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20 canciones menospreciadas de John Lennon como solista


Presentamos una lista de canciones que merecen más reconocimiento.


POR Álvaro Tamés  



20 canciones menospreciadas de John Lennon como solista

Su carrera en solitario fue tan turbulenta y especial como sus años con The Beatles: un remolino de éxitos, aventuras y crisis emocionales. Presentamos veinte pistas de sus álbumes de estudio que merecen mayor reconocimiento.

Hold On” – John Lennon/Plastic Ono Band

Aunque juró alejarse del estilo de The Beatles en su debut como solista, Lennon utilizó su brillante trabajo con el cuarteto como un puente para confesarse abiertamente en este álbum.

Remember” – John Lennon/Plastic Ono Band

En esta canción, Lennon toma las memorias más tristes de su infancia, como el abandono de su padre y las sintetiza en una melodía acompañada de un piano parecido al de Little Richard y al fuerte ritmo de Ringo Starr.

Isolation” – John Lennon/Plastic Ono Band

Después de una terapia, John Lennon se vio envuelto en polémicas declaraciones acerca de su necesidad maternal, su fe y amor eterno por su esposa y compañera creativa Yoko Ono. “Isolation” es Lennon aterrado, confrontando su libertad postbeatle con inseguirdad y paranoia.

Crippled Inside” – Imagine

Lennon siguió al himno de paz de su segundo álbum con esta granada envuelta en ritmo rockabilly, acompañada de un saltarín solo de country proporciondo por la guitarra de su excompañero de banda, George Harrison.

It’s So Hard” – Imagine

Esta marcha funky es parecida a “Yer Blues” de los Beatles, pero Lennon buscó darle un giro al darle con un ritmo un poco más aplanado y acompañarla con el saxofón del legendario King Curtis.

I Don’t Wanna Be a Soldier, Mama, I Don’t Wanna Die” – Imagine

La colaboración con George Harrison y King Curtis pareciera no pertenecer a un álbum, si no a una declaración en una revista o un documental, pero el ritmo de los dos otros astros le dan vida y candor a este monólogo donde Lennon confiesa sus sentimientos acerca de la guerra.

Woman Is the Nigger of the World” – Sometime in New York City

Antes de que Patti Smith escribiera “Rock ‘n’ Roll Nigger” y los raperos negros se adueñaran del término racista como un significante de hermandad en el ghetto, Lennon se arriesgó con el coro de este manifiesto feminista escrito junto a Ono La cinta sería el primer sencillo del álbum “Sometime in New York City“.

New York City” – Sometime in New York City

Un alegre cambio a las rimas de protesta y rebeldía del álbum, “New York City” combina el boogie soleado de la autobiográfica “The Ballad of John and Yoko” de The Beatles con el entusiasmo y pasión de Lennon por su nueva casa.

Tight A$” – Mind Games

Para un disco que se elaboraría casi al par de la crisis personal más grande de Lennon -su separación de Ono y el llamado “fin de semana perdido”- Mind Games tiene unos sorpresivos toques de diversión ligera como esta alocada pieza country.

Aisumasen (I’m Sorry)” – Mind Games

Mucho de la carrera de solista de Lennon fue una retrospectiva de su relación con Ono -un ciclo constante de afecto, pasión, culpa y reconciliación- y muy seguido le escribía directamente a ella, como es el caso de esta emotiva canción, parcialmente interpretada en japonés.

Out the Blue” – Mind Games

Los primeros segundos -solo la voz de Lennon y la guitarra acústica – son como un respiro hondo con la dramática exhalación de ésta extraña balada. Era una canción para Yoko y la desesperación de Lennon por mantener su realción martital feliz era cada vez más palpable.

Scared” – Walls and Bridges

El doloroso exilio de Lennon por parte de Ono seguía en efecto cuando grabó esta auténtica reflexión acerca de cuán bajo había caído. Era como si hubiera tomado la ira R&B de “How Do You Sleep?” y la hubiese aplicado en sí mismo.

Bless You” – Walls and Bridges

En esta olvidada canción de Walls and Bridges, Lennon comparte su obstinada anticipación por regresar a casa.

Steel and Glass” – Walls and Bridges

Steel and Glass” no se trataba completamente de Allen Klein, el ejecutivo neoyorquino que se encargaba de la imagen pública de The Beatles, sino de el odio acumulado que sentía Lennon por los hombres de negocios y estafadores que se alimentaban de él y su viejo grupo desde sus días en el cuarteto de Liverpool.

Cleanup Time” – Double Fantasy

Esta juguetona canción describe su rutina diaria en sus años de amo de casa: “La reina está trabajando/contando el dinero/el rey en la cocina, haciendo pan y miel”.

I’m Losing You” – Double Fantasy

La vida doméstica no vino sin sus complicaciones: “Ni siquiera te puedo marcar por teléfono,” cantaba Lennon en sus preocupados blues escritos mientras vacacionaba con Sean en Bermuda y Ono se encontraba en Nueva York, atendiendo sus negocios.

Dear Yoko” – Double Fantasy

Lennon amaba cantar el nombre de su esposa. Lo diferente aquí es el efecto Buddy Holly que puso en su voz mientras interpretaba esta canción de amor -una alegre caminata acompañada del zumbido de guitarras – y la emoción que demuestra al pensar en el placer y seguridad que sentía al lado de su esposa.

Borrowed Time” – Milk and Honey

“No cambiaría ni un solo día o año,” cantaba Lennon en este outtake pop-reggae de sus sesiones para Double Fantasy, escrita en Bermuda por Lennon y con un título inpirado en “Hallelujah Time” de Bob Marley.

I’m Stepping Out” – Milk and Honey

Si bien Lennon nunca acabaría por completo esta canción, la actitud está ahí: el principio hablado, el tema de un esposo que quiere salir de su vida diaria y el punzante canto de Lennon, llegando hasta un falsete en el coro.

Grow Old With Me” – Milk and Honey

Esta canción era la mitad de un par de composiciones que Ono y Lennon escribieron durante el final de las sesiones para Double Fantasy, inspiradas por los poemas de Robert y Elizabeth Barret Browning. El poco tiempo que tuvieron para terminar el álbum forzó al matrimonio a quedarse con ambas para un disco más adelante, pero la muerte de Lennon se asguró de que el demo en cassette fuera la única versión de la canción que grabaría.


El legado de George Harrison a 17 años de su muerte


Recordamos al virtuoso músico con cinco grandes colaboraciones.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía Universal Music

El legado de George Harrison a 17 años de su muerte

George tiene un misterio dentro de sí el cual es inmenso. Lo más interesante de este misterio es ver cómo lo va revelando poco a poco. Abriéndose, creciendo, creando cosas maravillosas de la nada”, mencionó John Lennon en una entrevista en 1968 cuando se le preguntó sobre la personalidad de su excompañero de banda.

Cuando The Beatles comenzó a crear un nombre en su natal Inglaterra, George Harrison era el integrante con la personalidad más introvertida del grupo, característica con la que se le identificó el resto de su vida. Silencioso y misterioso, George se mostraba como un experimentado músico a pesar de su corta edad. Con el paso de los años y el éxito rotundo de la banda, Harrison logró acrecentar su talento y empezó a colaborar como cantautor junto a Paul McCartney y Lennon en sus proyectos en solitario.

Si bien sus explosiones de excelencia como cantautor aparecieron en los sesenta en canciones como “Here Comes the Sun”, “Something” y “While My Guitar Gently Weeps”, el talento del músico era innegable. Creando himnos atemporales que permanecen intactos en la memoria colectiva.

Lo cierto es que mientras Harrison formó parte de The Beatles, sus habilidades de composición se limitaron principalmente a proporcionar color para las composiciones de sus compañeros.

Su carrera en solitario revela las profundidades de su introspección y el alcance de su creatividad. Tras la separación de The Beatles, Harrison fue de los primeros en cosechar un éxito como solista. Su álbum en solitario, All Things Must Pass de 1970, es fácilmente su trabajo más elogiado. Su carrera incluye temas que rápidamente se volvieron éxitos como “My Sweet Lord”, “Got My Mind Set On You” y “Give Me Love (Give Me Peace on Earth)”.

Su música lo llevó inspirar a infinidad de artistas y a hacer colaboraciones con personalidades de la talla de Eric Clapton (uno de sus amigos más cercanos) y Bob Dylan. No obstante, a partir de mediados de los setenta, dejó de ser un personaje público y evitó el campo hasta su muerte a causa de cáncer el 29 de noviembre de 2001.

Hoy recordamos a George Harrison, ese chico introvertido que más tarde pareció ser el tesoro oculto más progresivo de una de las bandas más importantes de la historia. A continuación presentamos cinco grandes colaboraciones del virtuoso músico.

Theme For Something Really Important” – Duane Eddy.
Los dos guitarristas se unen para crear esta maravillosa canción del álbum homónimo de Duane Eddy de 1986. El dueto de guitarras enmarca el ritmo suave de la canción, el cual lo convierte en uno de los mejores temas de Eddy.

 

Roll Away the Stone” – Leon Russell
Esta canción incluida en el primer álbum en solitario de Russell contó no solo con Harrison en la guitarra, sino también con Ringo Starr en la batería, Bill Wyman en el bajo, Chris Stainton en los teclados y Eric Clapton en la guitarra.

 

Try Some, Buy Some” – Ronnie Spector
Este sencillo fue compuesto en su totalidad por Harrison, el cual después de debatir si debía o no contribuir en la parte musical finalmente se decidió por tocar la guitarra y grabar la versión de estudio.

 

King of Broken Hearts” –Ringo Starr
Harrison colaboró con su excompañero Ring Starr en su disco Vertical Man de 1998. Para este tema, George ejerce el papel de guitarrista principal.

