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Mira el primer tráiler de ‘Spider-Man: lejos de casa’


La nueva entrega del superhéroe arácnido llegará a las salas de cine el próximo 5 de julio.


POR Jonathan Matamoros  



Mira el primer tráiler de ‘Spider-Man: lejos de casa’

Marvel ha compartido el primer adelanto de Spider-Man: lejos de casa, la segunda entrega del superhéroe arácnido que también forma parte del Universo Cinematográfico de Marvel.

Esta cinta fue confirmada en julio de 2017, y desde entonces ya se sabía que Peter Parker sobrevive a Thanos y los eventos de Avengers: Endgame, a pesar de haberlo visto desvanecerse en Infinity War. Por esta misma razón los ejecutivos de Marvel dejaron de revelar la lista de películas que llegarían después de la próxima entrega Avengers para no adelantar información a los fanáticos. 

En este nuevo video podemos ver a Parker salir de viaje a Europa junto a sus compañeros de la escuela Ned (Jacob Batalonas), MJ (Zendaya), Flash (Tony Revolori) y Betty Brant (Angourie Riceas). El elenco también incluye a Marisa Tomei como la tía May. 

Nick Fury hará su primera aparición en la saga de Spider-Man en esta película. El exdirector de Shield lo contacta para pedirle su ayuda para combatir una serie de criaturas que están atacando varios puntos de Europa. Michael Keaton regresará para volver a dar vida a Vulture. 

En este tráiler también podemos ver por primera vez a Jake Gyllenhaal como Quetin Beck, mejor conocido como Mysterio. El actor angelino confirmó su llegada al universo de Marvel el año pasado con su primera publicación en Instagram.

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I just realized I’m not playing Spider-Man.

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Spider-Man: lejos de casa llegará a salas de cine el próximo 5 de julio. Meses después de que podamos disfrutar de la introducción de Brie Larson como Captain Marvel (que se trata de una precuela desarrollada en los noventa) y de Avengers: Endgame que estará disponible en cines a partir del 29 de abril. Mira el tráiler: 


The Who lanzará un nuevo álbum en 2019


Daltrey y Townshend también hablaron sobre la próxima edición conmemorativa de Woodstock.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Facebook The Who

The Who lanzará un nuevo álbum en 2019

The Who planea lanzar un nuevo material discográfico este año, así como embarcarse en una gira por Norteamérica. Este próximo álbum será el primero de la banda británica desde Endless Wire de 2006, el cual puso fin a una espera de 24 años por parte de sus fanáticos por escuchar material inédito. 

Pete Townshend, guitarrista del colectivo, confesó a Rolling Stone que cuando Live Nation les propuso realizar una gira durante el 2019, él puso una sola condición: “Dije que no iba a firmar ningún contrato a menos que tuviéramos material nuevo. Esto no tiene nada que ver con querer un álbum exitoso. No significa que The Who necesite otro disco. Es puramente personal. Se trata de mi orgullo, mi autoestima y dignidad personal como escritor”. 

Los miembros de The Who aún no han comenzado con la grabación de las pistas que por el momento sólo existen como 15 demos que Townshend creó el año pasado en cinco estudios de Inglaterra, descritas por él mismo como “baladas oscuras, rock pesado, electrónica experimental, sampleos y canciones muy cliché de The Who que comienzan con una guitarra que hace yanga-dang”. Pete espera que Roger Daltrey grabe las voces en los próximos meses para que el LP pueda estar listo antes de que termine el año.

Townshend le mostró las composiciones a su círculo más cercano y recibió grandes comentarios, pero al mandárselas a Daltrey, no obtuvo respuesta: “Recibí sólo silencio de Roger. Lo tuve que presionar para que me respondiera y no era la respuestas que quería. Sólo dijo tonterías por un rato y al final me puse firme y le dije ‘Roger, no me importa si te gustan, las tienes que cantar. Te gustarán en 10 años”. 

Daltrey explicó que no respondió tan rápido como Pete hubiera querido porque sus memorias (Thanks a lot Mr Kibblewhite: My Story) estaban absorbiendo todo su tiempo y que además, sufrió una ruptura de tímpano, lo cual hacía muy difícil para el escuchar música para él: “No puedo agregar nada a esto para hacer que mi trabajo como cantante sea digno de hacer algo mejor que lo que Pete ya ha hecho. Hay al menos cinco o seis canciones que puedo asegurar que saldrán increíbles. Ahora que he sanado, voy a pasar más tiempo en esto. Okay, no le respondí rápido al principio pero ¡eso no significa nada! Estuve sordo por cerca de tres semanas. “¡Ni siquiera me era posible escucharlas!”

Hasta el momento, el grupo tiene 31 fechas programadas por varias ciudades de Norteamérica. The Who será acompañado por orquestas sinfónicas locales cada noche. Cumpliré 75 años en marzo y me parece una forma digna de ir y hacer música. Eso es todo lo que realmente nos queda. Ahora somos viejos. Hemos perdido nuestra apariencia. Hemos perdido el glamour. Lo que nos queda es la música y la presentaremos de una forma tan fresca y potente como siempre”, dijo Roger. Aún no tiene planes de continuar la gira por Europa o Latino América, pero Townshend aseguró que pronto anunciaran algo al respecto. 

Daltrey ya había realizado una serie de conciertos acompañado por orquestas sinfónicas locales en 1994, con su tour Daltrey Sings Townshend y repitió la hazaña el año pasado con mucho mejores resultados gracias al avance tecnológico. “Todo es un torbellino en este momento, ya que decidimos hacer una gira a fines del año pasado. Lo más importante es que las personas se den cuenta que en este tour la energía y la garra con la que toca The Who no se verán comprometidas en absoluto”, aseguró Daltrey. 

Recientemente se anunció que se realizará un festival para conmemorar los 50 años de Woodstock. Daltrey y Townshend, quienes estuvieron presentes en 1969, mencionaron que no formarán parte del lineup de Woodstock 19: “¿Cuál sería el punto? Ya no puedo trabajar afuera en el calor como en ese agosto. Me mataría. Ahora tengo grandes problemas con el calor debido a mi meningitis. Pero creo que deberían hacerlo con bandas jóvenes. No veo por qué deberían tenernos allí. Además, ¡no les alcanzaría para pagarnos!”, dijo entre risas Roger.

A pesar de que está siguiente gira no está siendo tratada como una de despedida, Daltrey no descarta la posibilidad de que así lo sea: “Siempre es un error decir ‘de despedida’, pero esta será posiblemente mi última gira. Sólo estoy siendo realista acerca de llegar a los 75 años de edad. Tengo que ser realista en que esta es la edad que tengo y las voces comienzan a irse después de un tiempo. No quiero ser ‘no tan bueno’ como lo era hace dos años”

Sobre el setlist que están preparando, ambos músicos mencionaron que aún lo están decidiendo, pero coincidieron en que TommyQuadrophenia definitivamente estarán presentes. Además de algunos de sus más grandes éxitos y algunos tracks que no son tan famosos pero que Townshend considera que sonarían bien con una orquesta sinfónica como “Time is Passing” y “Too Much of Anything”. 

Pero la decisión final será, al parecer, de Daltrey, quien tradicionalmente decide la lista de canciones que se tocan, y el vocalista no se mostró muy entusiasta con la idea de Pete: “Nunca puedes complacer a todos. Algunos verdaderos fans puede que se molesten y se quejen, pero el 99.99 por ciento de la audiencia quiere escuchar los éxitos. No quiero que la gente se rasque las bolas y diga ‘Quiero escuchar “Baba O’Riley”‘.

