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¿Qué bandas veteranas estarán presentes en los aniversarios de Woodstock?


Michael Lang prometió a actos del Woodstock original para la celebración de sus 50 años, pero ¿de cuáles estaría hablando?


POR Andy Greene  



Foto: cortesía The Who / Eva Rinaldi / Craig ONeal (CC)

¿Qué bandas veteranas estarán presentes en los aniversarios de Woodstock?

El festival de Woodstock ha estado sobre la cuerda floja desde que la desastrosa edición de 1999 casi arruinó la marca para siempre, pero ahora que ya casi se cumple el 50 aniversario, dos eventos en competencia intentan recuperar el espíritu del original de 1969. Uno está siendo organizado por el cocreador original de Woodstock, Michael Lang, y se llevará a cabo del 16 al 18 de agosto en Watkins Glen, Nueva York, mientras que el Festival de Música y Cultura de Bethel Woods ocurrirá en los terrenos originales de Woodstock ese mismo fin de semana.

En una entrevista reciente con Rolling Stone, Lang, quien tiene el derecho legal de llamar a su festival “Woodstock”, descartó al evento de Bethel Woods por ser demasiado pequeño para lo que él está tratando de lograr. “Son buenos administradores del sitio original y construyeron un hermoso pabellón de artes escénicas”, dice Lang. “Pero es un cobertizo de 15 mil asientos. Eso no es un Woodstock”.

En su Woodstock, Lang ha prometido “bandas veteranas” del festival original junto con homenajes a Joe Cocker, The Band y Janis Joplin. Mientras tanto, el show de Bethel Woods ha prometido “artistas prominentes y emergentes que abarcan múltiples géneros y décadas”. Aunque ninguno de los festivales ha anunciado alineaciones, es probable que ambos festivales tengan actos que se presentaron en Woodstock en 1969. Echemos un vistazo a los grupos de esa era que todavía existen y que posiblemente podrían regresar (de una forma u otra). Nota: estamos dejando fuera a grupos que están completamente inactivos como Sweetwater, Quill, The Incredible String Band y Paul Butterfield Blues Band. 

The Who
Estado de la banda: no hay ninguna banda del Woodstock original que siga siendo tan popular en las giras como The Who. ¡Este verano, estarán tocando en arenas, anfiteatros e incluso algunos estadios con su Moving On! Symphonic Tour.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: 50. El baterista Keith Moon murió en 1978 y el bajista John Entwistle lo siguió en 2002, pero Roger Daltrey y Pete Townshend han continuado con nuevos miembros.

¿Tocarán? Parecen un ajuste natural para Woodstock 50 como uno de los principales artistas del cartel, pero ya lo han descartado. “¿Cuál sería el punto?”, dijo Daltrey. “Ya no puedo trabajar afuera en el calor como en ese agosto. Me mataría. Pero creo que deberían hacerlo con bandas jóvenes. No veo por qué deberían tenernos allí”. 

The Grateful Dead
Estado de la banda: Los cuatro miembros principales Bob Weir, Phil Lesh, Mickey Hart y Bill Kreutzmann no han tocado juntos desde los conciertos de Fare Thee Well de 2015, pero poco después Weir, Lesh y Kreutzmann formaron Dead and Co. con John Mayer y siguen atrayendo gente a sus conciertos. Lesh continúa dando conciertos selectos en teatros con Terrapin Family Band.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Este es un tanto complicado porque ahora están de gira en dos grupos y el tecladista de la era de Woodstock, Tom Constanten (cuya estancia en la banda duró poco más de un año), no está en ninguno de ellos. En pocas palabras, Dead and Co tiene el 43 por ciento de la alineación de Woodstock y Phil Lesh and Friends tiene 14.

¿Tocarán? Dead and Co. tiene una larga gira de verano en puerta, pero concluye el 7 de julio en Boulder, Colorado. Es posible que toquen en Woodstock 50 el mes siguiente, mientras que Phil Lesh y The Terrapin Family Band tocarían en el evento más pequeño de Bethel, pero nadie lo sabe en este momento.

Santana
Estado de la banda: Santana era casi desconocida cuando tocaron en el Woodstock original, pero el festival (y la película que produjo) ayudó a convertirlos en superestrellas. Ha habido algunos períodos de escasez en los últimos 50 años, pero han tenido una buena racha desde su extraordinario álbum de 1999 Supernatural.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Este también es complicado. Actualmente, Santana sólo tiene a Carlos Santana de aquel lineup de Woodstock, el 17 por ciento. Pero en 2016, él se reunió con el cantante y organista Gregg Rolie, el baterista Michael Shrieve y el percusionista Michael Carabello para un nuevo álbum y un concierto en Las Vegas, lo que los lleva al 67 por ciento de la alineación de Woodstock.

¿Tocarán? Carlos Santana confirmó a Rolling Stone que su banda tocará en la versión de Bethel. “Voy a invitar a quien esté aquí, ya sea a Joan Baez o a miembros de Sly Stone, y voy a tocar música de Santana”, dice.

Crosby, Stills, Nash and Young
Estado de la banda: Para decirlo suavemente, están pudriéndose. No han tocado con Neil Young desde 2013 y dos años después, los miembros restantes se enfrentaron y disolvieron CSN. Este es su 50 aniversario y parece que lo celebran sin hacer absolutamente nada.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Por milagro, los cuatro siguen vivos. Pero si quieren ser técnicos, el baterista de Woodstock, Dallas Taylor, está muerto y el bajista Greg Reeves está vivo, por lo que el 83 por ciento de la alineación de Woodstock aún está aquí.

¿Tocarán? Las posibilidades de que CSN/CSNY toque en alguno de los dos eventos es casi nula, pero podemos imaginar a Young y Promise of the Real o Crazy Horse tocando en Woodstock 50 y al menos uno de los miembros de CSN tocando en Bethel Woods. Sólo no deberían tener a Graham Nash el mismo día que David Crosby. Eso podría causar algo de tensión detrás del escenario.

Creedence Clearwater Revival
Estado de la banda: No es bueno. John Fogerty no ha tocado con sus compañeros de banda Doug Clifford y Stu Cook desde su reunión de 1983. Eso fue antes de que los problemas legales los separaran y que la negativa de Fogerty de tocar con ellos en su ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll llevara a Cook y Clifford a formar Creedence Clearwater Revisited. Fogerty toca en grandes teatros y anfiteatros y Creedence Clearwater Revisited está en los casinos. 

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: El guitarrista Tom Fogerty murió en 1990, pero Creedence Clearwater tiene el 50 por ciento de la alineación de Woodstock y John Fogerty tiene el 25 por ciento cada vez que interpreta un espectáculo en solitario.

¿Tocarán? Podemos ver a Fogerty tocando en cualquiera de los eventos de Woodstock, y Creedence Clearwater Revisited es probablemente demasiado desconocido para este tipo de shows.

Canned Heat
Estado de la banda: Casi ninguna canción trae recuerdos del original Woodstock como el clásico de Canned Heat, “Going Up The Country”, por lo que probablemente ha sido tan difícil para ellos ser vistos como algo más que una reliquia de una época pasada. Todavía están de gira, pero a menudo es en cruceros o clubes pequeños.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: La bandera de Canned Heat está siendo ondeada por los miembros originales Larry “The Mole” Taylor y el baterista Adolfo de la Parra junto con nuevos miembros. Eso significa que sólo el 40 por ciento de la alineación de Woodstock todavía está en el grupo.

¿Tocarán? Probablemente encajarían mejor en el evento de Bethel Woods, pero al igual que Creedence, podrían ser simplemente una fuerza demasiado reducida para ser contratados.

Mountain
Estado de la banda: Las cosas no están muy bien en el mundo de Mountain en este momento. No se han disuelto oficialmente, pero los rockeros de “Mississippi Queen” no han tenido un concierto desde 2010. Al año siguiente, el vocalista Leslie West fue amputado de su pierna derecha debido a la diabetes. Él todavía sale de gira, pero ahora bajo su propio nombre. El baterista de Mountain, Corky Laing, se presenta bajo el estandarte Corky Laing Plays Mountain.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: En realidad, hay cero miembros de Woodstock en el Mountain de Corky Laing, el baterista no se unió a la banda hasta unos pocos meses después del festival, pero el proyecto en solitario de Leslie West tiene el 25 por ciento de la alineación de Woodstock simplemente porque está él.

¿Tocarán? El 50 aniversario de su concierto más famoso podría ser suficiente para que Laing y West vuelvan a la escena juntos, pero lo más probable es que eso ocurra en el evento de Bethel Woods.

Sly & the Family Stone
Estado de la banda: Sly & the Family Stone no han existido realmente desde 1983, pero en la década de los dosmil una versión llamada Original Family Stone comenzó a tocar con algunos miembros antiguos. De vez en cuando, el solitario Sly Stone se uniría al grupo. Ellos han tocado principalmente en casinos y cruceros en estos días y ha pasado bastante tiempo desde que Sly se ha acercado a un escenario.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Lamentablemente, la muerte de Cynthia Robinson en 2015 significa que el saxofonista Jerry Martini es el único miembro de la alineación de Woodstock que aún se encuentra en cualquier tipo de versión de la antigua banda. Eso es 14 por ciento.