Badge” – Cream
Harrison y Eric Clapton coescribieron este tema juntos. Tiempo después, la canción fue incluida en un disco de Cream, grupo liderado por Eric Clapton.


Coalición de artes: Cuando lo visual y lo sonoro se encuentran


Debido a la relevancia de las portadas de los LPs, el artista gráfico debe rescatar la esencia de un músico para plasmarla en una carátula. Aquí 10 portadas de discos que fueron ilustrados por artistas sobresalientes.


POR Andrea Calderón  



Imagen: Claudia Meza

Coalición de artes: Cuando lo visual y lo sonoro se encuentran

El éxito de una material discográfico depende de muchos aspectos más allá de la música, uno de ellos es la portada, su diseño puede llegar a tener tal popularidad que su impacto se mantiene en la memoria colectiva a través de los años. Debido a la relevancia de las portadas de los LPs, el artista gráfico debe rescatar la esencia de un músico para plasmarla en una carátula. Es así como ambos se unen para crear un diseño que resulta irrepetible y memorable. Aquí 10 portadas de discos que fueron ilustrados por artistas sobresalientes.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
The Beatles (1967)
Peter Blake y Jann Haworth

Era el 30 de marzo de 1967 y Paul McCartney, Ringo Starr, John Lennon y George Harrison se encontraban listos para realizar la portada de su próximo álbum. El cuarteto quería algo diferente y que pudiera expresar la evolución musical por la cual estaba atravesando como banda. Para simbolizarlo, quisieron crear una portada que pareciera su propio funeral, metaforizando la muerte del sonido inicial de The Beatles. Con bigotes largos y vestidos con coloridos trajes de sargentos, el grupo llamó a Michael Cooper para realizar la sesión fotográfica sin imaginarse que se convertiría en una de las carátulas más recordadas de todos los tiempos.

El diseño fue obra del artista Peter Blake, quien días antes recibió un boceto del arte que Paul McCartney había dibujado en una servilleta. Con la colaboración de su esposa Jann Haworth, la también artista pop, crearon el arte de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Esta portada del mítico grupo reúne a numerosas personalidades como Edgar Allan Poe, Marilyn Monroe, James Dean, Karl Marx y Bob Dylan. Su realización costó tres mil libras, una suma bastante alta para la época ya que en aquel entonces hacer una portada costaba tan sólo 50. El precio se excedió debido a que The Beatles tuvo que pagarle a las distintas personalidades que aparecían en el arte para poder utilizar su imagen. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band revolucionó la industria de los discos ya que fue el primer material de estudio en presentar letras impresas en su empaque.

Sticky Fingers
The Rolling Stones (1971)
Andy Warhol

En 1971, The Rolling Stones publicó Sticky Fingers, un disco que con el paso del tiempo se convertiría en uno de los más icónicos de la historia. Parte de este éxito se debe a su arte, el cual fue obra del artista plástico Andy Warhol.

Fue en 1969 cuando Mick Jagger escribió una carta a Warhol pidiéndole que creara una carátula para un nuevo LP. El estadounidense accedió e ilustró el disco creando una de las portadas discográficas más populares de la música. En ella se muestra la fotografía en blanco y negro de una cremallera (real, que al bajarla, mostraba la ropa interior) de un pantalón de mezclilla. Contrario a lo que varios creen, el hombre que aparece en la portada no es Mick Jagger, muchos creen que fue el actor Joe Dallesandro.

La portada fue censurada en España durante la dictadura de Franco y se cambió por una que presentaba unos dedos saliendo de una lata de mermelada. Sticky Fingers fue el primer álbum en contener el mítico logo que identifica a la banda, el cual fue realizado por Jagger y el diseñador John Pasche.

Think Tank
Blur (2003)
Banksy

En 2003, Blur contactó al artista de street art Banksy para crear la portada de Think Tank. Permaneciendo fiel a su estilo, el cual se caracteriza por retratar en su arte las consecuencias de la guerra, la desigualdad social y los prejuicios impuestos por la sociedad moderna, Banksy realizó un graffiti en blanco y negro para motivos del séptimo material discográfico del colectivo. En él se ilustra a una pareja que intenta besarse, mientras utilizan enormes cascos de buzo.

A pesar de que Banksy no se presta para crear arte comercial, tomó la decisión de aceptar la invitación de Blur porque se consideraba un gran admirador del grupo. “He hecho algunas cosas para pagar las cuentas y una de ellas fue el álbum de Blur. Era un buen disco e incluía bastante dinero como parte de la comisión”, mencionó. El folleto desplegable del álbum presenta el texto “Celebrity Harvest”, que era el nombre de una película propuesta para Gorillaz pero que fue rechazada. En 2007, la pieza original fue vendida en casi dos millones de pesos.

The Number of the Beast
Iron Maiden (1982)
Derek Riggs

La importancia del personaje de Eddie the Head en el diseño, es quizá tan grande como el impacto que tiene Iron Maiden en la historia de la música. Esta criatura zombi con melena blanca y siempre sonriendo de manera malévola, fue creación del artista visual Derek Riggs. El personaje ha protagonizado cada una de las carátulas de los discos y sencillos publicados por el colectivo desde los inicios del grupo y hasta 1992.

Uno de sus trazos más famosos y recordados es el que ilustra la portada de The Number of the Beast, el tercer álbum de estudio de Iron Maiden. El diseñador mencionó en una entrevista para Classic Rock en 2012 que en 1981, Rod Smallwood, el manager del grupo lo contactó para que creara la portada del sencillo “Purgatory” del álbum Killers (1981). La inspiración detrás del arte fue un cómic que Riggs solía leer de chico llamado Dr. Strange, en donde un villano gigante tenía colgado como marioneta al protagonista de la historia. Es así como Riggs trazó a Eddie controlando a Satanás, sobre un fondo inspirado en el arte cristiano medieval. El resultado fue tan bueno que el grupo decidió retener el dibujo y presentarlo como la portada oficial de su próximo álbum.

La controversia se generó después del lanzamiento cuando el diseño ganó una mala reputación por parte de la sociedad conservadora de Estados Unidos y el Reino Unido, tachando a la banda de satánica e inmoral. El impacto de la imagen fue tan fuerte que incluso se organizaron quemas públicas del catálogo del grupo en varias ciudades. Es así como Eddie the Head se ha convertido, con el paso de los años, en un símbolo del heavy metal con trazos que definen perfectamente la esencia de Iron Maiden, cuya música y letras expresan un estilo feroz, provocativo y rebelde.

Artpop
Lady Gaga (2013)
Jeff Koons

El reconocido artista plástico Jeff Koons, recordado por su más famosa obra “Balloon Dog”, fue el encargado de crear la carátula de Artpop, el cuarto álbum de estudio de Lady Gaga.

Para la portada, ambos artistas decidieron reunir varias corrientes artísticas en una sola imagen. Influenciado por las pinturas del Renacimiento, Koons personificó a Gaga como una diosa griega que acababa de parir una figura circular azul. El artista incluyó en el fondo de la portada un collage que contiene partes de la escultura de “Apolo y Dafne” de Gian Lorenzo Bernini y la pintura de “El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli.

Graduation
Kanye West (2007)
Takashi Murakami

En 2006, Kanye West realizó un viaje a Tokio y visitó el estudio del artista visual Takashi Murakami. Fascinado por la técnica de superflat (la cual está inspirada en el manga y el animé), el rapero le pidió que ilustrara la portada de su próximo álbum, Graduation.

El músico se encontraba en una nueva fase musical con la cual quería experimentar, incluyendo su estética. En la portada se ilustra un oso, mientras una metrópolis conceptual (bautizada como Universe City) lo acompaña. La inspiración es una historia creada por Takashi, en donde el personaje lucha por llegar a tiempo a su ceremonia de graduación.

Este 2018, Murakami volvió a trabajar con Kanye para la carátula de Kids See Ghosts, álbum junto a Kid Cudi.

The Dark Side of the Moon
Pink Floyd (1973)
Storm Thorgerson y Aubrey Powell

El diseño detrás de esta portada es el resultado de la unión entre Aubrey Powell y Storm Thorgerson. En 1967, ambos artistas fundaron un colectivo de diseño y fotografía llamado Hipgnosis, responsable de crear algunas de las portadas de discos más memorables del rock, como Houses of the Holy (1973) de Led Zeppelin y Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976) de AC/DC.

Para el arte de Pink Floyd, el equipo creativo mencionó en una entrevista para Rolling Stone que el tecladista Richard Wright los presionó para crear algo simple y elegante. La idea surgió cuando Powell estaba mirando un libro de física y observó una fotografía de un pisapapeles de cristal con la luz del sol brillando a través de la ventana, la cual creó un prisma de arcoíris.

“Lo trazamos en un pedazo de papel y lo llevamos a Abbey Road con muchas otras ideas. Pusimos el diseño en el piso y todos dijeron: ‘Ese es. Es increíble. Es exactamente lo que queremos. Eso es Pink Floyd’”.

El arcoíris es una metáfora a Floyd y sus primeras presentaciones, cuando el grupo aún no era famoso y utilizaba una gran cantidad de luces en sus shows. Para el diseño de la carpeta desplegable del LP, ambos artistas viajaron a Egipto y fotografiaron las pirámides de Giza. La relación entre los diseñadores y el grupo comenzó en la infancia cuando Thorgerson fue compañero de clase de Syd Barrett y Roger Waters. Más tarde, el diseñador fue el padrino de boda de David Gilmour.

Goo
Sonic Youth (1990)
Raymond Pettibon

La portada de Goo de Sonic Youth es una de las más representativas en la música, convirtiéndose en una pieza fácilmente recordada por cualquier amante del género punk. Raymond Pettibon fue el autor del diseño, quien se basó en una fotografía en blanco y negro tomada en 1966.

