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Frank Turner y las contradicciones que dan vida a su arte


Previo a su presentación en Departamento, el músico británico se tomó un tiempo para platicar sobre los debates internos que lo llevan a escribir letras brutalmente honestas.


POR Priscila Núñez  



Frank Turner y las contradicciones que dan vida a su arte

Vuelo. Hotel. Prueba de sonido. Concierto. Dormir. Repetir. Para alguien que ha estado saliendo de gira por 10 años, esa rutina ya ha perdido y ganado su sabor cientos de veces.

Una década es tiempo suficiente para que un músico gane madurez y conciencia de sí mismo y todo lo que le rodea, y si es lo suficientemente afortunado, también puede encontrar la fórmula para su arte: Frank Turner, el músico británico, entendió en esos años de carrera que el arte surge donde dos ideas se contraponen.

Turner ha pasado la mayor parte de su vida debatiéndose entre la nostalgia por su hogar y el deseo de salir a recorrer y explorar el mundo, entre el folk y el punk, entre la técnica y la sustancia, entre la forma y el fondo, y por si fuera poco, es una especie de geek musical en el cuerpo de un punk.

Nacido en Hampshire, Inglaterra, inició su carrera explorando la música hardcore siendo vocalista de Million Dead y cuando la banda se separó en 2005, su deseo por explorar el orbe lo llevó a continuar su carrera como solista, esta vez con un estilo más acústico, influenciado por Johnny Cash y Bruce Springsteen.

A finales del 2015, Turner lanzó su sexto álbum de estudio Positive Songs for Negative People, el cual ha estado llevando a diferentes rincones del mundo durante los últimos dos años. Es el mismo tiempo que ha pasado desde que pisó suelo mexicano, cuando visitó Guadalajara para tocar en la Feria Internacional del Libro y la Ciudad de México para abrir el concierto de sus amigos NOFX.

Se puede decir que Frank Turner inauguró con el pie derecho la temporada de conciertos de 2017 con su show en Departamento el pasado 13 de enero, un lugar bastante pequeño e íntimo que nunca antes se había visto tan lleno. Pero antes de que eso pasara, el músico se tomó un tiempo para visitar la Casa Rolling Stone y platicar.

No sabía qué esperar de alguien que puede transitar con tanta facilidad entre el punk y el folk, pero desde que llega se muestra carismático, atento y confiado. Conforme la conversación avanza, me doy cuenta de que es transparente como su música, por momentos parece ser que piensa en voz alta pero no le molesta expresarse con tanta sinceridad.

Cuando me saluda se adelanta a iniciar la charla preguntándome cómo me encuentro, lo hace de una forma que denota genuino interés y no un simple compromiso, después comienza a platicarme de las vacaciones que recientemente pasó en playas mexicanas y del profundo cariño que siente por nuestro país: “Es difícil no amar un lugar en el que todos son muy amables contigo”, me dice.

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Es un personaje tan peculiar que no voy a tratar de descifrarlo, prefiero contar lo que sucedió en nuestro encuentro y dejar que cada quien saque sus propias conclusiones:

Cuando escuché Positive Songs for Negative People me sentí en una especie de montaña rusa emocional. Creo que hoy en día son pocos los músicos que se expresan de una forma tan directa y honesta. Tu álbum es brutalmente honesto, ¿es esa la forma en la que concibes tus canciones?
Sí, porque eso es lo que disfruto de la música, pero no significa que tengas que ponerte a leer tu diario, hay otros acercamientos. Uno de mis escritores favoritos y principal influencia es Aidan Moffat, quien está en una banda llamada Arab Strap. Recuerdo la primera vez que escuché Philophobia, simplemente no podía creer lo rudas que eran las letras de ese álbum. Me atrapó completamente.

Cuando comencé a incursionar en la escena de Gran Bretaña, The Libertines estaban en su apogeo, mucha gente me criticó por eso que acabas de decir, decían: “Es demasiado honesto, no hay nada de ironía en sus letras”. ¿Cuál es problema con eso? Encuentro interesante cuando en la expresión las personas dicen algo que ya no pueden retirar porque eso es lo que lo vuelve emocionante.