¿Tocarán? A menos que Michael Lang pueda convencer a Sly Stone para que vuelva al escenario, este grupo estará en Bethel Woods por mucho.

Jefferson Airplane
Estado de la banda: Se necesitaría una extensa presentación de PowerPoint y aproximadamente seis horas para explicar todos los giros y cambios que Jefferson Airplane dio después de su actuación en Woodstock, digamos que las bandas actuales Jefferson Starship y Starship Featuring Mickey Thomas tocan en clubes y cruceros.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Cuando combinas el número de veteranos de Woodstock en Jefferson Starship y Starship con Mickey Thomas y multiplicas ese número por 10 mil, aún obtienes cero. Hot Tuna, sin embargo, tiene a los veteranos de Woodstock Jack Casady y Jorma Kaukonen. Eso es el 28 por ciento de la alineación de Jefferson Airplane de Woodstock. Grace Slick podría actuar técnicamente en uno de los festivales, pero está completamente retirada.

¿Tocarán? Si bien es difícil imaginar a una de las bandas de Starship tocando en cualquiera de los festivales, Hot Tuna sería una excelente adición para el show de Bethel Woods. A veces tocan un conjunto de viejas melodías de Airplane, que serían perfectas para la ocasión.

Ten Years After
Estado de la banda: La banda de blues rock siempre fue más popular en su Inglaterra natal que en Estados Unidos y continúa tocando en teatros y clubes de toda Europa continental.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Sorprendentemente, los cuatro miembros de Woodstock se mantuvieron juntos hasta que el líder Alvin Lee (quien murió en 2013) abandonó el grupo en 2003. El bajista Leo Lyons se fue en 2014, dejando al tecladista Chick Churchill y al baterista Ric Lee para continuar con los nuevos miembros. Eso significa que el 50 por ciento de la alineación de Woodstock todavía está en la banda.

¿Tocarán? Ten Years After no ha tenido mucha influencia en Estados Unidos desde principios de los años setenta, por lo que, en el mejor de los casos, estarían en el evento de Bethel Woods.

Blood, Sweat & Tears
Estado de la banda: Blood, Sweat & Tears ha pasado por tantas facetas y miembros que hacen que Jefferson Airplane parezca simple. Siguen saliendo mucho de gira, pero principalmente en casinos y cruceros.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Cero. El guitarrista de la era de Woodstock, Steve Katz, solía reunirse con la banda actual, pero eso no ha sucedido en aproximadamente una década. En este momento, hay una banda completamente diferente que sale de gira bajo el nombre de Blood, Sweat & Tears. Pero el líder de Woodstock, David Clayton-Thomas, realiza una gira bajo su propio nombre y aún canta los clásicos.

¿Tocarán? Es posible imaginar a Clayton-Thomas y su banda solista en el evento de Bethel Woods, pero definitivamente no en el más grande.

Sha Na Na
Estado de la banda: En el Woodstock original parecían una banda de novelty del renacimiento de los cincuenta, pero rápidamente ganaron un gran número de seguidores en los años setenta e incluso tuvieron su propio programa de variedades. Ahora tocan en pequeños casinos, teatros y cruceros.

Porcentaje de la alineación de Woodstock restante: Había 12 miembros de Sha Na Na en Woodstock y hoy sólo el baterista Jocko Marcellino y el cantante Donald “Donny” York están en la alineaciónque sale de gira. Eso es el 17 por ciento.

¿Tocarán? Una vez más, podemos imaginar al grupo en el evento de Bethel Woods, pero no en Woodstock 50.

Los actos solistas
Melanie, Arlo Guthrie, Joan Baez, Country Joe McDonald y John Sebastian tocaron en el Woodstock original y permanecen activos hasta hoy. Actualmente, Báez se encuentra en medio de una gira de despedida y posiblemente podría tocar en Woodstock 50 como uno de sus últimos conciertos. Los otros son probablemente más aptos para el evento de Bethel Woods.


Santana celebrará los 20 años de ‘Supernatural’ con una nueva gira


El colectivo liderado por Carlos Santana también formará parte de la celebración por los 50 años de Woodstock.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Eva Rinaldi

Santana celebrará los 20 años de ‘Supernatural’ con una nueva gira

Este año, Santana celebrará dos aniversario importantes en la historia de la banda con una nueva gira: el 20 aniversario de su álbum de 1999, Supernatural, y los 50 años de su presentación en el icónico Woodstock. El Supernatural Now Tour dará inicio en junio y concluirá en agosto. Los Doobie Brothers estarán acompañándolos durante los conciertos. 

Como parte de este tour, Santana también hará una parada en la edición conmemorativa que se está preparando para Woodstock y que ocurrirá el próximo 16, 17 y 18 de agosto en Watkins Glen, Nueva York. De acuerdo con el organizador, Michael Lang, se han conseguido más de 40 grupos para este especial evento: “Será un cartel ecléctico. Habrá hip hop, rock, algo de pop y algunas bandas legendarias que participaron en el festival original”. 

Supernatural fue lanzado el 19 de junio de 1999 y contó con la participación de figuras como Eric Clapton, Rob Thomas, Lauryn Hill, CeeLo Green, entre otros. De este disco se desprenden dos sencillos Número Uno: “Maria Maria” y “Smooth”. 

“Ambos fueron momentos monumentales en mi vida. Woodstock y Supernatural me llevaron a lugares que nunca soñé que fueran posibles. Abracé esos increíbles momentos en mi vida con todo mi corazón. Ambos fueron lecciones supremas para mantener el enfoque, el corazón y la integridad en cada paso, todos los días y esforzarse por mejorarse a uno mismo con un alto nivel dentro y fuera del escenario”, dijo Carlos Santana. 

Esta serie de conciertos también servirá para promocionar la más reciente producción del colectivo, In Search of Mona Lisa. Este EP está inspirado en la primera visita que Carlos realizó al Louvre, donde sintió que la pintura de Leonardo da Vinci le habló: “Escuché esta voz decir ‘hola’ —y no lo estoy inventando, como si fuera telepatía— y le respondí ‘hola’. La voz dijo, ‘¿Me recuerdas de cuándo fuimos amantes en otro tiempo?’. Yo sólo dije, ‘Whoa'”. Rick Rubin fue quien estuvo a cargo de la producción de las cinco piezas que conforman este EP.

“Recuerdo a Crosby, Stills y Nash diciendo: “Tenemos muchísimo miedo de tocar ante esta gran cantidad de personas. Ni siquiera recuerdo haber tenido miedo. Eran las 2:30 de la tarde y si no tocábamos en ese momento, no íbamos a tocar. Estaba drogado con mescalina, que es como LSD, y casi no podía cuantificar nada con solidez. Todo estaba como en un estado de ameba”, mencionó Santana sobre su participación en Woodstock. Carlos planea invitar a todos los músicos que hayan estado en Woodstock y que todavía estén con vida a tocar con él, así como otros artistas más jóvenes. 

In Search of Mona Lisa estará disponible a partir del próximo 25 de enero y ya puede ser preordenado a través de las plataformas digitales. Este EP será sucedido por un LP que también estará bajo la producción de Rick Rubin. Este es el tracklist de In Search of Mona Lisa:

1. “Do You Remember Me”
2. “In Search of Mona Lisa”
3. “Lovers from Another Time”
4. “Do You Remember Me (Edit Version)”
5. “In Search of Mona Lisa (Edit Version)”

Santana volverá a México para encabezar la vigésima edición del Vive Latino y Pa’l Norte, compartiend escenario con Café Tacvba, Caifanes, Foals, Kings of Leon, Arctic Monkeys y muchos más. 


Celebrarán el 50 aniversario de Woodstock con una nueva edición


Se espera que algunos actos que se presentaron en el festival de 1969 participen en este nuevo evento.


POR Jonathan Matamoros  



Celebrarán el 50 aniversario de Woodstock con una nueva edición

Después de muchas especulaciones y rumores, Michael Lang, cocreador de Woodstock, finalmente confirmó a Rolling Stone que el próximo 16, 17 y 18 de agosto se llevará a cabo un evento especial para conmemorar el 50 aniversario del legendario festival que ocurrió durante tres días de agosto en 1969. Watkins Glen, Nueva York ha sido el lugar elegido para recibir a todos aquellos que quieran celebrar este acontecimiento. 

Los organizadores aún no han confirmado a ninguno de los actos que formarán parte de Woodstock 2019, pero Lang aseguró que han conseguido a más de 40 grupos que se estarán presentando en tres escenarios. “Será un cartel ecléctico. Habrá hip hop, rock, algo de pop y algunas bandas legendarias que participaron en el festival original”, añadió.

