es apenas la punta del iceberg de todo el esfuerzo que he hecho y todo lo que he cultivado para llegar a hacer todo lo que hago. Cuando le dices a las demás personas: ‘Mira, ella es especial, tiene algo que nadie más tiene y por eso es tan valiente y tan heroica’, le estás diciendo a la sociedad que solo seres excepcionales pueden cambiar el mundo y no creo que eso sea cierto”, asevera.

Lydia es una mujer que encara la adversidad y le dice la verdad de frente. “Con los años he aprendido que cuando me he enfrentado a los mafiosos y les digo las cosas mirándolos a los ojos, como a Kamel Nacif, se quedan sorprendidísimos y no saben cómo reaccionar porque uno de los efectos de la violencia es justamente que te arrodilles frente a ellos”, reflexiona.

Foto: Jovel Álvarez

La ruptura del paradigma de los medios de comunicación tradicionales es uno de los logros que más enorgullece a Cacho, aunque el precio de ello sigue pagándolo. “Lo estamos pagando nosotros y lo están pagando ustedes y lo va a seguir pagando probablemente una generación más hasta que logremos que esos viejos dueños de estos emporios mediáticos que se resisten a romper sus vínculos con los narcopoderes y con todos los demás poderes políticos y empresariales corruptos, se mueran”, dice.

La nula protección de los medios a sus periodistas, los constantes asesinatos y la rampante impunidad, son el espejo del México de hoy, y de acuerdo con Cacho “van a pasar muchísimos años y probablemente muchas generaciones para que se pueda transformar y dependerá de la persistencia y la resistencia, tanto de la prensa como de la sociedad civil organizada. Va a ser mucho más difícil romper los esquemas de corrupción, porque lo que sucede es que esto que llaman el síndrome del quemado, que tenemos la mayoría de mexicanos, lleva a la gente a irse dando por vencida pedazo a pedazo”, afirma.

Lydia Cacho encarna un paradigma nuevo, el de una mujer empoderada y valiente que pese al dolor, busca demostrarse a sí misma que la vida todavía importa.


Destino Pa’l Norte: Fito Páez


Platicamos con el multifacético músico argentino sobre música, su novela y los honores que ha recibido.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Facebook Fito Paez

Destino Pa’l Norte: Fito Páez

Multifacético y vanguardista, así se podría definir a Rodolfo Páez, nombre de nacimiento de uno de los más importantes exponentes del rock argentino e integrante de la legendaria Trova Rosarina. Con una carrera musical que consta de más de 30 años, Fito Páez ha grabado 23 álbumes de estudio y ha ganado cinco premios Grammy. También ha incursionado en el séptimo arte como cineasta y guionista, además de haber escrito su primera novela La puta diabla en 2013.

A sus 53 años, Fito Páez no da señales de retirarse en algún futuro próximo y tuvimos la oportunidad de entrevistar a este talentoso e icónico músico. Lo cuestionamos sobre música, sus expectativas del festival Pa’l Norte y sobre su necesidad de escribir una novela.

Has mencionado que de México te ha influenciado la Revolución Mexicana, Pancho Villa, Armando Manzanero y Agustín Lara, ¿concretamente en qué podemos ver plasmados esos elementos en tu música?
Probablemente me habré referido a hechos, historias y personas como estas que mencionas, que me han conmovido, interesado y por lo tanto modificado o influenciado.

¿Qué fue lo más difícil de haber grabado un disco en portugués? Más allá de aprender el idioma.
Fue un placer enorme grabar ese disco con Paulinho Moska ha sido un proceso muy interesante en el que viajamos él a Buenos Aires y yo a Brasil llevando letras, partes de músicas, sobre esas ideas fuimos armando las canciones. Fue bien interesante y bien distinto el proceso lo disfruté mucho y duró un año y medio.

Foto: Facebook Fito Paéz

Foto: Facebook Fito Paéz

Este mes se cumplió un año más de la muerte de Luis Alberto Spinetta, con quien hiciste La la la, calificado por Rolling Stone como uno de los 100 mejores discos de la historia del rock argentino ¿cómo lo recuerdas a 5 años de su partida? ¿Cuál es su mayor legado?
Amo a Luis, lo extraño y lo tengo presente en cada momento. La música de Luis es un tesoro que ojalá puedan descubrir las nuevas generaciones de nuestro continente y del mundo te diría.

Te presentarás en México en el Festival Pa’l Norte este 31 de marzo, ¿qué esperas de este festival? ¿Qué sabes de Monterrey? ¿De su gente?
México es mi casa, todos los años desde hace 30 años voy a cantar a México me siento en casa, me reciben con un cariño total, estamos muy ansiosos ya por llegar al Pa’l Norte.

¿De dónde nace esta necesidad de escribir una novela y un diario? ¿Encuentras en la literatura algo que no te da la música?
Es parte del día a día de mi vida, todos los días estoy sentado al piano viendo que trae ese día la música, qué texto surge de determinada música, del mismo modo en las giras, en los viajes y en casa escribo. Siempre escribo, el libro de Diarios de Viaje surgió en las giras contando las historias que iban sucediendo… y en un momento me di cuenta que se estaba armando un libro.