Townshend y Daltrey no están seguros de cuándo llegará este LP a las plataformas digitales y las estanterías de las tiendas de discos, pero están seguros que no estará listo para el día del padre en junio, tal y como lo quería su disquera. Sin embargo, Townshend cree que podría estar listo para septiembre u octubre.


Metallica lanzará su propia cerveza


Esta bebida se une al whiskey que el colectivo californiano presentó el verano pasado.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Herring & Herring

Metallica lanzará su propia cerveza

Metallica prepara el lanzamiento de una nueva cerveza. Esta nueva bebida llega sólo meses después de que el grupo californiano presentará su propia marca de whiskey el verano pasado, la cual decidieron llamar “Blackened” en honor a la canción de 1988. En 2015 también se aliaron con Budweiser para lanzar una cerveza de edición limitada.

Esta nueva cerveza llevará por nombre Enter Night Pilsner y fue creada en colaboración con Arrogant Consortia, una filial de Stone Brewing. De acuerdo con un comunicado, la banda participó activamente en la elaboración de esta bebida alcohólica, especialmente Lars Ulrich quien trabajó de la mano del cofundador de la compañía cervecera, Greg Koch.

“La cantidad de ideales y perspectivas que comparten Metallica y Stone Brewing son infinitas”, mencionó Ulrich. “Siempre me sorprende lo similares que han sido nuestros caminos. Nuestra visión de los mundos que habitamos cada uno, de la creatividad y el proceso, y el sentido del lugar que ocupamos en relación con nuestros compañeros. Esta colaboración fue pura y sin esfuerzo, y no podemos esperar para compartir esta increíble bebida con todos los que están allá fuera”.

“Recuerdo haber visto a Metallica en la portada de una revista justo después del lanzamiento de Metallica (Black Album). En la portada había una cita que ha resonado conmigo hasta el día de hoy: ‘Metallica no llegó al Número Uno, el Número Uno vino a ellos’. Me encantó lo que eso significaba. Hazlo a tu manera y nunca comprometas tu arte. Si eres bueno en lo que haces la gente irá contigo”, dijo Koch sobre las similitudes entre la agrupación y su compañía.

La cerveza estuvo disponible durante algunos conciertos de Metallica en el otoño de 2018, pero será hasta este año cuando los fanáticos de la banda y muchos más puedan disfrutar de esta bebida que por el momento se planea que llegue a Estados Unidos, Europa, Australia, China y otros países que serán anunciados posteriormente.

El próximo 18 de enero, Metallica continuará con el WorldWired Tour, el cual dió inicio a principios del 2016 en apoyo a Hardwired… to Self-Destruct, su más reciente producción discográfica.


Domination | Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez | 3 y 4 de mayo


KISS, Alice Cooper, Slash, Limp Bizkit y Dream Theater serán los encargados de encabezar la primera edición de este festival.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Alberto Cabello (CC)

Domination | Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez | 3 y 4 de mayo

Hace unos días se dio a conocer la llegada de un nuevo festival musical a la Ciudad de México: Domination. Se trata de un nuevo concepto que parece ser que coexistirá al lado de Hell & Heaven, el cual sólo se ha realizado cada dos años desde su cuarta edición en 2014. Este nuevo festival se llevará a cabo el próximo 3 y 4 de mayo en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez, misma fecha y lugar que suele ocupar Hell & Heaven.

Limp Bizkit publicó en su cuenta de Instagram el cartel oficial de la primera edición de Domination. Minutos más tarde, los organizadores del festival confirmaron la información a través de sus redes sociales.

KISS, Alice Cooper, Slash (acompañado de Myles Kennedy and the Conspirators), Limp Bizkit y Dream Theater serán los encargados de encabezar la primera entrega de Domination, y estarán acompañados por más de 40 actos más que se darán cita en mayo para deleitar a miles de fanáticos y amantes del metal. Este es el cartel completo:

En septiembre de 2018 KISS anunció que se embarcarían en una gira mundial para decir adiós a los escenarios y así, despedirse de todos sus fanáticos en distintas partes del planeta. Domination ha sido el lugar elegido por Paul Stanley, Gene Simmons, Tommy Thayer y Eric Singer para reencontrarse por última vez con sus admiradores mexicanos.

Los boletos para la primera edición de Domination estarán disponibles en preventa exclusiva para tarjetahabientes Citibanamex los días 21 y 22 de enero y en venta general a partir del 23 del mismo mes a través de Ticketmaster y en el teléfono al 53-25-9000.


The Killers estrenan canción: “Land of the Free”


El nuevo tema está inspirado en los “lamentables” sucesos ocurridos durante la administración de Donald Trump.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Anton Corbijn / cortesía The Killers

The Killers estrenan canción: “Land of the Free”

The Killers están de regreso. La banda de Las Vegas estrenó hace unos momentos “Land of the Free”, primer lanzamiento oficial del grupo desde Wonderful Wonderful, su quinto álbum de estudio.

“Land of the Free” es una declaración en contra del gobierno de Donald Trump y las acciones que han sucedido durante su mandato. Sobre este track, Brandon Flowers comentó: “Creo que es buen momento para decir que ya fue suficiente. Básicamente viene de ahí. Empezó en mi mente cuando sucedió el tiroteo de Sandy Hook (2012) y cómo me afectó este acontecimiento al ser padre. A partir de ahí todo se empezó a acumular. La muerte de Eric Garner y Trayvon Martin… lo que sucede con México y el muro. Estos asuntos no parecen estar en armonía con los valores en los que este país se fundó”.

El vocalista añadió: “Empezaba a escribir la canción y después la hacía a un lado pensando que no era la persona adecuada para hacerla. No me sentía apto para escribirla, pero después sucedieron los tiroteos de Las Vegas y Orlando y pensé: ‘Tengo que sacar esto'”.

“Land of the Free” fue grabada en Battle Born Studios y producida por Jacknife Lee con la participación en las vocales de Lynn Mabry, Dorian Holley, Will Wheaton, Sherree Patrice Brown, Akasha Mabry, Amanda Brown, Danielle René Withers y Erica Canales.

Escucha aquí “Land of the Free”, la nueva canción de The Killers:

Mientras tanto, Dave Keuning, guitarrista de la banda, se encuentra tomando un descanso y prepara el lanzamiento de Prisism, su álbum debut como solista. En una entrevista reciente, Keuning mencionó que su disco en solitario nació de la frustración de no poder llevar a cabo sus ideas de canciones con The Killers.

El colectivo liderado por Brandon Flowers acompañó este lanzamiento con un cortometraje diridigo por Spike Lee, en donde se pueden ver a familias enteras de centroamericanos que pertenecen a la caravana migrante que hace unas semanas intentó cruzar hacia los Estados Unidos de América en el borde fronterizo ubicado en Tijuana. Míralo a continuación:


Mira el primer adelanto de la última temporada de ‘Game of Thrones’


HBO finalmente reveló el día en que la octava entrega de esta producción llegará a la pantalla.


POR Jonathan Matamoros  



Mira el primer adelanto de la última temporada de ‘Game of Thrones’

El día de ayer, entre la transmisión de los dos primeros episodios de la tercera temporada de True Detective, HBO proyecto el primer adelanto oficial de la última y muy esperada entrega de Game of Thrones. La cadena televisiva también reveló que la octava temporada tendrá su estreno el 14 de abril de este año. 