Definitivamente eso suena más como un halago porque eso es lo que cautiva del arte en general, el darte cuenta de que no estás solo en el mundo, de que alguien más se ha sentido como tú, es decir, cuando puedes encontrarte en el otro.
El arte es acerca de conectar. Por supuesto también se trata de interpretación. Muchas veces las personas me preguntan de qué tratan mis canciones y por supuesto que no les voy a decir porque en la música todo es acerca de lo que rescates de ella, no se tiene que pensar tanto.

Se tiene que sentir, se fluye con ella.
Exacto. Una de mis letras favoritas de todos los tiempos es “Sulk” de Radiohead. La forma en la que Thom Yorke canta “Just like your dad, you’ll never change”… hay mucho enojo en su voz. Me encanta.

En alguna ocasión dijiste que al momento de componer te conviertes en un sonámbulo porque realmente no hay un proceso…
Esa es verdaderamente una buena frase. Creo componer son dos cosas: es arte y es técnica. Hay dos niveles, en un nivel pienso en la composición de una forma muy analítica. Trato de aprender y me siento a analizar canciones de Regina Spektor o de Kate Bush para ver cómo componen; pero aunque puedes practicar la técnica o ir a una escuela para aprenderla, si no tienes cierta sensibilidad artística, estás jodido, una computadora podría hacerlo.

Explicar la parte artística con palabras es muy difícil. Puedo recordar ciertos momentos en los que surgió una idea para una canción, la forma en que quería que se sintiera y la dirección que me gustaría que tomara; después es como si hubiera caminado dormido o faltara una escena, de pronto tengo una canción terminada y no estoy muy seguro de cómo pasó. Es increíble. Este verano escribí una canción sobre la esposa del poeta William Blake, Catherine Blake. Tuve la idea de esa canción por la mañana y durante la tarde ya la tenía terminada. No estoy seguro de cómo fue posible.

¿Esa canción estará en tu próximo álbum?
¡Oh! Creo que no debí de haber mencionado esa canción en particular. Positive Songs salió hace un año y medio y por primera vez en mi vida hice un plan que va saliendo bien. Cuando salió el álbum, decidí que iba a salir de gira por dos años y ya casi se cumplen, ¿puedes creerlo? ¡Un plan de dos años que funciona!

Lo más importante en mi cabeza en este momento es un nuevo álbum. Sería mi séptimo trabajo de estudio y siento que no necesito apresurarme, aunque también siento que tengo la oportunidad y el deber de hacer algo diferente. Quiero hacer algo que sorprenda a la gente, tal vez que la haga enfadar. El peor lugar para un artista es su zona de confort, uno tiene que tratar de hacer algo que no sabe hacer. Con eso en mente, estoy trabajando en las nuevas canciones.

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Ahora que comentabas de los dos niveles de los que se compone la composición, me surgió la duda de qué es lo que prioriza Frank Turner. ¿La técnica o el arte?, ¿la forma o el fondo?
Para mí la parte importante es la sustancia, el alma. Aunque claro, amo ser un geek de técnica musical. Últimamente he estado estudiando la historia de la música country y es maravilloso descubrir que Jimmy Rodgers introdujo un nuevo acorde al género, un acorde que nunca nadie había utilizado. ¡Cuán increíble es eso! Ese tipo de cosas me interesan mucho, pero es una pasión un poco nerd, como Calabozos y Dragones.

Lo que realmente importa, o por lo menos, la razón por la que yo hago música, es el arte. Por regresar al ejemplo de la música country, la estructura, las melodías y los arreglos en las canciones que pertenecen al género a menudo son muy similares, pero lo que diferencia a un buen cantante de country es el alma.