La imagen muestra a Maureen Hindley y su marido David Smith, cuando manejaban para declarar como testigos en el juicio de su hermana Myra Hindley y su novio Ian Brady. Ambos acabaron con la vida de cinco niños tras abusar de ellos sexualmente, convirtiéndose en una de las parejas de asesinos seriales más odiadas de Inglaterra. El texto que se observa al costado derecho del arte narra la historia de dos amantes que huyen para llevar a cabo un crimen. “Le robé el novio a mi hermana. Todo fue un torbellino, calor y resplandor. En una semana, matamos a mis padres y nos lanzamos a la carretera”, se lee en letras negras sobre un fondo blanco.

La versión en vinyl tiene una particularidad, ya que muestra marcas visibles de cinta adhesiva, como si todos los elementos de la obra simularan estar recortados y pegados. El álbum es uno de los más recordados en la carrera del colectivo y marcó un parteaguas para el género en aquella época.

Unknown Pleasures
Joy Division (1979)
Peter Saville

La historia detrás de esta portada une la música, el diseño y la astronomía. El creador de la misma, Peter Saville, dijo que el grupo le dio una imagen incluida en la Enciclopedia de Astronomía de Cambridge para que se inspirara en el diseño de la nueva carátula. La página contenía una visualización en blanco y negro de la primera vez que se registraba la frecuencia de una señal de pulsar.

Al observar la imagen y ver la similitud que tenía con unos picos montañosos, Saville supo de inmediato que ese sería el diseño definitivo. “Es la infinita posibilidad de interpretar este diseño lo que lo hace tan poderoso”, contó en el documental Data Visualization Reinterpreted: The Story of Joy Division’s Unknown Pleasures. El interior del arte de la versión en vinyl contiene una fotografía titulada Hand Through a Doorway tomada por el fotógrafo Ralph Gibson.

Desde entonces, Seville ha diseñado otras portadas memorables como Power, Corruption & Lies (1983) de New Order y Sci-Fi Lullabies (1997) de Suede, convirtiéndose en el diseñador de cabecera de Factory Records, compañía discográfica que él mismo fundó en 1978.

OK Computer
Radiohead (1997)
Stanley Donwood

Tal vez no haya una relación más fiel y estrecha entre algún diseñador y una banda como la que existe entre Stanley Donwood y Radiohead. El artista (cuyo nombre real es Dan Rickwood) ha sido el más fiel admirador de la agrupación y por lo mismo, ha sido el responsable de cada una de las carátulas que el grupo ha incluido en todos sus álbumes de estudio desde 1993.

El arte de OK Computer, el tercer LP del colectivo, es un collage que mezcla imágenes hechas a computadora por el vocalista Thom Yorke y una ilustración del artista inglés. El diseñador creó su trabajo al principio de su carrera, cuando se encontraba en la casa de Yorke. Ahí, el entonces adolescente, comenzó a pintar sobre un lienzo en blanco, teniendo en la mente una escena postnuclear. Donwood mencionó que Thom lo invitó a cada una de las sesiones de grabación de OK Computer para que llevará un diario y así pudiera inspirarse para la realización de la portada. El resultado fue una de las carátulas más recordadas de los últimos años.


Los 15 mejores momentos de ‘The White Album’


El nuevo box set de la pieza maestra de The Beatles de 1968 está lleno de joyas nunca escuchadas. Un primer vistazo exclusivo de esta obra inaudita.


POR Staff Rolling Stone  



Foto: cortesía de Universal Music

Los 15 mejores momentos de ‘The White Album’

Por Rob Sheffield

Todo lo que sabemos sobre ‘The White Album’ está a punto de cambiar. La obra maestra de The Beatles de 1968 siempre ha sido el misterio más profundo en su historia –su música más alocada, extraña, experimental y brillante.

Pero resulta que The White Album es incluso aún más extraño de lo que creíamos. Especialmente cuando lo escuchas en Abbey Road, el legendario estudio en Londres donde la banda pasó cinco largos meses creándolo. Durante un par de días soleados (y largas noches) en Abbey Road, Rolling Stone realizó un tour exclusivo y privado por las gemas inauditas de la nueva edición de súper lujo de The Beatles, por siempre conocido como The White Album. El productor Giles Martin, hijo de George Martin, fue un guía valiente, reproduciendo tomas desde lo profundo de las bóvedas, y a menudo usando una guitarra para demostrar un cambio de acorde. “Era una banda en llamas”, dice. “Es el doble o triple de Sgt. Pepper –las cuatro paredes de este estudio ya no podían contenerlos”.

Parte de la mística de The White Album es todo el drama que se produjo en él –los argumentos y malas vibras son materia de leyenda. Así que lo sorprendente es todo el humor, emoción y compañerismo que se muestra en la nueva colección. Un buen ejemplo: una versión previamente desconocida de “Good Night” donde John, Paul, George y Ringo armonizan sobre una guitarra folk. Como Martin admite, “Los escuchas cantar a todos juntos y te preguntas: ‘¿Esto es The White Album?’”.

Sí, este es The White Album, y el impresionante box set profundiza en el frenesí creativo que The Beatles logró en 1968. Hay una nueva mezcla del productor Giles Martin y el ingeniero Sam Okell, además de cuatro discos de tomas alternas. El material extra está lleno de revelaciones, especialmente la joya de la corona de los tesoros enterrados de The Beatles: los demos acústicos de Esher. Aunque continúa la aclamada edición de aniversario del año pasado de Sgt. Pepper, esta es una inmersión más profunda, ya que el álbum cubre mucho terreno. Con las baterías recargadas de su retiro en India, los cuatro estaban alcanzando nuevas etapas como compositores, incluso Ringo, quien contribuyó con “Don’t Pass Me By”. No podían esperar para volver al estudio. No tenían idea de cuánto trauma vivirían. “Not Guilty” de George pasó por 102 tomas, y aun así no entró en el álbum. Su sufrido productor los abandonó después de unos meses. Ringo no sólo renunció al grupo por un par de semanas, sino que huyó del país. Se obligaron mutuamente a llegar al límite, pero así fue como se les ocurrió la música más audaz de sus vidas. Lo que aparece en todo el nuevo material es la osadía, la espontaneidad, la toma colectiva de riesgos, el espíritu de equipo. Mientras las cintas ruedan, los chicos suenan sorprendentemente juguetones. Al final de una toma, Paul bromea: “Quédate con esa. Márcala como fabulosa”. No tenían miedo de dar sus ideas más locas. Como Giles Martin lo expresa diplomáticamente: “La línea entre un máster final y hacer idioteces se está haciendo más delgada”.

Las tomas alternativas desafían la sabiduría convencional de que aquí es donde la banda se divide en cuatro artistas solistas. “¿Creen que la percepción de la historia de The Beatles se ha visto afectada por sus propios comentarios a principios de los años setenta?”, pregunta Martin. “Eso es lo que me pasa. Creo que después de The Beatles, cuando el corcho del champán salió volando de la botella y se fueron por caminos separados, reaccionaron en contra de ellos mismos. ‘Para ser honesto, no trabajamos bien como grupo’ y ese tipo de cosas. Sin embargo, nunca se desaceleraron creativamente. Me gusta bastante la idea de que se tiren tazas de té en el estudio. Estoy un poco decepcionado por no encontrarlo [en estas grabaciones]. Pero lo que están haciendo es crear un disco”.

Las ediciones de lujo y súper lujo finalmente presentan los demos de Esher, que los beatlemaníacos han estado pidiendo escuchar durante años. En mayo de 1968, recién de regreso de India, el grupo se reunió en el búngalo de George en Esher (pronunciado “Isher”) para grabar versiones acústicas de las nuevas canciones que ya habían acumulado para el nuevo álbum. Durante los siguientes días, trabajando juntos o en solitario, hicieron 27 canciones. Las cintas estuvieron en una maleta en la casa de George durante años. Siete pistas salieron en Anthology 3; otras nunca se han lanzado en ninguna versión Beatle, incluyendo “Child of Nature” de John y “Sour Milk Sea” de George. Las cintas de Esher por sí solas hacen que esta colección sea esencial, con una nueva intimidad casera que es única. Martin dice: “Son maquetas, pero espiritualmente, las actuaciones tienen su propio valor”.

Esta edición tiene nuevas versiones de otras canciones del mismo período: “Hey Jude”, “Lady Madonna”, “The Inner Light”, “Across the Universe” (pero no el lado B “Hey Bulldog”, porque no hay segundas tomas –la hicieron sólo una vez). También intentaron clásicos como “Blue Moon” y “You’re So Square (Baby I Don’t Care)”. Muestra lo que debería haber sido evidente del disco original: suenan como una verdadera banda, cuatro tipos que no pueden dejar de presumir, demasiado apasionados por sus canciones para considerar dar marcha atrás. (O para notar que todos a su alrededor se quebraban bajo la presión, incluso el estoico Sr. Martin. Su hijo explica: “No había horario, y le encantaban los horarios”).

Por supuesto, la esencia de The White Album es que todos lo escuchan de manera diferente –incluidos ellos mismos. Se pelearon sobre qué incluir, qué excluir, si debería haberse editado en un solo disco. (Años más tarde, en el documental Anthology, todavía discutían sobre eso). Esta edición reavivará esos argumentos. Pero incluso para los fanáticos que conocen el álbum original de pies a cabeza, es una nueva experiencia por completo –una que permanentemente cambiará cómo pensamos y hablamos sobre The Beatles.

Aquí hay 15 de sus momentos más reveladores:

1. “Revolution 1”

La legendaria Toma 18, una improvisación de casi 11 minutos del primer día de las sesiones de The White Album. Los otros integrantes de The Beatles estaban sorprendidos de ver a una persona nueva al lado de John: Yoko Ono, quien se volvió una presencia constante en el estudio. Comienza como la versión que conoces del disco: la torpe intro de guitarra de John, el “toma dos” del ingeniero Geoff Emerick, el “okaaay” de John. Pero donde la original se desvanece, esta apenas está empezando. El ritmo aumenta mientras John continúa cantando “all right, all right”, de un suave suspiro hasta un grito agudo. Yoko se une a la banda para añadir retroalimentación distorsionada de sintetizador, mientras Paul se aferraba al piano. Ella recita poesía en prosa y algunos fragmentos terminaron en “Revolution 9”: “It’s like being naked… if you become naked”.

