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Conoce la teoría detrás del “Club de los 27”


En esta entrega de ‘What Really Happened’ se profundiza en la vida de personajes como Jim Morrison y Kurt Cobain para descubrir el factor común de este grupo de músicos.


POR Brenda Arriaga  



Conoce la teoría detrás del “Club de los 27”

Andrew Jenks, cineasta y documentalista neoyorquino, estrenó The 27 Club, el nuevo podcast del programa en línea de What Really Happened. En este espacio se abre el diálogo sobre la vida y el legado de diferentes cantantes, escritores, deportistas y personajes para encontrar la versión más clara de sus historias. Es por ello que en The 27 Club se desempolvan los pasajes más oscuros de Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin, Kurt Cobain y Amy Winehouse, quienes brillaron en la música durante muy poco tiempo y perdieron la vida a la edad de 27 años.

De acuerdo con Jenks, el “Club de los 27” es más que un fenómeno mediático. Con base en investigaciones recientes, durante los últimos 200 años murieron alrededor de 3,463 músicos, de los cuales un cuarenta por ciento tenía 27 años de edad. Estos resultados sin duda incrementaron la curiosidad de los investigadores por saber más de este fenómeno que en palabras del propio Andrew, “es más que una idea romántica de la muerte”.

Tiene que ver con la detección de conductas inusuales en el comportamiento de las personas y la salud mental como medida preventiva en los jóvenes. Esta resolución la obtuvo Jenks después de encontrar diversos patrones de personalidad comunes entre Jones, Hendrix, Morrison, Joplin, Cobain y Winehouse. Por ejemplo, su interés en la poesía y filosofía, además contar con un alto coeficiente intelectual.

De igual forma, la gran mayoría de los músicos analizados tienen en común la vivencia de experiencias dramáticas con sus padres y un hogar inestable. Andrew desmenuza las biografías de estos íconos para encontrar factores que indiquen cuál es la razón por la que murieron y cómo se puede prevenir esto en los músicos de las nuevas generaciones.

Escucha el podcast completo a continuación:


A 48 años de la partida de Janis Joplin


La icónica bruja cósmica murió un día como hoy pero de 1970 a los 27 años.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Albert B. Grossman (CC)

A 48 años de la partida de Janis Joplin

El día de hoy se cumplen 48 años de la muerte de Janis Joplin, la bruja cósmica. Caracterizada por su espíritu rebelde y poderosa voz, Janis Joplin llegó al mundo el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, Texas.

Janis Lyn Joplin fue hija de Seth y Dorothy Joplin, quienes querían que su hija fuera maestra. Sin embargo, a los 16 años Janis comenzó a manifestar su incontrolable amor por la música. En su adolescencia se hizo amiga de un grupo de marginados a través de los cuales tuvo acceso a discos de artistas de blues afroamericanos como Bessie Smith, Ma Rainey o Lead Belly, a quien más tarde, Joplin acreditó como influencia en su decisión de convertirse en cantante. Mientras participaba en un coro, fue conociendo a otros cantantes de blues como Odetta, Billie Holiday y Big Mama Thornton.

Janis Joplin en su último año de escuela secundaria en 1960.

Janis Joplin en su último año de escuela secundaria en 1960.

En la Universidad de Texas colaboró con una banda llamada Waller Creek Boys, en la que combinaba el blues con rock. En 1963, Janis Joplin se fue a San Francisco, donde cantaba en locales de poca afluencia. Allí se volvió adicta a las anfetaminas y regresó a casa dos años después. En 1966 volvió a San Francisco y se unió a la banda Big Brother And The Holding Company.

La banda se hizo muy popular en la ciudad y Janis fue más reconocida. Posteriormente se presentó en festivales como el Monterrey Pop Festival de 1967 junto a grandes artistas del momento como Jimi Hendrix, Otis Redding, Jefferson Airplane, y The Who, lo que les valió que una importante firma discográfica se fijara en ellos y les propusiera publicar un disco. En 1968, Janis Joplin abandonó el grupo por diferencias con los demás miembros.

Janis siempre se sintió sola a pesar de tener éxito, situación que la orilló al consumo desmedido de drogas. Solía decir, “Hago el amor con 25 mil personas en el escenario y luego vuelvo a casa sola”. El sábado 3 de octubre de 1970, Janis visitó el estudio de grabación Sunset Sound Recorders en Los Ángeles para escuchar la parte instrumental de “Buried Alive in the Blues“.

Más tarde, salió del estudio hacia el bar Barney’s Beanery. Joplin no llegó al estudio al día siguiente como se había acordado y el productor Phil Rothchil comenzó a preocuparse. Al entrar a la habitación, la encontraron muerta, tirada en el suelo a un lado de su cama. Janis Joplin falleció el 4 de octubre de 1970 a los 27 años de edad, supuestamente por una sobredosis de heroína y exceso de alcohol. Hasta la fecha no han sido aclarados algunos hechos de aquel día.

“No te comprometas; tú eres todo lo que tienes”.