Cuando escucho tu música siento que hay dos versiones de Frank Turner, porque aunque logras combinar exitosamente el folk con el punk, cada canción siempre se inclina más hacia un lado de la balanza.
Sí, tal vez soy un esquizofrénico musical. Una de las cosas que trato de hacer ahora mismo es poner más puntos en el mapa, porque hay mucho folk en lo que hago, hay mucho country, mucho punk e indie rock… creo que es momento de traer a la mesa nuevas ideas. He estado escuchado mucha música electrónica y quien sabe, tal vez haga un disco electrónico.

A eso te refieres cuando dices que vas hacer enojar a las personas…
Sí. No quiero ser delicado con los sentimientos de otras personas, la única audiencia que importa para un escritor es su propio juicio. Hay artistas que al escribir se centran solo en los fans, cuando tu inspiración puede ser alguien de tu familia, un amigo o una novia, lo que importa es que tú creas y te convenzas de que esa es la mejor canción que puedes escribir. Si la respuesta es no, entonces deséchala.

Tampoco creo que haya algo malo con tener diferentes líneas dentro de mi música y mi filosofía, porque es mi forma de ver al mundo. Por ejemplo, uno de los temas que es muy importante para mí es la tensión que existe entre la nostalgia que siento por mi hogar y el deseo de salir a explorar el mundo. He estado de gira desde que tenía 16 años y hay días en los que no puedo más, quiero regresar a mi casa y quiero tener una vida normal; pero a penas regreso, no puedo evitar pensar “mierda, sáquenme de aquí”. No creo que tenga que reconciliar esos sentimientos, porque en medio de esa tensión surge el arte.

Siempre he creído que las canciones cambian y evolucionan con el tiempo, ¿cómo has sentido que los temas de Positive Songs han madurado después de estar de gira durante dos años?
Próximamente se van a cumplir 10 años desde el lanzamiento de mi primer álbum y aunque sigo tocando muchas de esas canciones, escucharlas es como ver una fotografía vieja de ti mismo y pensar “ese era un mal corte de pelo”. Por supuesto que las canciones maduran, se añejan, algunos músicos aseguran que se descubre cómo debe ser tocada una canción seis meses después de haberla grabado.

Con este álbum la verdad es que mi banda, The Sleeping Souls y yo hicimos trampa. Escribí las canciones, les dimos forma y las ensayamos durante la gira anterior. Las tocábamos durante el soundcheck, incluso en algunos conciertos; la idea era que íbamos a dejar que tomaran forma antes de grabarlas.

Para mí las canciones son como esqueletos, pueden ser delgadas o gordas pero mientras tengan una melodía y arreglos que funcionan, eso permanece.

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Hablando de cambios, creo que son muy notorios entre una canción y otra en Positive Songs, pero también a lo largo de tu carrera, ¿qué fue lo que te hizo dejar atrás el hard punk para encontrar el estilo que tienes ahora?
Podría decirse que fue la canción “Nebraska” de Bruce Springsteen lo que me hizo darme cuenta de que eso era lo que quería hacer, pero es chistoso, porque esa es la manera en que una historia larga se ha comprimido con el tiempo. Básicamente, cuando era joven no escuchaba nada que no fuera punk o metal, pero cuando se acabó Million Dead el tema de Springsteen era muy importante para mí, así como America Recordings Series de Johnny Cash y Heartbreaker de Ryan Adams. Esa música me atrapó completamente porque nunca había escuchado a gente ser heavy sin ser ruidosa, porque ser pesado y rudo estaba directamente relacionado con el volumen. La idea de que Johnny Cash podía ser heavy en “Delia’s Gone” sin tener que tener la cabeza rasurada y subir al escenario sin playera me cautivó por completo.

Hasta el momento, ¿qué es lo que te ha cautivado durante esta gira que ya estés incorporando en tu nuevo álbum?
En términos de inspiración he tratado de educarme un poco en la historia de la música, pero también he tratado de prestarle atención a los actos jóvenes, yo tengo 35 años y no hay mucha gente de mi edad haciendo música, parece ser que conforme te vuelves mayor el campo de oportunidad se adelgaza, así que me enorgullece seguir adelante. Creo que muchas personas piensan que tus influencias tienen que ser ancestrales, pero a la mierda. Hay actos que me han acompañado en la gira como Will Barley que es un escritor excelente, además de que hay una especie de frescura cuando se es joven; también hay un grupo de Canadá llamado Arkells y su último álbum es el mejor disco rock que he escuchado en lo último 10 años.