La historia de esta sesión se ha contado muchas veces, usualmente presentada como una escena complicada donde Yoko se entromete, sembrando las semillas de la discordia, de principio a fin. Entonces es una sorpresa escuchar lo divertidos que están. Termina en un ataque de risa –ella pregunta nerviosamente: “¿Fue demasiado?”. John le dice que suena genial y Paul coincide: “¡Sí, es increíble!”.

2. “Sexy Sadie”

Mientras la banda entra en calor, George canta juguetonamente un gancho de Sgt. Pepper: “It’s getting better all the tiiiiime!”. John resopla: “Lo es, ¿cierto?”. La Toma 3 es una versión mordaz de “Sexy Sadie”, con Paul garabateando en el órgano. Sin embargo, a pesar del mal humor, la banda suena totalmente sincronizada. Cuando George pregunta: “¿Qué tan rápido, John?”, él responde: “Como lo sientas”.

3. “Long, Long, Long”

El tranquilo himno de George siempre ha sido subestimado, en parte porque está masterizado demasiado bajo. En la fantástica Toma 44, “Long, Long, Long” cobra vida como un dueto entre George y Ringo, con la batería estrellándose en un diálogo con las voces susurrantes. Giles Martin explica: “Supongo, como está documentado aquí, que George era el mejor amigo de Ringo, como él dice. Esa canción es una especie de los dos”. George comienza a improvisar al final: “Gathering, gesturing, glimmering, glittering, happening, hove- ring, humoring, hammering, laquering, lecturing, laboring, lumbering, mirroring…” Termina con el escalofriante y agónico acorde, originalmente el sonido de una botella de vino vibrando en el amplificador de Paul. “Todavía te da miedo cuando se aproxima”.

4. “Good Night”

De todas las tomas alternas, “Good Night” es la que dejará a la mayoría de los oyentes desconcertados de por qué esta no fue la versión que llegó al álbum. En lugar de las cuerdas exuberantes, tiene el punteo de la guitarra de John y el grupo completo armoniza en el coro de “good night, sleep tight”. Es raro escuchar a los cuatro cantando juntos en esta etapa, y su calidez es impresionante. “Sí prefiero esta versión a la del disco”, admite Martin. (No será el último en decir esto).

John toca el mismo patrón de guitarra que en “Dear Prudence” y “Julia”. Ese es una de las características sónicas distintivas de The White AlbumThe Beatles tenía su habilidad acústica en condición óptima, pues no había nada más qué hacer para divertirse en Rishikesh. En India, su compañero peregrino Donovan les enseñó el estilo de punteo de los folkies de Londres como Davey Graham. “Donovan le enseñó esta parte de guitarra. John pensó: ‘¡Genial!’, y después en el clásico estilo de The Beatles, escribió tres canciones usando la misma parte de guitarra”. Las demás tomas de “Good Night” son más cercanas al espíritu cursi de canción de cuna de la original. En una, Ringo canta suavemente sobre el piano de George Martin; en otra, hace una introducción a palabra hablada. “Vamos, guarda todos esos juguetes, es tiempo de ir a la cama. Ve a la tierra de los sueños. Sí, papá cantará una canción para ti”. Al final, bromea: “Ringo se ha vuelto un poco loco”.

5. “Helter Skelter”

Esta canción de Paul inspiró un sinfín de sesiones de estudio, tambaleándose hacia el primer headbanging –lo comenzaron el día después de la premier de Yellow Submarine, entonces tal vez simplemente tenían ganas del extremo opuesto. Esta toma tiene 13 minutos de un prístino ruido pesado, notablemente cerca de Black Sabbath, en la época en que Sabbath todavía estaba en Birmingham inventando su sonido.

6. “Blackbird”

Paul toca la canción –“Dark black, dark black, dark black night”– intentando descubrir la vibra. Todavía no lo logra. Le dice a George Martin: “Si alguna vez la alcanzamos, podré decirte cuando lo haya hecho. Sólo necesitamos olvidarlo. Es una decisión sobre qué voz usar”. Piensa su camino por la canción, su novia de entonces, Francie, se escucha en el fondo. “Todo está en el tiempo”, dice Martin. “Hay dos cosas separadas, un gran guitarrista y un gran cantante –él ha logrado desconectarlas y ponerlas juntas otra vez. Está tratando de averiguar dónde se unen”.

7. “Dear Prudence”

De todos los demos de Esher, “Dear Prudence” es probablemente la que mejor muestra su humor ruidoso. John termina su ensoñación infantil haciendo reír a sus compañeros de banda, contando la historia de Prudence Farrow que inspiró la canción. “Un curso de meditación en Rishikesh, India”, declara. “Enloqueció bajo el cuidado de Maharishi Mahesh Yogi. Todos estaban muy preocupados por la chica, porque se estaba volviendo demeeeente. Entonces le cantamos”.

8. “While My Guitar Gently Weeps”

Hay un demo acústico, pero la Toma 27, grabada un mes más tarde, es mucho mejor que la versión del álbum –John en el órgano, Paul en el piano, la guitarra principal del invitado especial Eric Clapton. (George invitó a su amigo a que viniera a tocar, en parte porque sabía que los otros se comportarían con Clapton). El ritmo sólo se cae cuando George intenta alcanzar una nota alta al estilo de Smokey Robinson y falla. “Está bien”, dice. “Intenté hacer un Smokey y yo no soy Smokey”.

9. “Hey Jude”

Grabada en medio de las sesiones, pero planeada para un sencillo aislado, la balada de Paul todavía está en bruto, pero incluso en esta primera toma, ya está diseñada como una epopeya de siete minutos, con Paul cantando el na-na-na del final. Otra gema en este box set: un primer intento de “Let It Be”, con la letra original de Paul mostrando su conexión explícita con el R&B estadounidense: “When I find myself in times of trouble/ Brother Malcolm comes to me”.

10. “Child of Nature”

Otro tesoro de Esher. “Child of Nature” es una balada gentil que John escribió sobre su retiro a India: “On the road to Rishikesh/ I was dreaming more or less”. La descartó del álbum pero la rescató algunos años más tarde, escribió nuevas letras y la convirtió en una de sus más famosas canciones como solista: “Jealous Guy”.

11. “Julia”

Una de las confesiones más íntimas de John –la única canción de The Beatles donde él está tocando solo. Puedes escuchar su nerviosismo mientras se sienta con su guitarra y le pregunta a George Martin, en un acento scouse burlón: “Es mejor parado, ¿no lo crees? Es muy difícil cantar esto, sabes”. El productor lo tranquiliza. “Es una canción muy difícil, John”. “’Julia’ era una de las favoritas de mi papá”, dice Giles. “Cuando comencé a tocar la guitarra en mi adolescencia, me dijo que me la aprendiera”.

12. “Can You Take Me Back?”

Otro fragmento del Lado Cuatro que sirve como una transición misteriosa hacia el caos abstracto del collage de sonido de “Revolution 9”. Paul juega con ella por unos minutos, tratando de hacerla más sustanciosa con un poco de country blues –“I ain’t happy here, my honey, are you happy here?”.

13. “Ob-La-Di, Ob-La-Da”

Paul se pasó una semana llevando a la banda por esta tonada, hasta que John finalmente salió furioso del estudio. Regresó unas horas después, muy drogado, y golpeó el piano con rabia, creando la introducción tintineante que pone el riff en marcha. Esta versión inicial es agradable pero demasiado suave –muestra por qué la canción realmente necesitaba esa agudeza cruel. Un ejemplo perfecto del espíritu colaborativo de The Beatles: John tal vez odiaba la canción, Paul tal vez resentía el sabotaje de John, pero a ambos les importaba profundamente la música como para no hacerla bien.

14. “Sour Milk Sea”

Una destacada de George de las grabaciones de Esher, “Sour Milk Sea” no entró en el álbum, pero se la dio a su amigo de Liverpool, Jackie Lomax, quien logró un éxito con ella. (Definitivamente merecía ser clasificada por encima de “Piggies”, la cual continúa como la más débil de cualquier versión de este álbum). “Not Guilty” y “Circles” son otros demos de George que se quedaron en el limbo. “Not Guilty” suena terminada en las cintas de Esher, pero en el estudio, estaba condenada al fracaso con más de 100 tomas en vano.

15. “Happiness Is a Warm Gun”

Un complicado experimento que aprendieron juntos en el estudio, con John jugando con la estructura y su falsete de parodia de doo wop. “¿A alguien se le hace más fácil?”, pregunta. “Parece un poco más fácil –ya no es divertido, pero es más fácil”. George dice con voz aguda: “Más fácil y divertido”. John responde: “Oh, está bien, si insistes”. Es un momento que resume todos los descubrimientos sorprendentes en esta edición de The White Album: un momento donde The Beatles está al borde de lo desconocido, con nadie con quien contar excepto ellos mismos. Pero ahí es cuando se inspiran para avanzar a toda marcha y saludar el nuevo día.


Escucha una versión inédita de “While My Guitar Gently Weeps” de The Beatles


Esta pieza forma parte de la reedición de ‘The White Album’ que estará disponible a partir del 9 de noviembre.


POR Brenda Arriaga  



Foto: cortesía Universal Music

Escucha una versión inédita de “While My Guitar Gently Weeps” de The Beatles

Para conmemorar el 50 aniversario de su álbum homónimo –mejor conocido como The White Album–, The Beatles editará una versión remasterizada que desempolvará clásicos como “Back in U.S.S.R”, “Blackbird”, “Ob-La-Di, Ob La Da”, entre otros.