Foto: Facebook Fito Paéz

Foto: Facebook Fito Paéz

Desde tu primer disco Del 63′ has sido contestatario y revolucionario, ¿hoy en día qué le dirías al pueblo latinoamericano con la voz madura que has obtenido a lo largo de los años?
No me gustan ni los consejos ni los análisis ligeros de temas tan profundos y tan serios. No me gusta ser un charlatán, creo que para eso hay que hablar con un sociólogo, alguien que estudie y se dedique a analizar esto. Yo hago canciones y música, imagínate, en ese sentido no quiero ser irresponsable. En Argentina suelo ver y escuchar artistas que llegan de otros países y hacen un análisis liviano de lo que sucede en Argentina, viene a decirnos quiénes somos y cómo estamos… y la verdad es que no me parece ubicado ni justo para la gente que habita el lugar.

Te entregaron el Premio Konex como mejor cantante/compositor de rock en Argentina ¿te consideras el mejor? ¿Uno de los mejores?
No me considero nada, vivo de lo que amo y sé hacer, ya eso me convierte en un privilegiado, los premios son muy lindos cuando te los dan a todos nos gusta que nos premien, pero son eso, premios ¡y son bienvenidos, por supuesto!

BANNER BAJA NUESTRA APP 165


El Pop Desnudo


Iggy Pop estará con Metallica en México y mientras eso sucede, nos habla sobre la importancia de no crecer, las drogas que usó y lo que sigue para sus 70 años.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto por: Alex Const

El Pop Desnudo

Por Andy Greene

Para el cantante no todo es rebeldía, sigue algunas reglas de vida y recomienda que no te pierdas. “Si usas drogas, pierdes
tu cuerpo, mente o tu vida. Por el contrario, si haces todo lo que el mundo te dice, serás miserable y perderás tu identidad. En algún momento tienes que calcular el equilibrio. ‘¿Soy el tipo que va a revivir la vida del Rey Farouk, o soy más como un metalúrgico que tuvo suerte?’”.

¿Quiénes son tus héroes?
Keith Richards y Bo Diddley. Lo importante es cómo tocan. Son directos y completos. Se siente como algo real para mí.

Tú y Keith han sido llamados “Los indestructibles”.
¡Él es más indestructible que yo! Ya no puedo seguir con ese tipo. Definitivamente ya no puedo fumar.

¿Cuál es tu ciudad favorita en el mundo?
Miami, donde ahora vivo. Es por el agua, pero también porque mucha de la gente es muy dulce. No es una ciudad agresiva.

Viviste en Nueva York mucho tiempo. ¿Lo extrañas?
No. Pero tuve 20 buenos años. En Miami encontré un lugar cerca del agua y era mucho más barato; belleza, espacio y comodidad, más de lo que podría haber conseguido en NuevaYork; donde tenía una vista de mierda en la Avenida B. Que por supuesto, ese lugar ahora vale muchos millones de dólares. Imagínate.

BANNER CONTINÚA LEYENDO 165


Joe Satriani: Mi crecimiento como persona y como músico


30 años, 15 canciones y una fiesta para honrar a “sus por siempre amigos” en México.


POR Miguel H. Zetter  



Joe Satriani: Mi crecimiento como persona y como músico

Foto: Chapman Baehler.

Presentando su decimoquinto álbum, Shockwave Supernova –y continuando el festejo de las tres décadas de carrera desde aquel Not of this Earth de 1986–, Joe Satriani, uno de los grandes guitarristas de nuestros días, sin ocultar su alegría y entusiasmo nos compartió los sentimientos que se han generado con la gira “Surfing to Shockwave 2016” y la emoción que le provoca saber que tocará nuevamente en la Ciudad de México.

Foto: Jon Luini.

Foto: Jon Luini.

“Siempre he vivido momentos maravillosos cuando me presento en la Ciudad de México, a pesar de que no he podido traer todo lo que quisiera pero cuando me dan el itinerario de la gira y me doy cuenta de que volvemos a tener una parada en México, me emociona mucho que nuevamente viviremos magníficas experiencias. La historia en México ha sido increíble, son un público que me ha apoyado muchísimo, me siento muy respaldado; son una gran audiencia y no puedo esperar más para estar con ellos. Este show particularmente, significa una celebración, un festejo por los discos, la música, canciones, contribuciones que han hecho diferentes músicos… en fin, todo lo que ha ayudado a llevar la música a todos los fans alrededor del mundo. Es también un festejo para ellos, porque son los que han hecho mi carrera de 30 años. Quisiera llevarles ese sentido de celebración y apreciación del concierto, presentando la mayor cantidad de canciones que nos han acompañado durante tres décadas”, comenta Satriani.

En un recinto que ya lo ha albergado en varias ocasiones y que el guitarrista conoce, disfruta y lo siente como propio, sin importar cuántas veces se presente, siempre generará expectativas sobre lo que ofrecerá, sobretodo porque es una persona que desde que inició, se ha exigido ser cada vez mejor.