Sé que aunque en los últimos años has mantenido tu música lejos de cualquier pronunciamiento político, el estado actual del mundo ha despertado tu naturaleza punk, así que me gustaría saber ¿cómo crees que serán los primero días del gobierno de Donald Trump?
El asunto de Trump está bastante jodido. El año pasado estuvimos de gira en Estados Unidos y amo el país, amo su cultura y su gente. No soy un experto pero me gustaba pensar que sí obtuve una idea de como es el país; siempre creí que mis amigos americanos no iban a cometer el error de votar por él y que todo va a estar bien. Ahora veo que me equivoqué.

Es un poco aterrador, siento que el mundo vive en un estado liberal de postguerra y parece estarse cayendo. Es aterrador también si se tiene en cuenta que el periodo de 2008 a 2015 fue uno de los más pacíficos en la historia del país. No sé que va a pasar, creo que parte del problema es que no sabemos qué va a hacer. Cada que alguien quiere hacer una predicción acerca de su siguiente movimiento, se equivoca.

Es cierto que llevo varios álbumes tratando de mantenerme alejado de la política porque me cansé de que siempre es lo mismo, en general es algo que le pasa a mucha gente, pero en lugar de alejarnos deberíamos involucrarnos. Personalmente creo que por primera vez en mucho tiempo estoy empezando a pensar en que la música y la política van de la mano, así que tal vez haga un disco de protesta, un disco electrónico de protesta.

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Motörhead estrena el video oficial de “Heartbreaker”


El video fue producido por Epigraphics y cuenta con animaciones del artista Lemmy Kilmister.


POR Staff Rolling Stone México  



El video fue producido por Epigraphics y cuenta con animaciones del artista Lemmy Kilmister.

Motörhead estrena el video oficial de “Heartbreaker”

Motörhead estrenó el día de hoy el video oficial de “Heartbreaker”, sencillo titular de su más reciente material, Aftershock.

Aftershock, placa que saldrá a la venta el 22 de octubre, es el vigésimo primer álbum de estudio de la banda, que fue grabado en los estudios RG de North Hollywood, bajo la dirección de Cameron Webb.

Cabe mencionar que el estreno de Aftershock sucede a un verano difícil para la banda, tras la cancelación de una serie de conciertos debido a problemas de salud de su bajista Lemmy Kilmister.

Aquí el video de “Heartbreaker”, que fue producido por Epigraphics y cuenta con animaciones basadas en dibujos de Lemmy Kilmister.


Se filtra “Heartbreaker”, nuevo tema de Motörhead


El tema forma parte de Aftershock, vigésimo primer placa de estudio de la banda.


POR Staff Rolling Stone México  



El tema forma parte de Aftershock, vigésimo primer placa de estudio de la banda.

Se filtra “Heartbreaker”, nuevo tema de Motörhead

“Heartbreaker”, sencillo titular del nuevo álbum de estudio de Motörhead, Aftershock, se filtró unos días antes de su estreno oficial.

Aftershock, placa que saldrá a la venta el 22 de octubre, es el vigésimo primer álbum de estudio de la banda, que fue grabado en los estudios RG de North Hollywood, bajo la dirección de Cameron Webb.

El estreno de la placa sucede a un verano espinoso para la banda, quienes cancelaron una serie de conciertos debido a problemas de salud de su bajista Lemmy Kilmister.

Escucha “Heartbreaker” de Motörhead a continuación.

