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Mira el tráiler oficial de ‘Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot’, la nueva película de Gus Van Sant


Esta cinta es protagonizada por Joaquin Phoenix, Jonah Hill, Rooney Mara y Jack Black.




Mira el tráiler oficial de ‘Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot’, la nueva película de Gus Van Sant

Joaquin Phoenix, Jonah Hill, Rooney Mara y Jack Black protagonizan Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot, la nueva película de Gus Van Sant. Previo a su estreno en el festival de Sundance, los productores han revelado el tráiler oficial.

La cinta basada en la vida del dibujante cuadripléjico John Callahan, reúne a Phoenix con el director Van Sant con quien trabajó en To Die For en 1995. La película también es la tercera ocasión que Joaquin Phoenix trabaja con Rooney Mara, quien interpreta el papel de Mary Magdalene.

El tráiler oficial es musicalizado por la canción de 1970 de John Lennon, “Isolation”. Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot llegará a la pantalla grande el próximo 11 de mayo.

Mira el tráiler a continuación:


Las mejores actuaciones de Robin Williams


Recordamos las interpretaciones más memorables del actor en la gran pantalla.


POR Priscila Núñez  



Foto: Richard Avedon

Las mejores actuaciones de Robin Williams

Son muy pocos los actores que se ganan un lugar en la memoria del público gracias a su talento, versatilidad y carisma. Robin Williams es una de esas personas.

Después de una exitosa y prolífica carrera, la mañana del 11 de agosto de 2014, el actor fue encontrado muerto en su casa después de luchar contra una fuerte depresión.

Hoy, en el día que habría sido su cumpleaños número 66, lo recordamos con sus mejores actuaciones en la gran pantalla:

8. The Fisher King
(1991)

¿Quién mejor que Williams para interpretar a un Don Quijote moderno? Como un vagabundo que ha perdido el juicio ante la tragedia, Williams nos muestra el significado de la humanidad. En esta cinta el actor trabaja bajo la dirección de Terry Gillian, un director especialista en combinar la realidad con la fantasía.

7. Awakenings
(1990)

En el filme de Penny Marshall, Williams da vida a un personaje basado en el Dr. Oliver Sacks, un neurólogo clínico que utilizó una droga experimental en 1969 en Nueva York, despertando a un grupo de pacientes con problemas cerebrales. Robert De Niro ganó la nominación al Óscar como uno de los pacientes, pero es Williams quien se mete bajo la piel de este comprometido médico.

6. Insomnia
(2002)

De alguna manera, el director Christopher Nolan vio algo en Williams que lo impulsó a colocarlo como un asesino que es perseguido por Al Pacino en Alaska. Williams no entra en la cinta hasta que va la mitad de la misma, pero una silenciosa y electrizante intensidad al personaje. La persecución psicológica hacia el policía interpretado por Pacino nos muestra un Robin Williams que nunca habíamos visto en pantalla.

5. Good Morning, Vietnam
(1987)

Lo que mejor sabía hacer Robin Williams era contagiar de alegría al mundo a través de su actuación. En esta cinta de 1987 personifica a un locutor que vuela a Saigon pare entretener a las tropas americanas con un humor irreverente.

4. Dead Poets Society
(1989)

Williams personifica a un profesor —nada ortodoxo— que incita sus estudiantes a arrancar las páginas de un pretencioso libro de poesía y entrega una de las actuaciones más emotivas de su filmografía.

3. Aladdin
(1992)

El genio parlanchín de la película de Disney no es sólo una caricatura, es un Robin Williams animado. Su brillante interpretación vocal es una de las mejores en la historia del doblaje. Llevó al genio de la lámpara a la inmortalidad, hazaña que sólo él podía lograr.

2. Mrs. Doubtfire
(1993)

No sólo es un de las mejores actuaciones de Williams, también es el papel con el que demostró al mundo su versatilidad. Williams interpreta a un padre divorciado que pretende ser una nana británica para pasar tiempo con sus hijos.

1. Good Will Hunting
(1997)

Williams finalmente ganó un Óscar como Mejor Actor de Reparto por interpretar a Sean McGuire, un instructor y terapeuta de una universidad comunitaria que descubre lo que pasa por la mente del genio matemático Will Hunting (Matt Damon) al probar lo lastimado que estaba cuando era un niño. Trabajando bajo las órdenes de Gus Van Sant, con un guión de Damon y Ben Affleck, Williams se sumerge en un personaje cuyos problemas no pueden ser olvidados con una sonrisa.