Os Mutantes: la leyenda sigue viva


Sérgio Dias platicó con nosotros sobre el presente de la agrupación pionera de la psicodelia.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Facebook Os Mutantes

Os Mutantes: la leyenda sigue viva

Si se tuviera que hablar de los orígenes del rock psicodélico y el surgimiento del movimiento tropicália tanto en Brasil como en Latinoamérica, el nombre de Os Mutantes sobresaldría sin lugar a dudas. Con Rita Lee en la voz, Sérgio Dias en la guitarra y Arnaldo Baptista tocando el bajo y el teclado, Os Mutantes logró dejar huella desde su formación en la década de los sesenta y sigue marcando a nuevas generaciones.

Su sonido ha influenciado a artistas de gran renombre como David Byrne, Beck o Devendra Banhart, pero también marcó intensamente a íconos de la cultura popular como Kurt Cobain o Pat Smear, guitarrista de Foo Fighters.

Sérgio Dias, integrante original y actual líder de la nueva alineación, platicó con nosotros sobre la trayectoria del grupo, así como su reencuentro después de tantos años y el presente de la legendaria banda.

Para Sérgio, la música es uno de los pilares de su vida y es gracias a eso que Os Mutantes continúa vigente. También considera que la música que expresa la agrupación es una proyección de nosotros mismos: “Os Mutantes son ustedes y nosotros. Somos un reflejo de nuestra audiencia siempre. Creo que el trabajo de nuestra banda siempre ha sido ser un buen reflejo, siempre queremos vernos y que se vean tal y como son. Nosotros hacemos la música para ustedes”.

La agrupación original se disolvió poco a poco hasta que sólo quedó Sérgio, quien decidió ponerle fin a la banda en 1978. Tiempo después, se lanzaron álbumes inéditos a pesar de que ya no estaban juntos. El rumbo de la agrupación cambió gracias a un homenaje al movimiento de tropicália en Londres: “La reunión fue algo muy peculiar, hubo un homenaje de tropicália en el Barbican Centre de Londres en el año 2006; alguien le dijo al curador que no tendría sentido hacerlo si no estaba Os Mutantes en el cartel y el curador dijo ‘¿Qué puedo hacer? ya no existen como banda desde hace mucho tiempo’. A pesar de esto la prensa nacional e internacional obtuvo información errónea de la presentación ya que se empezó a correr la voz de que volveríamos a juntarnos de nuevo para tocar”.

El carioca comenta que después de esa pequeña fuga falsa de información, Os Mutantes se planteaba como algo cada vez más real de nueva cuenta y conforme pasaba el tiempo: “Días después comenzamos a recibir correos que nos preguntaban acerca de nuestro regreso en un show de Londres y yo no tenía idea de nada. De pronto las estaciones de radio comenzaron a decir que ya estábamos juntos y ensayando en Brasil así que nos comunicamos entre la banda. Dinho (bateria) había dejado de tocar hace 27 años, pero al contarle lo sucedido lo siguiente que mencionó fue que si yo así lo quería, él tocaría y después de eso me di cuenta de que era un regreso serio. Nos juntamos en el estudio que tengo en casa para poder recordar lo que hace años habíamos olvidado y por supuesto el ensayo fue horrible pero nos dimos cuenta que la energía siempre estuvo ahí y nunca se fue, así que ese fue el momento decisivo para poder hacerlo”.

Una de las cosas que más le sorprendió el día que salieron al escenario después de tanto tiempo fue que la gente seguía escuchándolos, pero no sólo se trataba de sus contemporáneos, también había nuevas generaciones: “Desde entonces, después de ver el público tan variado entre personas de mi edad y niños, lo mínimo que podíamos hacer era seguir tocando para ellos y no dejar que Os Mutantes muriera de nuevo”. El músico decidió continuar con el proyecto a pesar de no contar con toda la alineación original, así que reclutó virtuosismo y talento que estuviera a la altura de la banda: “Yo ya conocía a todos, ya había tocado con ellos antes ya que nunca dejé de hacer música. Con Esmeria —la vocalista actual— he coincidido muchas veces, la conozco desde hace 22 años, ella me acompañó en muchos de mis proyectos solistas. El baterista (Cláudio Tchernev) grabó conmigo algunas ocasiones y es uno de los mejores bateristas que he conocido. Vinicius (bajista) fue alguna vez a mi casa a grabar unas baterías, pero de la nada tomó un bajo y comenzó a tocar cosas de Jaco Pastorius, volándome la cabeza. A Henrique Peters lo conocí produciendo su banda y me sorprendió realmente, un día hablamos y lo invité a tocar conmigo. Por último encontré a Carly Bryant con quien hice un álbum y al final terminó siendo parte de esto. Es excelente escritora, cantante y músico, ella se convirtió en una gran parte de mi vida”.