ZINIO


Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos


Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos


POR Staff Rolling Stone México  



Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos

Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos

Jimi Hendrix1.- Jimi Hendrix
Por Tom Morello

Jimi Hendrix detonó nuestra concepción de lo que el rock podía ser: manipuló la guitarra, el trémolo, el estudio y el escenario. En temas como “Machine Gun” o “Voodoo Chile”, su instrumento es como una vara de percepción de los turbulentos años sesenta, puedes escuchar los disturbios callejeros y las bombas de Napalm que caen desde los cielos de su “Star-Spangled Banner”. Tocaba sin esfuerzo. La canción más bella del canon de Jimi Hendrix es “Little Wing”. Si eres guitarrista, podrías pasarte la vida entera estudiando los detalles, pero jamás descubrirás los secretos de lo que él tenía. Hendrix entreteje perfectamente los acordes con las notas sueltas y luego utiliza progresiones que no aparecen en ningún libro de teoría musical. Sus riffs son como una aplanadora funk y pre-metalera, y las líneas de sus solos una especie de viaje de ácido y electricidad que te conduce a una bifurcación en el camino.

Escucha: “Purple Haze”, “Foxey Lady”, “The Star-Spangled Banner” y “Hey Joe”.

2.- Eric Clapton
Por Eddie Van Halen

En realidad, Eric Clapton es el único guitarrista que ha sido una verdadera y única influencia en mí, a pesar que mi estilo no se parece en nada al suyo. Su manera de tocar ostenta una simplicidad primordial y su estilo, vibra y esto no es más que un eco de este hecho. Conectaba su guitarra Gibson a un Marshall y eso era todo. Lo más básico. El blues. Sus solos eran melódicos y memorables, justamente así deben ser los solos de guitarra: sólo una parte de la canción. Podría tarareártelos.

Escucha: “Bell Bottom Blues”, “Crossroads” y “White Room”.

3.- Jimmy Page
Por Joe Perry

Lo que Jimmy Page hace en la guitarra puede transportarte. El solo de “Heartbreaker” es increíble por su inmediatez; como si estuviera en la orilla del desfiladero de su propia técnica y la gente sigue volviéndose loca cuando lo toca en vivo. Jimmy edificó un catálogo increíble de experiencia con The Yardbirds y su trabajo como músico de sesión, así que durante la grabación del primer disco de Led Zeppelin él ya sabía exactamente cuáles eran los sonidos que necesitaba.

Escucha: “Dazed and Confused”, “Heartbreaker” y “Kashmir”.

4.- Keith Richards
Por Nils Lofgren de The E Street Band

Recuerdo cuando escuché “Satisfaction” por primera vez; estaba en la secundaria, pero sobre todo recuerdo lo que dicho tema me hizo sentir: me asustó. Keith escribió muchos temas con dos o tres notas y todos ellos han demostrado ser mucho más poderosos que cualquier solo de guitarra. Recuerdo cuando se me ocurrió practicar la parte del coro de “Beast of Burden”, pensé: “Los acordes son correctos, pero nada de esto suena a Keith”, la afinación era lo máximo: un acorde hermoso que parece una voz que canta. Así es la médula de todas las partes grandiosas de guitarra de cualquier disco de The Rolling Stones. Keith siempre encuentra la afinación perfecta para impedir que el trabajo –me refiero al trasteo, al muting en las cuerdas– se interponga u obstaculice la expresión de sus sentimientos.

Escucha: “(I Can’t Get No) Satisfaction” y “Gimme Shelter”.

5.- Jeff Beck
Por Mike Campbell de The Heartbreakers

Jeff beck sabe combinar brillantemente la técnica con la personalidad como si nos estuviera diciendo: “Soy Jeff Beck y aquí estoy, será imposible ignorarme”. Incluso en The Yardbirds su tono era melódico así como directo y golpeador, luminoso, apremiante y filoso, pero al mismo tiempo dulce. Uno podía caer en cuenta de que se trataba de un ejecutante serio y que ninguna otra cosa le interesaba. No se guardaba nada. Jeff no se entromete, pero tampoco cede terreno, dominando la maestría en poder tocar junto y alrededor de un vocalista, respondiéndole, presionándolo, ahí radica la belleza del par de discos que grabó con Rod Stewart.

Escucha: “Beck’s Bolero”, “Freeway Jam”, “A Day in the Life”, “I Ain’t Superstitious” y “Heart Full of Soul”.