El video parece ser una secuencia grabada especialmente para funcionar como teaser, más que ser una parte de la siguiente temporada como tal. En ella podemos ver a Jon (Kit Harington) , Arya (Maisie Williams) y Sansa (Sophie Turner) caminando por las criptas de Invernalia, donde se encuentran con unas estatuas de ellos mismos, similares a las de Ned y Catelyn. Mientras los tres hermanos admiran con sorpresa las estatuas, se anuncia la llegada de los caminantes blancos y Jon y Aryan desenfundan sus espadas. 

Este adelanto sucede a un pequeño clip que se dio a conocer a inicios de este mes y que formó parte de la promoción de HBO para 2019, donde podíamos ver a Sansa decir “Winterfell es suyo, su majestad” a Daenerys. 

La octava temporada sólo tendrá seis episodios en total, pero cada uno será tratado como una minipelícula. David Benioff y D.B. Weiss, los productores ejecutivos, aseguraron que esta temporada supera cualquiera cosa que hayan hecho antes.  Weis mecionó también que “la historia ya no se trata sobre quiénes son los padres de Jon, sino de lo que sucede cuando él se entera”. 

Los fanáticos de Game of Thrones podrán disfrutar del spin-off que prepara HBO el siguiente año. Naomi Watts será quien lidere esta producción en la pantalla, la cual se desarrollará miles de años antes de los hechos ocurridos en Game of Thrones y se encargará de hablar sobre el origen de  los caminantes blancos y las casas nobles de Westeros, entre muchas otras cosas. 

Mira el primer adelanto de la próxima temporada de Game of Thrones:


50 años del álbum debut de Led Zeppelin, la obra de blues que definió al rock


Con su álbum debut, la banda creó una obra con la que el rock salió de su etapa psicodélica para ver la madurez.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: cortesía Atlantic Records / Warner Music

50 años del álbum debut de Led Zeppelin, la obra de blues que definió al rock

Hace cinco décadas, el mundo vio nacer una obra musical que se inscribió en la historia como uno de los testamentos más fieles del rock: el álbum debut de Led Zeppelin.

Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham, que hacia finales de los años sesenta apenas eran conocidos por su trabajo como músicos de sesión y una breve estancia en bandas que hacían homenaje a la música estadounidense, reinventaron la forma de interpretar el blues en un disco de 9 tracks.

Page, que en un principio solo quería rescatar a The Yardbirds –agrupación de la invasión británica por la que pasaron otros amantes del blues como Eric Clapton y Jeff Beck–, encontró el virtuosismo necesario en los otros tres músicos para convertirse en algo más que una simple banda británica que imitaba a los estadounidenses.

Inspirados en personajes como Willie Dixon, Muddy Waters y el folk de Joan Baez, la banda emergió de lo desconocido encontrando una fórmula única por medio de la improvisación. En los ensayos que originalmente se estaban llevando a cabo para resucitar el proyecto con el nombre de The New Yardbirds, Page y Plant dieron prioridad a crear canciones de su autoría como “Good Times Bad Times” y “Communication Breakdown”, los primeros sencillos comerciales. 

Después de unos meses de gira por territorio escandinavo, Peter Grant, manager contratado por Page para realizar la misma, vio un talento inimitable en los músicos y, sin tener un contrato firmado con algún sello discográfico, pagó para que la banda grabara su primer álbum. En tan solo 36 horas y con 2 mil libras esterlinas de presupuesto, los cuatro músicos grabaron el disco en los estudios Olympic con el mote de Led Zeppelin, nombre que surgió de una broma de Keith Moon (baterista de The Who), quien dijo que el grupo era tan malo que “podía descender como un globo de plomo”.

En cada uno de los temas, que oscilan entre canciones originales y covers, se muestra el talento de cada uno de los músicos; Bonham hace historia con su doble bombo en “Good Times Bad Times”; John Paul Jones hace lo propio con el bajo en la oscura “Dazed And Confused” y Robert Plant deja un legado imborrable en canciones “You Shook Me” y “I Can’t Quit You Babe” de Willie Dixon, donde las tonalidades altas de su voz apenas son superadas por otros grandes cantantes en la historia del rock como Freddie Mercury.

Los cuatro músicos no eran los primeros en interpretar el blues de una forma distintiva. The Rolling Stones, de hecho, debutaron haciendo covers de artistas como Muddy Waters, pero las cualidades que Zeppelin reflejó en su primer álbum fueron únicas.

Su capacidad interpretativa en vivo fue trasladada al álbum, desde lo experimental de tocar la guitarra con un arco de violín hasta improvisar solos extensos en cada uno de los instrumentos. Además, las técnicas de producción implementadas por Page alejando los amplificadores de los micrófonos para conseguir el sonido de reverberación que sería usado más tarde por bandas como Black Sabbath.

Led Zeppelin I llegó en 1969, un año que vería florecer algunos de los momentos más emblemáticos del rock como Woodstock o la presentación de The Rolling Stones en Altamont.

Con su álbum debut, la banda creó una obra con la que el rock salió de su etapa psicodélica para ver la madurez, inspirando los sonidos que llegarían en los años setenta como el punk, el heavy metal y el hard rock.


Led Zeppelin: 50 años y la canción sigue siendo la misma


38 años después de su separación, el grupo liderado por Jimmy Page y Robert Plant no deja de aparecerse en el inconsciente colectivo del rock.


POR Staff Rolling Stone  



Foto: Jim Summaria

Led Zeppelin: 50 años y la canción sigue siendo la misma

Por Alain Gouvrion

El 7 de septiembre de 1968, el modesto Teen Club de la Egegård School en Gladsaxe –una ciudad en las afueras de Copenhague, Dinamarca– sin saberlo, se estaría preparando para abrirse camino en la historia del rock. Como cada sábado en ese periodo del año, se daba un concierto y los organizadores estaban muy orgullosos, aquella semana, de haber logrado llevar a su escuela a los legendarios The Yardbirds… incluso si el grupo británico ya estaba un poco en declive.

Sin embargo, al comienzo de la tarde, los miembros del club tuvieron dificultades para ocultar su desconcierto a la vista de los músicos que instalaban su equipo en el recinto. De la formación de los héroes de la guitarra, Eric Clapton y Jeff Beck al frente, sólo quedaba el último en llegar, Jimmy Page, que entró ahí con tres nuevos reclutas totalmente desconocidos para el batallón: un cantante de melena rubia llamado Robert Plant, un bajista acostumbrado (como Page) a los estudios de grabación en Londres, John Paul Jones, y un baterista con bigote que todos insistían en llamar “Bonzo”.

Ante las preocupaciones, el gerente, un gigante con apariencia poco atrayente, se sintió obligado a explicar que, contrario a lo que estaba escrito en el cartel y en el programa, aquella era la nueva agrupación que tocaba bajo el nombre de The New Yardbirds. El resto
se perdió en el estruendo de los decibeles que salió de los amplificadores. Los cuatro ingleses dejaron a todo el mundo estupefacto. En la edición de octubre de Teen Club Nyt –la revista oficial de los miembros del club–, un tal Bent Larsen ofreció una reseña extática del concierto: “La banda inglesa The Yardbirds pasó gran parte de la tarde ensayando su nuevo set. Entonces cuando [los cuatro] entraron a la escena, ya estaban listos para empezar y darlo todo”. Después de elogiar la actuación de Jimmy Page, cuyos solos de guitarra fueron aplaudidos con fervor, Larsen terminó su artículo con la nota: “Podemos concluir que The New Yardbirds es al menos tan buena como la anterior”.