Sérgio cuenta que en esta reciente formación existen varias similitudes en comparación con la alineación original. El ADN de Os Mutantes se mantiene a pesar de que los integrantes cambien: “Lo más importante y similar que encuentro es que siempre hicimos la música que queríamos, nunca la hicimos para tener dinero o ser los número uno. Nosotros siempre hicimos la música desde el corazón y como líder puedo afirmar que todos estamos en esa misma línea. Las diferencias en esta nueva etapa de la banda es que todos crean y contribuyen conforme van creciendo y evolucionando, justo igual que la música”.

Sérgio recuerda con mucho cariño los comienzos de Os Mutantes: “Creo que fueron tiempos muy importantes para la música. En el Monterey Pop Festival se presentaron figuras como The Beatles, Jimi Hendrix, Ravi Shankar, Janis Joplin y muchos más. Todo esto pasó sin internet y de manera simultánea, esa época fue de acontecimientos trascendentes que cambiaron al mundo y generaron cambios fundamentales en la música. Fue una explosión mundial que se sincronizó con todos los que intentaban exponer, difundir y hacer arte. Difícilmente podremos ver un evento de esa magnitud otra vez. Quizás suceda en cuanto a asistentes, pero el talento, la manera de convocar a las personas, la convocatoria de artistas y personas sedientas de arte no se volverá a repetir”.

Sérgio sigue derrochando talento al mantenerse activo hasta la actualidad y mencionó que él siempre ha sido la misma persona desde que Os Mutantes se formó: “Soy más joven por más tiempo. Siento que soy el mismo niño que siempre me he sentido cuando toco, si alguna vez me sintiera diferente o si dejara de sentir el placer de todo lo que he hecho, pararía de inmediato”.

Os Mutantes se presentará el próximo 4 de julio en El Plaza Condesa en punto de las 21:00 horas. Los boletos los puedes adquirir a través de este enlace.


Supersticiones y cábalas del rock


Magia y deidades: los secretos que se esconden detrás del escenario.


POR Brenda Arriaga  



Foto: Wikimedia Commons

Supersticiones y cábalas del rock

La historia de la humanidad está permeada de cábalas o creencias que se han arraigado a la cultura popular desde hace cientos de años. En el mundo de la música no hay excepción. Los ídolos del escenario se han envuelto en una serie de supersticiones que van desde evitar los encendedores blancos porque fueron hallados en la ropa que vistieron Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison cuando murieron [miembros del famoso Club de los 27] hasta viajar el 3 de febrero para prevenir algún accidente como el ocurrido durante 1959, año en el que Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper perdieron la vida en un trágico episodio conocido como “El día en que la música murió”. Volar el viernes 13 y ofrecer el show número 13 son otras actividades que los músicos descartan.

En relación a estos y otros mitos que rondan el rock, la práctica de los rituales es muy popular entre el gremio. Con el fin de ahuyentar las tragedias, alcanzar la fama y firmar contratos millonarios, los astros de la música se han involucrado en la magia, hechicería, brujería y ocultismo, doctrinas de las cuales retoman ceremonias para consagrar su legado. Independientemente de que estos cultos conecten o no con alguna deidad, la historia enmarca algunos pasajes que tambalean el escepticismo en torno a esta costumbre.

Durante los años setenta, el rock estuvo influenciado por una serie de simbolismos que le otorgaron un sentido místico. No hay una razón específica pero gran parte de la música escrita en este periodo estuvo inspirada en El libro de la ley de Aleister Crowley (1904), una de las figuras más oscuras y enigmáticas del ocultismo. Este personaje dedicó su vida al estudio de la magia sexual, magia negra y filosofía Thelema. En su obra se proclama a la voluntad como un acto verdadero de amor que vuelve a los individuos “únicos como las estrellas”, a través de invocaciones y ceremonias coitales.

Con la premisa de “el amor bajo la voluntad”, Crowley alcanzó a gran número de seguidores entre los cuales había personalidades de la música. Todos ellos se encomendaron al mago negro e hicieron realidad su utopía. Establecieron sus propias reglas y navegaron bajo el siguiente lema: “Hacer tu voluntad será la ley”. Desde luego esta forma de pensamiento se reflejó en el desenfreno sexual, irreverencia lírica y potencia escénica que inmortalizó al rock de los años setenta.

John Lennon fue un admirador de Aleister, a quien incluyó en la controversial portada del disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. La relación entre The Beatles y el mago iría más allá, pues Crowley radicó una parte de su vida en el edificio Dakota, recinto que supuestamente hechizó al marcharse. En este mismo inmueble vivió y fue asesinado Lennon a finales de 1980.

Se dice también que Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, adquirió Boleskine House, la residencia que le perteneció a Crowley, con la esperanza de invocar al brujo para encomendar el futuro de la banda. Iniciaron los rumores sobre santería tras la publicación del cuarto álbum del grupo, donde destaca la simbología impresa en su contraportada. Al respecto, Robert Plant explicó a la prensa que cada miembro eligió un símbolo metafísico que los representara individualmente, “decidimos que el álbum no podía llamarse Led Zeppelin IV”, contó.