Se espera que agrupaciones de la nueva generación realicen tributos a figuras que formaron parte del Woodstock de 1969 como Janis Joplin, Jefferson Airplane y Joe Cocker, entre otros. “Tener a artistas contemporáneos interpretando esa música es una idea muy interesante y emocionante. También estamos buscando colaboraciones únicas, quizá algunas reuniones y mucho talento nuevo”, dijo Michael. Y añadió que no sólo se centrarán en el público joven, por lo que buscarán que sea un evento multigeneracional.

Se han realizado varios festivales conmemorativos a lo largo de los años, siendo el más reciente el de 1999. Este tenía el propósito de festejar los 30 años del primer Woodstock y también fue organizado por Lang, pero los resultados fueron catastróficos. Una onda de calor, la venta de agua potable en altos precios y terribles condiciones sanitarias provocaron que los asistentes se enfadaran y realizaran trifulcas, e incluso incendiaron una parte de la zona. También se reportaron algunos casos de abuso sexual. 

Al respecto, Lang dijo que Woodstock ’99 sólo fue un “evento de MTV” y “una experiencia musical sin significado social” y aseguró que este próximo festival será su antítesis. “Sólo fue una gran fiesta. Con este, volveremos a nuestras raíces y nuestro propósito original. Y esta vez tendremos control de todo”.

Encontrar un lugar que pueda albergar a un gran número de personas y permita tener condiciones favorables para que el evento se desarrolle sin contratiempos fue un gran reto para él. En el lugar donde originalmente se llevó a cabo Woodstock han construido un recinto para 15 mil personas, por lo que volverlo a realizar allí no fue una opción. “Estaba desesperado por mantenerlo en Nueva York. Busqué por todos lados porque necesitaba mil acres de campo con accesos e infraestructura. Francamente, nunca lo íbamos a encontrar”.

“Woodstock, en su encarnación original, era acerca de cambio social y activismo. Ese es un modelo que traeremos de vuelta al festival. Es una reunión para divertirse, para emocionarse, para crear experiencias y una comunidad, pero también es sobre inculcar una clase de energía en los jóvenes para hacer que sus voces sean escuchadas, que sus votos se tomen en cuenta”, mencionó Lang.

Más detalles sobre el festival, el lineup y los boletos serán revelados en febrero.

 


Jimi Hendrix: 10 grandes canciones antes de alcanzar la fama


En el que hubiera sido su cumpleaños número 76, recordamos algunas de las primeras canciones en las que participó el legendario guitarrista.


POR Álvaro Tamés  



Foto: Scanpix Sweden (CC)

Jimi Hendrix: 10 grandes canciones antes de alcanzar la fama

Antes de llegar a la fama mundial, Jimi Hendrix era tan sólo un muchacho apasionado por la música. Tras ser destituido de la División Aérea 101 después de un breve servicio como paracaidista, llegó la oportunidad de sumergirse al ritmo de profesionales como Little Richard, King Curtis y los Isley Brothers, lo cual le dio un aprendizaje valioso. Sin embargo, años después, el músico hablaría con poco cariño acerca de los días en los que el trabajo era escaso: “Teníamos muy pocos shows”, comentó en 1967. “Incluso intentamos comer cáscara de naranja y pasta de tomate. Vivir afuera de esas altas viviendas era un infierno. Las ratas corrían sobre tu pecho y las cucarachas se comían el último dulce de tu bolsillo”.

Aún con todos estos retos, una carta que Hendrix le envió a su padre durante este periodo revela su convicción para crear su destino. “Aún tengo mi guitarra y mi amplificador y mientras tenga eso, ningún tonto puede evitar que yo viva”, escribió. “Aunque no como todos los días, todo va bien para mí. Podría ser peor que esto, pero seguiré luchando hasta que las cosas pasen como deben de hacerlo para mí”. El duro desafío forjaría el singular estilo que convirtió su nombre en sinónimo de virtud musical. En el que hubiera sido su cumpleaños número 76, recordamos algunos de los temas más tempranos de James Marshall Hendrix.

The Isley Brothers – “Testify” (Partes 1 & 2) (1964)

A finales de 1963, Hendrix decidió mudarse a Nueva York para perseguir su sueño. En muy difícil año llamó la atención de Tony Rice, un asociado de los Isley Brothers. “Tony dijo que este chico –tenía 15 o 16– era el mejor y tocaba la guitarra diestra con su mano izquierda”, comentó Ron Isley. “Yo le dije a Tony, ‘Vamos amigo, no puede ser tan bueno. Es mejor que…’ y comencé a nombrar a todos los guitarristas que queríamos en nuestra banda. Y Tony dijo, ‘Es mejor que cualquiera de ellos”. Después de una audición en el departamento de los hermanos, Jimi Hendrix era el nuevo miembro del grupo de apoyo de los Isley.

Después de varios meses en gira, la banda se reunió en un estudio de Nueva York para grabar un nuevo sencillo. El resultado, “Testify”, algo diferente para los Isley. Los hermanos echaban fuego con sus voces mientras Hendrix se encargaba de los punzantes riffs. La canción no fue un éxito e hizo que Hendrix dejara la banda poco después de su lanzamiento. Y aún con el rígido código de los hermanos Isley, Hendrix se marchó en buenos términos.

Don Covay and the Goodtimers – “Mercy, Mercy” (1964)

Después de reconectarse con una exnovia en su natal Seattle, Hendrix decidió quedarse en su departamento durante una gira con los Isley Brothers. Ahí, el guitarrista se encontró con un cantante llamado George “King” Clemons, quien le preguntó si estaba interesado en trabajar al lado del titán del R&B Don Covay. Hendrix aceptó y poco después se encontraba grabando “Mercy, Mercy” en el estudio A-1 Sound. Se trató de la primera aparición de Hendrix en los principales puestos de las tablas de popularidad.

En los años siguientes, Jimi mantuvo una afinidad por la canción, interpretándola durante sus conciertos al lado de Curtis Knight and the Squires, Jimmy James and the Blue Flames e inclusive en una presentación de The Jimi Hendrix Experience.

Little Richard – “I Don’t Know What You’ve Got But It’s Got Me” (Part 1 & 2) (1965)

Para finales de 1964, el guitarrista estaba aburrido de tocar atrás de los Isley Brothers. Después de perder un autobús en Kansas, Hendrix se puso en contacto con su amigo “Gorgeous” George Odell, quien le consiguió un trabajo en la banda de apoyo de Little Richard. Al principio, Hendrix no estaba seguro de tomar el empleo, ya que en pocas semanas el show de Sam Cooke continuaría su gira y el guitarrista podría reunirse con su banda, pero el trágico asesinato de Cooke se aseguraría de que Jimi conociera a Richard en Atlanta.

Comenzó a tocar al lado del pionero del rock poco después del nuevo año usando el nombre de Maurice James. Richard estaba impresionado, pero comenzó a resentir el éxito del estilo y show de Hendrix. “En el escenario, él se llevaba el show”, comentó Richard. “La gente gritaba y yo pensé que gritaban por mí. Pero en realidad gritaban por Jimi. Así que yo oscurecía las luces… Estaba tocando con sus dientes”.

Ese verano entraron al estudio y grabaron varias canciones, pero las más interesante fue una balada escrita por Don Covay titulada “I Don’t Know What You’ve Got but It’s Got Me“.

Buddy and Stacey – “Shotgun” (1965)

Cuando el camión de Little Richard pasó por Nashville en 1965, Hendrix vio la oportunidad de presentarse en televisión durante el programa musical Night Train. Mientras que Richard no apareció, Buddy Travis y Stacey Johnson interpretaron un cover del reciente éxito de Junior Walker & the All Stars,Shotgun”. Hendrix inmediatamente se hizo presente en el fondo, tocando su Fender al revés con el estilo y gracia que pronto lo harían famoso.

Sin embargo, su relación con Richard se habían vuelto agria. Mientras que las circunstancias precisas son un misterio, Hendrix dejó la banda para enfocarse en otros proyectos. Si bien el par no terminó de forma amigable, Richard recordaría a Hendrix como “el mejor guitarrista que alguna vez tuve”.

Frank Howard and the Commanders – “I’m Sorry for You” (1965)

La fecha definitiva de la grabación de esta canción aún es un debate, muchos la acercan al rompimiento de Hendrix con Little Richard. De cualquier manera, el guitarrista tocó en King Kasuals gracias a la invitación de su viejo amigo y compañero de banda, Billy Cox. Las sesiones fueron producidas por Bill “Hoss” Allen, quien no quedó impresionado con las habilidades de Hendrix. “Todo lo que Hoss quería era que Jimi tocara un simple ritmo mientras Johnny Jones se encargaba de la guitarra principal, pero a Hoss no le gustó lo que escuchaba de Jimi, así que cortó su participación”.

Curtis Knight and the Squires – “Hornet’s Nest” (1966)

Después de un difícil verano, Hendrix conoció al cantante Curtis Knight en el lobby de un hotel en Nueva York. El líder de los Squires y Jimi se volvieron amigos rápidamente y al siguiente día ya se encontraban tocando en el Studio 76. Mientras que la Fender de Hendrix se encontraba empeñada, Knight le prestó al guitarrista una Danelectro que serviría para grabar “How Would You Feel”, una canción que le debe mucho al éxito de Bob Dylan, “Like a Rolling Stone”. Al productor Ed Chalpin le gustó lo que escuchó, así que le ofreció un contrato a Hendrix, quien inmediatamente aceptó.