“Lo que sucedió”, recuerda Jorgen Angel, quien inmortalizó el concierto con la cámara de su madre, “es que el Teen Club en Gladsaxe había contratado a The Yardbirds unos meses antes. Pero The Yardbirds se separó y Peter Grant (su representante) y Jimmy Page vinieron con otros músicos para honrar su compromiso”. El método era ciertamente poco ortodoxo, incluso un poco dudoso, pero evitó cancelar los conciertos planeados en Escandinavia mientras Jimmy Page evaluaba lo que consideraba como su nuevo grupo. En realidad, los mil 200 jóvenes daneses presentes aquel día en Egegård School fueron a ver el primer concierto de Led Zeppelin.

Si bien el setlist de este primer histórico concierto nunca se podrá conocer con certeza, sabemos que consistía en gran parte de piezas que generalmente The Yardbirds tocaba en el escenario y que habían sido preparadas rápidamente unos días antes durante el primer ensayo –descrito como “magia” por John Paul Jones– en un estudio de Soho. El repertorio de los cuatro músicos incluyó títulos como “White Summer”, “You Shook Me”, “Dazed and Confused” e incluso “Train Kept A-Rollin'”. Tres meses después, Jimmy Page dijo en una entrevista: “Estábamos realmente asustados porque sólo habíamos tenido unas 15 horas para ensayar juntos. Era una especie de concierto experimental para ver si éramos lo suficientemente buenos, supongo”. Aparentemente, lo fueron.

Del 7 al 28 de septiembre, The Yardbirds completó su gira por Dinamarca y Suecia antes de regresar a Inglaterra, donde, después de cambiar su nombre por sugerencia de Keith Moon, fue inmediatamente al estudio para grabar su primer álbum “en 36 horas”, dice Jimmy Page (“Lo sé porque pagué la factura”, agrega). Lo que Led Zeppelin produciría en Olympic Studios de Barnes durante aquella sesión, esa mezcla explosiva de azules encantadores, trascendidos por la voz aullante de Robert Plant, las guitarras abrasivas de Jimmy Page y la potencia de fuego de la sección rítmica formada por John Paul Jones y John Bonham, fue simplemente un milagro. “Good Times Bad Times”, “Dazed and Confused” y “Communication Breakdown”, para los fieles, estos son los cimientos de la nueva biblia del rock & roll. Y algunos, evidentemente, todavía no lo han superado.

Medio siglo más tarde, mientras estaba de gira con The Sensational Space Shifters, Robert Plant fue abordado por un equipo de televisión cuando llegó a la ceremonia de los Silver Cleft Awards en Londres. Aparentemente, los apostadores decidieron que Led Zeppelin era el favorito para ser el acto principal en el festival Glastonbury 2019. Desde entonces, Plant sabe que no puede escapar a la pregunta ritual, la que espera y teme cada vez que se encuentra frente a un periodista. Ya ha respondido cientos de veces, a menudo con humor, a veces con molestia. Pero la gente no parece querer escuchar. Entonces, ¿esta reunión? Consciente de que estaba siendo filmado, Plant replicó en un tono casual: “El único lugar donde podríamos estar juntos (los tres), sería en un puesto de papas fritas en Camden Town. Creo que es lo más cercano que podemos hacer”. Y entonces, ¿la historia de Glastonbury? “Nadie necesita ser forzado. O quieres hacer algo o no quieres hacerlo. Puedes o no puedes”.

Recurrentes desde hace años, los rumores de la reunión del grupo para un concierto se reanudaron nuevamente en mayo, cuando Page, Plant y Jones se encontraron posando juntos con motivo de la presentación de Led Zeppelin by Led Zeppelin, un opulento libro lleno de fotos –a menudo extrañas y para las cuales abrieron sus archivos sin restricciones– que se lanza este mes con Reel Art Press.

En el proceso, algunos tabloides como The Sun, los cuales no son conocidos por la fiabilidad de sus noticias, no tardaron en afirmar que habían tenido lugar conversaciones secretas entre los tres músicos para “un evento excepcional” que llegaría antes de fin de año. “Sin embargo, me han dicho que un concierto de reencuentro y un nuevo álbum han sido descartados”, afirmó el periodista de The Sun, Dan Wooton, quien admitió que Plant siempre ha sido hostil con la idea (“hasta el punto de haber rechazado una oferta de 100 millones de dólares”, se especifica); y esto, a pesar de las reiteradas solicitudes de sus excompañeros. Con el tiempo, el cantante ha invocado varias razones, en su mayoría artísticas o filosóficas, para no hacerlo. Pero los fanáticos, por alguna oscura razón, todavía se niegan a creerlo. Al igual que las personas en la década de los setenta con The Beatles, ellos quieren a toda costa que “su” Led Zep vuelva al ring para un último combate de honor. Entonces, si The Sun o Metro les ofrece una nueva esperanza, ¿por qué no?

Por supuesto, tenemos derecho a preguntarnos sobre la locura insensata que continúa despertando una banda que, al final, sólo tuvo 12 años de carrera y se separó –con gran dignidad– en 1980 al día siguiente de la muerte de John Bonham y cuyo último concierto –en honor al cofundador de su sello Atlantic, Ahment Ertegun– fue en 2007. La nostalgia no lo explica todo. Es cierto que Led Zeppelin es, junto con Pink Floyd, una de las pocas grandes bandas de los años sesenta/setenta que no han sucumbido ante las giras de reunión –o las maravillosas ofertas de los promotores. Pero esto no basta para explicar la locura de las redes sociales –y a veces también, por desgracia, la imaginación de los periodistas– a la menor declaración.

El legado musical que Led Zeppelin ha dejado es obviamente impresionante. Más allá de los históricos éxitos mundiales y los riffs de guitarra de Page, los cuatro músicos han explorado, a lo largo de sus álbumes, territorios sonoros de una riqueza increíble, yendo desde el blues hasta el hard rock, folk, soul, rock & roll y música tradicional de África o India. Impulsado por el talentoso y subestimado arreglista John Paul Jones, el encuentro entre el exguitarrista de sesión más exitoso de Swinging London y el cantante que sobrevivió lo mejor que pudo en Band of Joy, fue tan asombroso como fructífero. “Robert es una enciclopedia musical ambulante”, dice Phil Carson, el jefe de Atlantic Records en Inglaterra. “Sabe más sobre blues y las raíces del rock & roll que John Paul y al menos tanto como Jimmy, así que cuando se trataba de trabajar con música, lo hacía por la cultura”. Pero para Robert Plant: “Son los riffs de Jimmy los que electrificaron a todos. Su habilidad para transformar elementos pequeños en grandes movimientos sinfónicos era asombrosa”.

El papel de Peter Grant también sería decisivo. Desde finales de 1968, envió a su grupo a conquistar América, siguiendo la misma estrategia de Cream unos meses atrás. A pesar de las odiosas críticas de la prensa en Estados Unidos, el éxito fue devastador. El lado profundamente sexual de su música y sus palabras a menudo “prestadas” del blues (“squeeze my lemon till the juice runs down my legs”) tomaron una dimensión absolutamente sobrenatural en los conciertos. Nadie pudo resistirlos. El roadie Joe “Jammer” Wright, también guitarrista de blues, encontró la fórmula perfecta: “Led Zeppelin es como un tren de mercancía bajo esteroides, una enorme máquina que te atacó”.