La serie de tragedias que envolvieron al grupo evitaron que su relación con la magia se descartara del todo. En 1975, Robert Plant sufrió un accidente automovilístico en Grecia. Este suceso lo inmovilizó por un tiempo por lo que dejó de cantar “In My Time of Dying”. En 1977, mientras Led Zeppelin se encontraba de gira por Estados Unidos, Plant perdió a su hijo de 6 años debido a una extraña infección estomacal. En septiembre de 1980, el baterista del grupo, John Bonham, murió a causa de broncoaspiración en la mansión que Jimmy Page tenía en Windsor, Inglaterra. La especulación sobre el mal karma de los músicos debido a la devoción satánica de su guitarrista terminó por desaparecer a la banda un par de meses después.

The Doors, David Bowie y Ozzy Osbourne son otros que encomendaron su destino al mago negro aunque los rituales oscuros no siempre fueron la clave para atraer a la buena suerte. Un ejercicio básico que ha prevenido infinidad de percances es el soundcheck. Las cosas sencillas son idóneas para conectar la energía positiva. Por ejemplo, Keith Richards come pastel de ternera antes de subir al escenario. Esta ceremonia ha traído buena suerte a los Stones desde 1989, año en el que el guitarrista del grupo comenzó con el ritual durante el Steel Wheels Tour. Una cuestión similar ocurría con Lemmy Kilmister quien tomaba Jack Daniel’s y Coca-Cola en el backstage. Esta combinación acompañó durante mucho tiempo al líder de Motörhead, hasta que reemplazó el coctel por problemas de salud. “Me gustaba más con jugo de naranja”, manifestó Lemmy a The Guardian. Este ritual fue tan icónico que la firma de whiskey lanzó una botella conmemorativa luego de su muerte en 2015.

En febrero de 2018, Paul McCartney reveló durante una entrevista con The Mirror que se toma un tiempo antes de salir al escenario para ver el programa Family Fortunes. De forma particular, Jack White dio a conocer a la revista The New Yorker el ritual que practica antes de un concierto. “Bebo Red Bull, un caballito de whisky y rompo cosas con un bate de béisbol detrás del escenario”. Por su parte, convivir con familiares y amigos cercanos es el ritual de buena suerte que no puede faltar en las giras de U2, Green Day y Depeche Mode; inclusive, se puede observar a Dave Gahan arrullando a su hijo minutos antes de presentarse en el Rose Bowl durante el documental 101, grabado en 1988.

Las supersticiones y rituales endulzan el rock. La razón radica en que la combinación entre la magia y lo sobrenatural genera buenas historias para las chicas, quienes “se fascinan por el lado oscuro de una banda”, como lo determinó Richard Cole, respecto a los rumores cabalísticos de Led Zeppelin.


Kesha estrenó el video de “I Need a Woman to Love”, su más reciente sencillo


En este visual la cantante norteamericana oficia un matrimonio entre dos mujeres en la ciudad de Las Vegas.


POR Andrea Calderón  



Kesha estrenó el video de “I Need a Woman to Love”, su más reciente sencillo

Kesha lanzó el video oficial del tema “I Need a Woman to Love”. La canción es una de las seis piezas que conforman Universal Love, un nuevo EP con versiones de algunas de las canciones de amor más icónicas. Artistas como Bob Dylan, St. Vincent, Ben Gibbard de Death Cab for Cutie y la propia Kesha, prestaron sus voces y su talento para crear un EP que celebra el amor en todas sus manifestaciones.

Kesha contribuyó con su propia versión de “I Need a Man to Love”, interpretado originalmente por Janis Joplin, cambiando el título a “I Need a Woman to Love”.

El conmovedor video comienza con la voz de Kesha diciendo: “Las personas deberían tener el derecho de amar a quien quieran amar. De eso se trata el amor realmente”. Dirigido por el hermano de Kesha, Lagan Sebert, el clip de “I Need a Man to Love” ilustra la historia de amor entre Dani y Lindsay, además de todos los obstáculos que han tenido que sortear para estar juntas.

El clip finaliza con Kesha oficiando la ceremonia de matrimonio entre ambas mujeres en la ciudad de Las Vegas. A través de sus redes sociales, la cantante de 31 años compartió un pequeño fragmento del video y aprovechó la publicación para felicitar a las recién casadas.

El videoclip fue grabado el pasado 26 de marzo para conmemorar el aniversario de la fecha en que se ofició el primer matrimonio igualitario (legal) en los Estados Unidos.

Actualmente Kesha se encuentra de gira junto al rapero y productor Macklemore para dar promoción a su más reciente álbum Rainbow, lanzado el año pasado.

Mira “I Need a Woman to Love”, el nuevo video de Kesha:


75 años de Janis Joplin


Su excepcional voz, su enorme personalidad y su temprana muerte a los 27 años la convirtieron en una leyenda.