Jayne Mansfield – “Suey” (1966)

Fácilmente la más extraña de las actividades preExperience de Hendrix fue esta presunta colaboración con la estrella de cine. Jimi jamás la mencionó en entrevistas, lo que puso en duda su participación en el track. Sin embargo, es posible que Hendrix simplemente estuviera apenado por la canción, ya que ésta poseía una calidad dudosa. Hasta la fecha, Chalpin insiste en que Hendrix tocó la guitarra y el bajo en “Suey” y posiblemente “As the Clouds Drift By”, pero este último punto es poco probable.

Ray Sharpe con King Curtis Orchestra – “Help Me” (Parte 1 & 2) (1966)

Cuando Jimi se encontró con el grupo de King Curtis, los músicos comenzaron una relación amena que más adelante se manifestaría como una invitación a la gira de los Kingpins y a su estudio de grabación. La primera canción que crearon juntos fue “Help Me (Get the Feeling)”, en la cual Ray Sharpe se encargó de darle vida a la voz del track. Sin embargo, las harmonías se convertirían en la verdadera estrella de la producción. Reciclada dos veces después de su lanzamiento original, al final la contribución de Hendrix quedó fuera del mix. Antes de dejar la banda en el verano de 1966, Hendrix aparentemente grabó tres canciones con King Curtis, pero estas se perdieron durante un incendio. A la fecha, no se han encontrado copias de seguridad.

The Icemen – “(My Girl) She’s A Fox” (1966)

En la cima de su explosión con The experience, Hendrix produjo algunos de los mejores materiales de su temprana carrera musical durante la mitad de 1966, al lado del saxofonista Lonnie Youngblood. Juntos hicieron producciones como “Go Go Shoes”, “Go Go Place“, “Soul Food (That’s What I Like)““Goodbye Bessie Mae” y otro sencillo con el vocalista Jimmy Norman, “You’re Only Hurting Yourself”That Little Old Groove Maker“. Un estandarte de su trabajo es “(My Girl) She’s A Fox“, escrita por los hermanos Poindexter. El track fue lanzado bajo el nombre de The Icemen, un grupo conformado por Hendrix, Youngblood y el dúo Gino Armstrong y James Stokes.

Lenny Howard – “Keep the Faith, Baby” (1966)

Similar a la experiencia de Hendrix con King Curtis y Ed Chalpin, John Brantler tomó el enfoque de reutilizar fondos instrumentales. La canción se lanzó como “Keep the Faith, Baby” con Lenny Howard vocalizando, pero existen otras cinco variaciones, incluyendo una cantada por Billy Lamont llamada “Sweet Thang”. Tal vez la encarnación más importante es “Wipe The Sweat”, en la que Hendrix y Youngblood comparten letras improvisadas. La versión no vería la luz del sol hasta después del éxito de Hendrix. Después de varios intentos fallidos, Youngblood notó que Hendrix se alejaba del proyecto. “Lo veía como R&B y otros tipos de blues. Él amaba esa música, pero después de un tiempo ya no la sentía”.

Hendrix podía sentir el cambio también. Mientras se encontraba de gira al lado de Joey Dee & the Starliters, se sintió acorralado por el rol que tenía. “No escuchaba a ningún guitarrista hacer algo nuevo. Estaba muy aburrido”, reflexionó. “Quería mi propia escena, Quería mi propia música. Comenzaba a ver que podías crear todo un mundo nuevo con una guitarra eléctrica porque no hay ningún otro sonido como ese”.


Freddie Mercury, 27 años de un trono vacante


El 24 de noviembre de 1991, perdimos a uno de los mejores intérpretes que ha tenido el rock en toda su historia.


POR Benjamín Salcedo  



Freddie Mercury, 27 años de un trono vacante

Hace casi tres décadas el mundo se estremeció ante la arremetida del VIH y el SIDA, enfermedad poco conocida en ese momento, pero de fatales consecuencias. Primero fue el actor Rock Hudson, después el 24 de noviembre de 1991, perdimos a uno de los mejores intérpretes y músicos que ha tenido el rock en toda su historia, Freddie Mercury.

Con los años hemos visto disminuir –al menos mediáticamente– las fatales consecuencias de esa enfermedad provocada por el VIH. Magic Johnson tiene más de 20 años sobreviviendo con este terrible virus, aunque en su momento sirvió para concientizar al mundo entero sobre las costumbres y hábitos sexuales que se modificaron permanentemente.

Sin embargo, el hueco que dejó el cantante de Queen en el mundo musical no ha sido llenado en todo este tiempo. Ningún grupo ha logrado la espectacularidad y cualidades que Queen ostentaba en cada grabación, y aunque pasó por etapas menos afortunadas, su despedida fue apoteósica. Innuendo, su último álbum y el tema “The Show Must Go On” fueron un digno epitafio a una muy brillante carrera.

Farookh Bulsara –nombre real de Mercury– nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla de Zanzibar, colonia británica. Misma que al sufrir un movimiento armado en 1964 provocó que el chico de 17 años llegara junto con su familia al Reino Unido, cambiando su holgada vida tropical cercana a Bombay rodeada de comodidades, por una vida modesta en Londres, Inglaterra.

Siempre fue un deportista sobresaliente, en su país practicó boxeo, pero era hábil para cualquier deporte, además era un tipo brillante en la escuela, aunque en cuanto descubrió la música, ésta le atrajo más que cualquier tipo de estudio académico y comenzó a tomar lecciones de piano en la escuela.

En 1967, al igual que muchos otros artistas británicos, cayó rendido ante la espectacularidad y virtuosismo de Jimi Hendrix, quien tocó en Londres ese año. Dos años después se presentó junto con Brain May y Roger Taylor del grupo Smile con el nuevo nombre de Queen. Ese fue el inicio de una carrera sobresaliente, llegándose a considerar al grupo como la segunda mejor banda inglesa de todos los tiempos. La historia del grupo es de sobra conocida, con momentos estelares y otros muy controvertidos.

En 1987 durante la gira para promocionar A Kind of Magic, Freddie fue diagnosticado como portador de VIH. No se conocía mucho en ese momento sobre este virus, ni del SIDA, únicamente se sabía que las consecuencias eran mortales. La información del padecimiento de Mercury sólo fue del conocimiento de la banda y del círculo cercano de amistades, para 1990 era notorio el deterioro en su salud y semblante, principalmente evidente en la entrega de los Brit Awards de ese año. Vino una etapa de reclusión y al año siguiente, varios tabloides ingleses empezaron a especular sobre su salud. Lo seguían a las clínicas en donde recibía tratamiento y era común encontrar paparazzis esperándolo a que saliera o tratando de entrevistar al personal médico.

Dejó de comer cada vez más hasta que, un día, dejó incluso de ingerir sus medicamentos. El 22 de noviembre de 1991, postrado en su cama, mandó llamar a Jim Beach, manager del grupo, para darle indicaciones de una declaración pública que informaría al público sobre su estado de salud. La declaración salió a la luz el día siguiente y, un día después, lamentablemente ocurrió su deceso. La noticia se esparció por el mundo entero.

El 20 de abril de 1992 se realizó un concierto tributo a Mercury realmente impresionante, con grandes figuras; George Michael, Elton John, Guns N’ Roses, David Bowie, Roger Daltrey, Annie Lennox, Liza Minnelli y varios más fueron parte del elenco e interpretaron los temas del colectivo, haciendo de éste un evento único.

A lo largo de los años, a May y Taylor se han unido diferentes voces, siendo Adam Lambert quien ha permanecido más tiempo junto a ellos y les ha permitido salir de gira.  Pero es innegable que Freddie Mercury es irremplazable.


El secreto de la música de terror


Los compositores han desarrollado recursos para provocar miedo en el espectador, desde el intervalo del diablo hasta instrumentos espeluznantes.


POR Noemí Contreras  



Imagen: Roger Kastel (CC)

El secreto de la música de terror

Haz un pequeño experimento: pon la película o serie de terror que más pesadillas te haya dado y desactiva el sonido. Lo que sucederá es que las imágenes seguirán siendo aterrorizantes, pero ya no tendrán el mismo efecto en ti (y tal vez ahora te parezca aburrida). Esto se debe al gran poder que tiene la combinación de música y efectos de sonido en el cerebro humano. A lo largo del tiempo, los compositores han identificado una serie de elementos en la música que perturban nuestros oídos y los han utilizado como herramientas para hacer que los proyectos audiovisuales de terror te pongan los pelos de punta.

El tritono –un intervalo de tres tonos que equivale a una quinta disminuida o una cuarta aumentada– recibió el nombre de diabolus in musica (el diablo en la música) en la Edad Media porque se consideraba que su sonido era siniestro, disonante e inestable. Su uso llegó a ser prohibido en los cantos eclesiásticos y, a lo largo de la historia, su sonido continuó estando relacionado con emociones negativas. Por esta razón, este intervalo se encuentra dentro de muchas composiciones para películas e incluso algunas bandas como Black Sabbath también han explotado este recurso, de hecho, el inicio de “Purple Haze” de Jimi Hendrix es un tritono.