Para promocionar este futuro relanzamiento programado para el 9 de noviembre, se compartió la segunda toma que The Beatles grabó en el estudio del clásico “While My Guitar Gently Weeps”. Este tema fue escrito en julio de 1968 por George Harrison y musicalizado junto a Paul McCartney. Eric Clapton se unió a las sesiones posteriormente tras una invitación de Harrison. Clapton jugó un papel determinante durante las sesiones de grabación de la canción, pues, de acuerdo a declaraciones del mismo Harrison “los otros muchachos en el estudio eran tan buenos como el oro porque él estaba ahí”.

Después de extensivas sesiones en los estudios Trident –lugar donde se grabó The White Album–, The Beatles presentó el disco de larga duración incluyendo la primera toma de “While My Guitar Gently Weeps”.

El relanzamiento de The White Album es el resultado del trabajo de los ingenieros Giles Martin y Sam Okel, quienes mezclaron nuevamente los 30 temas originales de la producción lanzada en 1968. La reedición del disco estará disponible a partir del 9 de noviembre de este año. Al respecto, Giles comentó lo siguiente: “Al volver a mezclar The White Album, intentamos acercarlos lo más posible a The Beatles en el estudio. Hemos vuelto a poner las capas con la esperanza de sumergir a los antiguos y nuevos oyentes en uno de los álbumes más diversos e inspiradores que se hayan hecho”.

Además de los 30 tracks original, se agregaron 27 demos acústicos y 50 tomas de estudio que fueron grabadas durante la producción del LP. De igual forma también se editó un libro de 164 hojas con fotografías del cuarteto de Liverpool, un póster y las letras de las canciones del disco impresas. Para conocer más detalles ingresa aquí.


The Beatles celebrará el 50 aniversario de ‘The White Album’ con una reedición especial


Esta nueva versión incluirá demos, versiones acústicas, tomas hechas durante las sesiones de grabación y más material inédito.


POR Jonathan Matamoros  



The Beatles celebrará el 50 aniversario de ‘The White Album’ con una reedición especial

Esta mañana, se anunció el lanzamiento de una reedición especial de The White Album para conmemorar el 50 aniversario del noveno álbum de estudio de The Beatles, el cual fue lanzado el 22 de noviembre de 1968. Esta nueva versión contendrá nuevas mezclas, demos inéditos y algunas grabaciones que formaron parte de las sesiones de estudio. Este nuevo material estará disponible a partir del próximo 9 de noviembre.

Esta es la primera vez que el disco homónimo de The Beatles ha sido reeditado. Las 30 pistas que conforman el LP han sido remezcladas en formato estéreo y 5.1 por el productor Giles Martin y el ingeniero de mezcla Sam Okell a partir de las cintas originales de cuatro y ocho tracks.

“Al volver a mezclar The White Album, intentamos acercarlos lo más posible a The Beatles en el estudio”, escribió Giles Martin. “Hemos vuelto a poner las capas con la esperanza de sumergir a los antiguos y nuevos oyentes en uno de los álbumes más diversos e inspiradores que se hayan hecho”, agregó.

El material extra que ha sido agregado a esta reedición incluye 27 demos acústicos y 50 tomas realizadas durante las sesiones de grabación, la mayoría de ellas son piezas inéditas. Paul McCartney escribió una introducción para esta reedición: “Habíamos dejado la banda de Sgt. Pepper para tocar en sus soleados Campos Elíseos, y avanzábamos a grandes pasos hacia nuevas direcciones sin un mapa”.

El arte de esta reedición fue realizado por Richard Hamilton, una de las principales figuras del pop art británico. Las versiones de superlujo están numeradas en el frente del LP, tal y como lo estaban las primeras copias del álbum en 1968. También se incluyó un libro de pasta dura de 164 páginas con fotografías de John, Paul, George y Ringo, así como un póster y las letras impresas de las canciones. Además de capítulos que detallan cada una de las pistas, acompañados por notas originales de las sesiones de grabación que acercan a sus fanáticos al tiempo que vivió The Beatles entre el lanzamiento de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y las grabaciones de The White Album.

El álbum homónimo de The Beatles fue el primero que lanzaron a través de su propia disquera Apple Records y fue publicado en formato estéreo y mono. Rápidamente, esta producción se convirtió en uno de sus más emblemáticos y exitosos lanzamientos. The White Album está incluido en la posición Número Diez dentro de la lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según Rolling Stone.

Esta es la lista de canciones que estarán incluidas en la reedición de The White Album:

CD 1: 2018 Stereo Mix
“Back in the U.S.S.R.”
“Dear Prudence”
“Glass Onion”
“Ob-La-Di, Ob-La-Da”
“Wild Honey Pie”
“The Continuing Story of Bungalow Bill”
“While My Guitar Gently Weeps”
“Happiness is a Warm Gun”
“Martha My Dear”
“I’m So Tired”
“Blackbird”
“Piggies”
“Rocky Raccoon”
“Don’t Pass Me By”
“Why Don’t We Do It In the Road?”
“I Will”
“Julia”

CD 2: 2018 Stereo Mix
“Birthday”
“Yer Blues”
“Mother Nature’s Son”
“Everybody’s Got Something to Hide”
“Except Me and My Monkey”
“Sexy Sadie”
“Helter Skelter”
“Long, Long, Long”
“Revolution I”
“Honey Pie”
“Savoy Truffle”
“Cry Baby Cry”
“Revolution 9”
“Good Night”

CD 3: Esher Demos
“Back in the U.S.S.R.”
“Dear Prudence”
“Glass Onion”
“Ob-La-Di, Ob-La-Da”
“The Continuing Story of Bungalow Bill”
“While My Guitar Gently Weeps”
“Happiness is a Warm Gun”
“I’m So Tired”
“Blackbird”
“Piggies”
“Rocky Raccoon”
“Julia”
“Yer Blues”
“Mother Nature’s Son”
“Everybody’s Got Something to Hide”
“Except Me and My Monkey”
“Sexy Sadie”
“Revolution”
“Honey Pie”
“Cry Baby Cry”
“Sour Milk Sea”
“Junk”
“Child of Nature”
“Circles”
“Mean Mr. Mustard”
“Polythene Pam”
“Not Guilty”
“What’s the New Mary Jane”

CD 4: Sessions
“Revolution I” (Toma 18)
“A Beginning” (Toma 4) / “Don’t Pass Me By” (Toma 7)
“Blackbird” (Toma 28)
“Everybody’s Got Something to Hide”
“Except Me and My Monkey” (Ensayo no numerado)
“Good Night” (Ensayo no numerado)
“Good Night” (Toma 10 con una parte de guitarra de la toma 5)
“Good Night” (Toma 22)
“Ob-La-Di, Ob-La-Da” (Toma 3)
“Revolution” (Ensayo no numerado)
“Revolution” (Toma 14 – Instrumental de fondo)
“Cry Baby Cry” (Ensayo no numerado)
“Helter Skelter” (Primera versión – Toma 2)

CD 5: Sessions
“Sexy Sadie” (Toma 3)
“While My Guitar Gently Weeps” (Versión Acústica – Toma 2)
“Hey Jude” (Toma 1)
“St. Louis Blues” (Sesión de improvisación)
“Not Guilty” (Toma 102)
“Mother Nature’s Son” (Toma 15)
“Yer Blues” (Toma 5 con voz de guía)
“What’s the New Mary Jane” (Toma 1)
“Rocky Raccoon” (Toma 8)
“Back in the U.S.S.R.” (Toma 5 – Instrumental de fondo)
“Dear Prudence” (Voz, guitarra y batería)
“Let It Be” (Ensayo no numerado)
“While My Guitar Gently Weeps” (Tercera versión – Toma 27)
“(You’re so Square) Baby, I Don’t Care” (Sesión de improvisación)
“Helter Skelter” (Segunda versión – Toma 17)
“Glass Onion” (Toma 10)

CD 6: Sessions
“I Will” (Toma 13)
“Blue Moon” (Sesión de improvisación)
“I Will” (Toma 29)
“Step Inside Love” (Sesión de improvisación)
“Los Paranoias” (Sesión de improvisación)
“Can You Toma Me Back? (Toma 1)
“Birthday” (Toma 2 – Instrumental de fondo)
“Piggies” (Toma 12 – Instrumental de fondo)
“Happiness is a Warm Gun” (Toma 19)
“Honey Pie” (Instrumental de fondo)
“Savoy Truffle” (Instrumental de fondo)
“Martha My Dear” (Sin metales y cuerdas)
“Long, Long, Long” (Toma 44)
“I’m So Tired” (Toma 7)
“I’m So Tired” (Toma 14)
“The Continuing Story of Bungalow Bill” (Toma 2)
“Why don’t we do it in the road?” (Toma 5)
“Julia” (Two rehearsals)
“The Inner Light” (Toma 6 – Instrumental de fondo)
“Lady Madonna” (Toma 2 – Piano y batería)
“Lady Madonna” (Backing vocals from Toma 3)
“Across the Universe” (Toma 6)

Blu-ray:
PCM Stereo (2018 Stereo Mix)
DTS-HD Master Audio 5.1 (2018)
Dolby True HD 5.1 (2018)
Mono (2018 Direct Transfer)

Mira un clip donde se puede ver todo lo que contendrá la reedición de The White Album:


“Hey Jude” a 50 años: celebrando la obra maestra más honesta de The Beatles


El mayor éxito del cuarteto de Liverpool fue un tributo a todo lo que amaban y respetaban más el uno del otro.