POR Staff Rolling Stone México  



75 años de Janis Joplin

Un ícono de la música cumple 75 años de haber nacido. Caracterizada por su espíritu rebelde y poderosa voz, Janis Joplin llegó al mundo el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, Texas. Janis Lyn Joplin fue hija de Seth y Dorothy Joplin, quienes querían que su hija fuera maestra. Sin embargo, a los 16 años Janis comenzó a manifestar su incontrolable amor por la música. En su adolescencia se hizo amiga de un grupo de marginados a través de los cuales tuvo acceso a discos de artistas de blues afroamericanos como Bessie Smith, Ma Rainey o Lead Belly, a quien más tarde, Joplin acreditó como influencia en su decisión de convertirse en cantante. Mientras participaba en un coro, fue conociendo a otros cantantes de blues como Odetta, Billie Holiday y Big Mama Thornton.

Janis Joplin en su último año de escuela secundaria en 1960.

Janis Joplin en su último año de escuela secundaria en 1960.

En la Universidad de Texas colaboró con una banda llamada Waller Creek Boys, en la que combinaba el blues con rock. En 1963, Janis Joplin se fue a San Francisco, donde cantaba en locales de poca afluencia. Allí se volvió adicta a las anfetaminas y regresó a casa dos años después. En 1966 volvió a San Francisco y se unió a la banda Big Brother And The Holding Company. La banda se hizo muy popular en la ciudad y Janis fue más reconocida. Posteriormente se presentó en festivales como el Monterrey Pop Festival de 1967 junto a grandes artistas del momento como Jimi Hendrix, Otis Redding, Jefferson Airplane, y The Who, lo que les valió que una importante firma discográfica se fijara en ellos y les propusiera publicar un disco. En 1968, Janis Joplin abandonó el grupo por diferencias con los demás miembros.

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Janis siempre se sintió sola a pesar de tener éxito, situación que la orilló al consumo desmedido de drogas. Solía decir, “Hago el amor con 25 mil personas en el escenario y luego vuelvo a casa sola”. El sábado 3 de octubre de 1970, Janis visitó el estudio de grabación Sunset Sound Recorders en Los Ángeles para escuchar la parte instrumental de “Buried Alive in the Blues“. Más tarde, salió del estudio hacia el bar Barney’s Beanery. Joplin no llegó al estudio al día siguiente como se había acordado y el productor Phil Rothchil comenzó a preocuparse. Al entrar a la habitación, la encontraron muerta, tirada en el suelo a un lado de su cama. Janis Joplin falleció el 4 de octubre de 1970 a los 27 años de edad, supuestamente por una sobredosis de heroína y exceso de alcohol. Hasta la fecha no han sido aclarados algunos hechos de aquel día.

El día de hoy celebramos el nacimiento de semejante artista que dejó su alma en cada canción.

“No te comprometas; tú eres todo lo que tienes”.


50 Años de Cultura Pop


Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop, un recorrido por las figuras y sucesos más importantes del último medio siglo.


POR Staff Rolling Stone México  



50 Años de Cultura Pop

Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop para celebrar:

• 50 años de la Trucker Jacket Type III de Levi’s®
• 50 años de la revista Rolling Stone®
• 15 años de la revista Rolling Stone® México

El mundo ha cambiado radicalmente en el último medio siglo. Todo lo que hoy es común, en esos años era imposible tenerlo a nuestro alcance. La música siempre ha estado ligada a la moda, cine, política y tecnología. A través de fotografías, citas, diseños, videos y música reviviremos los temas y sucesos más importantes desde 1967 a 2017. Una línea del tiempo que inicia en 1967, año significativo para Levi’s® y Rolling Stone® en la ciudad de San Francisco, Levi’s® lanza la famosa Trucker Jacket Type III y Rolling Stone® publica su primera edición con John Lennon vestido de militar en su primera plana. Además, Rolling Stone® imprime su primera revista en México en 2002. Década tras década viajaremos por la historia para conocer el surgimiento y evolución de la música, moda, cine, televisión y tecnología.

Para este festejo en conjunto, tendremos la exposición 50 Años de Cultura Pop, una exhibición de fotografías en vivo, imágenes icónicas de Rolling Stone®, videos, playlists de cada década, photo opportunities, colaboraciones de diseños de Trucker Jackets y jeans de Levi’s® realizadas por fundaciones de Harvey Milk y Andy Warhol e intervenciones de Jean Paul Gaultier y Damien Hirst, entre otros. Además de personalidades nacionales de la cultura popular, músicos, diseñadores y actores.

50 Años de Cultura Pop se exhibirá del 7 de diciembre de 2017 al 7 febrero de 2018 en el Foto Museo Cuatro Caminos [Ingenieros Militares 77, Lomas de Sotelo, Naucalpan de Juárez, Estado de México].

¡Vive esta experiencia única donde dos marcas emblemáticas se unen para celebrar la cultura pop! Sigue nuestros enlaces y redes sociales:

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Recordamos el nacimiento de Billie Holiday


La cantante que marcó la historia del jazz americano nacío hace más de cien años.