Entre otros sonidos que “incomodan” al oído humano, se encuentran las tonalidades menores. En la música occidental, las tonalidades mayores están asociadas con emociones positivas como la alegría y la felicidad, mientras que las menores hacen alusión a lo oscuro, pesimista y sombrío. Un buen ejemplo de esto es “Tocata y fuga en re menor” del compositor barroco Johann Sebastian Bach, una de las piezas más famosas escritas para órgano y ha sido ampliamente usada en películas para ilustrar el terror (Dr. Jekyll and Mr. Hyde de 1931, The Black Cat de 1934, El fantasma de la ópera de 1962, entre otras).

Una de las técnicas que crean más tensión en el espectador es probablemente el glissando (un adorno musical que consiste en una rápida transición entre dos notas, permitiendo que se escuchen todas las notas intermedias). “Threnody to the Victims of Hiroshima” de Krzysztof Penderecki es una obra para 52 instrumentos de cuerda frotada que utiliza glissandos y disonancia y está dedicada a los habitantes de Hiroshima que sufrieron el ataque de la bomba atómica. Esta composición ha sido utilizada para el filme Los niños del hombre de Alfonso Cuarón y la serie Twin Peaks de David Lynch.

Además, existen otros recursos como los intervalos de segunda y séptima (¿recuerdas Tiburón?); instrumentos musicales como el violín, el sintetizador, el waterphone y el theremín; y evidentemente los efectos de sonido o foleys.

Intervalo de segunda en el tema principal de la banda sonora de Tiburón:

Y una demostración del waterphone:

Ahora que conoces los secretos de la música de terror, ¿las películas y las series serán menos espantosas? Posiblemente no. Pero la próxima vez que te adentres en este género y estés al borde del asiento, te invito a que identifiques algunas de las técnicas y notes cómo se complementa el sonido con la imagen.


El día que Santana tocó en Woodstock


El guitarrista mexicano cumple 71 años y para celebrarlo recordamos su presentación en uno de los festivales más icónicos de la música.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Facebook Santana

El día que Santana tocó en Woodstock

En 1969, un joven mexicano capturó la atención de toda una generación con su virtuosismo en la guitarra. Carlos Santana, aprendiz del blusero Javier Bátiz, presentó al mundo una mezcla de cultura latina y anglosajona en uno los festivales más memorables de la historia: The Woodstock Music & Art Fair.

La importancia de Woodstock reside en la droga como un elemento clave de esa época, además de los históricos artistas que formaron parte del evento: Jimi Hendrix, The Who, Johnny Winter, Joe Cocker, Canned Heat, entre otros. Fue concebido como uno de los festivales más grandes en la historia de Norteamérica y por lo tanto, se hicieron presentes todo tipo de sonidos. Bill Graham, uno de los organizadores de Summer of Love y de este evento, fue el responsable de llevar al guitarrista mexicano al festival.

Santana subió al escenario a las dos de la tarde junto a su banda para interpretar una lista de canciones nuevas. La fusión de la música latina con el blues eléctrico de Chicago se escuchó en canciones como “Jingo”, “Persuassion” y “Evil Ways”, donde el tecladista Gregg Rolie tocó una de las piezas en teclado más estéticas y contagiosas.

En el final de la presentación, Santana había consumido mescalina para que, según el músico, la experiencia psicodélica de las últimas canciones fuera aún más viva: “Tomé mescalina y dije ‘cuando llegue la hora, me sentiré bien’”, comenta el guitarrista. Fue en “Soul Sacrifice” en donde, tanto Santana como los demás músicos, comenzaron a sentir los efectos del estupefaciente.

El joven percusionista Michael Shrieve imprimió su personalidad enérgica en un solo de batería que pocos han igualado mientras que Carlos imaginaba a su Gibson SG como una serpiente emplumada.

Fried Neckbones And Some Home Fries” fue el tema que cerró la ácida presentación del mexicano y su grupo, misma con la que se ganó un lugar en la historia no sólo por su talento sino por sorprender a los asistentes con un estilo único e inimitable.


Os Mutantes: la leyenda sigue viva


Sérgio Dias platicó con nosotros sobre el presente de la agrupación pionera de la psicodelia.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Facebook Os Mutantes

Os Mutantes: la leyenda sigue viva

Si se tuviera que hablar de los orígenes del rock psicodélico y el surgimiento del movimiento tropicália tanto en Brasil como en Latinoamérica, el nombre de Os Mutantes sobresaldría sin lugar a dudas. Con Rita Lee en la voz, Sérgio Dias en la guitarra y Arnaldo Baptista tocando el bajo y el teclado, Os Mutantes logró dejar huella desde su formación en la década de los sesenta y sigue marcando a nuevas generaciones.

Su sonido ha influenciado a artistas de gran renombre como David Byrne, Beck o Devendra Banhart, pero también marcó intensamente a íconos de la cultura popular como Kurt Cobain o Pat Smear, guitarrista de Foo Fighters.

Sérgio Dias, integrante original y actual líder de la nueva alineación, platicó con nosotros sobre la trayectoria del grupo, así como su reencuentro después de tantos años y el presente de la legendaria banda.

Para Sérgio, la música es uno de los pilares de su vida y es gracias a eso que Os Mutantes continúa vigente. También considera que la música que expresa la agrupación es una proyección de nosotros mismos: “Os Mutantes son ustedes y nosotros. Somos un reflejo de nuestra audiencia siempre. Creo que el trabajo de nuestra banda siempre ha sido ser un buen reflejo, siempre queremos vernos y que se vean tal y como son. Nosotros hacemos la música para ustedes”.

La agrupación original se disolvió poco a poco hasta que sólo quedó Sérgio, quien decidió ponerle fin a la banda en 1978. Tiempo después, se lanzaron álbumes inéditos a pesar de que ya no estaban juntos. El rumbo de la agrupación cambió gracias a un homenaje al movimiento de tropicália en Londres: “La reunión fue algo muy peculiar, hubo un homenaje de tropicália en el Barbican Centre de Londres en el año 2006; alguien le dijo al curador que no tendría sentido hacerlo si no estaba Os Mutantes en el cartel y el curador dijo ‘¿Qué puedo hacer? ya no existen como banda desde hace mucho tiempo’. A pesar de esto la prensa nacional e internacional obtuvo información errónea de la presentación ya que se empezó a correr la voz de que volveríamos a juntarnos de nuevo para tocar”.

El carioca comenta que después de esa pequeña fuga falsa de información, Os Mutantes se planteaba como algo cada vez más real de nueva cuenta y conforme pasaba el tiempo: “Días después comenzamos a recibir correos que nos preguntaban acerca de nuestro regreso en un show de Londres y yo no tenía idea de nada. De pronto las estaciones de radio comenzaron a decir que ya estábamos juntos y ensayando en Brasil así que nos comunicamos entre la banda. Dinho (bateria) había dejado de tocar hace 27 años, pero al contarle lo sucedido lo siguiente que mencionó fue que si yo así lo quería, él tocaría y después de eso me di cuenta de que era un regreso serio. Nos juntamos en el estudio que tengo en casa para poder recordar lo que hace años habíamos olvidado y por supuesto el ensayo fue horrible pero nos dimos cuenta que la energía siempre estuvo ahí y nunca se fue, así que ese fue el momento decisivo para poder hacerlo”.

Una de las cosas que más le sorprendió el día que salieron al escenario después de tanto tiempo fue que la gente seguía escuchándolos, pero no sólo se trataba de sus contemporáneos, también había nuevas generaciones: “Desde entonces, después de ver el público tan variado entre personas de mi edad y niños, lo mínimo que podíamos hacer era seguir tocando para ellos y no dejar que Os Mutantes muriera de nuevo”. El músico decidió continuar con el proyecto a pesar de no contar con toda la alineación original, así que reclutó virtuosismo y talento que estuviera a la altura de la banda: “Yo ya conocía a todos, ya había tocado con ellos antes ya que nunca dejé de hacer música. Con Esmeria —la vocalista actual— he coincidido muchas veces, la conozco desde hace 22 años, ella me acompañó en muchos de mis proyectos solistas. El baterista (Cláudio Tchernev) grabó conmigo algunas ocasiones y es uno de los mejores bateristas que he conocido. Vinicius (bajista) fue alguna vez a mi casa a grabar unas baterías, pero de la nada tomó un bajo y comenzó a tocar cosas de Jaco Pastorius, volándome la cabeza. A Henrique Peters lo conocí produciendo su banda y me sorprendió realmente, un día hablamos y lo invité a tocar conmigo. Por último encontré a Carly Bryant con quien hice un álbum y al final terminó siendo parte de esto. Es excelente escritora, cantante y músico, ella se convirtió en una gran parte de mi vida”.