Matthew McConaughey, Naomi Watts y Gus Van Sant son abucheados en Cannes


El hecho ocurrió durante la presentación del filme ‘Sea of Trees’ en el festival francés.


POR Staff Rolling Stone México  



El hecho ocurrió durante la presentación del filme ‘Sea of Trees’ en el festival francés.

Matthew McConaughey, Naomi Watts y Gus Van Sant son abucheados en Cannes

Por Óscar Uriel / Enviado Cannes

Foto: © FDC

De acuerdo con el reporte de varios medios de comunicación presentes en esta edición del festival, la película norteamericana Sea Of Trees recibió el más sonoro abucheo que se la otorgado a una producción en competencia en doce años.

La proyección de la cinta dirigida por Gus Van Sant y protagonizada por Matthew McConaughey (quien aceptó realizar la cinta inmediatamente después de ganar un premio Oscar) y Naomi Watts resultó en toda una hecatombe después de que el público reunido en el recinto comenzó a silbar y gritar una vez terminada la función.

Ante la expectativa de una respuesta  por parte de los involucrados en el filme, Gus Van Sant accedió a otorgar entrevistas, argumentando que no leyó las negativas críticas de Sea of Trees,  ya que argumentó que fueron publicadas precisamente el día que se encontraba de viaje hacia el festival.

Por su parte Naomi Watts, quien se encontraba visiblemente molesta, optó por guardar silencio mientras que McConaughey declaró publicamente:

‘Estoy feliz de estar aquí. Contento de que nos hayan invitado y de que esta película forme parte de la competencia”. “Ha sido una gran experiencia este festival. Todo mundo posee el derecho de reconocer o rechazar una cinta”, concluyó el ganador del Óscar.

Se rumora que Gus Van Sant realizará algunos cambios al corte que trajo a Cannes previo a la exhibición comercial de Sea of Trees.

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Iggy Pop, Michael Stipe y Matt Bellamy diseñan instrumentos personalizados para una subasta de caridad


Dave Stewart, Robby Krieger y Michael Stipe también crearon guitarras únicas para beneficiar a la organización humanitaria War Child.


POR Staff Rolling Stone México  



Dave Stewart, Robby Krieger y Michael Stipe también crearon guitarras únicas para beneficiar a la organización humanitaria War Child.

Iggy Pop, Michael Stipe y Matt Bellamy diseñan instrumentos personalizados para una subasta de caridad

Fotos: Cortesía War Child

Iggy Pop, Michael Stipe, Matt Bellamy, Dave Stewart, Robby Krieger y el director Gus Van Sant diseñaron guitarras personalizadas Carparelli para una subasta que se llevará a cabo el 9 de noviembre en Bonhams de Nueva York. Las ganancias por la venta de las guitarras beneficiará a War Child International, organización humanitaria cuyo objetivo es ayudar a los niños y jóvenes atrapados en áreas de conflicto armado.

Otros artistas que crearon sus propias guitarras incluyen a músicos (la cantante de J-pop Aiko, el ex guitarrista de The Cure, Pearl Thompson), cineastas (Sam Taylor Wood) y artistas visuales (Steve McNiven), por mencionar algunos.

1035x1380-Iggy-Pop-with-guitarStipe creó una guitarra de seis cuerdas, a la cual bautizó con el nombre de “Radiant Guitar”, porque creyó muy fuertemente en la misión de War Child. “Ninguna persona, y ciertamente ningún niño, debería soportar lo que la mayoría de esos pequeños han vivido y en algunos casos, siguen viviendo”, dijo Stipe a Rolling Stone. “Me siento honrado de poder hacer una pequeña contribución y ayudarlos. Gracias War Child por la oportunidad”.

Por otro lado, la guitarra diseñada por Gus Van Sant fue creada bajo el mismo objetivo detrás de los esfuerzos de la organización. “La misión de War Child de llevar a las comunidades afectadas por la guerra los recursos que sus circunstancias requieren, no sólo es crucial y apropiado, pero habla de una calidad fundamental que tenemos los seres humanos de responder y reaccionar contra la injusticia, aunque no estemos directamente afectados”, dijo. “Hay un misterio en el contraste entre las vidas que se llevan en abundancia y las que se viven en pobreza y lucha. Hay un misterio en la conexión que tenemos entre nosotros y la habilidad de reaccionar ante la injusticia. El arte puede ser una meditación en dichos misterios, como lo fue para mí durante el proceso del proyecto. Estoy agradecida para formar parte en una respuesta y para apoyar los programas de War Child y hacer la diferencia en la vida de más de 375 mil niños al año”, concluyó.