POR Staff Rolling Stone México  



Recordamos el nacimiento de Billie Holiday

Eleanora Fagan Gough, quien fue conocida en el mundo de la música como Billie Holiday, fue una de las voces femeninas más influyentes en la historia del jazz. Nació en Filadelfia un día como hoy en 1915, y fue criada principalmente por su madre, quien era demasiado joven para hacerse cargo totalmente de su hija. En busca de mejores oportunidades, se mudaron a Brooklyn. A lo largo de su juventud empezó a cantar en clubs y bares, en donde fue descubierta por John Hammond, quien la ayudó a grabar su primer material con un grupo de jazz, lanzando su primer material en 1933 que llevó por nombre Your Mother’s Son-In-Law.

Comenzó a grabar con distintos músicos reconocidos y su fama creció rápidamente convirtiéndola en un ídolo del jazz americano. Poco a poco comenzó a grabar como solista mientras iba de una disquera a otra. Sus letras llenas de emoción y su conmovedora voz se convirtieron en el sello de la cantante, quien reflejaba su tormentosa vida en sus canciones.

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No solo fueron las tumultuosas relaciones amorosas las que dificultaron la vida de la cantante, su adicción a las drogas poco a poco afectó su salud y su creación artística. Finalmente la adicción la llevó a prisión y a la quiebra. Después de ser arrestada por posesión de narcóticos, fue sentenciada a arresto domiciliario y permaneció en la vista de la justicia hasta su muerte por cirrosis hepática el 17 de julio de 1959.

La cantante ha servido de inspiración para incontables artistas, entre los que destacan Janis Joplin, Nina Simone y Amy Winehouse. En 1972 se realizó una película biográfica que llevó por nombre Lady Sings The Blues, en la que el papel de la cantante fue interpretado por Diana Ross. La película fue muy bien recibida por el público y ganó diversos premios. De igual manera se han realizado incontables tributos dedicados a la vida de Billie Holiday.

El día de hoy, recordamos su legado.

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Mujeres que han marcado el mundo de la música


Björk, Kim Gordon, Madonna, Debbie Harry y más mujeres que ponen en alto el poder femenino.


POR Staff Rolling Stone México  



NEW YORK, NY - FEBRUARY 6: Debbie Harry performs at Amnesty International's "Bringing Human Rights Home" concert at the Barclays Center on February 6, 2014, in New York City. (Photo by Cem Ozdel/Anadolu Agency/Getty Images)

Mujeres que han marcado el mundo de la música

El 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer, el cual conmemora la lucha de las mujeres por su participación en la sociedad, así como su desarrollo íntegro como personas de manera equitativa. Por tal motivo, presentamos a algunas de las mujeres que han marcado el mundo de la música a través del tiempo.

Janis Joplin


La intérprete fue reconocida por su poderosa voz y espíritu rebelde desde muy temprana edad, pues a los 16 años se interesó por el blues para así dar inicio con una carrera llena de excesos. Su estilo ha trascendido e influenciado a más artistas, a pesar de que ella no llegó a concebir todo el talento que emanaba de su ser y que dejaba en cada uno de sus temas.

Aretha Franklin


Su voz sirvió para arropar el soul, R&B y gospel que comenzó a gestarse en la década de cincuenta, además la llevó a formar parte de la lista de Los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos de Rolling Stone. A su vez, Aretha impulsó el movimiento racial en Estados Unidos y el liberalismo femenino que se desarrolló en los años sesenta.

Debbie Harry


La líder de Blondie llevó más allá los géneros de new wave y punk rock, convirtiendo a su banda en una de las más icónicas e influyentes de la industria. Su físico y estilo, aunado a su actitud arriba del escenario o bien en las calles de la ciudad, han dado lugar a que varias chicas adopten elementos de ella aún en la actualidad.

Björk


La intérprete originaria de Islandia ha dejado su huella en el cine, la música y la moda con su rareza y característico estilo. Björk ha sido ícono desde el primer momento en que pisó un escenario, pues ha revolucionado la industria musical, tanto sonoramente como visualmente, consolidándose a lo largo de los años como una intérprete sin precedentes.

Kim Gordon


Además de formar parte de Sonic Youth, una de las bandas más influyentes en los últimos 30 años, la guitarrista, bajista y cantante le brindó inspiración a mujeres alrededor del mundo a perseguir sus sueños de escribir, tocar e inaugurar la escena rockera como territorio femenino.

Shirley Manson


Esta frontwoman marcó la época de los noventa e influenció el mundo del rock poniendo en alto el feminismo en la música y sobre todo la capacidad de ser el centro de una banda más allá del atractivo físico. Cabe mencionar que Manson se adentró a la música con Garbage por su talento vocal, pues anteriormente ella no había estudiado música, a comparación de los demás integrantes.

Meg White


Meg impulsó a las mujeres a animarse a tocar más instrumentos, no únicamente a enfocarse en la voz, la guitarra o el bajo, sino a darse la oportunidad de crear ritmo detrás de una batería. Meg White ha sido una de las bateristas más conocidas de todos los tiempos con su colaboración en The White Stripes desde 1997 al lado de su exmarido Jack White.