POR Staff Rolling Stone  



“Hey Jude” a 50 años: celebrando la obra maestra más honesta de The Beatles

Por Rob Sheffield

“Hey Jude” resume el turbulento verano de 1968 para The Beatles –un tributo a su amistad, justo en el momento en que esta comenzaba a fracturarse. El sencillo fue un gran éxito tan pronto como lo lanzaron el 26 de agosto, hace 50 años —su mayor éxito, encabezando las listas de popularidad de Estados Unidos durante nueve semanas. Son The Beatles en su faceta más cálida, amable y honesta. John, Paul, George y Ringo suenan completamente sincronizados mientras avanzan hacia ese poderoso cántico de “na na na na”. Sin embargo, es una canción nacida del conflicto. Nadie sabía que se estaban desmoronando —de hecho, “Hey Jude” fue lanzada cuatro días después de que Ringo dejara oficialmente la banda, abandonando las sesiones de White Album. Paul la escribió durante el divorcio de John, para animar al hijo de cinco años de su amigo. “Él sólo estaba tratando de consolarnos a mí y a mamá”, recordó Julian Lennon. Desde entonces, el mundo se ha consolado con “Hey Jude”.

Es una de las pocas canciones de The Beatles sobre una conversación entre hombres —y como “She Loves You”, es una charla en la que un amigo le pide al otro que haga lo correcto por una mujer. (Ni a Paul, ni a John realmente les importaba lo que los hombres tuvieran que decir sobre cualquier cosa —esa era una de sus conexiones espirituales más profundas). A George Martin le preocupaba que la radio no tocara un sencillo de siete minutos. La respuesta de John: “Lo harán si somos nosotros”. Una declaración clásica de la fabulosa arrogancia de The Beatles —sin embargo, la palabra “nosotros” sobresale de esa oración. “Hey Jude” es el sonido de los chicos trabajando duro para capturar esa sensación de “nosotros”, después de que dejó de ser fácil.

En mayo, John y Paul realizaron una aparición sorpresa en The Tonight Show, durante una breve excursión por Nueva York. La entrevista fue un fiasco: el presentador invitado Joe Garagiola apenas tenía idea de quiénes eran. Pero hubo un momento revelador, alrededor del minuto cuatro de una conversación realmente dolorosa. Garagiola pregunta: “Los cuatro de ustedes, socialmente, ¿son ceranos?” Paul y John dicen “sí” simultáneamente. Paul lo dice dos veces, mientras que John agrega: “Somos buenos amigos, ¿sabes?”. Están totalmente indiferentes al respecto, simplemente dando información básica y algunos antecedentes a este despistado patán estadounidense, como si le dijeran dónde está Liverpool o cuántas películas han hecho. Para ellos, es obvio. Nada de qué preocuparse.

Pero sólo un par de semanas después, John había hecho estallar su matrimonio, su familia, cada detalle de su vida. Nunca más tendrían una respuesta simple a esa pregunta.

De ahí viene “Hey Jude”. Es un momento de compañerismo que The Beatles tuvieron que ganar, después de una década de que ese vínculo fuera la constante más confiable en sus vidas. Hasta la primavera de 1968, John, Paul, George y Ringo eran cuatro amigos que querían pasar juntos el mayor tiempo posible, incluso cuando no estaban trabajando. (Acababan de ir a la India en retirada con el Maharishi). John era el que más dependía emocionalmente de los otros tres. Rara vez hablaba con alguien fuera de la banda. Como dijo en 1967, “Nosotros nos entendemos. No importa el resto”. Pero justo después de esa visita a Nueva York, John hizo algunos cambios drásticos, como dejar a su esposa e hijo, la mañana después de su primera noche con Yoko Ono. (Cynthia entró a la cocina y los encontró desayunando. Buenos días, buenos días). Los otros ya no lo vieron más sin Yoko, ni siquiera en el estudio. Su consumo de drogas se intensificó. Este pájaro había volado.

Como todos los demás, Paul fue sorprendido por los cambios repentinos en John, y “Hey Jude” fue su respuesta directa. La compuso en su cabeza mientras conducía su Aston Martin para visitar a Cynthia y Julian, en la casa de Weybridge donde solía reunirse con su compañero para sesiones de escritura por las tardes. Le trajo a Cynthia una rosa roja. Nadie más del círculo de The Beatles estaba hablando con ella. Pero como Paul razonó, “Hemos sido muy buenos amigos durante millones de años y pensé que era demasiado que ellos de repente fueran personas no gratas y estuvieran fuera de mi vida”. También llegó con una canción para Julian, que sólo tenía cinco años. Esa es sólo una de las innumerables cosas raras de este tema —es imposible imaginar a otra estrella de rock de los años sesenta eligiendo pasar su día libre de esta manera, visitando a la esposa y el hijo abandonados de su compañero de banda. Pero eso es sólo una prueba más de que solamente hay un Paul McCartney.

Paul solía inventar canciones en el camino a Weybridge (Como “Eight Days a Week”, “Drive My Car” y “Paperback Writer” también), pero esta ocasión fue diferente. Como recordó en su biografía de 1997 Many Years From Now, “Empecé con la idea ‘Hey Jules’, que era Julian, no lo hagas mal, toma una canción triste y mejórala. Intenta y lidia con esta cosa terrible. Sabía que no iba a ser fácil para él. Siempre siento pena por los niños en medio de divorcios”. Él conocía el dolor de perder a un padre cuando se es un niño pequeño. “Él había sido como un tío para él (Julian), Paul siempre fue bueno con los niños”, recordó John años más tarde.

De vuelta en Londres, en su departamento de soltero de la avenida Cavendish, la tocó en piano para John y Yoko. Cuando llegó a la línea “The movement you need is on your shoulder” (“El movimiento que necesitas está sobre tu hombro”), les dijo, “Cambiaré eso, es un poco inútil”. John respondió: “¡Esa es la mejor línea!” John percibió la pieza como si Paul estuviera apoyando su romance con Yoko. “Lo tomé muy personal”, dijo John a Rolling Stone en 1968. “Ah, soy yo”, le dije. “Soy yo”. Él responde: “No, soy yo”. Le dije: “Compruébalo. Estamos pasando por lo mismo. Así que somos todos nosotros”.

A través de los años, en todas sus críticas sobre Paul, John nunca ocultó su admiración por “Hey Jude”. “Siempre la escuché como una canción para mí”, le dijo a David Sheff de Playboy en 1980, poco antes de su muerte. “Las palabras ‘go out and get her (‘sal y ve por ella’) —inconscientemente él estaba diciendo: ‘Adelante, abandóname’. En un nivel consciente, él no quería que siguiera adelante. El ángel en él decía, ‘Bendito seas’. Al diablo en él no le gustaba en absoluto porque no quería perder a su compañero”. Paul estaba pasando por su propia crisis, separándose de su prometida Jane Asher. No podía dejar de pensar en la mujer que conoció durante su visita a Nueva York en mayo —una fotógrafa estadounidense llamada Linda Eastman. En septiembre, la llamó y la invitó a Londres. Permanecieron inseparables durante los siguientes 30 años, hasta que ella murió de cáncer en 1998. Él y John habían encontrado a su “alguien con quien actuar”, mujeres artistas con las que no sólo se casaron sino que colaboraron musicalmente.

“Hey Jude” no fue fácil de grabar, la primera vez que lo intentaron, Paul y George tuvieron una discusión furiosa sobre la parte de la guitarra. Cuando grabaron la versión final el 31 de julio, Paul comenzó sin mirar hacia atrás para darse cuenta de que no había nadie en la batería. Ringo estaba en el baño. “‘Hey Jude’ continúa durante horas antes de que la batería entre y mientras tocaba, de repente sentí que Ringo pasaba de puntillas detrás de mí con bastante rapidez, tratando de llegar a su batería. Y justo cuando llegó a su batería, boom boom boom, su sincronización fue absolutamente impecable”. (Ringo entra a los 50 segundos). Paul tomó este contratiempo como un buen augurio. “Cuando suceden esas cosas, te ríes un poco y se prende un foco en tu cabeza y piensas, ‘¡esta es la toma!’ Y te esfuerzas un poco más”.

Paul tenía razón —esa era la toma, la versión que escuchas en el disco terminado. El mayor éxito de The Beatles es el que comenzaron a tocar mientras Ringo estaba en el lavabo.

Hay algo más que se oye en “Hey Jude”, si escuchas de cerca, cuando comienza el último verso, en la línea “The minute you let her under your skin”, Paul entra a destiempo y murmura: “Woah, fucking hell!” (¡Caramba, maldita sea!). Hicieron todo lo posible por esconderlo, mezclándolo lo más bajo que pudieron, pero puedes oírlo en el punto de los 2:58 minutos. Sin embargo, sólo parece ser excitante cotorreo de The Beatles, los chicos se hablan entre sí en el calor del momento. Paul toca el piano más sagrado en la historia del rock & roll: el Bechstein de los Estudios Trident de Londres. Has escuchado este mismo piano en innumerables canciones —es el que toca Freddy Mercury en “Bohemian Rhapsody”, el que Elton John utiliza en “Levon”, el que Rick Wakeman toca en “Life on Mars?” de David Bowie, pero Paul crea su propio sonido en esta canción.

Hicieron un video el 4 de septiembre, el famoso clip donde la audiencia se reúne alrededor del piano para cantar. Fue una especie de reunión: el regreso de Ringo. Después de que renunció el 22 de agosto, escapó al Mediterráneo, ocultándose con su familia en el yate de Peter Sellers, hasta que los chicos lo rastrearon y lo bombardearon con telegramas que decían: “Eres el mejor baterista del mundo”. Se reincorporó al grupo justo a tiempo para grabar el video; al día siguiente, volvió a trabajar en White Album en Abbey Road.