Aunque sus álbumes de estudio constituyen ciertamente la parte más apasionante de su odisea musical, es el escenario donde los cuatro músicos de Led Zeppelin forjaron su leyenda, despegaron hacia los lugares más altos. Peter Grant decidió que la banda no aparecería en la televisión: “Si la gente quiere ver a Led Zeppelin, que vengan a los conciertos”. Fue Grant nuevamente quien impondría un porcentaje implacable a los organizadores de la gira estadounidense –90% para el grupo, 10% para ellos, y solían guardar el 40% de sus ingresos. Sus brutales métodos, algunos los llaman de gangster, cambiaron todos los códigos de la industria. “Para Grant, fue ‘la banda y yo’ contra el resto del mundo”, relató Ed Bicknell, el exrepresentante de Dire Straits, quien fue uno de sus amigos cercanos.

Incluso más que el famoso coronel Parker con Elvis, el exluchador de imponente estatura (1.98 metros y 140 kilogramos) que, anteriormente enfurecía en el ring bajo el pintoresco seudónimo de Su Majestad el Conde Bruno Alassio de Milán, vigilaba celosamente a la banda, día y noche. Y especialmente a Jimmy Page, músico talentoso pero frágil, a quien se consagró en cuerpo y alma, convencido de su genialidad desde el inicio. Durante las implacables giras de Led Zeppelin por todo el país a principios de los años setenta, mantuvo a los periodistas estadounidenses fuera del camino, contando el dinero que llegaba, negándose a publicar sus canciones como sencillos –al menos hasta “Whole Lotta Love”– y dejando que la banda se volviera loca de la forma más extravagante posible, consciente de que este comportamiento escandaloso sólo amplificaría su éxito y, por lo tanto, las ventas de entradas de conciertos.

Según Ahmet Ertegun, otra figura importante en la saga de Led Zeppelin: “Peter los rodeó con un velo de misterio. Se convirtieron en la banda más inaccesible en la historia del rock. La música y las grabaciones siempre mejoraron, las canciones fueron aún más exitosas, las historias de sus hazañas de gira se volvían cada vez más delirantes. Crearon no sólo la música rock & roll de su época, sino también un estilo de vida de rock & roll y su misterio se convirtió en una leyenda”.

Esta forma de vida de rock & roll es, sin duda, para muchos el misticismo que aún rodea a Led Zeppelin, 50 años después. Drogas, groupies, prostitutas, noches salvajes, jets privados, alcohol… Page, Plant, Bonham y Jones elevaron esto al rango del arte, incluso si la competencia era difícil en ese entonces, ya sea del lado de The Rolling Stones, aquellos rivales de los que eran eternamente celosos, o lo que muchos desconocen, The Eagles, el grupo más depravado de la escena country rock de California.

En Los Ángeles, que se había convertido en cierto modo en su segundo hogar, todo el mundo hablaba sobre la magia negra de Jimmy Page o el famoso estuche con látigos y otros accesorios que le gustaba usar con las chicas. Todas las groupies estaban locas por él, empezando por la famosa Pamela Des Barres o Lori Mattix, que tenía sólo 14 años cuando se convirtió en su “novia”.

Los otros tres no se quedaban atrás. Para Led Zeppelin, Los Ángeles fue sinónimo de la decadencia total. Había alcohol a mares. Había drogas por todas partes. Todos los excesos estaban permitidos. Su vida de libertinaje nutrió toda una mitología, a veces oscureciendo la audacia extrema de sus álbumes, pero no importaba, porque esta aura que los rodeaba valía todas las críticas favorables del mundo. Para cualquier chico que vivía en algún pueblo de EEUU, en el cambio de 1972 a 1973, Jimmy Page y Robert Plant encarnaban el máximo de genialidad y asistir un día a un concierto de Led Zeppelin era una especie de sueño supremo. Algo parecido a la búsqueda del Santo Grial.

Probablemente no fue una coincidencia que Jimmy Page hubiera elegido cerrar la ola masiva de reediciones deluxe de Led Zeppelin con el culto The Song Remains The Same, que fue el primer lanzamiento en vivo de la banda en 1976, para acompañar el lanzamiento de la película del mismo nombre. Filmado tres años atrás, este objeto presentaba una mezcla bastante surrealista de imágenes granuladas de músicos de gira, extractos de los últimos tres conciertos de la gira de 1973 del Madison Square Garden en Nueva York, y secuencias “oníricas”, bastante individuales, presentando a los miembros del grupo y también a Peter Grant –quien previamente había tenido la esperanza de convertirse en actor– en un improbable rol de mafioso que se deshace de los “piratas de discos” con pólvora, a bordo de su brillante Pierce Arrow de 1928.

Bajo la dirección del estadounidense Joe Massot –que en aquel entonces tenía como único título de gloria el haber realizado Wonderwall, una película psicodélica con Jane Birkin y de la cual George Harrison compuso la banda sonora–, The Song Remains The Same fracasó, en parte, debido a la tardía luz verde de Grant. Convocado para filmar los conciertos de Madison Square Garden, Massot cometió un error fatal. Además de pedir a los músicos que usaran el mismo atuendo todas las noches –algo que John Paul Jones olvidaría eventualmente– decidió usar cámaras de 35 milímetros con cintas de 122 metros que sólo pueden grabar durante tres minutos y medio, lo cual es bastante complicado cuando se trata de un grupo que toca canciones que a veces se extienden hasta más de 20 minutos. El resultado fue catastrófico. Nada estaba bien, ninguna pieza filmada en su totalidad. “Grabaron tres noches en Madison Square Garden y se las arreglaron para no tener una sola toma completa de ‘Whole Lotta Love’”, explicó Peter Grant, lo que eventualmente convertiría a Massot en un fracaso después de la desastrosa proyección de una primera versión de la película.

Fue reemplazado por el australiano Peter Clifton, quien, durante el verano de 1974, se vio obligado a tapar los agujeros que dejó su desafortunado predecesor, y convocó al grupo para filmar los planos que se realizaron en Madison Square Garden en Shepperton Studios, la joya del cine británico en Middlesex, donde Stanley Kubrick filmó Dr. Strangelove y 2001: Odisea del espacio. Clifton incorporaría las imágenes de este concierto falso en el gigantesco mosaico de secuencias que le tomó casi dos años y medio montar, mientras vivía los cambios de humor, caprichos y paranoia de los músicos y su séquito. “Jimmy Page ni siquiera se había dado cuenta de que usamos unas 18 tomas diferentes en ‘Dazed and Confused’”, dijo Clifton, quien terminó la aventura con un mal sabor de boca.

Llegó a las pantallas en los primeros días de la oleada punk que castigaba a las estrellas de rock ricas como Led Zeppelin y fue literalmente masacrada por la crítica (Mick Farren de NME lo llamó “el colmo de lo absurdo”), The Song Remains The Same no fue menos exitosa con el público. Pensemos en los disturbios cerca de Cinema 1 en Nueva York, el 19 de octubre de 1976, la noche de la premier. La prueba de que, aunque sí los hay, el fanático del rock no siempre es un gran cinéfilo. Lo que Grant una vez llamó “la película amateur más cara del mundo” recaudó más de $10 millones de dólares en 1977, con una inversión inicial de $450 mil dólares. Para disgusto de Johnny Rotten y sus colegas.

En una de las muchas variaciones de la reedición de The Song Remains The Same en 2018, el principal archivista de Led Zeppelin, Jimmy Page, optó por incluir la película calificada como “un montón de tonterías” por Robert Plant, quien, años más tarde, se burlaría de la “secuencia fantasmagórica medieval” en la que aparece. Sin embargo, es el impacto inicial causado por la banda sonora lo que se siente como un replay de su extravagante vida, meticulosamente remasterizada por el maestro. Un verdadero tornado sónico que va desde la primera canción, “Rock’n’Roll”, pulsado por la batería de Bonham, encendido por los riffs distorsionados de Page y trascendido por los fuegos emitidos de un impresionante Plant revoloteando en los agudos.