Joe-Satriani-photo-credit-Larry-Dimarzio_04_014

Así lo merece su desarrollo personal, profesional y la música. “La confianza de tomar un escenario que conozco bien y me trae grandes recuerdos, representa un nuevo compromiso para la gente de México e independientemente de que conocen la mayoría de las canciones, será muy interesante escuchar la reinterpretación de los temas cuando Marco Minneman (batería), Bryan Beller (bajo) y Mike Keneally (guitarra y teclados) compartan el escenario conmigo. Será un nuevo show, un nuevo sonido y no me refiero al más reciente material sino a todo lo que ha estado en el catálogo durante todo este tiempo. Esta banda con la que he viajado en los últimos años es sumamente notable y se ha convertido en la llave maestra de este nuevo y diferente show. Somos una banda feliz, es la banda más feliz en la que he estado, todos tomamos muy en serio que debemos divertirnos con lo que hacemos y eso lo reflejamos en el escenario. Es por la confianza que tenemos en nosotros mismos y en nuestros compañeros; entramos con una sonrisa y salimos con la misma sonrisa. Todo esto ha contribuido a mi crecimiento como persona y como músico; y me ha permitido seguir moviendo porque siempre he pensado en que para mejorar debes pensar y actuar como el mejor. Hoy me rodeo de los mejores y quiero seguir así. Todo cambia en tu entorno y de manera interna, pero no puedes ser un espectador, debes vivir los cambios y afrontarlos de una manera positiva. Bajo esta filosofía estaremos disfrutando esos cambios en la Ciudad de México y les llevaremos un gran espectáculo en el que se contagiarán de nuestra vibra y se irán a sus casas con una sonrisa”, concluyó Joe Satriani.

Joe Satriani se presentará en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México el próximo jueves 1 de diciembre. Compra tus boletos a través del sistema Ticketmaster.

13782267_10154367481093680_858304091290354779_n

BANNER APP 162


Recordar para componer: AlunaGeorge


Recapitular es la clave para las creaciones de Aluna Francis y George Reid. El dúo se presentará el próximo domingo en el #LevisTent del Corona Capital 2016.


POR Mariana González  



Recordar para componer: AlunaGeorge

Muchos conocen a AlunaGeorge gracias a la colaboración que tuvieron con Disclosure en 2013, pero la historia de este dúo británico empezó unos cuantos años antes. Aluna Francis y George Reid se conocieron gracias a MySpace y a las bandas en las que trabajaron anteriormente, My Toys Like Me y Colour. Estas dos agrupaciones pasaron a un segundo término cuando Aluna y George colaboraron en un par de canciones y decidieron que funcionaban mejor juntos. Desde ahí, su historia empezó a forjarse, o por lo menos esto fue lo que Aluna nos contó.

En vísperas de su presentación en el Festival Corona Capital, Aluna habló sobre su más reciente disco I Remember, las cosas que ha aprendido gracias al proyecto que sostiene con George y por qué es necesario recordar las cosas que te apasionan en la vida.

aluna-george-3-640x426

¿Cómo se conocieron tú y George?
Nos conocimos en MySpace. Fue una gran plataforma para músicos porque así podías escuchar el sonido entre artistas y hablarles por mensaje, o algo así. Él contactó a mi antigua banda (My Toys Like Me) porque quería hacerle un remix a “Sweetheart” y ahí surgió todo.

¿Exactamente en qué momento decidieron trabajar juntos como AlunaGeorge?
Pasó gradualmente después de grabar un par de canciones. Mientras las escribíamos vimos la posibilidad de regresar al estudio juntos y ver si funcionaba. Eso se convirtió en un problema para las personas con las que trabajábamos en ese momento. En mi caso me pusieron entre la espada y la pared, me dijeron que escogiera entre George o ellos y ahí fue cuando decidí seguir con George.

Sabía que iba en la dirección correcta porque disfrutaba mucho trabajar con George y fue evidente que el éxito vendría. Poder escribir canciones que disfruto es el logro más grande.

alunageorge-19

¿Crees que los otros proyectos (My Toys Like Me y Colour) influyeron directamente en el sonido actual de AlunaGeorge?
Definitivamente existe una influencia de esas bandas. George estaba muy interesado en plasmar el beat complicado que tenía en Colour. Yo aprendí cómo usar mi voz de una forma muy peculiar en My Toys Like Me trabajando muy de cerca con mi coescritor en ese momento. Para el momento en el que llegó AlunaGeorge ya tenía establecida una forma de plasmar mi voz y trabajar con un estilo propio.

Gracias a AlunaGeorge, ¿qué aprendiste?
Aprendí a usar Ableton, los fundamentos del sonido y cómo construir un proyecto musical en manos de las frecuencias con las que estás jugando e insertas en cada canción. Me ayudó con mi voz, para utilizar las frecuencias correctamente y saber en qué lugares hay que meterle más bajo o no y así, gradualmente, que se escuche mejor lo que estamos haciendo.

En México se escuchó mucho “Attracting Flies”, ¿en algún momento pensaron que lograrían llegar a otros países y continentes con su primer disco (Body Music)?
Tengo que ponerlo en perspectiva; estábamos en Londres y no tuvimos un campaña de promoción, sólo sacamos la canción y no estábamos esperando tanta respuesta de la gente. Sabíamos que nos escuchaban en la radio pero entramos en shock cuando —accidentalmente— una canción como “Attracting Flies” empezó a tener gran respuesta a nivel mundial.

Abrieron algunos conciertos para Sia y Miguel, ¿cómo los aceptó ese público que a lo mejor no está acostumbrado a escuchar su tipo de música?
Nos recibieron muy bien porque nuestras canciones están escritas con muchas historias y con sujetos reales. Creo que la audiencia que va a escuchar a Sia disfrutó la música pero también nuestro sentimiento y pensar.