Alison Mosshart


Alison Mosshart se ha convertido en una líder icónica, pues su imagen y personalidad no sólo le han dado potencia a The Kills junto a Jamie Hince, sino también a The Dead Weather, proyecto que comparte con Jack White, Jack Lawrence y Dean Fertita y en el que ha alzado aún más su voz.

Amy Winehouse


A pesar de su corta carrera, misma que emergió de manera rápida con su segunda producción discográfica, Amy Winehouse revivió géneros como el soul y blues para así introducir de otra manera el jazz en la música popular, pues entre otras cosas lo acercó más a la gente con sus temas e inspiró la creación de proyectos musicales que siguen la misma línea.

Madonna


No hace falta decir mucho sobre la Reina del Pop, pues desde la década de los ochenta ha revolucionado la industria con su estilo atrevido, el cual ha inspirado a artistas de la actualidad como Lady Gaga, Katy Perry, Britney Spears, Miley Cyrus, Christina Aguilera, Ariana Grande, Taylor Swift, entre otras.

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Mira el tráiler del nuevo documental sobre Janis Joplin


‘Janis: Little Girl Blue’ fue dirigida por Amy Berg.


POR Staff Rolling Stone México  



Mira el tráiler del nuevo documental sobre Janis Joplin

“Empecé a cantar cuando tenía alrededor de 17 años. Y podía cantar. Fue una sorpresa, por decir algo”, reflexiona Janis Joplin en el tráiler de Janis: Little Girl Blue, el nuevo documental basado en su extravagante vida dirigido por Amy Berg.

En el clip que podrás ver a continuación compartido por Rolling Stone, la canción “Mercedes Benz” acompaña a las declaraciones de Melissa Etheridge y Pink, quienes ahondan en el legado e influencia de Joplin en muchas de las mujeres que se han dedicado a la industria musical ya sea de rock o pop.

El video termina con la narración de Chan Marshall (Cat Power) leyendo una carta que Janis le escribió a sus padres acerca de su percepción de la fama. “Tanto como se acerca, es más probable, ser una estrella es realmente perder ese significado. Pero lo que sea que ‘eso’ signifique, estoy lista”, concluye.

Aquí el tráiler de Janis: Little Girl Blue:

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Cat Power habla de su experiencia en el documental de Janis Joplin


Chan Marshall dio lectura a las cartas escritas por Joplin.


POR Staff Rolling Stone México  



Chan Marshall dio lectura a las cartas escritas por Joplin.

Cat Power habla de su experiencia en el documental de Janis Joplin

Anteriormente informamos que Cat Power estará a cargo de la narración de Janis: Little Girl Blue, el documental sobre la vida de Janis Joplin. En la cinta, la también conocida como Chan Marshall dio lectura a las cartas escritas por la fallecida cantante a su familia.

En entrevista con NME, Marshall habló sobre su experiencia en el rol que desempeñó dentro de la producción de Janis: Little Girl Blue , comentando lo siguiente: “El que me pidieran que leyera las cartas fue íntimo. Estaba ahí toda su familia, lo cual hizo que fuera más desgarrador. Como Janis, dejé el sur —soy la única persona en mi familia que ha dejado el sur— y le he escrito cartas a mi familia por lo que sentí estas páginas y sentimientos que ella tuvo cuando ella estaba con The Grateful Dead”.

Posteriormente agregó: “Creo que su mayor sueño en la vida fue ser amada, por eso la última carta realmente me afectó porque ella le escribió de nuevo a su familia para decirles ‘Los estoy decepcionando chicos y los amo’, me rompió el corazón… Espero que la gente vea cuánto amaba y quería ser amada”, concluyó Cat Power.

Recordemos que hoy fue compartido el primer clip del documental de Janis Joplin.

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Mira el primer clip de ‘Janis: Little Girl Blue’, el documental de Janis Joplin


La cinta será exhibida en el Festival Internacional de Cine de Toronto.


POR Staff Rolling Stone México  



La cinta será exhibida en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

Mira el primer clip de ‘Janis: Little Girl Blue’, el documental de Janis Joplin

Como informamos anteriormente, llegará a las pantallas un nuevo documental sobre Janis Joplin, desde su ascenso a la fama hasta su trágica muerte.

Hoy fue compartido a través de Rolling Stone, el primer clip de Janis: Little Girl Blue, en donde se muestra a la cantante en la habitación que solía ocupar en el Hotel Chelsea de California y donde se percibe relajada platicando con sus amigos y compañeros de banda.

La cinta se estrenará el próximo 5 de septiembre en el Festival de Cine de Venecia, así como en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

Aquí el primer clip de Janis: Little Girl Blue, el documental sobre Janis Joplin:

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Los documentales de Janis Joplin, Arcade Fire y Aretha Franklin formarán parte del Festival Internacional de Cine de Toronto


También los filmes de Sharon Jones y Laurie Anderson serán incluidos en la programación.