Si estás buscando demostrar que Ringo realmente era “el mejor baterista del mundo”, no podrías remplazar a “Hey Jude” como tu primer y mejor ejemplo. Sus fills son el latido de la canción, golpeando en comunión con el vocalista, justo como lo hace en “A Dy in the Life”, “God” o “Long, Long, Long”. Como Ringo dijo una vez: “Sólo tengo una regla y esa es siempre tocar con el cantante”. Paul, John y George se expresaron libre y elocuentemente, con Ringo aportando el pulso. “Hey Jude” no tendría espíritu sin él, esta es una de las principales razones por la que los covers parecen sosos. La gran excepción es la interpretación de Wilson Pickett, con Duane Allman a la guitarra —el maestro del ritmo de Muscle Shoals, Roger Hawkins, lo cementa, demostrando que “Hey Jude” es la canción de un baterista tanto como lo es de un cantante.

Cynthia y Julian pensaron que “Hey Jude” era para ellos. John la percibió como la balada de John y Yoko. Pero ninguno de los dos bandos estaba equivocado —innumerables personas en todo el mundo han escuchado a esta homilía hablándoles. “El movimiento que necesitas está sobre tu hombro”. John estaba tan en lo cierto con respecto a esa línea, y como dice Paul, él piensa en John cada vez que canta esa parte.

“Hey Jude” es un tributo a todo lo que The Beatles amaban y respetaban más el uno del otro. Incluso George, quien interpreta el papel más discreto en esta canción, mostró su admiración y respeto con el na-na-na-na al final de “Is not That a Pity” —que se puede interpretar como una brutal y descarada parodia, un cariñoso tributo o (lo más probable) ambos. El dolor en “Hey Jude” resonó en 1968, en un mundo tambaleante por las guerras, los disturbios y los asesinatos. Y es por eso que es oportuna en el verano de 2018, a medida que nuestro mundo se vuelve cada vez más frío. Después de 50 años, “Hey Jude” sigue siendo una fuente de sustento en tiempos difíciles —un momento en el que cuatro camaradas de toda la vida, lúcidos adultos ahora, echan un vistazo a todo lo que está roto a su alrededor. Y aún así se unen para tomar una canción triste y mejorarla.


Niegan libertad condicional a Mark Chapman, asesino de John Lennon


El prisionero tendrá que esperar hasta 2020 para solicitar una vez más a las autoridades de la ciudad que sean reconsideradas las condiciones de su sentencia.


POR Jonathan Matamoros  



Niegan libertad condicional a Mark Chapman, asesino de John Lennon

Mark David Chapman, hombre que asesinó a John Lennon, recibió una respuesta negativa a su solicitud de libertad condicional. Esta es la décima vez que el hombre de 63 años pide a las autoridades de la ciudad que sean reconsideradas las condiciones de su sentencia.

“El panel ha determinado que su liberación sería incompatible con el bienestar y la seguridad de la sociedad”, escribió la Junta de Libertad Condicional del estado en una carta dirigida hacia el recluso. “Usted planeó y ejecutó cuidadosamente el asesinato de una persona mundialmente famosa por ninguna razón además de ganar notoriedad”, añadieron.

“Mientras ninguna vida es más valiosa que la de alguien más, el hecho de que usted haya escogido a alguien que no sólo era una renombrada persona amada por millones, sin importarle el dolor y el sufrimiento que causaría a su familia, amigos y muchos otros más, demuestra una cruel indiferencia hacia el valor de la vida humana y el dolor y sufrimiento de los demás”, concluyeron.

Chapman fue sentenciado a una vida en prisión con la posibilidad de solicitar libertad bajo palabra después de servir 20 años en la cárcel. Es así como cada dos años desde el 2000, Mark Chapman ha aspirado a recibir un fallo a su favor. Se cree que la viuda de Lennon, Yoko Ono, envío una carta a la Junta de Libertad Condicional como lo ha hecho en ocasiones anteriores, citando que su liberación significaría una amenaza directa hacia el bienestar de ella y sus hijos Julian y Sean.

Mark Chapman arrebató la vida del exbeatle el 8 de diciembre de 1980 a las afueras de su departamento en Nueva York cuando disparó en cuatro ocasiones a Lennon, quien fue declarado muerto a su llegada al hospital de Roosevelt. El asesino esperó en el lugar a ser arrestado, se declaró culpable y aseguró que lo hizo para conseguir fama.

Será hasta 2020 cuando Chapman tenga la oportunidad de iniciar el trámite una vez más.


Phil Collins lanzará un boxset de sus colaboraciones como baterista


En esta colección se incluirán temas de figuras como Paul McCartney, Joe Cocker, Peter Gabriel, entre otros.


POR Shanick Mota  



Foto: Facebook Phil Collins

Phil Collins lanzará un boxset de sus colaboraciones como baterista

Phil Collins compartió a través de sus redes sociales, la noticia del lanzamiento de un boxset que llevará por nombre Plays Well With Others. Esta compilación estará conformada por material de personalidades con las que Collins ha colaborado de 1969 a 2011, así como composiciones inéditas y algunas sesiones de estudio.

La colección incluirá cuatro discos con 59 temas en total. Dentro de las colaboraciones se encuentran artistas como Paul McCartney, George Harrison, Joe Cocker, Peter Gabriel, Gary Brooker, Chaka Khan, Howard Jones, the Isley Brothers, George Martin, Annie Lennox, Bryan Adams y muchos más.

Sobre este próximo lanzamiento, Collins declaró: “He hecho lo que he querido y he sido muy bien pagado por algo que hubiera hecho por nada, tocar la batería. Durante este tiempo he tocado con la mayoría de mis héroes que ahora se convirtieron en amigos cercanos. A lo largo de estos cuatro CDs se encontrarán algunos de estos momentos”.

El nombre de Plays Well With Others hace alusión a una playera regalada por Chester Thompson (baterista de gira en Genesis) a Collins, haciendo referencia a las ganas de Phil por tocar en cualquier grabación.

El boxset tendrá su estreno el próximo 28 de septiembre a través de Rhino Records y ya puede preordenarse a través de este enlace.


¿Quién es quién en la portada de ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’?


Un breve recuento de quién aparece en la icónica portada del octavo disco de la banda británica.


POR Staff Rolling Stone México  



¿Quién es quién en la portada de ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’?

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club fue lanzado un día como hoy, pero de 1967. Este álbum es uno de los más celebrados en la historia de la música. Además de su gran valor musical, su portada se ha envuelto en una oleada de misticismo y significados, pero lo cierto es que se ha convertido en un icono de la historia del rock.

Peter Blake fue el artista que combinó figuras históricas y de la cultura popular con John Lennon, Ringo Starr, Paul McCartney y George Harrison. Todos estos personajes llamaron la atención del cuarteto para plasmarlos en esta joya musical. Una portada que rompió los estereotipos de aquella época y que sigue sorprendiéndonos. La fotografía de Michael Cooper ha inspirado a múltiples obras de arte.

Un dato curioso es que al momento de crear esta legendaria portada, Ringo Starr consideró al actor mexicano Germán Valdez “Tin Tan”, para participar. Aunque los motivos de su ausencia no son del todo claros, se dice que se encontraba grabando la voz del oso Baloo para la cinta El libro de la selva, por lo que jamás se concretó. De igual forma, existen rumores de una llamada que “Tin Tan” realizó a Starr para explicar que no podría asistir, como también se asegura que el actor mexicano les hizo llegar un árbol de Metepec, mismo que supuestamente es el que aparece debajo de la ilustración de la actriz Diana Dors.

Un breve recuento de quién aparece en la icónica portada del disco. Los cuatro miembros de la banda propusieron personalidades que consideraban importantes en su momento:

1. Sri Yukteswar Gigi (gurú proveniente de la filosofía india).
2. Aleister Crowley (ocultista, poeta y novelista).
3. Mae West (actriz).
4. Lenny Bruce (comediante).
5. Karlheinz Stockhausen (compositor).
6. W.C. Fields (comediante).
7. Carl Jung (psicólogo).
8. Edgar Allen Poe (escritor).
9. Fred Astaire (actor).
10. Richard Merkin (pintor e ilustrador).
11. La Chica de Varga (pintura hecha por Alberto Vargas).
12. Leo Gorcey (actor: fue removido del dibujo ya que solicitó se le pagara por aparecer en la portada).
13. Huntz Hall (actor).
14. Simon Rodia (creador de las Watts Towers).
15. Bob Dylan (músico).
16. Aubrey Beardsley (ilustrador).
17. Sir Robert Peel (político).
18. Aldous Huxley (escritor).
19. Dylan Thomas (poeta).
20. Terry Southern (escritor).
21. Dion (di Mucci)(cantante).
22. Tony Curtiss (actor).
23. Wallace Berman (pintor).
24. Tommy Handley (comediante).
25. Marilyn Monroe (actriz).
26. William Burroughs (escritor).
27. Sri Mahavatara Babaji (gurú proveniente de la filosofía india).
28. Stan Laurel (comediante).
29. Richard Lindner (comediante).
30. Oliver Hardy (comediante).
31. Karl Marx (rilósofo, padre del socialismo).
32. H.G. Wells (escritor).
33. Sri Paramahansa Yogananda (gurú proveniente de la filosofía india).
34. Figura de cera de estilista/ peluquera.
35. Stuart Sutcliffe (pintor/ ex integrante de The Beatles).
36. Figura de cera de estilista/peluquera.
37. Max Miller (comediante).
38. The Pretty Girl (pintada por George Petty).
39. Marlon Brando (actor).
40. Tom Mix (actor).
41. Oscar Wilde (escritor).
42. Tyrone Power (actor).
43. Larry Bell (pintor).
44. Dr. David Livingston (explorador y misionero).
45. Johnny Weissmuller (nadador/ actor).
46. Stephen Crane (escritor).
47. Issy Bonn (comediante).
48. George Bernard Shaw (escritor).
49. H.C. Westermann (escultor).
50. Albert Stubbins (futbolista).
51. Sri Lahiri Mahasaya (gurú proveniente de la filosofía india).
52. Lewis Carrol (escritor).
53. T.E. Lawrence (soldado).
54. Sonny Liston (boxeador).
55. The Pretty Girl (pintada por George Petty).
56. Figura de cera de George Harrison.
57. Figura de cera de John Lennon.
58. Shirley Temple (actriz y cantante).
59. Figura de cera de Ringo Starr.
60. Figura de cera de Paul McCartney.
61. Albert Einstein (científico).
62. John Lennon.
63. Ringo Starr.
64. Paul McCartney.
65. George Harrison.
66. Bobby Breen (cantante).
67. Marlene Dietrich (actriz).
68. Mahatma Ghandi (pensador, filósofo, EMI pidió que se quitara de la portada).
69. Representante de la Royal Antediluvian Order of Buffaloes (Asociación fraternal y caritativa).
70. Diana Dors (actriz).
71. Shirley Temple.
72. Figura de tela hecha por Jann Haworth.
73. Figura de tela de Shirley Temple hecha por Jann Haworth con un suéter que dice “Welcome The Rolling Stones, good guys”.
74. Veladora mexicana.
75. Set de televisión.
76. Figura de piedra de una niña.
77. Figura de piedra.
78. Estatua proveniente de casa de John Lennon.
79. Trofeo.
80. Muñeca india.
81. Decoración diseñada por Joe Ephgrave.
82. Una hookah.
83. Serpiente de terciopelo.
84. Figura japonesa de piedra.
85. Figura de piedra de Blanca Nieves.
86. Gnomo comúnmente usado para adornar los jardines.
87. Una tuba.