¿Qué ha cambiado entre I Remember y Body Music? Tanto a nivel producción como en manejo de banda
Muchas cosas cambiaron. Tuvimos un cambio en cuanto al equipo que nos manejaba y con la gente que se encarga de la difusión. La música se escribió de una manera muy parecida pero con habilidades diferentes. Aunque en este momento sólo hablo por mí, siento que la manera en la que escribía se volvió más personal, lo cual era muy difícil para mí pero con el tiempo aprendí a resaltar cosas que venían dentro de mi persona. La canciones son atemporales y eso fue un gran reto.

alunageorge.23444

Flume trabajó con ustedes en I Remember, ¿cómo lo conocieron y cómo fue su primer encuentro?
Lo vimos muchas veces porque tocamos en varios festivales juntos y fue un proceso gradual, ya que nos veíamos y nos saludábamos frecuentemente. Después de un año o dos hablamos sobre meternos al estudio y estando ahí, fue un proceso lento ya que nos dimos el tiempo de conocer las maneras de trabajar de cada uno. Cuando entramos de lleno a la colaboración, George y yo escribimos la canción, George la produjo y después entró Flume para darle algunos toques. Trabajamos de maneras muy distintas.

El disco se llama I Remember, ¿es “I Remember” el tema más importante del álbum?
Creo que es muy importante entender que cada canción tiene una importancia individual. Lo que más me gusta de “I Remember” es que se relaciona con todas las canciones del disco porque me gusta la idea de que el título me recuerde todas las veces que entro al estudio con George y el porqué estamos haciendo esto, me recuerda que amamos la música. Cualquier parte de este trabajo te hace olvidar, los viajes te hacen olvidar. Este álbum es un recordatorio de lo que te hace sentir y por eso elegí ese título.

¿Qué tienen pensado para su presentación en el Corona Capital 2016?
No hacemos una dinámica o algo especial, sólo vamos a conectar con la gente. Tocamos nuestras canciones y la pasamos muy bien y eso pretendemos hacer en México. Podemos llevar una producción con elefantes volando, globos cayendo del cielo y láseres, pero sólo somos músicos y tocaremos nuestras canciones.

BANNER APP 162


Hapax Legomenon, el lado oscuro de Maurizio Terracina


La evolución musical del productor ha ido muy de la mano con su reencuentro espiritual y aceptación de sí mismo.


POR Mariana González  



Hapax Legomenon, el lado oscuro de Maurizio Terracina

La vida es un eterno ir y venir. Existen momentos en los que para continuar con el reencuentro hacia con mismo, es vital regresar a los básicos y retomar facetas que creíamos haber perdido con el tiempo. Así es como Maurizio Terracina engendró Hapax Legomenon, un proyecto con bases arraigadas en el techno y tonalidades metálicas que, sin duda, pueden hacer bailar a cualquiera.

Lo que llama la atención ahora, es que para poder llegar a esta nueva gama de sonidos que Terracina nos ofrece, fue necesario una introspección que lo hizo retornar a sus inicios en la música: cuando iba a las discos de su padre en Alemania donde tocaban techno, género que no le gustaba en ese momento, pero que hoy le da cimientos a ésta forma de expresión.

Terracina nos platicó sobre su nuevo proyecto, sobre lo que escuchó alrededor de la producción del mismo y también sobre el esoterismo y oscuridad que enmarca el ingenioso nombre de su nueva faceta musical.

Después de los fructuosos Zurdoc y The Volture, ¿en qué te inspiraste para crear Hapax Legomenon?
No sé, en toda mi carrera como músico y productor me ha gustado abarcar ciertos géneros de música que me agradan y que escucho de otros grupos o actos. Lo peculiar de este proyecto es la música electrónica y el techno, se dio porque yo nací en Alemania, mi padre es italiano y desde los 9 hasta los 20 años, siempre fui a visitar a mi padre a Alemania, él tenía discotecas ahí en las cuales empezó a sonar mucho el techno y todo eso que, obviamente cuando tenía 10 ó 12 años, escucha cosas más rocker como Mötley Crue, Guns N’ Roses y toda esa generación del glam. La neta no me gustaba nada el techno, no le hallaba mucho sentido y siento que en este momento o en el momento en el que estuve empezando a componer toda la música para este proyecto, estaba leyendo mucho a Carl Jung y el ejemplo que daba de incorporar la sombra en una persona que se encuentra en la imagen de tu subconsciente y cosas que no haz aceptado de ti mismo, son límites o barreras que antepones a tu percepción o realidad, por lo que fue un experimento mío querer retomar un género en el que no estaba muy agosto. Empecé a trabajar eso, hacerlo de cierta manera mío e incorporarlo dentro de mi gama de estilos de música que estuve haciendo. Esto sí lo quise encasillar 100% como música techno y fue como un logro para mí lograr aterrizar este proyecto de esta manera.

¿Por qué elegiste ese nombre (Hapax Legomenon)?
Formo parte de un círculo esotérico de abarca a todo el mundo, nos juntamos cada cuatro meses a platicar de filosofía, hacer nuestros rituales y platicando en una de estas juntas, estábamos discutiendo un tema de errores entre las diferentes ediciones de biblias que existen y de repente uno de mis hermanos dice: “¡Ah! Eso es un Hapax Legomenon” y yo dije: “A ver, a ver, a ver, ¿qué es eso o qué estás diciendo? – ¡Sí! Esto es un Hapax Legomenon y me empezó a explicar que significa cuando en un texto una palabra aparece una sola vez en todo el libro. Después me empece a informar y a buscar más, ahí fue cuando descubrí que es cuando algo solamente sucede por una vez en alguna cultura, en algún contexto, película, etc. Todo eso se me hizo muy interesante y aparte es como me identifico como los demás hermanos, mi nombre esotérico es ese.

Es algo que en mi vida había hecho y es un género que nunca había producido ni me había sentado en la computadora para producir música de ese tinte, y al verdad sí me divierte mucho hacer este tipo de tracks. Opus 1, el EP que lanzamos hace un par de meses de 4 canciones, es sólo una probada de lo que vendrá el próximo año y de toda la música que quiero sacar.

Maurizio-Hapax3

Entonces, ¿Hapax Legomenon pasa solamente una vez en la vida de Terracina y esa una vez es Opus 1?
No, pues más que nada el concepto de una cosa que tenga mucho peso y se haga una vez. Como por ejemplo podría decir que Hapax sucede una sola vez dentro del techno o una vez dentro de una noche o una vez dentro de un festival o de una fiesta, que se haga saber que solamente sucede una vez; es genuino, auténtico y debes presenciarlo en persona. Es importante.

Es una forma interesante de irte acoplando a las generaciones que constantemente sufren un cambio en estilo y gustos. Ahora, ¿por qué tiene matices musicales oscuros y misteriosos?
Desde muy temprana edad empecé a meterme mucho en la magia y el ocultismo, en las ciencias ocultas y en el esoterismo, obviamente empezando por las parte más oscuras como sociedades secretas y de ahí me pasé a la magia del caos. Ahorita pertenezco al círculo gnóstico que te comentaba y cada vez voy avanzando en mi camino espiritual y religioso. Cada que hago un disco o un proyecto, creo que se manifiesta y se transmite mucho todo mi conocimiento y apreciación por esas artes; eso es lo que me encanta de todos mis proyectos que no sólo es una canción o una pieza, sino es una expresión completa de la idea que tengo y de lo que quiero expresar.

La música es oscura porque el techno y la música industrial que escucho, los libros, la películas y todo lo que me gusta, al final de cuentas tiene una connotación oculta, misteriosa o esotérica y todo queda con esa luz. Me gusta tener coherencia en todos mis proyectos y esta es una extensión más de mi personalidad y de mi carácter como artista.

El sonido que trato de hacer se puede escuchar como dos partes de mi estilo de música: el beat es un poco más fuerte y los sintetizadores, así como las líneas de bajo son más industriales y asemejan un sonido metálico. Me gusta hacer ese tipo de música más robótica o industrial y como me gusta Ministry y otras vertientes del noise, trato de incorporar ese tipo de paletas sonoras a la música.

Aparte de lo que ahorita tienes grabado, ¿qué otros instrumentos te gustaría introducir a tu nuevo proyecto?
Mi objetivo con este proyecto es hacerlo 100% con computadoras. Tengo años trabajando con sonidos orgánicos con baterías, bajos, guitarras, ósea, me encanta tocar al batería, es mi mejor instrumento y siento que The Volture está basado en baterías, pero este proyecto quiero hacerlo con máquinas y grabado a través de máquinas.

Trabajo en una empresa de equipo para estudio, hacemos compresoras y preamplificadores, obviamente lo uso para hacer toda la música de Hapax, pero finalmente es la computadora pasando por ciertos canales análogos y entrando otra vez por una interfaz hasta convertirlo todo a digital; lo uso como ingeniería pero quiero respetar ese sonido del proyecto. No sé qué va a pasar el siguiente año, pero hasta ahorita lo tengo previsto de esa manera, para mantenerlo muy separado de los otros proyectos.

Maurizio-Hapax2

Y separar tus facetas musicales, claro, pero ¿has pensado colaborar con otros artistas?
Pues ahorita estoy haciendo un remix para el proyecto de un amigo que se llama Yo Camaleón, me lo pasó hace un par de semanas y ahorita estoy haciendo ese remix. He hecho remixes para otros amigos y para otras bandas, pero siento que ahorita ya con el proyecto de Hapax la cuestión de hacer remixes tiene más coherencia y el acercamiento que tengo con la canción es diferente.

Me gustaría saber ¿qué bandas o artistas has escuchado ultimamente alrededor de la producción de Opus 1?
Pues la verdad he estado escuchando mucho Sisters of Mercy, Love and Rockets, muchos discos antiguos de The Cure y de Depeche Mode, Ministry y Death Grips.

Descríbete en 3 canciones:
La primera sería “Eye In The Sky” de The Alan Parsons Proyect, la segunda creo que sería “We Will Rock You” de Queen y la última sería “Lullaby” de The Cure.

BANNER APP 162


#CoronaCapital2016: Peter Bjorn and John


El trío originario de Estocolmo visitará la Ciudad de México el próximo 20 de noviembre en el marco del Corona Capital.


POR Priscila Núñez  



#CoronaCapital2016: Peter Bjorn and John

Young Folks” fue la canción que catapultó al trío originario de Estocolmo, Peter Bjorn and John, al éxito internacional. Con un ritmo pegajoso y unos silbidos que se han vuelto icónicos, este tema ha cumplido su primera década y sigue figurando como un himno de la música alternativa. Aún así, los músicos se negaron a pasar a la historia como one hit wonders y vivir bajo la sombra de este hit, por lo que han seguido explorando en su música, pero sin perder el encanto que los caracteriza.

10 años han pasado desde entonces, pero son 17 los que Peter Bjorn and John llevan tocando juntos y 5 los que han transcurrido desde el lanzamiento de Gimme Some, su anterior producción discográfica. Ahora, la banda conformada por Peter Morén, Björn Yttling y John Eriksson, está de regreso con su séptimo álbum de estudio llamado Breakin’ Point.

14731150_10154768982633694_2207689912993320452_n (1)

Con el propósito de conocer más sobre este nuevo material, su evolución musical, su proceso e inspiración, platicamos en exclusiva con el vocalista de la agrupación, Peter Morén, previa su presentación en el Corona Capital.

Fueron varias las razones por las que no habíamos tenido noticias de ellos desde 2011, empezando por el hecho de que los tres se convirtieron en padres y se tomaron un tiempo para estar con sus familias. Individualmente escribieron y produjeron para artistas como Chrissie Hynde y Franz Ferdinand; además de que juntos iniciaron INGRID, un colectivo de artistas suecos junto a Lykke Li y Miike Snow.

Cuando comenzaron a trabajar en Breakin’ Point todas esas cosas empezaron a empapar el proyecto, pero la razón por la que pasó tanto tiempo desde el estreno de Gimme Some fue el tiempo que les tomó encontrar el sonido que querían para el álbum:

“Escribimos mucho material después de la gira de Gimme Some, pero decidimos desecharlo porque sentíamos que íbamos a sonar igual que siempre, y no queríamos eso, nos gusta crear algo diferente con cada disco. Para este álbum hablamos más sobre la letra de las canciones porque queríamos algo más pop. En lugar de que fuera un disco conceptual como lo habían sido los demás, nos centramos simplemente en escribir 12 buenas canciones”.

En producciones anteriores la agrupación ya había explorado el rock, synth-pop, el indie rock, la música instrumental e incluso con un poco de hip hop, pero en esta ocasión cuando llegaron al estudio no sabían exactamente en que dirección querían ir: “Es curioso, porque en esta ocasión nuestra inspiración vino de la música disco y los hits de la radio en los años 60 y 70. Por ejemplo, estuvimos escuchando mucho a ABBA porque admiramos la manera en que combinan letras melancólicas con buena música y queríamos hacer algo similar, algo que se pudiera bailar en un bar y al mismo tiempo escuchar en cualquier otra situación”.

“Creo que me hago cada vez más oscuro con los años”, continúa Morén. “Muchas de las canciones hablan acerca de vivir en una gran ciudad, que puede ser la ciudad de México o Estocolmo, trabajando para una compañía y de como eso puede hacerte sentir solo; creo que es un problema que mucha gente tiene a veces. Otras canciones hablan de tener hijos, de empezar de nuevo, de ser capaz de encontrar el amor otra vez”. El resultado es una colección de canciones en Breakin’ Point que son melancólicas, pero al mismo tiempo alegres.

Además, en esta ocasión trabajaron con seis productores distintos, algo que si bien se ve reflejado en el sonido, no rompe con la unidad sónica del álbum: “Estábamos buscando a alguien que entendiera a la perfección cómo conseguir un sonido rock al que queríamos llegar, y por supuesto, la producción”.

Fue así como iniciaron el trabajo con Patrick Berger: “Todo iba bien hasta que empezamos a discutir por todo, y aunque con él terminamos algunas canciones, no podíamos seguir. Entonces pensamos que quizá podíamos terminar el álbum por nuestra cuenta en el estudio, y sí, grabamos muchas cosas que pudimos haber sacado en un álbum, pero no era el sonido que buscábamos; así que terminamos contactando a diferentes productores. Fue diferente con cada uno, por ejemplo, a Greg Kurstin ni siquiera lo conocimos, le mandábamos contenido a Los Ángeles y él nos mandaba material desde allá. Paul Epworth quería que fuéramos a Londres y eso terminó siendo lo más plástico, hicimos muchas grabaciones con él en el cuarto guiándonos. Aprendimos mucho”. Al final, hubo seis diferentes personas trabajando en el disco, pero los suecos de alguna manera encontraron la forma de que encajara.

12376029_10153916343058694_7458737875751198914_n

Breakin’ Point marca realmente un punto y a parte en la carrera de los músicos, o traduciendo el título del álbum, fue un punto de ruptura entre los integrantes de la banda ya que estuvieron a punto de tomar rumbos separados. En gran parte por la situación personal que cada uno vivía, pero también por el hecho de que no lograban ponerse de acuerdo; y aunque con cada disco que sacan corren los rumores de su separación, han logrado encontrar la fórmula para seguir tocando juntos aún después de 17 años:

“Tal vez la razón por la que seguimos juntos es que desde el principio habíamos dicho que solo íbamos a sacar 10 álbumes y luego nos íbamos a separar, nunca nos imaginamos que eso nos fuera a tomar tanto tiempo, pero ya vamos en el séptimo (risas). No, en realidad lo que sucede es que no siempre puedes estar seguro de si harás otro o no, porque ¿quién sabe? Si cuando lo haces no es divertido, no hay razón para hacerlo. Estar en una banda es algo muy especial, a veces se siente como el infierno en la Tierra, pero la mayor parte del tiempo es lo más increíble que nos ha pasado”.

Otros factores importantes para la cohesión que existe entre Peter Bjorn and John es el hecho de que todos participan en igual medida en el proceso de composición, pero sobre todo, el tener diferentes gustos musicales es lo que los vuelve más fuertes en el estudio: “Los tres tenemos gustos completamente diferentes y algunas veces las expresamos en proyectos que tenemos alternos a Peter Bjorn and John. Todas esas experiencias nos hacen crecer y nos enseñan mucho, eso también es parte de lo que forma a la banda. 
La combinación de nuestros intereses y experiencias es lo que mantiene las cosas interesantes. Pero dentro de estás diferencias tenemos siempre algo en común que es la banda y por eso nos preocupamos por todos los detalles de cada álbum. Creo que es algo bueno que seamos diferentes”.

Desde que empezaron a tocar juntos a finales de los 90, la industria musical ha cambiado radicalmente, y a pesar de que podemos decir que Peter Bjorn and John son una banda consagrada, el carácter independiente de la misma sigue siendo un reto al que se tienen que enfrentar día a día porque, como lo menciona Peter Morén, aunque el streaming es maravilloso, a las bandas independientes no les conviene tanto: “Realmente ya no se puede vivir solo de hacer música y vender discos, claro, a menos que seas una banda como U2”.

Para concluir la entrevista, comentó sobre la similitud entre el arte de sus dos últimos discos: “Gimme Some muestra una mano con tres pulgares y la nueva portada muestra un martillo con tres cabezas listas para golpear esos tres pulgares (risas). En sí, en todos nuestros álbumes hay cosas que nos representan a los tres, pero para esta portada además queríamos algo que simbolizara lo que Breakin’ Point significa para nosotros, y al artista británico que la diseñó se le ocurrió la idea de un martillo porque puedes romper cosas con él, pero también puedes construir y arreglar. Fue como mostrar un poco humor con pop art”.

peter bjorn and john album

Peter Bjorn and John estará presentándose el próximo domingo 20 de noviembre en el Corona Capital. Seguramente será una oportunidad maravillosa para escuchar Breakin’ Point, y por qué no, “Young Folks” en vivo.

BANNER CONTINÚA LEYENDO 162


Bob Dylan asistirá a la ceremonia del Premio Nobel “si le es posible”


El músico también hizo algunas reflexiones sobre el premio que recibió y su falta de respuesta.


POR Staff Rolling Stone México  



Bob Dylan asistirá a la ceremonia del Premio Nobel “si le es posible”

Finalmente, el músico galardonado con el Premio Nobel de Literatura 2016 hizo de conocimiento público sus planes sobre asistir a la ceremonia de premiación el próximo 10 de diciembre. A través de una entrevista con el periódico The Telegraph, después de que se le preguntara su asistiría o no a la celebración, Dylan respondió: “¡Absolutamente! Si me es posible”.

Así mismo, Dylan expresó su asombro acerca de recibir este galardón: “Es difícil de creer… ¿Quién sueña con algo así?”, fue lo que declaró a la periodista Edna Gunderson, encargada de llevar a cabo la entrevista. También comentó que no entiende la causa de la molestia por su falta de respuesta presencial, fuera de reconocer el premio en su página web -mismo anunció que desapareció poco tiempo después: “Bueno, estoy aquí”, dijo a Gunderson, con un toque de sequedad.

De igual forma, Bob Dylan no perdió la oportunidad para reflexionar sobre el premio, ya que no piensa que su trabajo fuera completamente literario: “Supongo que algunas de mis canciones como ‘Blind Willie‘, ‘The Ballad of Hollis Brown, ‘Joey‘, ‘A Hard Rain‘, ‘Hurricane y algunas otras, sin duda son de carácter Homérico… Voy a dejar que otras personas decidan… Los académicos, deberían saber. Realmente no estoy calificado. No tengo ninguna opinión “.

BANNER 2


Triángulo de Amor Bizarro en búsqueda de nuevos horizontes musicales


En vísperas de su regreso a México y con un nuevo álbum bajo el brazo, platicamos con Rodrigo Caamaño sobre la búsqueda de caminos diferentes en la realización del disco.


POR Mariana González  



Triángulo de Amor Bizarro en búsqueda de nuevos horizontes musicales

La realización de un disco puede tomar diferentes caminos dependiendo de lo que al artista quiera expresar. Triángulo de Amor Bizarro ha logrado plasmar en su nueva producción de estudio, Salve Discordia, los sonidos que estuvieron explorando mientras producían el disco.

Rodrigo Caamaño, Isa Cea, Rafa Mallo y Zippo hicieron que el proceso del álbum se prolongara hasta que Salve Discordia se convirtiera en la representación perfecta del cambio que han estado experimentando. Platicamos con Rodrigo, encargado de componer y vocalizar algunas canciones de la agrupación, sobre su nuevo álbum, el origen de la banda, su tierra natal Galicia y lo que más le gusta de México.

RS: ¿Qué implementos en cuanto a sonido le añadieron a Salve Discordia?

TAB: Cuando comenzamos a trabajar con el productor Carlos Hernández, que también es nuestro amigo desde hace mucho tiempo enfocamos la producción de una forma más rápida porque ya nos conocemos y fue un trato directo. El planteamiento inicial para este disco era plasmarlo de la forma más sencilla posible; en los discos anteriores era la búsqueda un sonido ideal, usamos más trucos de producción más ediciones en el estudio y en esta ocasión fue al revés. Cuando compuse las canciones ya sonaban a la banda, no necesitaban tanto artificio y este disco además tuvimos más presupuesto y más tiempo en estudio. Al final no hay un cambio, queremos reflejar el sonido de la banda hoy.

Es un disco que nos hubiese gustado hacer hace 5 o 6 años, como banda nos entendemos muy bien somos muy amigos y necesitábamos un disco que plasmara eso. No nos hacía falta los detalles de producción. Queríamos que sonara como nosotros cuatro sin arreglos, somos capaces de quitar capas y reducirnos a la esencia y a algo más natural.

RS: Me gustaría que mencionaras 3 canciones que representen la historia del proceso de Salve Discordia.

TAB: “Desmadre estigio“: Representa un cambio en la propia composición, el hacer cosas completamente diferentes y justo la escogimos como la primera del disco porque demostraba eso.
Barca Quemada“: Una pop de la que me siento muy orgulloso como compositor. En esta canción conseguí hacer otras cosas que en otras canciones intentaba. No sé si en discos futuros me vuelva a acercar al pop de esa forma.
Euromaquia“: Por que crea ese vínculo entre las canciones que hacíamos al principio, con más distorsiones y arreglos.

Casi todo el año pasado nos estuvimos concentrando en las canciones de este disco, mientras estábamos en Estados Unidos y España. Nos enfocamos en componer el disco y en ver cómo afrontarnos a nosotros mismos como banda, cómo dar el siguiente paso. Hay una diferencia con los anteriores porque fue un proceso mucho más lento estábamos más preparados en lo que llevamos al estudio.

RS: En ocasiones las bandas dejan una semilla natal en sus producciones, por lo tanto, ¿qué semilla de Galicia dejan en sus materiales de estudio?

TAB: Es una parte fundamental tanto en las letras como en la forma de vida del grupo, la mayoría o todos los temas del disco tratan un poco de partir de Galicia y llegar a otros lugares con ese punto de vista. En Galicia hay un choque de culturas y todo eso es un motivo de inspiración, es algo que se respira por todos los acordes del disco.

RS: ¿Qué es lo que escuchaban mientras llevaban a cabo el proceso de producción de Salve Discordia?

TAB: Para este disco no escuchábamos música a propósito, tratamos de alejarnos de las bases que ocupamos al principio. Escuchamos mucho reggae, grupos psicodélicos de los setentas, músicos japoneses. Gracias al internet buceamos en estilos oscuros y descubrimos cosas maravillosas, cosas de lo que al principio estábamos muy alejados de lo que hacíamos. Fue un ejercicio a propósito, de buscar música que nos influenciara de una forma diferente en ideas y contexto, que al final al momento de componer, te atrapara más y lográramos capturar emociones nuevas. El proceso tan largo del disco nos permitió eso, irnos a referentes diferentes y que nos motivara para hacer canciones diferentes.

Es muy importante sentir la sensación de no controlar todo y salirse de uno mismo, eso te hace crecer mucho como músico, como artista y siempre buscar lo desconocido.

RS: ¿Cuál es el factor que determina que tú cantes en una canción o que cante Isa?

TAB: Las melodías las voy dejando y mientras voy haciendo las letras me doy cuenta si le va bien a Isa o a mi. Yo me ocupo de las canciones más directas y más punk, para Isa, como sé la capacidad de su voz, trato de hacerlo para el otro lado. Por ejemplo, cuando haces una canción pop debes tomar un camino diferente, las dos voces nos permiten abarcar varios puntos y se nos facilita pasar de un plano a otro. Yo hago las canciones que marcan el tono del disco e Isa marca los puntos declive, los puntos álgidos.

RS: El nombre de Triángulo de Amor Bizarro, ¿sí tiene que ver con la canción de New Order? y ¿esa banda tiene relevancia en su sonido y gestación?

TAB: Sí, cuando hicimos nuestro primer primer disco aún no teníamos nombre como banda entonces quisimos hacer un juego de palabras entre bizarro que su traducción en inglés significa raro y en español significa valiente. Además, New Order siempre nos ha gustado, tiene relevancia en el formato que tenemos como banda, no nos marca en el punto de composición o estilo, sino en cosas más sutiles, sin embargo siempre está presente.

RS: ¿Qué es lo que más anhelan de regresar a México?

TAB: Siempre que vamos a México queremos comer tacos al pastor, es algo muy difícil de reproducir en España. En nuestro país hay restaurantes de comida mexicana, sin embargo no es nada parecido. Incluso los jugos, las frutas y toda la comida es fantástica y es lo primero que pensamos al saber que vamos para allá. México es un país que nos fascina y siempre que vamos nos quedamos atrapados.

RS: ¿Tienen algo preparado para el festival Coordenada?

TAB: Probablemente tocaremos canciones que tocamos aquí en España y ahora mismo estamos muy centrados en promocionar nuestro nuevo disco, estamos muy concentrados en tocarlo completo o casi completo. Tal vez en Coordenada toquemos algo de los demás discos, como es la primera vez que vamos para Guadalajara haremos un concierto no tan centrado en la última producción, tocaremos canciones que se escucharán por primera vez ahí (Guadalajara).

BANNER 2