6.- B.B. King
Por Billy Gibbons

Las influencias de B.B. quedaron establecidas a muy temprana edad. Como nativo de Indianola, Mississippi, él puede retroceder lo suficiente para regresar el sonido de los campesinos y de las figuras del blues, entre ellos Charlie Patton y Robert Johnson aunque el fraseo de una sola nota de T Bone Walker es otra cosa. Podemos escuchar estas influencias en la selección de melodías que no sólo canta con la boca sino que también permite que su guitarra lo haga instrumentalmente.

Escucha: “3 O’Clock Blues”, “The Thrill is Gone” y “Sweet Little Angel”.

7.- Chuck Berry
Por Keith Richards

Cuando vi a Chuck Berry en el festival “Jazz On A Summer’s Day”, yo era un adolescente y lo que me dejó impresionado fue su manera de ir a contracorriente, tocando algo que no tenía nada que ver con el resto de los jazzistas. Todos eran buenísimos pero su actitud era la típica del jazzista: “Eso que llaman rock & roll…”. Con “Sweet Little Sixteen”, Chuck tomó el escenario por asalto a pesar de la antipatía de todos los presentes, en mi opinión eso es el blues, esa es la actitud y esas son las agallas que se requieren. Yo quería ser así, pero mi piel era blanca.

Escucha: “Johnny B. Goode”, “Maybellene” y “Roll Over Beethoven”.

8.- Eddie Van Halen
Por Mike McCready de Pearl Jam

Tenía 11 años y estaba en casa de mi maestro de guitarra, cuando de pronto se escuchó “Eruption” en el estéreo, sonaba como si viniera de otro planeta, yo comenzaba a aprender los acordes básicos y cosas como AC/DC y Deep Purple, y no le encontraba el sentido a “Eruption”, pero me pareció gloriosa. Eddie es un maestro del riff: “Unchained”, “Take Your Whisky Home”, el comienzo de “Ain’t Talking ‘Bout Love”, los sonidos que saca no siempre suenan como de guitarra, muchas armonías y texturas brotan gracias a su estilo de plumilleo.

Escucha: “Eruption”, “Ain’t Talking ‘Bout Love” y “Hot for Teacher”.

9.- Duane Allman
Por Robert Randolph

Crecí tocando la guitarra en una iglesia y la idea consistía en imitar la voz humana. Tan sólo en esos términos, Duane Allman fue quien llevó todo al siguiente nivel, él solía ser mucho más preciso que todos sus predecesores. La primera vez que escuché todos los discos viejos de The Allman Brothers, me pareció muy extraño porque los sonidos eran realmente similares a la música con la que crecí.

Escucha “Layla”, sobre todo cuando pasa a la parte final, Duane se desliza con su slide a lo largo y ancho de la melodía; yo repetía esta canción una y otra vez mientras intentaba dormir.

Escucha: “Statesboro Blues”, “Whipping Post” y “Blue Sky”.

10.- Pete Townshend
Por Andy Summers

Pete Townshend no acostumbra tocar muchos solos, por lo cual mucha gente no sabe lo bueno que realmente es. Pero para el rock es uno de los más importantes. Su guitarra rítmica es agresiva y extremadamente emocionante, tiene una conexión fluida y maravillosa, no es algo que puedas ver todos los días y su forma de tocar es como un reflejo de su personalidad. Es intenso, es el primer punk, el primero que destruyó una guitarra sobre el escenario, una auténtica declaración que dejó a todos sin aliento; pero a la vez, estamos hablando de una persona culta y articulada, le encanta el jazz y alguna vez me dijo que eso era lo que en realidad se le antojaba tocar.

Escucha: “My Generation”, “I Can See For Miles” y “Summertime Blues”.