‘Yellow Submarine’ de The Beatles volverá a las salas de cines


La icónica cinta será nuevamente proyectada en cines para celebrar su 50 aniversario.


POR Andrea Calderón  



‘Yellow Submarine’ de The Beatles volverá a las salas de cines

A finales de la década de los sesenta, específicamente en el año de 1968, The Beatles estrenó una cinta que reflejaba de manera completa el espíritu hippie que inundaba a los jóvenes de aquella generación. Yellow Submarine fue el título del filme animado que con toques de psicodelia ilustraba una historia ficticia del cuarteto de Liverpool, tomando como referencia e inspiración el mítico tema de la agrupación “Yellow Submarine”.

Dirigida por el animador canadiense George Dunning, Yellow Submarine se convirtió en una cinta de culto para cualquier fanático de la agrupación y representó un nuevo comienzo para el cine de animación en aquella época.

Para conmemorar el 50 aniversario de su estreno, The Beatles ha anunciado que Yellow Submarine volverá a exhibirse en salas de cine el próximo 8 de julio.

El filme fue mejorado a nivel visual y sonoro, restaurando la resolución. De igual manera algunos elementos fueron cuidadosamente restaurados a mano, cuadro por cuadro. La famosa banda sonora del filme fue también remezclada por el ingeniero de sonido Peter Cobbin en los estudios Abbey Road.

Por el momento, Yellow Submarine se exhibirá únicamente en los cines de Inglaterra e Irlanda pero se espera que la cinta llegue a nuestro país próximamente.

Mira el tráiler de Yellow Submarine a continuación:


Se lanzará una colección especial de Concert for George, concierto en honor a George Harrison


Esta compilación incluirá material audiovisual inédito, un libro de 60 páginas, entre otras rarezas.


POR Andrea Calderón  



Se lanzará una colección especial de Concert for George, concierto en honor a George Harrison

El próximo 25 de febrero hubiera sido el cumpleaños número 75 de George Harrison y para conmemorarlo se ha anunciado a través de las redes sociales del fallecido músico que se reeditó una versión de lujo de la grabación de Concert for George, llevado a cabo en 2002.

Concert for George fue un concierto en homenaje a Harrison, organizado por su viuda Olivia y su hijo Dhani Harrison. La producción musical recayó el manos de su amigo Eric Clapton y contó con la participación de artistas como Jeff Lynne, Tom Petty y por supuesto sus excompañeros de banda, Ringo Starr y Paul McCartney. Concert for George se llevó a cabo en el Royal Albert Hall de Londres el 29 de noviembre de 2002, a un año de la muerte del virtuoso músico.

Presentado en una caja de tapa dura (limitados a 1,000 piezas en todo el mundo), esta colección incluye 4 LPs, 2 CDs, 2 DVDs y 2 Blu-rays. Además del material audiovisual, esta edición especial contiene un libro de 60 páginas y un corte del tapiz original que fue utilizado como fondo del escenario.

La colección especial será relanzada el próximo 23 de febrero y ya puede ser preordenada a través de su página oficial.


Escucha ‘In///Parallel’, el nuevo disco de Dhani Harrison


Se trata del álbum debut en solitario del hijo de George Harrison.


POR Andrea Calderón  



Escucha ‘In///Parallel’, el nuevo disco de Dhani Harrison

Dhani Harrison, hijo de George Harrison lanzó su primer disco como solista titulado In///Parallel, el pasado viernes bajo el sello BMG.

El hijo del exbeatle comenzó su carrera formando la banda Thenewno2 con su amigo de la infancia, Oli Hecks en 2006. Tiempo después, el grupo obtuvo exposición tocando en renombrados festivales como Coachella y Lollapalooza. Finalmente, Harrison se decidió por un camino en solitario.

El talentoso Dhani, ha hecho de todo. Desde bandas sonoras para cine y televisión (Beautiful Creatures, Good Girls Revolt) hasta trabajar como coproductor con Jeff Lynne en Brainwashed, el décimo y último álbum de estudio de su padre. También se puso al frente del proyecto The Beatles: Rock Band, el primer videojuego oficial de los Fab Four e incluso ha colaborado con artistas como Prince, Tom Petty y Steve Winwood para tocar en vivo “While My Guitar Gently Weeps“.

Finalmente, el músico de 39 años halló su camino. Aquellos que se desenvuelven en el mundo del arte saben que crear música es un viaje, uno que requiere encontrar inspiración y desarrollar habilidades. En pocas palabras, crear y encontrar tu sello como músico requiere tiempo. Dhani Harrison lo sabe mejor que nadie y lo expresa en este material.

In///Parallel es una experiencia de sí mismo, una odisea llena de sintetizadores palpitantes y letras con reflexiones. En el disco, Harrison se muestra como un compositor firme, con canciones que se mueven a ritmos relajados pero que nunca se sienten lentos, haciéndonos recordar ese tan característico rock de los años setenta.

Este es el arte y el tracklist del álbum:

1. “Never Know”
2. “#WarOnFalse”
3. “Úlfur Resurrection”
4. “Dowtown Tigers” (feat. Mereki)
5. “London Water”
6. “Summertime Police”
7. “Poseidon (Keep Me Safe)” feat. Mereki
8. “The Light Under the Door”
9. “All About Waiting” (feat. Camila Grey)
10. “Admiral of Upside Down”

El disco incluye la colaboración de Camila Grey y Mereki. Dhani Harrison estará visitando varias ciudades de Estados Unidos el próximo mes de noviembre por promocionar el disco.

Escucha In///Parallel a continuación:


Eddie Vedder tocó una nueva canción en vivo


El líder de Pearl Jam tocó temas de Pink Floyd, George Harrison y Neil Young al lado de Fiona Apple y Social Distortion.




Eddie Vedder tocó una nueva canción en vivo

Eddie Vedder encabezó el festival Ohana y aprovechó esta presentación para tocar una nueva canción, la cual aún no lleva nombre. Durante este concierto, Vedder fue acompañado por Fiona Apple y Social Distortion.

Vedder sorprendió a los asistentes de este íntimo festival con la interpretación de los covers “I’m So Tired” de Fugazi, “Brain Damage” de Pink Floyd y “Isn’t It a Pity” de George Harrison.

Además, el líder de Pearl Jam tocó “Rockin’ in the Free World” de Neil Young con la colaboración de Glen Hansard, Fiona Apple, Finn, Townshend y David Garza.

Mira a continuación algunos videos de esta presentación:


The Beatles celebrará el 50 aniversario de ‘Yellow Submarine’ con un cómic


Esta publicación será escrita e ilustrada por Bill Morrison, editor de MAD Magazine.




Foto: Rex

The Beatles celebrará el 50 aniversario de ‘Yellow Submarine’ con un cómic

Con motivo del 50 aniversario de Yellow Submarine de The Beatles, Apple Corporation autorizó la publicación de un cómic inspirado en la película animada de 1968. Esta historieta saldrá a la venta en 2018.

“Estamos emocionados de publicar ‘The Beatles: Yellow Submarine’ para celebrar 50 años de esa fantástica cinta”, comentó Chris Teather, director de Titan Comics.

Bill Morrison, editor de MAD Magazine, será el encargado de escribir e ilustrar la historieta protagonizada por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, quienes salvarán a Pepperland de los Blue Meanies.

Las primeras ilustraciones de esta nueva versión ya fueron compartidas. Míralas a continuación:


Billy Joel interpretó en vivo “A Day in the Life”, canción original de The Beatles


El cantante rindió homenaje a la legendaria banda británica por el cincuenta aniversario de ‘Sgt. Pepper’.


POR Priscila Núñez  



Foto: slgckgc

Billy Joel interpretó en vivo “A Day in the Life”, canción original de The Beatles

Billy Joel interpretó su propia versión del clásico de The Beatles, “A Day in the Life“, para celebrar los cincuenta años del lanzamiento de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

Durante su presentación el sábado por la noche en Green Bay (Wisconsin), el músico estadounidense homenajeó el álbum que “marcó su carrera” reversionando la canción que cierra la producción.

A finales de mayo, Joel interpretó este mismo tema durante un concierto en Manchester, donde confesó: “The Beatles era mi banda favorita y me inspiró a hacer lo que hago ahora y que he hecho durante toda mi vida”.

Mira el cover que hizo Billy Joel de “A Day in the Life“: