Archivo de la etiqueta: Jimi Hendrix

Sonidos en los dos oídos (parte 2)


16 colaboraciones de nuestros lectores para escuchar con audífonos.


POR Noemí Contreras  



Sonidos en los dos oídos (parte 2)

Al publicar la primera parte de esta nota, recibimos muchas sugerencias en redes sociales que simplemente no podemos dejar pasar. Estas son algunas de las canciones con paneos increíbles que nuestros lectores recomiendan. Recuerda: ponte los audífonos, cierra los ojos y presta mucha atención.

Led Zeppelin – “Whole Lotta Love”

Radiohead – “Decks Dark”

Madonna – “Vogue”

Marvin Gaye – “Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)”

Jimi Hendrix – “1983… (A Merman I Should Turn to Be)”

Sufjan Stevens – “Carrie & Lowell”

The Beatles – “Strawberry Fields Forever”

The Rolling Stones – “Brown Sugar”

Van Halen – “Dreams”

Interpol – “Always Malaise (The Man I Am)”

Pink Floyd – “Astronomy Domine”

Bob Marley & The Wailers – “Could You Be Loved”

Kraftwerk – “The Robots”

CHVRCHES – “The Mother We Share”

Sheryl Crow – “Every Day Is A Winding Road”

Garbage – “Vow”


Escucha el cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters


Este cover aparecerá en ‘Both Sides of the Sky’, el próximo álbum póstumo del legendario guitarrista.


POR Bárbara Romo  



Escucha el cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters

Una versión inédita del cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters fue compartida hoy a través de BBC Radio 6. Esta nuevo corte aparecerá en Both Sides of the Sky, el próximo álbum póstumo del legendario guitarrista.

Hendrix grabó su versión en Nueva York el 22 de abril de 1969, acompañado por el bajista Billy Cox y el baterista Buddy Miles.

Both Sides of the Sky se estrenará el próximo el 9 de marzo. Este material recopila grabaciones inéditas que Hendrix creó entre enero de 1968 y febrero de 1970, incluyendo colaboraciones con Stephen Stills, Johnny Winter y Lonnie Youngblood.

John McDermott, coproductor de Both Sides of the Sky, sugirió que este álbum podría ser el último de Hendrix, pero mencionó que “con Jimi, siempre hay esperanza de que haya cintas en algún lugar”.

Escucha una versión inédita del cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters:


El próximo LP póstumo de Jimi Hendrix incluirá 10 canciones inéditas


‘Both Sides of the Sky’ presenta canciones que fueron grabadas durante 1968 y 1970.


POR Bárbara Romo  



El próximo LP póstumo de Jimi Hendrix incluirá 10 canciones inéditas

Diez grabaciones inéditas de Jimi Hendrix formarán parte de Both Sides of the Sky, el próximo LP póstumo del legendario guitarrista. El álbum estará disponible en múltiples formatos a partir de 9 de marzo de 2018.

El disco de 13 pistas compila material grabado entre enero de 1968 y febrero de 1970. Esta es la tercera y última entrega de una serie de grabaciones no publicadas, después de Valleys of Neptune de 2010 y People, Hell and Angels de 2013. El ingeniero Eddie Kramer, que trabajó en todos los proyectos de Hendrix, coprodujo el álbum con John McDermott y Janie Hendrix.

Muchas de las 13 pistas (incluida una versión actualizada de “Mannish Boy” de Muddy Waters) muestran a Hendrix en la guitarra y la voz, Billy Cox en el bajo y Buddy Miles en la batería. “Hear My Train A Comin” cuenta con la colaboración del bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell.

Varios colaboradores invitados destacan en la lista, incluyendo a Stephen Stills, Johnny Winter y el vocalista/saxofonista Lonnie Youngblood. Stills aparece en dos pistas grabadas en septiembre de 1969: una versión de “Woodstock” de Joni Mitchell y la canción original “$20 Fine“. Por su parte, Winter aparece en una versión remezclada de “Things I Used to Do” de Guitar Slim.

“El verdadero hogar de Jimi fue el estudio, ahí es donde sucedió la música y la magia”, dijo Eddie Kramer en una declaración sobre el proyecto. “A él le encantaba todo lo relacionado con la grabación y ha sido mi gran placer y un honor desempeñar un papel en ese proceso tanto en ese momento como ahora”.

Este es el arte del CD y la lista completa de canciones:

1. “Mannish Boy”
2. “Lover Man”
3. “Hear My Train A Comin'”
4. “Stepping Stone”
5. “$20 Fine” (featuring Stephen Stills)
6. “Power Of Soul”
7. “Jungle”
8. “Things I Used to Do” (featuring Johnny Winter)
9. “Georgia Blues” (featuring Lonnie Youngblood)
10. “Sweet Angel”
11. “Woodstock” (featuring Stephen Stills)
12. “Send My Love To Linda”
13. “Cherokee Mist”


50 Años de Cultura Pop


Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop, un recorrido por las figuras y sucesos más importantes del último medio siglo.


POR Staff Rolling Stone México  



50 Años de Cultura Pop

Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop para celebrar:

• 50 años de la Trucker Jacket Type III de Levi’s®
• 50 años de la revista Rolling Stone®
• 15 años de la revista Rolling Stone® México

El mundo ha cambiado radicalmente en el último medio siglo. Todo lo que hoy es común, en esos años era imposible tenerlo a nuestro alcance. La música siempre ha estado ligada a la moda, cine, política y tecnología. A través de fotografías, citas, diseños, videos y música reviviremos los temas y sucesos más importantes desde 1967 a 2017. Una línea del tiempo que inicia en 1967, año significativo para Levi’s® y Rolling Stone® en la ciudad de San Francisco, Levi’s® lanza la famosa Trucker Jacket Type III y Rolling Stone® publica su primera edición con John Lennon vestido de militar en su primera plana. Además, Rolling Stone® imprime su primera revista en México en 2002. Década tras década viajaremos por la historia para conocer el surgimiento y evolución de la música, moda, cine, televisión y tecnología.

Para este festejo en conjunto, tendremos la exposición 50 Años de Cultura Pop, una exhibición de fotografías en vivo, imágenes icónicas de Rolling Stone®, videos, playlists de cada década, photo opportunities, colaboraciones de diseños de Trucker Jackets y jeans de Levi’s® realizadas por fundaciones de Harvey Milk y Andy Warhol e intervenciones de Jean Paul Gaultier y Damien Hirst, entre otros. Además de personalidades nacionales de la cultura popular, músicos, diseñadores y actores.

50 Años de Cultura Pop se exhibirá del 7 de diciembre de 2017 al 7 febrero de 2018 en el Foto Museo Cuatro Caminos [Ingenieros Militares 77, Lomas de Sotelo, Naucalpan de Juárez, Estado de México].

¡Vive esta experiencia única donde dos marcas emblemáticas se unen para celebrar la cultura pop! Sigue nuestros enlaces y redes sociales:

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Jimi Hendrix: 10 grandes canciones antes de alcanzar la fama


En el que hubiera sido su cumpleaños número 75, recordamos algunas de las primeras canciones en las que participó el legendario guitarrista.


POR Álvaro Tamés  



Foto: Facebook Jimi Hendrix

Jimi Hendrix: 10 grandes canciones antes de alcanzar la fama

Antes de llegar a la fama mundial, Jimi Hendrix era tan sólo un muchacho apasionado por la música. Tras ser destituido de la División Aérea 101 después de un breve servicio como paracaidista, llegó la oportunidad de sumergirse al ritmo de profesionales como Little Richard, King Curtis y los Isley Brothers, lo cual le dio un aprendizaje valioso. Sin embargo, años después, el músico hablaría con poco cariño acerca de los días en los que el trabajo era escaso: “Teníamos muy pocos shows”, comentó en 1967. “Incluso intentamos comer cáscara de naranja y pasta de tomate. Vivir afuera de esas altas viviendas era un infierno. Las ratas corrían sobre tu pecho y las cucarachas se comían el último dulce de tu bolsillo”.

Aún con todos estos retos, una carta que Hendrix le envió a su padre durante este periodo revela su convicción para crear su destino. “Aún tengo mi guitarra y mi amplificador y mientras tenga eso, ningún tonto puede evitar que yo viva”, escribió. “Aunque no como todos los días, todo va bien para mí. Podría ser peor que esto, pero seguiré luchando hasta que las cosas pasen como deben de hacerlo para mí”. El duro desafío forjaría el singular estilo que convirtió su nombre en sinónimo de virtud musical. En el que hubiera sido su cumpleaños número 75, recordamos algunos de los temas más tempranos de James Marshall Hendrix.

The Isley Brothers – “Testify” (Partes 1 & 2) (1964)


 

A finales de 1963, Hendrix decidió mudarse a Nueva York para perseguir su sueño. En muy difícil año llamó la atención de Tony Rice, un asociado de los Isley Brothers. “Tony dijo que este chico –tenía 15 o 16– era el mejor y tocaba la guitarra diestra con su mano izquierda”, comentó Ron Isley. “Yo le dije a Tony, ‘Vamos amigo, no puede ser tan bueno. Es mejor que…’ y comencé a nombrar a todos los guitarristas que queríamos en nuestra banda. Y Tony dijo, ‘Es mejor que cualquiera de ellos”. Después de una audición en el departamento de los hermanos, Jimi Hendrix era el nuevo miembro del grupo de apoyo de los Isley.

Después de varios meses en gira, la banda se reunió en un estudio de Nueva York para grabar un nuevo sencillo. El resultado, “Testify”, algo diferente para los Isley. Los hermanos echaban fuego con sus voces mientras Hendrix se encargaba de los punzantes riffs. La canción no fue un éxito e hizo que Hendrix dejara la banda poco después de su lanzamiento. Y aún con el rígido código de los hermanos Isley, Hendrix se marchó en buenos términos.

Don Covay and the Goodtimers – “Mercy, Mercy” (1964)


 

Después de reconectarse con una exnovia en su natal Seattle, Hendrix decidió quedarse en su departamento durante una gira con los Isley Brothers. Ahí, el guitarrista se encontró con un cantante llamado George “King” Clemons, quien le preguntó si estaba interesado en trabajar al lado del titán del R&B Don Covay. Hendrix aceptó y poco después se encontraba grabando “Mercy, Mercy” en el estudio A-1 Sound. Se trató de la primera aparición de Hendrix en los principales puestos de las tablas de popularidad.

En los años siguientes, Jimi mantuvo una afinidad por la canción, interpretándola durante sus conciertos al lado de Curtis Knight and the Squires, Jimmy James and the Blue Flames e inclusive en una presentación de The Jimi Hendrix Experience.

Little Richard – “I Don’t Know What You’ve Got But It’s Got Me” (Part 1 & 2) (1965)


 

Para finales de 1964, el guitarrista estaba aburrido de tocar atrás de los Isley Brothers. Después de perder un autobús en Kansas, Hendrix se puso en contacto con su amigo “Gorgeous” George Odell, quien le consiguió un trabajo en la banda de apoyo de Little Richard. Al principio, Hendrix no estaba seguro de tomar el empleo, ya que en pocas semanas el show de Sam Cooke continuaría su gira y el guitarrista podría reunirse con su banda, pero el trágico asesinato de Cooke se aseguraría de que Jimi conociera a Richard en Atlanta.

Comenzó a tocar al lado del pionero del rock poco después del nuevo año usando el nombre de Maurice James. Richard estaba impresionado, pero comenzó a resentir el éxito del estilo y show de Hendrix. “En el escenario, él se llevaba el show”, comentó Richard. “La gente gritaba y yo pensé que gritaban por mí. Pero en realidad gritaban por Jimi. Así que yo oscurecía las luces… Estaba tocando con sus dientes”.

Ese verano entraron al estudio y grabaron varias canciones, pero las más interesante fue una balada escrita por Don Covay titulada “I Don’t Know What You’ve Got but It’s Got Me“.

Buddy and Stacey – “Shotgun” (1965)


 

Cuando el camión de Little Richard pasó por Nashville en 1965, Hendrix vio la oportunidad de presentarse en televisión durante el programa musical Night Train. Mientras que Richard no apareció, Buddy Travis y Stacey Johnson interpretaron un cover del reciente éxito de Junior Walker & the All Stars,Shotgun”. Hendrix inmediatamente se hizo presente en el fondo, tocando su Fender al revés con el estilo y gracia que pronto lo harían famoso.

Sin embargo, su relación con Richard se habían vuelto agria. Mientras que las circunstancias precisas son un misterio, Hendrix dejó la banda para enfocarse en otros proyectos. Si bien el par no terminó de forma amigable, Richard recordaría a Hendrix como “el mejor guitarrista que alguna vez tuve”.

Frank Howard and the Commanders – “I’m Sorry for You” (1965)


 

La fecha definitiva de la grabación de esta canción aún es un debate, muchos la acercan al rompimiento de Hendrix con Little Richard. De cualquier manera, el guitarrista tocó en King Kasuals gracias a la invitación de su viejo amigo y compañero de banda, Billy Cox. Las sesiones fueron producidas por Bill “Hoss” Allen, quien no quedó impresionado con las habilidades de Hendrix. “Todo lo que Hoss quería era que Jimi tocara un simple ritmo mientras Johnny Jones se encargaba de la guitarra principal, pero a Hoss no le gustó lo que escuchaba de Jimi, así que cortó su participación”.

Curtis Knight and the Squires – “Hornet’s Nest” (1966)


 

Después de un difícil verano, Hendrix conoció al cantante Curtis Knight en el lobby de un hotel en Nueva York. El líder de los Squires y Jimi se volvieron amigos rápidamente y al siguiente día ya se encontraban tocando en el Studio 76. Mientras que la Fender de Hendrix se encontraba empeñada, Knight le prestó al guitarrista una Danelectro que serviría para grabar “How Would You Feel”, una canción que le debe mucho al éxito de Bob Dylan, “Like a Rolling Stone”.

Al productor Ed Chalpin le gustó lo que escuchó, así que le ofreció un contrato a Hendrix, quien inmediatamente aceptó.

Jayne Mansfield – “Suey” (1966)


 

Fácilmente la más extraña de las actividades preExperience de Hendrix fue esta presunta colaboración con la estrella de cine. Jimi jamás la mencionó en entrevistas, lo que puso en duda su participación en el track. Sin embargo, es posible que Hendrix simplemente estuviera apenado por la canción, ya que ésta poseía una calidad dudosa. Hasta la fecha, Chalpin insiste en que Hendrix tocó la guitarra y el bajo en “Suey” y posiblemente “As the Clouds Drift By”, pero este último punto es poco probable.

Ray Sharpe con King Curtis Orchestra – “Help Me” (Parte 1 & 2) (1966)


 

Cuando Jimi se encontró con el grupo de King Curtis, los músicos comenzaron una relación amena que más adelante se manifestaría como una invitación a la gira de los Kingpins y a su estudio de grabación. La primera canción que crearon juntos fue “Help Me (Get the Feeling)”, en la cual Ray Sharpe se encargó de darle vida a la voz del track. Sin embargo, las harmonías se convertirían en la verdadera estrella de la producción. Reciclada dos veces después de su lanzamiento original, al final la contribución de Hendrix quedó fuera del mix.

Antes de dejar la banda en el verano de 1966, Hendrix aparentemente grabó tres canciones con King Curtis, pero estas se perdieron durante un incendio. A la fecha, no se han encontrado copias de seguridad.


The Icemen – “(My Girl) She’s A Fox” (1966)


 

En la cima de su explosión con The experience, Hendrix produjo algunos de los mejores materiales de su temprana carrera musical durante la mitad de 1966, al lado del saxofonista Lonnie Youngblood. Juntos hicieron producciones como “Go Go Shoes”, “Go Go Place“, “Soul Food (That’s What I Like)““Goodbye Bessie Mae” y otro sencillo con el vocalista Jimmy Norman, “You’re Only Hurting Yourself”That Little Old Groove Maker“. Un estandarte de su trabajo es “(My Girl) She’s A Fox“, escrita por los hermanos Poindexter. El track fue lanzado bajo el nombre de The Icemen, un grupo conformado por Hendrix, Youngblood y el dúo Gino Armstrong y James Stokes.


Lenny Howard – “Keep the Faith, Baby” (1966)


 

Similar a la experiencia de Hendrix con King Curtis y Ed Chalpin, John Brantler tomó el enfoque de reutilizar fondos instrumentales. La canción se lanzó como “Keep the Faith, Baby” con Lenny Howard vocalizando, pero existen otras cinco variaciones, incluyendo una cantada por Billy Lamont llamada “Sweet Thang”. Tal vez la encarnación más importante es “Wipe The Sweat”, en la que Hendrix y Youngblood comparten letras improvisadas. La versión no vería la luz del sol hasta después del éxito de Hendrix. Después de varios intentos fallidos, Youngblood notó que Hendrix se alejaba del proyecto. “Lo veía como R&B y otros tipos de blues. Él amaba esa música, pero después de un tiempo ya no la sentía”.

Hendrix podía sentir el cambio también. Mientras se encontraba de gira al lado de Joey Dee & the Starliters, se sintió acorralado por el rol que tenía. “No escuchaba a ningún guitarrista hacer algo nuevo. Estaba muy aburrido”, reflexionó. “Quería mi propia escena, Quería mi propia música. Comenzaba a ver que podías crear todo un mundo nuevo con una guitarra eléctrica porque no hay ningún otro sonido como ese”.


LPs esenciales del Summer of Love


Conoce los discos que formaron la banda sonora del verano de 1967.


POR Héctor Elí Murguía  



LPs esenciales del Summer of Love

Uno de los motivos principales de Summer of Love fue la música. Figuras como Jim Morrison, Jimi Hendrix, Syd Barrett, Eric Clapton y más construyeron algunos de los álbumes más representativos de esa época. Conoce la historia detrás de los LPs más importantes de este movimiento:

The Doors
The Doors
El preludio del movimiento cultural comenzó en Norteamérica con uno de los íconos sexules más imponentes de las últimas décadas, Jim Morrison. La represión de una sociedad racista, clasista y pulsional tuvo su catarsis a través del ritmo morboso de “Light My Fire”, “Break On Through (To The Other Side)” y el viaje psicodélico “The End”, fueron el lienzo musical creado por los dedos enérgicos de Ray Manzarek en el órgano y su forma de evolucionar el sonido del Rhythm & Blues a niveles nunca antes explorados.

Jefferson Airplane
Surrealistic Pillow
El sonido vital de las calles de San Francisco fue capturado por Jefferson Airplane. El segundo álbum de la banda fue una de las obras más aclamadas por su personalidad liberal, etérea, espiritual y sobre todo un retrato platónico de los sueños juveniles que se encuentra en la metáfora del título del disco. El ensueño de “Embryonic Journey” y la crónica ácida de “White Rabbit” inspirada en los cuentos de Lewis Carroll, retratan a detalle la vida de un joven estadounidense en el verano de 1967.

Pink Floyd
The Piper at the Gates of Dawn
Syd Barrett fue la piedra angular de la psicodelia británica. El primer álbum de Pink Floyd refleja una liberación de ideas y escenarios mentales inexplicables. Esta obra fue resultado de la ebullición cultural de ese mismo año. Barrett se inspiró en la literatura inglesa fantástica para crear el concepto del disco y utilizó su imaginación sin límites para convertir sus composiciones en epilepsias musicales con sonidos guturales, distorsiones agresivas y disonancias. “Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive” y “Bike”, son el comienzo, desenlace y fin de la narrativa catastrófica causada por el LSD el legendario “Diamante Loco”.

Cream
Disraeli Gears
Inspirados en el blues eléctrico de Chicago, el jazz y una vibra incandescente en las manos de Eric Clapton, Cream abrió una senda colorida en la historia del rock. La exploración sonora del trío británico atrapó la esencia del verano con riffs que se convirtieron con el paso del tiempo en reliquias como la icónica “Sunshine Of Your Love”, cuya frase melódica fue ideada por el bajista Jack Bruce, quien regresó con el tintineo luego de atender a un concierto de uno de sus fanáticos, Jimi Hendrix.

The Jimi Hendrix Experience
Are You Experienced
Jimi Hendrix, Noel Redding y Mitch Mitchell impresionaron al mundo con su virtuosismo utópico en una fusión reverberaciones, ecos y voces que cantaban sobre una depresión maniática y una vida sexual descontrolada como una forma distinta de representar el amor y paz. “Purple Haze” y “Foxy Lady” fueron las principales composiciones en las que Hendrix creó icónicos riffs a través de la distorsión y una técnica dinámica en su Fender Stratocaster, que posteriormente inspiró a guitarristas como como Jimmy Page y David Gilmour. Otras versiones psicodélicas de canciones clásicas de blues como “Hey Joe”, original de Billie Roberts de 1962 y “Manic Depression“, aumentaron las emociones que predominan en el disco: excitación, sensualidad y vitalidad.

The Beatles
Magical Mystery Tour
No conformes con el revolucionario Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, The Beatles construyó la arquitectura sonora de la psicodelia y un mundo mágico con himnos que reafirmaron su legado como la banda más importante del momento. “All You Need Is Love” reflejó la filosofía de la época, “Strawberry Fields Forever” y “I’m The Walrus” mostraron los sueños infantiles de Lennon y “Penny Lane” musicalizó la añoranza de McCartney por su amada Liverpool.

The Velvet Underground & Nico
The Velvet Underground & Nico
Los personajes más excéntricos de Nueva York se reunieron en el que sería el Estudio 54 para grabar un documento musical que capturó la agresividad y la furia juvenil provocada por los deseos más salvajes. La oscuridad de la obra escrita por Lou Reed, cantada por la enigmática Nico, y promocionada con una de las portadas más memorables de Andy Warhol, retratan la utopía de la escena underground que heredó su ideología nihilista al mundo con canciones como “Sunday Morning”, “I’m Waiting For The Man”, “Femme Fatale” y “Heroin”, una oda que deconstruye la felicidad, el amor y la paz que sigue satisfaciendo a los inconformes.

The Rolling Stones
Their Satanic Majesties Request
Mick Jagger no recuerda nada de la psicodelia. Los Stones ya utilizaban demasiadas drogas y su única rehabilitación fue este álbum conceptual que imaginaba a la banda en alguna tierra fantástica creada por Frank Baum (The Wizard of Oz) o J.R.R Tolkien (The Hobbit, The Lord of the Rings).

The Beach Boys
Smiley Smile
Después del fracaso comercial de Pet Sounds y la demencia que sufrió Brian Wilson, The Beach Boys lanzaron uno de los álbumes más lúcidos de su carrera. Tan sólo un año antes, el primer sencillo, “Good Vibrations” funcionó como un catalizador para la psicodelia con una de las líneas de bajo más icónicas del siglo pasado creadas por Carol Kaye. Wilson y una orquesta se encargaron de crear esta canción, un testamento pop que trascendió una temporada para quedarse en el inconsciente colectivo.

Grateful Dead
The Grateful Dead
Bob Weir y Jerry García fueron los encargados de llevar el estandarte de San Francisco a los oídos de los jóvenes con su mezcla de rock & roll, bluegrass y country. La producción orgánica del disco fue responsabilidad de David Hassinger (productor de “Satisfaction” y Jefferson Airplane), quien orientó el estilo del álbum a un sonido más rudimentario y sin tapujos como en el caso de “Viola Lee Blues” o “Cream Puff War”. Después del lanzamiento del disco, Grateful Dead se convirtió en una de las bandas más populares de Norteamérica y se presentó en casi todos los eventos del verano.

Big Brother & The Holding Company
Big Brother & The Holding Company
Janis Joplin fue ella quien levantó la voz por el género que en aquel entonces no tenía siquiera el derecho a elegir. Big Brother & The Holding Company fue la comunidad con la que la extrovertida Joplin salió a la luz y demostró su coraje y talento con una voz desgarrante a través del blues. El instrumento natural de la estadounidense inspiró a vocalistas como Robert Plant, quien debutaría un año después con Led Zeppelin. “Women is Losers” e “Intruder”, composiciones íntimas de la cantante, formaron parte de la colección de temas que construyeron su carrera.

Love
Forever Changes
El estilo de vida y la sensación latente de protesta fueron descritos en las letras de Forever Changes, un manifiesto musical del verano del amor. La guitarra acústica de Arthur Lee dirigió una orquesta que dibujó flores en el cabello de los que escucharon el disco. El folk rock germinaba en temas como “Alone Again Or”, “Old Man” y “Bummer In The Summer”, auténticas pinceladas de colores en un lienzo social que buscaba un camino diferente al de sus antepasados.

Buffalo Springfield
Buffalo Springfield Again
Buffalo Springfield no sólo será recordada por Neil Young. La producción de su segundo álbum de estudio fue un factor importante para que sus canciones en el soundtrack del año del amor y paz. Jack Nietzche (mano derecha de Phil Spector) creó un collage de folk, rock y sonidos de la época como en “Mr. Soul”, una reminiscencia a The Rolling Stones. En este disco, la agrupación retrata el sonido de California en su máximo esplendor.

Van Morrison
Blowin’ Your Mind
Bob Dylan inspiró a muchos con Highway 61 Revisited en 1965 y uno de ellos fue Van Morrison, que a pesar de ser presionado por su disquera, fue uno de los artistas que logró ser el medio para hacer soñar a los adolescentes americanos de la época como Bruce Springsteen. La metamorfosis de la música tradicional norteamericana se vio reflejada en este disco.

The Byrds
Younger Than Yesterday
The Byrds
expandió su estilo con un álbum que mostró la transición del rock hacia la psicodelia. En febrero de 1967, la banda estrenó Younger Than Yesterday, la obra experimental del country y folk más influyente de los últimos tiempos. El productor Gary Usher incorporó sonidos más electrónicos y reverberaciones nunca antes escuchadas en la música popular del país de las barras y las estrellas.


El día que Santana tocó en Woodstock


El guitarrista mexicano cumple 70 años y para celebrarlo recordamos su presentación en uno de los festivales más icónicos de la música.


POR Héctor Elí Murguía  



El día que Santana tocó en Woodstock

En 1969, un joven mexicano capturó la atención de toda una generación con su virtuosismo en la guitarra. Carlos Santana, aprendiz del blusero Javier Bátiz, presentó al mundo una mezcla de cultura latina y anglosajona en uno los festivales más memorables de la historia: The Woodstock Music & Art Fair.

La importancia de Woodstock reside en la droga como un elemento clave de esa época, además de los históricos artistas que formaron parte del evento: Jimi Hendrix, The Who, Johnny Winter, Joe Cocker, Canned Heat, entre otros. Fue concebido como uno de los festivales más grandes en la historia de Norteamérica y por lo tanto, se hicieron presentes todo tipo de sonidos. Bill Graham, uno de los organizadores de Summer of Love y de este evento, fue el responsable de llevar al guitarrista mexicano al festival.

Santana subió al escenario a las dos de la tarde junto a su banda para interpretar una lista de canciones nuevas. La fusión de la música latina con el blues eléctrico de Chicago se escuchó en canciones como “Jingo”, “Persuassion” y “Evil Ways”, donde el tecladista Gregg Rolie tocó una de las piezas en teclado más estéticas y contagiosas.

En el final de la presentación, Santana había consumido mescalina para que, según el músico, la experiencia psicodélica de las últimas canciones fuera aún más viva: “Tomé mescalina y dije ‘cuando llegue la hora, me sentiré bien’”, comenta el guitarrista. Fue en “Soul Sacrifice” en donde, tanto Santana como los demás músicos, comenzaron a sentir los efectos del estupefaciente.

El joven percusionista Michael Shrieve imprimió su personalidad enérgica en un solo de batería que pocos han igualado mientras que Carlos imaginaba a su Gibson SG como una serpiente emplumada.

Fried Neckbones And Some Home Fries” fue el tema que cerró la ácida presentación del mexicano y su grupo, misma con la que se ganó un lugar en la historia no sólo por su talento sino por sorprender a los asistentes con un estilo único e inimitable.


Screaming Headless Torsos estrena video


“Running Black Water” es el nuevo sencillo de la banda neoyorquina y cuenta con la colaboración de la reconocida pianista Hiromi.


POR Héctor Elí Murguía  



Screaming Headless Torsos estrena video

Screaming Headless Torsos estrenó en exclusiva para Rolling Stone el video de “Running Black Water”. Este nuevo sencillo fue compuesto por Daniel Sadownick y cuenta con la participación de la prestigiada pianista Hiromi.

El visual muestra la sesión de grabación en la que SHT e Hiromi interpretan la canción. En entrevista con Rolling Stone, David Fiuczysnki, Daniel Sadownick y Freedom Bremner comentaron que “Running Black Water” nació de un sueño en el que el agua se convertía en un líquido oscuro.

“Lo importante es romper la estructura de lo establecido musicalmente hablando. Cuando tocas jazz o cualquier estilo tienes que soltarte y hacer una fiesta de viernes con los instrumentos”, menciona Fiuczysnki. “Siempre hay un lugar en el que puedes desprenderte de lo que a uno le dictan en la escuela de música”, declara Bremmer, vocalista de la banda.

En su estilo existe una conexión entre la música de Jimi Hendrix, James Brown y Bernie Worrell (tecladista de Parliment Funkadelic y Talking Heads): “Nuestra experiencia al tocar con Bernie fue única e increíble, imagina que el tipo solamente movía los dedos y hacía magia. En mi caso, Funkadelic cambió mi vida, era verdadero rock aunque no sea clasificado así su estilo musical y existe una parte de Hendrix en cada uno de nosotros”, aclara el vocalista.

Mira a continuación el nuevo video de Screaming Headless Torsos:


50 años de ‘Are You Experienced’ de The Jimi Hendrix Experience


El álbum debut de uno de los guitarristas más emblemáticos de la historia cumple cinco décadas.


POR Héctor Elí Murguía  



50 años de ‘Are You Experienced’ de The Jimi Hendrix Experience

El 12 de mayo de 1967 fue publicado un álbum que marcaría un antes y un después en la historia de la cultura popular: Are You Experienced de The Jimi Hendrix Experience, obra que funcionaría como antesala de la psicodelia.

Jimi Hendrix, Noel Redding y Mitch Mitchel fue el primer trío que impresionó al tocar con virtuosismo una fusión de blues, jazz y efectos de sonido que ambientaron la imaginación de los jóvenes anglosajones. Reverberaciones, ecos y voces que cantaban sobre una depresión maniática y una vida sexual descontrolada, se escucharon en este disco antes de la llegada del “amor y paz”.