Sérgio cuenta que en esta reciente formación existen varias similitudes en comparación con la alineación original. El ADN de Os Mutantes se mantiene a pesar de que los integrantes cambien: “Lo más importante y similar que encuentro es que siempre hicimos la música que queríamos, nunca la hicimos para tener dinero o ser los número uno. Nosotros siempre hicimos la música desde el corazón y como líder puedo afirmar que todos estamos en esa misma línea. Las diferencias en esta nueva etapa de la banda es que todos crean y contribuyen conforme van creciendo y evolucionando, justo igual que la música”.

Sérgio recuerda con mucho cariño los comienzos de Os Mutantes: “Creo que fueron tiempos muy importantes para la música. En el Monterey Pop Festival se presentaron figuras como The Beatles, Jimi Hendrix, Ravi Shankar, Janis Joplin y muchos más. Todo esto pasó sin internet y de manera simultánea, esa época fue de acontecimientos trascendentes que cambiaron al mundo y generaron cambios fundamentales en la música. Fue una explosión mundial que se sincronizó con todos los que intentaban exponer, difundir y hacer arte. Difícilmente podremos ver un evento de esa magnitud otra vez. Quizás suceda en cuanto a asistentes, pero el talento, la manera de convocar a las personas, la convocatoria de artistas y personas sedientas de arte no se volverá a repetir”.

Sérgio sigue derrochando talento al mantenerse activo hasta la actualidad y mencionó que él siempre ha sido la misma persona desde que Os Mutantes se formó: “Soy más joven por más tiempo. Siento que soy el mismo niño que siempre me he sentido cuando toco, si alguna vez me sintiera diferente o si dejara de sentir el placer de todo lo que he hecho, pararía de inmediato”.

Os Mutantes se presentará el próximo 4 de julio en El Plaza Condesa en punto de las 21:00 horas. Los boletos los puedes adquirir a través de este enlace.


Supersticiones y cábalas del rock


Magia y deidades: los secretos que se esconden detrás del escenario.


POR Brenda Arriaga  



Foto: Wikimedia Commons

Supersticiones y cábalas del rock

La historia de la humanidad está permeada de cábalas o creencias que se han arraigado a la cultura popular desde hace cientos de años. En el mundo de la música no hay excepción. Los ídolos del escenario se han envuelto en una serie de supersticiones que van desde evitar los encendedores blancos porque fueron hallados en la ropa que vistieron Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison cuando murieron [miembros del famoso Club de los 27] hasta viajar el 3 de febrero para prevenir algún accidente como el ocurrido durante 1959, año en el que Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper perdieron la vida en un trágico episodio conocido como “El día en que la música murió”. Volar el viernes 13 y ofrecer el show número 13 son otras actividades que los músicos descartan.

En relación a estos y otros mitos que rondan el rock, la práctica de los rituales es muy popular entre el gremio. Con el fin de ahuyentar las tragedias, alcanzar la fama y firmar contratos millonarios, los astros de la música se han involucrado en la magia, hechicería, brujería y ocultismo, doctrinas de las cuales retoman ceremonias para consagrar su legado. Independientemente de que estos cultos conecten o no con alguna deidad, la historia enmarca algunos pasajes que tambalean el escepticismo en torno a esta costumbre.

Durante los años setenta, el rock estuvo influenciado por una serie de simbolismos que le otorgaron un sentido místico. No hay una razón específica pero gran parte de la música escrita en este periodo estuvo inspirada en El libro de la ley de Aleister Crowley (1904), una de las figuras más oscuras y enigmáticas del ocultismo. Este personaje dedicó su vida al estudio de la magia sexual, magia negra y filosofía Thelema. En su obra se proclama a la voluntad como un acto verdadero de amor que vuelve a los individuos “únicos como las estrellas”, a través de invocaciones y ceremonias coitales.

Con la premisa de “el amor bajo la voluntad”, Crowley alcanzó a gran número de seguidores entre los cuales había personalidades de la música. Todos ellos se encomendaron al mago negro e hicieron realidad su utopía. Establecieron sus propias reglas y navegaron bajo el siguiente lema: “Hacer tu voluntad será la ley”. Desde luego esta forma de pensamiento se reflejó en el desenfreno sexual, irreverencia lírica y potencia escénica que inmortalizó al rock de los años setenta.

John Lennon fue un admirador de Aleister, a quien incluyó en la controversial portada del disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. La relación entre The Beatles y el mago iría más allá, pues Crowley radicó una parte de su vida en el edificio Dakota, recinto que supuestamente hechizó al marcharse. En este mismo inmueble vivió y fue asesinado Lennon a finales de 1980.

Se dice también que Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, adquirió Boleskine House, la residencia que le perteneció a Crowley, con la esperanza de invocar al brujo para encomendar el futuro de la banda. Iniciaron los rumores sobre santería tras la publicación del cuarto álbum del grupo, donde destaca la simbología impresa en su contraportada. Al respecto, Robert Plant explicó a la prensa que cada miembro eligió un símbolo metafísico que los representara individualmente, “decidimos que el álbum no podía llamarse Led Zeppelin IV”, contó.

La serie de tragedias que envolvieron al grupo evitaron que su relación con la magia se descartara del todo. En 1975, Robert Plant sufrió un accidente automovilístico en Grecia. Este suceso lo inmovilizó por un tiempo por lo que dejó de cantar “In My Time of Dying”. En 1977, mientras Led Zeppelin se encontraba de gira por Estados Unidos, Plant perdió a su hijo de 6 años debido a una extraña infección estomacal. En septiembre de 1980, el baterista del grupo, John Bonham, murió a causa de broncoaspiración en la mansión que Jimmy Page tenía en Windsor, Inglaterra. La especulación sobre el mal karma de los músicos debido a la devoción satánica de su guitarrista terminó por desaparecer a la banda un par de meses después.

The Doors, David Bowie y Ozzy Osbourne son otros que encomendaron su destino al mago negro aunque los rituales oscuros no siempre fueron la clave para atraer a la buena suerte. Un ejercicio básico que ha prevenido infinidad de percances es el soundcheck. Las cosas sencillas son idóneas para conectar la energía positiva. Por ejemplo, Keith Richards come pastel de ternera antes de subir al escenario. Esta ceremonia ha traído buena suerte a los Stones desde 1989, año en el que el guitarrista del grupo comenzó con el ritual durante el Steel Wheels Tour. Una cuestión similar ocurría con Lemmy Kilmister quien tomaba Jack Daniel’s y Coca-Cola en el backstage. Esta combinación acompañó durante mucho tiempo al líder de Motörhead, hasta que reemplazó el coctel por problemas de salud. “Me gustaba más con jugo de naranja”, manifestó Lemmy a The Guardian. Este ritual fue tan icónico que la firma de whiskey lanzó una botella conmemorativa luego de su muerte en 2015.

En febrero de 2018, Paul McCartney reveló durante una entrevista con The Mirror que se toma un tiempo antes de salir al escenario para ver el programa Family Fortunes. De forma particular, Jack White dio a conocer a la revista The New Yorker el ritual que practica antes de un concierto. “Bebo Red Bull, un caballito de whisky y rompo cosas con un bate de béisbol detrás del escenario”. Por su parte, convivir con familiares y amigos cercanos es el ritual de buena suerte que no puede faltar en las giras de U2, Green Day y Depeche Mode; inclusive, se puede observar a Dave Gahan arrullando a su hijo minutos antes de presentarse en el Rose Bowl durante el documental 101, grabado en 1988.

Las supersticiones y rituales endulzan el rock. La razón radica en que la combinación entre la magia y lo sobrenatural genera buenas historias para las chicas, quienes “se fascinan por el lado oscuro de una banda”, como lo determinó Richard Cole, respecto a los rumores cabalísticos de Led Zeppelin.


Sonidos en los dos oídos (parte 2)


16 colaboraciones de nuestros lectores para escuchar con audífonos.


POR Noemí Contreras  



Sonidos en los dos oídos (parte 2)

Al publicar la primera parte de esta nota, recibimos muchas sugerencias en redes sociales que simplemente no podemos dejar pasar. Estas son algunas de las canciones con paneos increíbles que nuestros lectores recomiendan. Recuerda: ponte los audífonos, cierra los ojos y presta mucha atención.

Led Zeppelin – “Whole Lotta Love”

Radiohead – “Decks Dark”

Madonna – “Vogue”

Marvin Gaye – “Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)”

Jimi Hendrix – “1983… (A Merman I Should Turn to Be)”

Sufjan Stevens – “Carrie & Lowell”

The Beatles – “Strawberry Fields Forever”

The Rolling Stones – “Brown Sugar”

Van Halen – “Dreams”

Interpol – “Always Malaise (The Man I Am)”

Pink Floyd – “Astronomy Domine”

Bob Marley & The Wailers – “Could You Be Loved”

Kraftwerk – “The Robots”

CHVRCHES – “The Mother We Share”

Sheryl Crow – “Every Day Is A Winding Road”

Garbage – “Vow”


Escucha el cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters


Este cover aparecerá en ‘Both Sides of the Sky’, el próximo álbum póstumo del legendario guitarrista.