Al terminar la gira de 1973, que fue aún más alocada que las anteriores, Page, al igual que los otros tres, se encontraba al final del camino, hundido en la cocaína –hasta el punto de preocupar a los demás– incluso antes de subir al escenario. “Cuando volví de la gira, ni siquiera sabía quién era, ni siquiera sabía a dónde iba”, recuerda. “Terminamos en Nueva York y lo único a lo que podía aferrarme era a mi instrumento en el escenario… Estaba completamente en las nubes”.

Drogado hasta los huesos, el guitarrista usó sus últimas fuerzas en la batalla. “Black Dog”, “Since I’ve Been Loving You”, “No Quarter”, “Stairway to Heaven” y, por supuesto, “Whole Lotta Love” colisionaron como en un sueño polvoriento. Y luego, la fantástica “Dazed and Confused”, que en ese momento era la pieza central de los conciertos de Led Zeppelin. Un diluvio de electricidad, que se extendía por casi 30 minutos, pretexto para las digresiones psicodélicas de sus protagonistas: Page hacía surgir sonidos espaciales acariciando las cuerdas de su Gibson con su famoso arco y uniendo los coros “ácidos”, exponiendo toda la paleta de su prodigioso virtuosismo; Jones y Bonham improvisaban sin límite mientras Plant lanzaba sus lamentos sobre el viejo bluesman que viene de las profundidades del delta del Mississippi.

Todo esto pertenece al pasado ahora y los tres músicos lo saben. Sin embargo, algo en estas playas, seguramente explica por qué este buen viejo Zeppelin nunca se detiene en el limbo de nuestra imaginación. El eterno misterio. Es en parte gracias a que los fanáticos del grupo de Jimmy Page permanecen, por su misma esencia, insaciables: el lanzamiento de una autobiografía ilustrada y un concierto en vivo, tan monumental como ese, no logra disuadirlos de esperar el anuncio de un “evento” en el momento álgido de la celebración de este 50 aniversario con el aire de una última oportunidad. Se habla aquí y allá de un concierto que reunirá algunos invitados rindiendo tributo al repertorio de la banda y en el que Page, Plant y Jones participarían, de una forma u otra. ¿Pura fantasía? Algunos no dejaron de notar que la agenda de Robert Plant, que regularmente incluye “Whole Lotta Love” y “The Rain Song” con The Sensational Space Shifters, se llenó hasta el 26 de octubre, fecha del último concierto de su gira en O2 Arena en Londres, con Van Morrison como invitado. Sí, ¿pero después?


Escucha “Ill Wind”, lado b de Radiohead


Esta canción apareció originalmente en el lanzamiento en vinilo de ‘A Moon Shaped Pool’.




Foto: Facebook de Radiohead

Escucha “Ill Wind”, lado b de Radiohead

Radiohead publicó en plataformas digitales el tema “Ill Wind”. La canción apareció por primera vez como parte del lanzamiento en vinilo de A Moon Shaped Pool en un CD especial que también incluía “Spectre”, el track que la banda compuso para la más reciente película de James Bond pero que fue rechazado por los productores de la cinta.

Escucha aquí “Ill Wind”:

El más reciente lanzamiento de Radiohead fue OKNOTOK, la edición conmemorativa por el 20 aniversario de OK Computer. Esta versión también incluía rarezas como la versión de estudio de “Lift”.

Hace unas semanas, la banda fue elegida como parte de la clase que ingresará en 2019 al Salón de la Fama del Rock & Roll. En una entrevista para Variety, Thom Yorke mencionó que no asistirá a la ceremonia debido a un conflicto y declaró que los miembros de Radiohead “realmente no entienden al Salón de la Fama del Rock & Roll como personas inglesas”.


Escucha el cover que Muse hizo a “Hungry Like the Wolf” de Duran Duran


El colectivo liderado por Matt Bellamy también planea lanzar una caja recopilatoria de sus primeros álbumes.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Jeff Forney

Escucha el cover que Muse hizo a “Hungry Like the Wolf” de Duran Duran

Muse ha lanzado la versión de estudio del cover que realizaron a “Hungry Like the Wolf” de Duran Duran como parte de la serie Spotify Singles, acompañado de una versión en vivo de su sencillo “Pressure”.

“Hungry Like the Wolf” fue originalmente lanzada en 1982 por el colectivo inglés de synth pop como el quinto sencillo de su segundo álbum, Rio. Hace unos meses, el grupo liderado por Matt Bellamy interpretó este tema en Taratata, un show musical francés, como parte de las actividades promocionales de su más reciente producción discográfica, Simulation Theory.

El octavo LP del colectivo británico tuvo su estreno el pasado 9 de noviembre, meses después de que compartieran varios temas que terminaron por formar parte del disco, el cual logró ingresar al Top 10 de lo más vendido en varios países.

El próximo 22 de febrero dará inicio el Simulation Theory Tour en Houston, extendiéndose por varias ciudades de Estados Unidos y Canadá hasta el 12 de abril. Muse visitará distintos países de Europa en la segunda parte de esta gira.

Durante una reciente entrevista con iHeart Radio, Dom Howard (baterista) habló sobre sus planes de permanecer juntos como banda por muchos años y dijo sentirse inspirado por grupos como The Cure, U2 y The Rolling Stones.

También confirmó los planes de Muse de lanzar una caja recopilatoria que incluya sus primeros álbumes en los próximos meses: “Estamos trabajando en un paquete que queremos lanzar con versiones remasterizadas de los dos primeros álbumes”, dijo Howard. “También estamos trabajando en este libro que tiene fotos realmente antiguas y una historia de cómo surgió la banda y cómo llegamos musicalmente a Showbiz y la transición hacia Origin of Symmetry“.

Escucha el cover que Muse hizo a “Hungry Like the Wolf” de Duran Duran:


Un documental sobre Michael Jackson y el supuesto abuso sexual a menores se estrenará en Sundance


Esta producción se centrará en contar la historia de dos hombres que aseguran haber sufrido abuso por parte del cantante en los noventa.


POR Jonathan Matamoros  



Un documental sobre Michael Jackson y el supuesto abuso sexual a menores se estrenará en Sundance

Un documental de dos partes acerca de la vida de dos niños (ahora adultos) que acusaron a Michael Jackson de haber abusado sexualmente de ellos ha sido añadido a la cartelera del Festival de Cine de Sundance, donde tendrá su estreno mundial. 

Esta producción llevará por nombre Leaving Neverland y fue realizada por el productor y director Dan Reed (The Paedophile HunterThree Days of Terror: The Charlie Hebdo Attacks).

El documental se centrará en contar la historia de dos niños, de 7 y 10 años, quienes aseguran haber sido abusados sexualmente por Michael Jackson durante el punto más alto de su carrera en la década de los noventa. La identidad de estas personas, que ahora rondan los 30 años, no ha sido revelada. 

Entre los dos episodios, el documental tendrá una duración total de 233 minutos y será proyectado por primera vez el próximo 25 de enero en el Egyptian Theatre de Utah. 

En 2005, Michael Jackson fue absuelto de los cargos por abuso sexual de menores después de un juicio.


Billie Eilish lanza una canción inspirada en ‘Roma’


Este tema formará parte de una colección de piezas musicales inspiradas en la cinta de Alfonso Cuarón.