POR Óscar Uriel  



Los documentales de Janis Joplin, Arcade Fire y Aretha Franklin formarán parte del Festival Internacional de Cine de Toronto

El día de hoy se informó a través de Rolling Stone que los documentales de Janis Joplin, Aretha Franklin, Arcade Fire y de Sharon Jones formarán parte de la programación del Festival Internacional de Cine de Toronto, el cual comenzará el próximo 10 de septiembre.

Una de las películas más esperadas es Janis: Little Girl Blue, la cinta dirigida por Amy Berg cuya trama se basa en la turbulenta historia de la cantante fallecida a los 27 años de edad, en la cual Chan Marshall, mejor conocida como Cat Power, dará voz a los escritos personales de Joplin.

En cuanto a los títulos más recientes, se encuentra The Reflektor Tapes, el documental que, bajo la dirección de Kahlil Joseph, sigue el proceso de grabación de Reflektor, el aclamado álbum de Arcade Fire lanzado en 2013.

Otros de los títulos que llaman la atención son Amazin Grace, el cual retrata la presentación de Aretha Franklin en una iglesia de Los Ángeles durante 1972, Miss Sharon Jones! de Barbara Kopple, Heart of a Dog de Laurie Anderson, así como The Music of Strangers: Yo-Yo Ma and the Silk Road Ensemble, en donde se hace un análisis de la vida del reconocido chelista y su colectivo musical internacional.

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Cat Power narrará el documental de Janis Joplin


La cantante le dará voz a las letras escritas por la fallecida artista.


POR Staff Rolling Stone México  



Cat Power narrará el documental de Janis Joplin

Amy Berg, directora y productora de Janis, el nuevo documental que retratará la vida de Janis Joplin, confirmó que la cinta será narrada por Chan Marshall, mejor conocida como Cat Power, quien se encargará de la lectura de las cartas escritas por la fallecida y reconocida artista.

“Después de concretar la realización de este filme tras 7 años, estoy eufórica porque la cinta finalmente podrá ser vista. Esta ha sido una labor de amor y no puedo esperar para compartir la única e íntima historia de Janis, con el mundo. Chan Marshall tiene la bella e introspectiva voz de Janis para leer sus cartas”, comentó Berg acerca del entusiasmo de estar involucrada en el proyecto.

El documental, que será proyectado durante el Festival de Cine de Venecia, mostrará a la sensible, inocente y poderosa mujer detrás de la leyenda que tuvo una turbulenta, épica y breve existencia en el mundo.

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Steven Tyler participó en un episodio animado de ‘Hot In Cleveland’


El vocalista de Aerosmith interpretó a un genio animado en el programa de TV Land.


POR Staff Rolling Stone México  



El vocalista de Aerosmith interpretó a un genio animado en el programa de TV Land.

Steven Tyler participó en un episodio animado de ‘Hot In Cleveland’

Steven Tyler y sus distintivas características físicas lo han hecho el blanco favorito de los artistas de caricaturas, sin embargo, fue la serie de TV Land Hot In Cleveland, la que finalmente logró convertir al vocalista de Aerosmith en un genio animado.

Tyler apareció en el episodio del show transmitido el 30 de julio, en el que las protagonistas de Hot In Cleveland entran a un surreal mundo animado en el que una visita al Salón de la Fama del Rock & Roll las lleva a descubrir que Steven Tyler se encontraba encerrado en la cajuela del auto de Janis Joplin. Tras ser liberado, el cantante les otorga tres deseos, los cuales fueron representados en secuencias inspiradas en cintas como Willy Wonka and the Chocolate Factory, The Walking Dead y The Wizard of Oz.

Aunque es la primera aparición de Steven Tyler con poderes mágicos en un programa animado, no es la primera vez que el músico da vida a sí mismo en un show de este tipo. Recordemos que Tyler y compañía aparecieron en un episodio de la tercera temporada de Los Simpson, tocando en el famoso Bar de Moe.


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John Lennon y Janis Joplin aparecerán en una nueva serie de estampillas de correos


El Servicio Postal Norteamericano reveló a los nuevos


POR Staff Rolling Stone México  



El Servicio Postal Norteamericano reveló a los nuevos

John Lennon y Janis Joplin aparecerán en una nueva serie de estampillas de correos

El día de hoy, el Servicio Postal Norteamericano dio a conocer que Janis Joplin y John Lennon aparecerán en la nueva serie de estampillas emitida por el Citizen’s Stamp Advisory Commitee, como parte de la edición “Music Icons”.

Otros músicos contemplados para la serie, la cual se emitirá a partir de este año y hasta el 2016, son: Jimi Hendrix, Elvis Presley, James Brown , Roy Orbison, Sam Cooke, Bill Monroe y Willie Dixon.

Cabe mencionar que aunque los nombres de los artistas que aparecerán en las estampillas ya fueron aprobados, no se ha determinado una fecha exacta de emisión de la nueva serie.