11. George Harrison
Por Tom Petty

George Harrison y yo estábamos en el auto, cuando de pronto empezó a sonar la canción “You Can’t Do That” de The Beatles, el principio era hermoso, un riff de una guitarra de 12 cuerdas, él me dijo: “Eso fue idea mía”, “¿En serio?”, exclamé yo, a lo que George contestó y explicó: “Estaba parado y de la nada pensé: ‘¡Tengo que hacer algo!’”; eso dice mucho de su forma de ser, siempre que se le metía algo en la cabeza no paraba hasta lograrlo y eso fue parte primordial de la magia de The Beatles, nunca paraban hasta lograr lo que se proponían. George se sabía de memoria los solos más raros de Elvis; el rockabilly fue su influencia más importante pero siempre le gustó añadir detalles.

Escucha: “I Saw Her Standing There” y “Something”.

12.- Stevie Ray Vaughan

A principios de los años ochenta, MTV comenzaba su ascenso y la guitarra de blues estaba a años luz del centro neurálgico de la música comercial, pero Stevie Ray Vaughan te obligaba a prestar atención. Había absorbido los estilos de los grandes del blues y su tono bestial, su virtuosismo casual y su impecable manera de mecerse podía convertir un blues arrastrado como “Pride and Joy” en un tema duro y casi metalero.

Escucha: “Love Struck Baby”, “Cold Shot” y “Look at Little Sister”.

13.- Albert King

Cuando Jon Landau, reportero de Rolling Stone, le preguntó a Albert King en 1968 quiénes eran sus influencias, King respondió: “Nadie. Todo lo que hago está mal”. Pionero del blues eléctrico, King (quien era zurdo) tocaba al revés una Gibson Flying V modelo 1959 para diestros, con las cuerdas graves en la parte inferior, su manera de afinar fue siempre secreta e indescifrable, tocando las notas con el pulgar. King podía tocar las notas mucho más fuertes y en una forma más poderosa que cualquier otro guitarrista y sus discos influyeron a toda una generación.

Escucha: “Born Under a Bad Sign” y “As the Years Go Passing By”.

14.- David Gilmour

Como productor y compositor, David Gilmour, de Pink Floyd, se siente atraído por texturas flotantes y oníricas, pero cuando se pone la Stratocaster con el fin de tocar un solo, una sensibilidad opuesta toma las riendas y lo posee. Él era un solista feroz, con una sólida base de blues, en un grupo que en realidad no tocaba nada de blues, sus solos elegantes, expansivos e implacablemente melódicos eran sorprendentes y vigorizantes.

Escucha: “Comfortably Numb” y “Shine on You Crazy Diamond”.

15.- Freddy King

Entrevistado en 1985, Eric Clapton dijo que el lado B del sencillo para “I Love the Woman”, lanzado por Freddy King en 1961, “representa la primera vez que yo escuché una guitarra eléctrica líder, con todo y las notas retorcidas… Fue una especie de iniciación”. Clapton compartió el amor que sentía por King con sus compañeros británicos, héroes de la guitarra como Peter Green, Jeff Beck y Mick Taylor.

Escucha: “Hide Away”, “Have You Ever Loved a Woman” y “The Stumble”.

16.- Derek Trucks

Literalmente creció en la familia de The Allman Brothers, Derek Trucks (sobrino del baterista de la banda, Butch Trucks) empezó a tocar la guitarra cuando tenía nueve años y empezó a salir de gira a los 12. Tenía 20 años cuando tomó la guitarra del difunto Duane Allman en 1999, sus solos explotaban y tomaban diferentes direcciones, incorporando el delta blues, hard-bop jazz y el éxtasis del gospel sureño así como influencias de la India con ritmos raga.

Escucha: “Joyful Noise” y “Whipping Post”.

Neil Young17.- Neil Young
Por Trey Anastasio

Si tuviera que dar una clase de guitarra a jóvenes, lo que haría en la primera clase sería poner el solo de un minuto de la canción de Neil Young, “Down by the River”; eso sólo una nota pero es tan melódica que simplemente ruge con gran actitud y enojo. Es como si intentara en una forma muy desesperada conectar, Neil toca como si una arteria de su corazón tocara directamente al público.

Escucha: “Down by the River” y “Mr. Soul”.