War Child fue fundada en 1993 en el Reino Unido y está formada por 3 oficinas a nivel mundial: War Child Holanda, War Child Norteamérica y War Child Reino Unido. La organización, que impacta a más de 375 mil niños y familias al año, se enfoca en ayudar a los niños a “recuperar su infancia mediante el acceso a la educación, oportunidades y justicia”.

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La Otra Cartelera: ‘César Chávez’


Una crítica a la más reciente cinta de Diego Luna.


POR Staff Rolling Stone México  



Una crítica a la más reciente cinta de Diego Luna.

La Otra Cartelera: ‘César Chávez’

Por @Arturo Aguilar

La historia en pantalla grande, en ánimo de lección histórico-social y motivacional, del activista y líder por los derechos de los trabajadores del campo en Estados Unidos en los 60s, César Chávez (bien interpretado por Michael Peña). Un nuevo retrato de una de estas figuras no tan conocidas por la mayoría, pero cuyo innegable esfuerzo y sacrificio cambiaría el escenario social en tiempos de enormes cambios al respecto. Ahí está como un personaje más el contexto en el que se desarrollan estas historias, un punto importante en el mecanismo de empatía y chantaje o conexión emocional (como herramienta natural de ciertas historias) de películas con este corte, que buscan funcionar como estrenos fuertes en varios países, como producto fílmico internacional. César Chávez en ese sentido, funciona en la misma forma que filmes como Milk (Van Sant, 2008), o aquellos aprovechando los movimientos pro derechos de minorías como eje.

Dicho esto, la vida de César Chávez no deja de ser una historia totalmente admirable y atractiva, muestra de un espíritu particular que supo enfrentarse con inteligencia y agallas al status quo. Y que triunfó.

Dirigida eficientemente por Diego Luna (al igual que en partes de su documental Chávezsobre el boxeador- y en casi todo Ábel, sin haber algo extraordinario en su realización, se nota una claridad para contar historias), César Chávez tiene el estilo y propuesta de la cinta independiente hollywoodense con intención de discurso extra.

Entre el uso de material histórico original en específicos momentos para dar un contexto, para añadir una perspectiva, las tomas fijas en las conversaciones, no exagerando en esa cámara que se mueva constantemente recomponiendo el plano, tan del cine camp, con un reparto que cumple bien, desde Héctor Suárez robándose su escena con dos frases, a Michael Peña en réplicas intensas con John Malkovich, al apoyo de un elenco lleno de respetables talentos de ambos lado de la frontera (Rosario Lawson, Noé Hernández, America Ferrara) el filme tiene lo necesario para que su historia avance y vaya conectando con el público mientras devela una lección de historia social poco conocida. Es clara y no esconde su ánimo reverencial-motivacional. Funciona bien sin ser algo nunca antes visto o especialmente provocador o sorprendente.

Considerando que esta película también tendrá un estreno en Estados Unidos, que es una película de Canana producida en inglés con una clara intención comercial de abrirse espacio en dicho mercado (ojo, que no se lea esto como un juicio de valor, sino como una observación a nivel industria de un filme con talento y producción mexicana involucrada), César Chávez aprovecha la corrección política generacional (como mirada a un pasado con reflexiones pendientes: esclavitud, derechos de minorías, etc.) tan del gusto del público y de la industria americana (ahí está 12 years a slave), y apelará a ese público en Estados Unidos. A los curiosos de esas manifestaciones sociales-históricas poco conocidas pero de indudable postal superacional y motivacional. Así cómo César Chávez, como Harvey Milk. De atención a figuras sociales. Con el romanticismo social a la distancia (lo que por acá conectará con la audiencia hipster) de la época retratada, y del mensaje en el personaje.

César Chávez funciona, avanza, involucra y cuenta bien la historia de este indescriptible luchador de los derechos campesinos en Estados Unidos, en ese tono de filme independiente con aspiraciones hollywoodenses de mensaje social con una efectiva mezcla de repaso histórico documentado y drama humano.