POR Bárbara Romo  



Escucha el cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters

Una versión inédita del cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters fue compartida hoy a través de BBC Radio 6. Esta nuevo corte aparecerá en Both Sides of the Sky, el próximo álbum póstumo del legendario guitarrista.

Hendrix grabó su versión en Nueva York el 22 de abril de 1969, acompañado por el bajista Billy Cox y el baterista Buddy Miles.

Both Sides of the Sky se estrenará el próximo el 9 de marzo. Este material recopila grabaciones inéditas que Hendrix creó entre enero de 1968 y febrero de 1970, incluyendo colaboraciones con Stephen Stills, Johnny Winter y Lonnie Youngblood.

John McDermott, coproductor de Both Sides of the Sky, sugirió que este álbum podría ser el último de Hendrix, pero mencionó que “con Jimi, siempre hay esperanza de que haya cintas en algún lugar”.

Escucha una versión inédita del cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters:


El próximo LP póstumo de Jimi Hendrix incluirá 10 canciones inéditas


‘Both Sides of the Sky’ presenta canciones que fueron grabadas durante 1968 y 1970.


POR Bárbara Romo  



El próximo LP póstumo de Jimi Hendrix incluirá 10 canciones inéditas

Diez grabaciones inéditas de Jimi Hendrix formarán parte de Both Sides of the Sky, el próximo LP póstumo del legendario guitarrista. El álbum estará disponible en múltiples formatos a partir de 9 de marzo de 2018.

El disco de 13 pistas compila material grabado entre enero de 1968 y febrero de 1970. Esta es la tercera y última entrega de una serie de grabaciones no publicadas, después de Valleys of Neptune de 2010 y People, Hell and Angels de 2013. El ingeniero Eddie Kramer, que trabajó en todos los proyectos de Hendrix, coprodujo el álbum con John McDermott y Janie Hendrix.

Muchas de las 13 pistas (incluida una versión actualizada de “Mannish Boy” de Muddy Waters) muestran a Hendrix en la guitarra y la voz, Billy Cox en el bajo y Buddy Miles en la batería. “Hear My Train A Comin” cuenta con la colaboración del bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell.

Varios colaboradores invitados destacan en la lista, incluyendo a Stephen Stills, Johnny Winter y el vocalista/saxofonista Lonnie Youngblood. Stills aparece en dos pistas grabadas en septiembre de 1969: una versión de “Woodstock” de Joni Mitchell y la canción original “$20 Fine“. Por su parte, Winter aparece en una versión remezclada de “Things I Used to Do” de Guitar Slim.

“El verdadero hogar de Jimi fue el estudio, ahí es donde sucedió la música y la magia”, dijo Eddie Kramer en una declaración sobre el proyecto. “A él le encantaba todo lo relacionado con la grabación y ha sido mi gran placer y un honor desempeñar un papel en ese proceso tanto en ese momento como ahora”.

Este es el arte del CD y la lista completa de canciones:

1. “Mannish Boy”
2. “Lover Man”
3. “Hear My Train A Comin'”
4. “Stepping Stone”
5. “$20 Fine” (featuring Stephen Stills)
6. “Power Of Soul”
7. “Jungle”
8. “Things I Used to Do” (featuring Johnny Winter)
9. “Georgia Blues” (featuring Lonnie Youngblood)
10. “Sweet Angel”
11. “Woodstock” (featuring Stephen Stills)
12. “Send My Love To Linda”
13. “Cherokee Mist”


50 Años de Cultura Pop


Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop, un recorrido por las figuras y sucesos más importantes del último medio siglo.


POR Staff Rolling Stone México  



50 Años de Cultura Pop

Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop para celebrar:

• 50 años de la Trucker Jacket Type III de Levi’s®
• 50 años de la revista Rolling Stone®
• 15 años de la revista Rolling Stone® México

El mundo ha cambiado radicalmente en el último medio siglo. Todo lo que hoy es común, en esos años era imposible tenerlo a nuestro alcance. La música siempre ha estado ligada a la moda, cine, política y tecnología. A través de fotografías, citas, diseños, videos y música reviviremos los temas y sucesos más importantes desde 1967 a 2017. Una línea del tiempo que inicia en 1967, año significativo para Levi’s® y Rolling Stone® en la ciudad de San Francisco, Levi’s® lanza la famosa Trucker Jacket Type III y Rolling Stone® publica su primera edición con John Lennon vestido de militar en su primera plana. Además, Rolling Stone® imprime su primera revista en México en 2002. Década tras década viajaremos por la historia para conocer el surgimiento y evolución de la música, moda, cine, televisión y tecnología.

Para este festejo en conjunto, tendremos la exposición 50 Años de Cultura Pop, una exhibición de fotografías en vivo, imágenes icónicas de Rolling Stone®, videos, playlists de cada década, photo opportunities, colaboraciones de diseños de Trucker Jackets y jeans de Levi’s® realizadas por fundaciones de Harvey Milk y Andy Warhol e intervenciones de Jean Paul Gaultier y Damien Hirst, entre otros. Además de personalidades nacionales de la cultura popular, músicos, diseñadores y actores.

50 Años de Cultura Pop se exhibirá del 7 de diciembre de 2017 al 7 febrero de 2018 en el Foto Museo Cuatro Caminos [Ingenieros Militares 77, Lomas de Sotelo, Naucalpan de Juárez, Estado de México].

¡Vive esta experiencia única donde dos marcas emblemáticas se unen para celebrar la cultura pop! Sigue nuestros enlaces y redes sociales:

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LPs esenciales del Summer of Love


Conoce los discos que formaron la banda sonora del verano de 1967.


POR Héctor Elí Murguía  



LPs esenciales del Summer of Love

Uno de los motivos principales de Summer of Love fue la música. Figuras como Jim Morrison, Jimi Hendrix, Syd Barrett, Eric Clapton y más construyeron algunos de los álbumes más representativos de esa época. Conoce la historia detrás de los LPs más importantes de este movimiento:

The Doors
The Doors
El preludio del movimiento cultural comenzó en Norteamérica con uno de los íconos sexules más imponentes de las últimas décadas, Jim Morrison. La represión de una sociedad racista, clasista y pulsional tuvo su catarsis a través del ritmo morboso de “Light My Fire”, “Break On Through (To The Other Side)” y el viaje psicodélico “The End”, fueron el lienzo musical creado por los dedos enérgicos de Ray Manzarek en el órgano y su forma de evolucionar el sonido del Rhythm & Blues a niveles nunca antes explorados.

Jefferson Airplane
Surrealistic Pillow
El sonido vital de las calles de San Francisco fue capturado por Jefferson Airplane. El segundo álbum de la banda fue una de las obras más aclamadas por su personalidad liberal, etérea, espiritual y sobre todo un retrato platónico de los sueños juveniles que se encuentra en la metáfora del título del disco. El ensueño de “Embryonic Journey” y la crónica ácida de “White Rabbit” inspirada en los cuentos de Lewis Carroll, retratan a detalle la vida de un joven estadounidense en el verano de 1967.

Pink Floyd
The Piper at the Gates of Dawn
Syd Barrett fue la piedra angular de la psicodelia británica. El primer álbum de Pink Floyd refleja una liberación de ideas y escenarios mentales inexplicables. Esta obra fue resultado de la ebullición cultural de ese mismo año. Barrett se inspiró en la literatura inglesa fantástica para crear el concepto del disco y utilizó su imaginación sin límites para convertir sus composiciones en epilepsias musicales con sonidos guturales, distorsiones agresivas y disonancias. “Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive” y “Bike”, son el comienzo, desenlace y fin de la narrativa catastrófica causada por el LSD el legendario “Diamante Loco”.

Cream
Disraeli Gears
Inspirados en el blues eléctrico de Chicago, el jazz y una vibra incandescente en las manos de Eric Clapton, Cream abrió una senda colorida en la historia del rock. La exploración sonora del trío británico atrapó la esencia del verano con riffs que se convirtieron con el paso del tiempo en reliquias como la icónica “Sunshine Of Your Love”, cuya frase melódica fue ideada por el bajista Jack Bruce, quien regresó con el tintineo luego de atender a un concierto de uno de sus fanáticos, Jimi Hendrix.

The Jimi Hendrix Experience
Are You Experienced
Jimi Hendrix, Noel Redding y Mitch Mitchell impresionaron al mundo con su virtuosismo utópico en una fusión reverberaciones, ecos y voces que cantaban sobre una depresión maniática y una vida sexual descontrolada como una forma distinta de representar el amor y paz. “Purple Haze” y “Foxy Lady” fueron las principales composiciones en las que Hendrix creó icónicos riffs a través de la distorsión y una técnica dinámica en su Fender Stratocaster, que posteriormente inspiró a guitarristas como como Jimmy Page y David Gilmour. Otras versiones psicodélicas de canciones clásicas de blues como “Hey Joe”, original de Billie Roberts de 1962 y “Manic Depression“, aumentaron las emociones que predominan en el disco: excitación, sensualidad y vitalidad.