POR Jonathan Matamoros  



Fotos: Netflix / Universal Music

Billie Eilish lanza una canción inspirada en ‘Roma’

Billie Eilish compartió una nueva canción titulada “When I Was Older”. Este tema está inspirado en Roma, la más reciente película de Alfonso Cuarón que el pasado fin de semana obtuvo el premio como Mejor Película Extranjera en los Globos de Oro.

Esta canción formará parte de una colección de pistas inspiradas por la cinta, las cuales fueron curadas por el propio Cuarón. El título del track fue extraído de una parte del dialogo de Roma que es dicho por Pepe (Marco Graf): “cuando era mayor solía ser marinero, pero me ahogué en una tormenta”.

“When I Was Older” fue escrita por Billie en colaboración con su hermano Finneas O’Connell después de ver Roma. “Cuando estábamos componiendo la canción, queríamos escribir desde la narrativa de la película y las escenas que más nos impactaron de ella”, comentan los hermanos en un comunicado. “El tener acceso a los sonidos que usaron para el filme resultó ser invaluable para que lográramos transmitir el sentimiento que teníamos en mente. Algunas líneas como ‘memories burn like a forest fire’ están acompañadas por los sonidos de los árboles que se queman afuera de la casa”.

“El coro tiene el sonido del océano. También pudimos tomar algunos gritos de la protesta de estudiantes y ladridos de Borras, los cuales transformamos en elementos de percusión que nos ayudaron a guiar la canción. Nada de este canción existiría sin la película, y eso es exactamente lo que amamos de ella”, concluyeron.

Cuarón dedicó un mensaje a la cantante en Twitter: “Muchísimas gracias Billie Eilish, tu canción es conmovedora y hermosa”.

Music Inspired by Roma será el nombre del álbum que reunirá una colección de temas escogidos por Alfonso Cuarón. Este material se lanzará más tarde este año. Escucha “When I Was Older”, la nueva canción de Billie Eilish:


Celebrarán el 50 aniversario de Woodstock con una nueva edición


Se espera que algunos actos que se presentaron en el festival de 1969 participen en este nuevo evento.


POR Jonathan Matamoros  



Celebrarán el 50 aniversario de Woodstock con una nueva edición

Después de muchas especulaciones y rumores, Michael Lang, cocreador de Woodstock, finalmente confirmó a Rolling Stone que el próximo 16, 17 y 18 de agosto se llevará a cabo un evento especial para conmemorar el 50 aniversario del legendario festival que ocurrió durante tres días de agosto en 1969. Watkins Glen, Nueva York ha sido el lugar elegido para recibir a todos aquellos que quieran celebrar este acontecimiento. 

Los organizadores aún no han confirmado a ninguno de los actos que formarán parte de Woodstock 2019, pero Lang aseguró que han conseguido a más de 40 grupos que se estarán presentando en tres escenarios. “Será un cartel ecléctico. Habrá hip hop, rock, algo de pop y algunas bandas legendarias que participaron en el festival original”, añadió.

Se espera que agrupaciones de la nueva generación realicen tributos a figuras que formaron parte del Woodstock de 1969 como Janis Joplin, Jefferson Airplane y Joe Cocker, entre otros. “Tener a artistas contemporáneos interpretando esa música es una idea muy interesante y emocionante. También estamos buscando colaboraciones únicas, quizá algunas reuniones y mucho talento nuevo”, dijo Michael. Y añadió que no sólo se centrarán en el público joven, por lo que buscarán que sea un evento multigeneracional.

Se han realizado varios festivales conmemorativos a lo largo de los años, siendo el más reciente el de 1999. Este tenía el propósito de festejar los 30 años del primer Woodstock y también fue organizado por Lang, pero los resultados fueron catastróficos. Una onda de calor, la venta de agua potable en altos precios y terribles condiciones sanitarias provocaron que los asistentes se enfadaran y realizaran trifulcas, e incluso incendiaron una parte de la zona. También se reportaron algunos casos de abuso sexual. 

Al respecto, Lang dijo que Woodstock ’99 sólo fue un “evento de MTV” y “una experiencia musical sin significado social” y aseguró que este próximo festival será su antítesis. “Sólo fue una gran fiesta. Con este, volveremos a nuestras raíces y nuestro propósito original. Y esta vez tendremos control de todo”.

Encontrar un lugar que pueda albergar a un gran número de personas y permita tener condiciones favorables para que el evento se desarrolle sin contratiempos fue un gran reto para él. En el lugar donde originalmente se llevó a cabo Woodstock han construido un recinto para 15 mil personas, por lo que volverlo a realizar allí no fue una opción. “Estaba desesperado por mantenerlo en Nueva York. Busqué por todos lados porque necesitaba mil acres de campo con accesos e infraestructura. Francamente, nunca lo íbamos a encontrar”.

“Woodstock, en su encarnación original, era acerca de cambio social y activismo. Ese es un modelo que traeremos de vuelta al festival. Es una reunión para divertirse, para emocionarse, para crear experiencias y una comunidad, pero también es sobre inculcar una clase de energía en los jóvenes para hacer que sus voces sean escuchadas, que sus votos se tomen en cuenta”, mencionó Lang.

Más detalles sobre el festival, el lineup y los boletos serán revelados en febrero.

 


Los mejores solos de Jimmy Page


En su cumpleaños número 75, celebramos al fundador de Led Zeppelin con sus mejores solos.


POR Priscila Núñez  



Los mejores solos de Jimmy Page

Jimmy Page no es sólo uno de los grandes maestros de las seis cuerdas, también es uno de los innovadores de la guitarra que más han destacado.

Inició su carrera como músico de sesión participando en grabaciones de The Who, The Rolling Stones, Van Morrison, entre otros. Sintió desde muy pequeño el llamado musical cuando se encontró con su primer guitarra en la casa a la que se acababa de mudar en 1952. Fue casi como un acto de magia: el destino llamando a Page para que comenzara su formación autodidacta. Con el tiempo lograría cumplir su sueño de derribar barreras musicales.

A simple vista, su gloria radica principalmente en ser el fundador de Led Zeppelin, una de la fuerzas más poderosas del rock; pero lo cierto es que a lo largo de su carrera (que se ha expandido durante seis décadas), Jimmy Page ha llevado el arte de tocar la guitarra a un nivel completamente nuevo, no sólo como instrumento, sino como un traductor emocional que no necesariamente tiene que ser perfecto.

El músico nacido en Middlesex, Inglaterra, cumple hoy 75 años de edad y para celebrarlo hemos seleccionado sus diez mejores solos de guitarra:

10. “Communication Breakdown” – Led Zeppelin (1969)

El primer álbum de Zeppelin, estaba muy adelantado a su época. “Communication Breakdown” tiene la calidad que el punk rock trataría de replicar una década después. El solo es corto, pero mordaz.

9. “Midnight Moonlight” de The Firm- The Firm (1985)

La química entre Page y Paul Rodgers es evidente en este tema que incluye riffs de guitarra perfectamente imperfectos y un buen bajo complementario de parte de Tony Franklin.

8. “Black Mountain Side” – Led Zeppelin (1969)

No cabe duda de que Page es principalmente conocido por su manera de tocar enraizada en el blues, pero en el primer álbum de Led Zeppelin coquetea con el folk en “Black Mountain Side”, donde se nota la influencia del guitarrista Bert Jansch.

7. “Whole Lotta Love” – Led Zeppelin II (1969)

El tiempo no ha conseguido disminuir el asalto de adrenalina que se siente cuando el riff de la guitarra en “Whole Lotta Love” cobra fuerza y juega con la batería de Bonham.