Toronto, una metrópoli cinematográfica por excelencia


Por más de treinta años, la ciudad de Toronto se ha convertido en uno de los sets cinematográficos más empleados por distintas producciones.


POR Staff Rolling Stone México  



Por más de treinta años, la ciudad de Toronto se ha convertido en uno de los sets cinematográficos más empleados por distintas producciones.

Toronto, una metrópoli cinematográfica por excelencia

Por @OscarUriel

Podría sucederte que como fan del cine producido en Hollywood quisieras visitar la ciudad de Los Ángeles, California con la intención de conocer aquellas locaciones emblemáticas de tus películas favoritas. Tengo la seguridad que te llevarías una sorpresa al advertir que muchas de ellas no se realizaron en la entidad californiana ni en alguno de sus célebres estudios sino en la ciudad de Toronto, Canadá.

Por más de treinta años, la metrópoli canadiense se ha convertido en uno de los sets cinematográficos más empleados por distintas producciones de prácticamente todo el mundo. Los incentivos fiscales, los costos de producción y la apariencia de la ciudad (que puede representar con facilidad entidades como Nueva York o Chicago) han provocado que los productores volteen a ver a Toronto como una sólida respuesta a los altos costos que implica rodar en Hollywood.

En septiembre del año pasado tuvimos la oportunidad de viajar a la localidad con la misión de cubrir el célebre Festival de Cine que año con año se lleva acabo en la urbe, uno de los eventos obligatorios dentro de la industria cinematográfica internacional, y nos hospedamos en el legendario hotel Fairmont Royal York el cual, por ejemplo, funcionó como una de las locaciones centrales de la cinta Cinderella Man protagonizada por Russell Crowe y Renée Zellwegger. A propósito de esta actriz, Zellwegger también intervino en otra popular cinta titulada Chicago, para la cual se reclutó un elenco multiestelar dirigidos por Rob Marshall el cual residió en la ciudad por varios meses, incluso Richard Gere se refiere a la experiencia como el ‘campo de reclutamiento’ más demandante al que ha asistido en su carrera. La película tuvo como locaciones el Distillery District, uno de los atractivo turísticos mas visitados de la zona y el cual ha servido de de valioso set para películas como El Corcel Negro y La Mosca, aquella cinta de terror dirigida por David Cronenberg y protagonizada por Jeff Goldblum.

El Corcel Negro (una de mis cintas infantiles favoritas de siempre) también hizo uso de lugares como el Hipódromo Woodbine, emplazamiento en donde se realizaron trascendentales secuencias de la producción. A pesar de que la acción se lleva acabo en la ciudad de Boston, esta entidad también sirvió de locación para Good Will Hunting, en particular la zona de la calle Front la cual se hizo pasar por los bares aledaños a la Universidad de Harvard frecuentados por los arrogantes estudiantes de la facultad y en donde Matt Damon filmó importantes escenas de la historia bajo la dirección de Gus Van Sant. La misma arquitectura moderna de la capital ha inspirado a un grupo de realizadores de películas de ciencia ficción a utilizar edificios públicos de Toronto como fundamentales locaciones, tal es el caso del ayuntamiento de la ciudad la cual funcionó para las necesidades solicitadas de cintas como Resident Evil:Apocalypse y el reciente remake de Total Recall estelarizado por Colin Farrell, Jessica Biel y Kate Beckinsale.

Seguramente si visitas la Universidad De Toronto identificarás de inmediato zonas aprovechadas en producciones como The Incredible Hulk (la protagonizada por Edward Norton y Liv Tyler), Mean Girls y Capote, el memorable biopic dirigido por Bennett Miller y estelarizado por Philip Seymour Hoffman, trabajo por el cual fue merecedor de un premio Oscar en la categoría de mejor actuación masculina de ese año.

Finalmente no creo que exista cinta actual que prepondere más la entidad de Toronto como Scott Pilgrim Vs The World, producción que casi ha logrado un estatus de culto en las nuevas generaciones por su osada adaptación de las populares novelas gráficas. En la película, podemos reconocer con suma facilidad sitios como el Parque Hillcrest, la notable preparatoria St. Michael, la Biblioteca Pública de Toronto e incluso varias establecimientos Second Cup (versión canadiense de Starbucks), todos adaptados perfectamente a la fantástica anécdota dirigida por Edgar Wright. La próxima vez que que prepares un viaje con la finalidad de reconocer locaciones alegóricas del cine contemporáneo, la ciudad de Toronto resulta más que una atractiva alternativa.


La Otra Cartelera por Arturo Aguilar


J. Edgar y Necesitamos Hablar de Kevin en las recomendaciones de esta semana en La Otra Cartelera por Arturo Aguilar


POR Staff Rolling Stone México  



J. Edgar y Necesitamos Hablar de Kevin en las recomendaciones de esta semana en La Otra Cartelera por Arturo Aguilar

La Otra Cartelera por Arturo Aguilar

J. Edgar
(estreno: 6 de enero)

De los muchos intereses de Clint Eastwood (un porcentaje importante de su filmografía se asoma a historias de redención y segundas oportunidades: Los Puentes de Madison County, Million Dollar Baby, The Unforgiven, Gran Torino, Space Cowboys), los últimos años han permitido al legendario actor, director y músico adentrarse en el retrato histórico de personajes importantes, vistos bajo una lupa mucho más humana y emocional.

Así lo hizo en parte en Invictus, una mirada no tan directa al líder sudafricano Nelson Mandela; y así lo hace ahora en J. Edgar, un retrato íntimo, contemplativo y cadencioso sobre el mítico creador del FBI, de la evolución de su poder político desde la creación de esta institución en 1924 hasta su muerte casi 50 años después (en 1972).

Lo interesante de Eastwood en J. Edgar es que el realizador no trata de esclarecer misterios o resolver secretos sobre tan polémico personaje en la historia moderna de los Estados Unidos, sino que prefiere asomarse a su lado más emocional y reservado, a las dudas, miedos, frustraciones y fantasmas psicológico-sociales-emocionales. Se trata de un ejercicio para conocer a un Edgar Hoover mucho más complejo.

Eastwood está sin duda interesado en reflexionar sobre el recuerdo colectivo de estos personajes tan conocidos y lo poco desconocido y lo complejo de sus vidas que nunca salió a la luz. No deja de ser quizás un espejo en el que empieza a reflexionar sobre su propio trabajo y lo que el público puede ver o conocer de él mismo.

La cinta poco se asoma a detalle en específicos escenarios políticos provocados por el poder acaparado por Hoover, y prefiere quedarse en una mirada más amplia que acompaña ese largo proceso de crecimiento profesional desde lo privado, lo familiar, lo secreto, desde un ejercicio del propio Hoover de mirar hacia atrás y reflexionar y recordar su propia historia.

Como Edgar Hoover, Leonardo DiCaprio confirma por momentos su innegable talento, pero sigue quedando a deber su capacidad para representar personajes de mayor edad (en El Aviador, como Howard Hughes, sufrió por lo mismo). Más allá del maquillaje, DiCaprio no logra dar un registro de voz o visual que nos permita olvidar al actor joven detrás del personaje. Pero esto no entorpece ni limita la experiencia de una película pausada e interesante, para muchos un tanto distinta dentro de la propuesta Eastwood, pero sin dudas una oferta atractiva en la que se puede confirmar la enorme madurez cinematográfica de Eastwood para contar historias.

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Necesitamos hablar de Kevin
(estreno: 13 de enero)

En el mismo eje temático en el que desde diversos ángulos algunos filmes abordan la violencia y su genésis (desde los clásicos Perros de Paja de Peckinpah o El Huevo de la Serpiente de Bergman hasta filmes contemporáneos como En Un Mundo Mejor de Susanne Bier, Elefante de Gus Van Sant o Una Historia de Violencia de Cronenberg), Necesitamos hablar de Kevin levanta la mano como una de las propuestas más interesantes, profundas y cinematográficamente sobresalientes de los últimos años.

El filme dirigido por Linney Ramsay, protagonizado (soberbiamente, vale decir) por Tilda Swinton, nos lleva por un tour-de-force psicológico e introspectivo con constantes saltos en el tiempo (no se preocupen, está tan bien estructurado el filme, que uno no se pierde ni se confunde) por la vida de una madre y su hijo, de la paulatina y constante evolución en su relación, de los guiños y momentos que marcaban la dinámica entre uno y otro y de los monstruos que se pueden ir formando frente a nosotros sin notarlo.

El cadencioso y contemplativo ritmo de la cinta nos va atrapando en una espiral de preocupaciones y alertas que poco a poco se van sumando, que van dando forma a una sorpresa de monstruosa cercanía con la realidad.

No les voy a contar la sorpresa, sería echarles a perder parte importante de esta experiencia cinematográfica. Pero más allá de esos elementos sorpresa dentro de la historia, lo realmente importante de un filme como Necesitamos Hablar de Kevin es que deja en la mesa y en la mente preguntas y reflexiones mucho más profundas sobre lo que somos, sobre la influencia de nuestros actos o la complejidad de la naturaleza humana.

La pregunta con la que la distribuidora ha lanzado la campaña de esta película resume adecuadamente las intenciones reflexivas del filme de Ramsay : ¿Son los pecados de los hijos responsabilidad de los padres? Vayan a ver Necesitamos Hablar de Kevin, seguro les dará algo en qué pensar para intentar responder esa pregunta.

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Lynne Ramsay habla acerca de su película ‘Tenemos que hablar de Kevin’


Lynne Ramsay, directora de la película ‘Tenemos que hablar de Kevin’, habló en exclusiva con Rolling Stone México acerca de esta cinta


POR Staff Rolling Stone México  



Lynne Ramsay, directora de la película 'Tenemos que hablar de Kevin', habló en exclusiva con Rolling Stone México acerca de esta cinta

Lynne Ramsay habla acerca de su película ‘Tenemos que hablar de Kevin’

Por OscarUriel

lynne-ramsay1Lynne Ramsay ha definido su más reciente película titulada Tenemos que hablar de Kevin como “su propio Fitzcarraldo” y esque la talentosa realizadora escosesa llegó a tierras norteamericanas para encontrarse con dificultades tales como: un rodaje de tan sólo 30 días y un sindicato de actores que regula celosamente las jornadas de trabajo de los niños.

Platicamos en exclusiva en el marco del Festival de Cine de Toronto con Ramsay, probablemente una de las jóvenes directoras más interesantes trabajando en la actualidad. Para muestra basta mencionar Ratcatcher y Movern Callar, títulos que confirman su rigor y sus interesantes propuestas cinematográficas que la han convertido en una de las voces esenciales del cine británico. Su última película probablemente se trate de su mejor trabajo, una adaptación de la popular novela del mismo título de Lionel Shriver, un escalofriante recuento de una masacre en un colegio, orquestada por un adolescente desequilibrado, sin embargo la cinta va mucho más allá de la anécdota de actualidad, se trata del punto de vista de la madre (interpretada por la imponente Tilda Swinton) quien trata de entender lo que acontece en su familia.

“La novela está conformada por una serie de cartas. Es epistolar. Es un texto poco  cinematográfico por lo que constituyó un verdadero reto la interpretación para poderlo convertir en una película, transportarlo a imágenes y la cambiar su estructura original. Me interesaba centrar la atención en la relación madre e hijo. Creo que Elephant de Gus Van Sant es un gran filme sobre violencia en las escuelas. Visualicé esta película como una serie de piezas de “performance”. Es una historia de amor que se convierte en una relación un tanto perversa. En general se trata de un acto de coraje. Lo curioso es que a la autora de la novela le encantó la película. Me dijo que le parece muy similar a su texto”, comparte con nosotros una visiblemente entusiasta Ramsay quien confesó sufrir en ese momento una fuerte resaca, consecuencia de la fiesta de estreno de la película dentro del festival.

La figura de Ramsay también ha inspirado a una nueva generación de directores. El misterio envuelve a la cineasta quien, a pesar de las célebres recepciones de su trabajo, tiene apenas tres películas en su filmografía.

936full-we-need-to-talk-about-kevin-artwork“A veces tienes que dejar pasar el tiempo entre película y película para madurar. Estuve involucrada durante tres años en una cinta titulada The Lovely Bones con una productora que tenía poca experiencia en el medio y compró los derechos de la novela incluso antes de que se terminara de escribir la novela. De pronto el libro se convirtió en un bestseller y muchas personas importantes trataron de involucrarse en la película pero yo quería hacerla a mi manera entonces, esto implicaba tener que realizarla de otra forma. Probablemente pude haber ganado mucho dinero a costa de una mala cinta pero decidí abandonar el proyecto, despúes lo tomó Peter Jackson. Fue periodo muy difícil y oscuro. Tres años invertidos en un proyecto personal que no se consumó”.

Pero llegó a manos de Ramsay otro texto que llamó su atención, una particular novela con una temática por demás actual abriendo y que le abriría la oportunidad de realizar un filme controvertido protagonizado por una serie de personajes complejos.

“Tuve la suerte de contar con un excelente grupo de actores. No tenía mucho dinero y cuando llegué a los Estados Unidos, estaba perfectamente consciente de que tendría que hacer el proceso de casting en un tiempo muy corto porque también quería tener la oportunidad de ensayar con el niño y el joven que interpretarían a Kevin en sus dos diferentes etapas (Jasper Newell y Ezra Miller respectivamente). Decidí estar en contacto cercano con los padres de Jasper para ganar su confianza además de crear una atmósfera de trabajo tranquila, a base de juegos que lo acercarían a la historia. Con Ezra fue todo más fácil, cuando entró a la habitación donde hacíamos las entrevistas inmeditamente supe que teníamos a nuestro Kevin, era un chico de 16 años y se comportaba como un hombre de 45, era un tanto intimadante conocer a alguien así. Es una de las personas más inteligente que he conocido en mi vida. Te puedo decir que se trató de la filmación más divertida de mi carrera a pesar de la temática de la misma”.

La recepción de la cinta ha sido más que positiva. La crítica ha alabado el trabajo de Ramsay quienes han calificado al filme como un afortunado retorno detrás de cámaras, sin embargo, es Tilda Swinton quien ha llamado la atención de tal forma que se le considera como una de las fuertes candidatas a la entrega de reconocimientos y preseas del próximo año a lo mejor de la cinematografía del 2011.

“Para serte sincera nunca consideré a Tilda en un principio. Creía que era demasiado atractiva para interpretar a una madre de familia común y corriente. No sé como leyó el guión pero me buscó para invitarme a comer y decirme que le interesaba mucho hacer la película, despúes de una botella de vino finalmente le dije que sí. Me parece que esta cinta significa mucho para Tilda pues estamos acostumbrados a verla en filmes como Orlando o interpretando a una bruja blanca pero rara vez a una persona normal. La película le pertenece a Tilda, simplemente es maravillosa”, concluye Ramsay.


Radiohead y Eddie Vedder seleccionan las canciones para un disco de éxitos de Sonic Youth


Radiohead, Eddie Vedder, The Flaming Lips, entre otros, escogieron las canciones que conforman un nuevo disco de éxitos de Sonic Youth


POR Staff Rolling Stone México  



Radiohead, Eddie Vedder, The Flaming Lips, entre otros, escogieron las canciones que conforman un nuevo disco de éxitos de Sonic Youth

Radiohead y Eddie Vedder seleccionan las canciones para un disco de éxitos de Sonic Youth

Radiohead y Eddie Vedder, Mike D de Beastie Boys, Chloe Sevigny, Flea de Red Hot Chili Peppers, son algunos de los músicos y celebridades que escogieron canciones para una compilación de éxitos de Sonic Youth. Originalmente el disco se editó en 2008  y estuvo disponible solamente en Estados Unidos, pero ahora saldrá a nivel mundial.

El disco se titula Hits Are For Squares y saldrá a la venta el 31 de octubre y cuanta con la participación de artistas como Beck, la actriz Portia De Rossi, la guionista Diablo Cody, el director Gus Van Sant o The Flaming Lips.

Hits Are For Squares tracklist:

“Bull in the Heather” (seleccionada por Catherine Keener)
“100%’ (seleccionada por Mike D)
“Sugar Kane” (seleccionada por Beck)
“Kool Thing” (seleccionada por Radiohead)
“Disappearer” (seleccionada por Portia de Rossi)
“Superstar” (seleccionada por Diablo Cody)
“Stones” (seleccionada por Allison Anders)
“Tuff Gnarl’ (seleccionada por Dave Eggers and Mike Watt)
“Teenage Riot” (seleccionada por Eddie Vedder)
“Shadow of a Doubt” (seleccionada por Michelle Williams)
“Rain on Tin” (seleccionada por Flea)
“Tom Violence” (seleccionada por Gus Van Sant)
“Mary-Christ” (seleccionada por David Cross)
“World Looks Red” (seleccionada por Chloe Sevigny)
“Expressway to yr Skull” (seleccionada por The Flaming Lips)
“Slow Revolution” (track nuevo)