The Beatles
Magical Mystery Tour
No conformes con el revolucionario Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, The Beatles construyó la arquitectura sonora de la psicodelia y un mundo mágico con himnos que reafirmaron su legado como la banda más importante del momento. “All You Need Is Love” reflejó la filosofía de la época, “Strawberry Fields Forever” y “I’m The Walrus” mostraron los sueños infantiles de Lennon y “Penny Lane” musicalizó la añoranza de McCartney por su amada Liverpool.

The Velvet Underground & Nico
The Velvet Underground & Nico
Los personajes más excéntricos de Nueva York se reunieron en el que sería el Estudio 54 para grabar un documento musical que capturó la agresividad y la furia juvenil provocada por los deseos más salvajes. La oscuridad de la obra escrita por Lou Reed, cantada por la enigmática Nico, y promocionada con una de las portadas más memorables de Andy Warhol, retratan la utopía de la escena underground que heredó su ideología nihilista al mundo con canciones como “Sunday Morning”, “I’m Waiting For The Man”, “Femme Fatale” y “Heroin”, una oda que deconstruye la felicidad, el amor y la paz que sigue satisfaciendo a los inconformes.

The Rolling Stones
Their Satanic Majesties Request
Mick Jagger no recuerda nada de la psicodelia. Los Stones ya utilizaban demasiadas drogas y su única rehabilitación fue este álbum conceptual que imaginaba a la banda en alguna tierra fantástica creada por Frank Baum (The Wizard of Oz) o J.R.R Tolkien (The Hobbit, The Lord of the Rings).

The Beach Boys
Smiley Smile
Después del fracaso comercial de Pet Sounds y la demencia que sufrió Brian Wilson, The Beach Boys lanzaron uno de los álbumes más lúcidos de su carrera. Tan sólo un año antes, el primer sencillo, “Good Vibrations” funcionó como un catalizador para la psicodelia con una de las líneas de bajo más icónicas del siglo pasado creadas por Carol Kaye. Wilson y una orquesta se encargaron de crear esta canción, un testamento pop que trascendió una temporada para quedarse en el inconsciente colectivo.

Grateful Dead
The Grateful Dead
Bob Weir y Jerry García fueron los encargados de llevar el estandarte de San Francisco a los oídos de los jóvenes con su mezcla de rock & roll, bluegrass y country. La producción orgánica del disco fue responsabilidad de David Hassinger (productor de “Satisfaction” y Jefferson Airplane), quien orientó el estilo del álbum a un sonido más rudimentario y sin tapujos como en el caso de “Viola Lee Blues” o “Cream Puff War”. Después del lanzamiento del disco, Grateful Dead se convirtió en una de las bandas más populares de Norteamérica y se presentó en casi todos los eventos del verano.

Big Brother & The Holding Company
Big Brother & The Holding Company
Janis Joplin fue ella quien levantó la voz por el género que en aquel entonces no tenía siquiera el derecho a elegir. Big Brother & The Holding Company fue la comunidad con la que la extrovertida Joplin salió a la luz y demostró su coraje y talento con una voz desgarrante a través del blues. El instrumento natural de la estadounidense inspiró a vocalistas como Robert Plant, quien debutaría un año después con Led Zeppelin. “Women is Losers” e “Intruder”, composiciones íntimas de la cantante, formaron parte de la colección de temas que construyeron su carrera.

Love
Forever Changes
El estilo de vida y la sensación latente de protesta fueron descritos en las letras de Forever Changes, un manifiesto musical del verano del amor. La guitarra acústica de Arthur Lee dirigió una orquesta que dibujó flores en el cabello de los que escucharon el disco. El folk rock germinaba en temas como “Alone Again Or”, “Old Man” y “Bummer In The Summer”, auténticas pinceladas de colores en un lienzo social que buscaba un camino diferente al de sus antepasados.

Buffalo Springfield
Buffalo Springfield Again
Buffalo Springfield no sólo será recordada por Neil Young. La producción de su segundo álbum de estudio fue un factor importante para que sus canciones en el soundtrack del año del amor y paz. Jack Nietzche (mano derecha de Phil Spector) creó un collage de folk, rock y sonidos de la época como en “Mr. Soul”, una reminiscencia a The Rolling Stones. En este disco, la agrupación retrata el sonido de California en su máximo esplendor.

Van Morrison
Blowin’ Your Mind
Bob Dylan inspiró a muchos con Highway 61 Revisited en 1965 y uno de ellos fue Van Morrison, que a pesar de ser presionado por su disquera, fue uno de los artistas que logró ser el medio para hacer soñar a los adolescentes americanos de la época como Bruce Springsteen. La metamorfosis de la música tradicional norteamericana se vio reflejada en este disco.

The Byrds
Younger Than Yesterday
The Byrds
expandió su estilo con un álbum que mostró la transición del rock hacia la psicodelia. En febrero de 1967, la banda estrenó Younger Than Yesterday, la obra experimental del country y folk más influyente de los últimos tiempos. El productor Gary Usher incorporó sonidos más electrónicos y reverberaciones nunca antes escuchadas en la música popular del país de las barras y las estrellas.


Screaming Headless Torsos estrena video


“Running Black Water” es el nuevo sencillo de la banda neoyorquina y cuenta con la colaboración de la reconocida pianista Hiromi.


POR Héctor Elí Murguía  



Screaming Headless Torsos estrena video

Screaming Headless Torsos estrenó en exclusiva para Rolling Stone el video de “Running Black Water”. Este nuevo sencillo fue compuesto por Daniel Sadownick y cuenta con la participación de la prestigiada pianista Hiromi.

El visual muestra la sesión de grabación en la que SHT e Hiromi interpretan la canción. En entrevista con Rolling Stone, David Fiuczysnki, Daniel Sadownick y Freedom Bremner comentaron que “Running Black Water” nació de un sueño en el que el agua se convertía en un líquido oscuro.

“Lo importante es romper la estructura de lo establecido musicalmente hablando. Cuando tocas jazz o cualquier estilo tienes que soltarte y hacer una fiesta de viernes con los instrumentos”, menciona Fiuczysnki. “Siempre hay un lugar en el que puedes desprenderte de lo que a uno le dictan en la escuela de música”, declara Bremmer, vocalista de la banda.

En su estilo existe una conexión entre la música de Jimi Hendrix, James Brown y Bernie Worrell (tecladista de Parliment Funkadelic y Talking Heads): “Nuestra experiencia al tocar con Bernie fue única e increíble, imagina que el tipo solamente movía los dedos y hacía magia. En mi caso, Funkadelic cambió mi vida, era verdadero rock aunque no sea clasificado así su estilo musical y existe una parte de Hendrix en cada uno de nosotros”, aclara el vocalista.

Mira a continuación el nuevo video de Screaming Headless Torsos:


50 años de ‘Are You Experienced’ de The Jimi Hendrix Experience


El álbum debut de uno de los guitarristas más emblemáticos de la historia cumple cinco décadas.


POR Héctor Elí Murguía  



50 años de ‘Are You Experienced’ de The Jimi Hendrix Experience

El 12 de mayo de 1967 fue publicado un álbum que marcaría un antes y un después en la historia de la cultura popular: Are You Experienced de The Jimi Hendrix Experience, obra que funcionaría como antesala de la psicodelia.

Jimi Hendrix, Noel Redding y Mitch Mitchel fue el primer trío que impresionó al tocar con virtuosismo una fusión de blues, jazz y efectos de sonido que ambientaron la imaginación de los jóvenes anglosajones. Reverberaciones, ecos y voces que cantaban sobre una depresión maniática y una vida sexual descontrolada, se escucharon en este disco antes de la llegada del “amor y paz”.

Hendrix se mudó a Londres en 1966 y visitó algunos clubes de blues en donde encontraría la inspiración para revolucionar el rock: Eric Clapton. Unos meses después, el guitarrista y los dos miembros de su banda, fueron descubiertos por Chas Chandler (The Animals) y su mánager, Michael Jeffrey, quienes firmaron contrato con Track Records para grabar el álbum debut del power trio.

The Jimi Hendrix Experience estuvo en el estudio durante cuatro meses en los Olimpic Studios con el productor Eddie Kramer, quien posteriormente trabajaría con Led Zeppelin y KISS. “Purple Haze” y “Foxy Lady” fueron las principales composiciones en las que Hendrix creo icónicos riffs a través de la distorsión y una técnica dinámica en su Fender Stratocaster, que posteriormente inspiró a guitarristas como como Jimmy Page, David Gilmour y actualmente a guitarristas como John Mayer. Otras versiones psicodélicas de canciones clásicas de blues como “Hey Joe”, original de Billie Roberts de 1962 y “Manic Depression“, aumentaron las emociones que predominan en el disco: excitación, sensualidad y vitalidad.

Are You Experienced inspiró a las generaciones que basaron su sonido en el blues, rock e inclusive el funk como Sly and the Family Stone y al mismo Prince en sus inicios. La leyenda de Jimi Hendrix comenzó en este álbum, el primer retrato sonoro de uno de los guitarristas más innovadores de su época.

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