6. “Think About It” de The Yardbirds – Little Games (1967)

Si el solo de guitarra en “Think About It” suena familiar es porque Page lo replanteó un año después al grabar “Dazed and Confused” con Led Zeppelin. Este solo de guitarra es probablemente el más sencillo de identificar dentro del catálogo de The Yardbirds.

5. “Black Dog” – Untitled (1971)

“Black Dog” es una canción complicada que se centra en un tortuoso riff y una dinámica que parece pregunta-respuesta entre los instrumentos y la parte vocal. El solo al final de la canción es magia improvisada por parte de Page. El resultado es un ejemplo de la manera en que el músico combina la integridad de una composición con jamming puro.

4. “Achilles Last Stand” – Presence (1976)

En este tema es evidente el interés que tenía Jimmy Page en buscar un sonido orquestral de guitarras, ya que sobrepuso una docena de ellas para hacer de los 10 minutos que dura la canción, algo épico. Page interpretó todas las guitarras en una sola sesión de grabación en Munich.

3. “Heartbreaker” – Led Zeppelin II (1969)

Con este tema del segundo álbum de Led Zeppelin, Page marcó el camino de todo guitarrista que aspira ser parte del género. Incluye un solo de guitarra que fue improvisado por el músico y grabado por separado de la canción original para después ser insertado a la mitad.

2. “Since I’ve Been Loving You” – Led Zeppelin III (1970)

Sin importar cuánto innovó Page, sus raíces siempre se encontrarán en el blues y “Since I’ve Been Loving You” es una muestra de su poder al improvisar en ese género. Drama, dinamismo y destreza son los ingredientes que utilizó para esta creación.

1. “Stairway to Heaven” – Untitled (1971)

“Stairway to Heaven” no sólo es el mejor solo de Jimmy Page, también es reconocido universalmente como uno de los mejores –incluso el mejor– solo de guitarra eléctrica en la historia del rock y continúa siendo insuperable. Este solo incorpora todo lo que hace a Page un músico inigualable, como su habilidad melódica para construir un ritmo que crece para terminar en una rápida ráfaga de notas que es indiscutiblemente una de las piedras angulares del rock moderno.

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Rami Malek dedica su Globo de Oro a Freddie Mercury


El actor angelino se llevó a casa el premio como Mejor Actor por su interpretación del líder de Queen en ‘Bohemian Rhapsody’.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: cortesía 20th Century Fox

Rami Malek dedica su Globo de Oro a Freddie Mercury

El pasado domingo se llevó a cabo la 76ª entrega de los Globos de Oro. Bohemian Rhapsody se coronó como la Mejor Película Dramática, venciendo a El infiltrado del KKKlanNace una estrellaPantera Negra El blues de Beale Street, donde participó Diego Luna.

Rami Malik fue uno de los grandes ganadores de la noche, llevándose a casa la estatuilla por Mejor Actor en la categoría de drama, superando a Badley Cooper (Nace una estrella) y Lucas Hedges (Boy Erased). El premio le fue entregado por Julianne Moore y John Clark. Rami nos platicó todos los detalles detrás de Bohemian Rhapsody, ingresa a este enlace para leer la entrevista.

“Me siento más que conmovido, mi corazón está por salirse de mi pecho. Es un profundo honor recibir este premio y es un privilegio el ser tomado en cuenta junto a tan extraordinarios actores”, dijo Rami al inicio de su discurso. Después agradeció a todo el equipo detrás de Bohemian Rhapsody, a su familia, amigos y productores. 

El actor angelino y de origen egipcio culminó su discurso agradeciendo a Brian May y Roger Taylor, quienes se encontraban dentro del recinto, y dedicó su premio a Freddie Mercury: “Gracias a ti, Brian May, y a ti, Roger Taylor, por asegurarse de que la autenticidad y la inclusión existan en la música, en el mundo y en todos nosotros. Gracias a Freddie Mercury por darme la alegría de mi vida. Te quiero, hombre hermoso. Esto es para, y por ti, hermoso”.

A diferencia de años anteriores, en esta ocasión no hubo alguna producción, ni de cine, ni de televisión, que se llevará a casa más de tres estatuillas, siendo Green Book: una amistad sin fronteras la máxima ganadora de la jornada. Ingresa aquí para conocer al resto de los ganadores.


Se lanzará una nueva caja recopilatoria de David Bowie con material inédito


Este set será lanzado para conmemorar el cincuenta aniversario de ‘Space Oddity’.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: cortesía de Decca Music

Se lanzará una nueva caja recopilatoria de David Bowie con material inédito

Una nueva caja recopilatoria de David Bowie está en camino. Este material será editado en vinilos de siete pulgadas e incluirá nueve demos inéditos. Este set llevará por nombre Spying Through a Keyhole y será lanzado en la próxima primavera para conmemorar el cincuenta aniversario del segundo álbum de David Bowie, que fue publicado en 1969. Originalmente este LP no se llamaba Space Oddity, durante los primeros meses de su publicación se conoció como David Bowie en el Reino Unido y como Man of Words/Man of Music en Estados Unidos.

Estos nueve demos fueron grabados durante las sesiones de estudio que Bowie realizó mientras creaba Space Oddity y estuvieron disponibles por un breve periodo en plataformas de streaming el pasado diciembre, sin embargo, esta será la primera ocasión en que estén disponibles en formato físico. 

Dentro de Spying Through a Keyhole también se podrán encontrar algunas versiones tempranas de temas de David Bowie, como “In the Heat of the Morning”, “London Bye, Ta-Ta”, “Mother Grey” y “Love All Around”, de la letra de esta última canción es de donde se desprende el título de esta nueva producción: “I see a pop tune spying through a keyhole from the other room” (veo una canción pop espiándome a través del ojo de la cerradura de la otra habitación). 

Otra de las grandes sorpresas de esta colección es la inclusión del que se cree que es el primer demo de “Space Oddity”, así como otras versiones iniciales de esta canción, las cuales fueron hechas en colaboración con John Hutchinson. En un comunicado que fue publicado en el sitio oficial del artista que el día de hoy hubiera cumplido 72 años, se indicó que la calidad del audio en algunas piezas no es la óptima, pero su importancia histórica y el hecho de que el mismo Bowie autorizó su lanzamiento, los hizo reconsiderar el incluirlas  en esta caja recopilatoria. 

Spying Through a Keyhole se une a la discografía de Bowie, la cual tuvo sus más recientes adiciones hace apenas unos meses atrás con el lanzamiento del set que el músico londinense realizó como headliner en Glastonbury 2000, así como el box set Loving the Alien (1983-1988), el cual se unió a Who Can I Be Now? (1976-1976) y A New Career in a New Town (1977-1982)

Este es la lista de canciones que formarán parte de Spying Through a Keyhole:

1. “Mother Grey” (demo)
2. “In The Heat Of The Morning” (demo)
3. “Goodbye 3d (Threepenny) Joe” (demo)
4. “Love All Around” (demo)
5. “London Bye, Ta-Ta” (demo)
6. “Angel, Angel, Grubby Face” (demo versión 1)
7. “Angel, Angel, Grubby Face” (demo versión 2)
8. “Space Oddity” (extracto del demo)
9. “Space Oddity” (demo – letra alternativa, con John Hutchinson)

El día de hoy también se lanzó una aplicación que permite explorar en formato de realidad aumentada una exposición que incluye capturas de algunos trajes, bocetos, manuscritos, notas, videos musicales, dibujos, fotografías y obras originales de David Bowie, incluyendo material nunca antes visto. El recorrido es narrado por Gary Oldman, quien era un amigo cercano del músico británico.