Les Paul18.- Les Paul

Les Paul quien es mejor conocido como el genio que inventó la guitarra con un cuerpo sólido y que lleva su nombre, era tan imaginativo como guitarrista, “él producía los mejores sonidos de guitarra en los años cincuenta y no hay nadie que se le acerque”, dijo Brian Wilson.

Escucha: “How High the Moon”, “Vaya con Dios” y “Tiger Rag”.

James Burton19.- James Burton

Su estilo es brillante, conciso y fresco, es uno de los sonidos únicos en la música country que tiene influencias en los guitarrazos rockeros. “Nunca compré un disco de Ricky Nelson”, dijo Keith Richards, “pero sí compré los de James Burton”.

Escucha: “Hello Mary Lou”, “Susie Q” y “Believe What You Say”.

Carlos Santana20.- Carlos Santana

Nuestro compatriota, Carlos Santana, terminó sus estudios de preparatoria en San Francisco en 1965, cuando la escena música era explotada, exponiéndolo a un mundo de revelaciones que se convertirían en la llave de los estándares de la psicodelia de los ritmos latinos –blues eléctrico, ritmos africanos y jazz moderno, con sus mentores como Jerry Garcia y Peter Green de Fleetwood Mac.

Escucha: “Black Magic Woman”, “Oye Como Va” y “Soul Sacrifice”.

Chet Atkins21.- Chet Atkins

Como productor ejecutivo en los años sesenta, Chet Atkins inventó el pop inteligente con un toque del sonido de Nashville que rescataron el country de su depresión comercial. Como guitarrista, era más creativo, dominando el country, jazz y los estilos clásicos, también perfeccionó la habilidad de tocar acordes y melodías al mismo tiempo gracias a su distintivo estilo de tocar con el dedo gordo y tres dedos.

Escucha: “Your Cheatin’ Heart” y “Wake Up Little Susie”.

Frank Zappa22.- Frank Zappa

“Cuando estaba aprendiendo a tocar la guitarra, estaba obsesionado con ese álbum”, Trey Anastasio de Phish dijo esto en 2005 sobre el disco de Zappa de 1981, una colección de solos abrasadores y complicados, Shut Up ‘n’ Play Yer Guitar.

Escucha: “Willie the Pimp” y “In-a-Gadda-Stravinsky”.

23.- Buddy GuyBuddy Guy

Buddy Guy se acostumbró a que le llamaran a su estilo “puro ruido”, desde su familia en la parte rural de Louisiana, hasta las cabecillas de Chess Records, Phil y Leonard Chess. No me dejaban explayarme como yo quería”, dijo el músico. Guy se convirtió en la principal influencia para los titanes desde Jimi Hendrix hasta Jimmy Page.

Escucha: “Stone Crazy” y “First Time I Met the Blues”.

Angus Young24.- Angus Young

“Yo no me veo como un solista” es lo que dijo el guitarrista principal de AC/DC sobre su estilo maniático. “Es como un color que añado a la emoción”. Jerry Cantrell de Alice in Chains lo llamó “El único Dios de la guitarra del blues y del rock”.

Escucha: “Highway to Hell” y “Bad Boy Boogie”.

Tony Iommi25.- Tony Iommi
Por Brent Hinds de Mastodon

Recuerdo la primera vez que escuché a Black Sabbath, el vecino le prestó a mi hermano mayor el disco Masters of Reality, no dejábamos de ponerlo. Lo escuchábamos con las luces apagadas, con velas prendidas y cuando mi padre entró al cuarto se asombró y gritó, “¿Qué es todo esto?”, lo rompió en nuestras caras; pero la música me había llegado como si fuera un rayo. En verdad entro como a la zona Iommi cada vez que me cuelgo una guitarra. Tony es un pionera metalero, a pesar de la finura que tiene al tocar, no es tan rápido; su fraseo tiene una vibra tan clásica y toda mi inspiración se la debo a la emoción que me dio Tony.

Escucha: “Iron Man”, “Sabbra Cadabra” y “Children of the Grave”.