Hendrix se mudó a Londres en 1966 y visitó algunos clubes de blues en donde encontraría la inspiración para revolucionar el rock: Eric Clapton. Unos meses después, el guitarrista y los dos miembros de su banda, fueron descubiertos por Chas Chandler (The Animals) y su mánager, Michael Jeffrey, quienes firmaron contrato con Track Records para grabar el álbum debut del power trio.

The Jimi Hendrix Experience estuvo en el estudio durante cuatro meses en los Olimpic Studios con el productor Eddie Kramer, quien posteriormente trabajaría con Led Zeppelin y KISS. “Purple Haze” y “Foxy Lady” fueron las principales composiciones en las que Hendrix creo icónicos riffs a través de la distorsión y una técnica dinámica en su Fender Stratocaster, que posteriormente inspiró a guitarristas como como Jimmy Page, David Gilmour y actualmente a guitarristas como John Mayer. Otras versiones psicodélicas de canciones clásicas de blues como “Hey Joe”, original de Billie Roberts de 1962 y “Manic Depression“, aumentaron las emociones que predominan en el disco: excitación, sensualidad y vitalidad.

Are You Experienced inspiró a las generaciones que basaron su sonido en el blues, rock e inclusive el funk como Sly and the Family Stone y al mismo Prince en sus inicios. La leyenda de Jimi Hendrix comenzó en este álbum, el primer retrato sonoro de uno de los guitarristas más innovadores de su época.

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Escucha a Robert Plant interpretar “Kashmir” por primera vez desde la reunión de Led Zeppelin


El músico fue un invitado del violinista Nigel Kennedy durante su concierto en Londres.


POR Priscila Núñez  



Foto: Egghead06

Escucha a Robert Plant interpretar “Kashmir” por primera vez desde la reunión de Led Zeppelin

El día de ayer, Robert Plant subió al escenario del Royal Albert Hall durante el concierto del violinista Nigel Kennedy para interpretar “Kashmir” por primera vez desde la reunión de Led Zeppelin en 2007.

Antes de comenzar a cantar, Plant explicó que conoció a Kennedy cuando estaba trabajando en su álbum solista Fate of Nations de 1992 y que esta colaboración era una especie de retribución por la ayuda brindada en ese entonces.

Tras las palabras de Plant, la orquesta que acompañaba al violinista comenzó a tocar la sinfonía completa con los tradicionales patrones de sonido que recuerdan a la música de Marruecos y algunos nuevos arreglos.

Kashmir” pertenece al álbum Physical Graffiti de 1975 y la noche de ayer fue la primer ocasión en la que Plant interpretó el tema sin Jimmy Page:

Durante la velada, Robert Plant y Nigel Kennedy también versionaron “Hey Joe“, un tema clásico de los sesenta popularizado por The Leaves y Jimi Hendrix. Escúchalo a continuación:

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Salvajes sueños de festival


Porque en nuestros deseos revivimos muertos y reunimos bandas.


POR Valeria Villegas  



Salvajes sueños de festival

Ver una banda tocar y desangrarse sobre el escenario, sangrar con ellos y levantar los puños mientras nos bañamos en sudor es un placer indescriptible que la música ofrece. Pero no sólo nosotros nos inspiramos con los acordes, los músicos también sueñan con aquellas agrupaciones a las que les gustaría ver en vivo. Los artistas que han pasado por nuestras páginas nos revelaron sus deseos en directo, y nosotros te regalamos los festivales ideales de aquellos que nos hacen delirar con sus instrumentos. Se vale soñar, ¿no?

Nameless-Ghoul-Meliora

Nameless Ghoul (Ghost)
“Apeguémonos a los que están vivos. Una de las bandas que siempre quise ver es Pink Floyd. Realmente desearía que Roger Waters, Nick Mason y David Gilmour se juntaran. Guns N’ Roses de la era clásica sería fantástico, estoy seguro que todos estamos esperándolo, así que podría no ser tan descabellado. Realmente no soy muy divertido para estas cosas. Mi respuesta seguramente sería más de ensueño hace unos 15 años, cuando la mayor parte de estas bandas no se habían reunido. Si se tratara de otra cuestión, no querría a ninguna otra banda, querríamos ser los headliners”.

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David Lovering (Pixies)
“Ay, ay, ay. [silba]. ¡Es difícil! Mis bandas favoritas estarían: Led Zeppelin, Rush y Steely Dan… Sería un cartel algo raro, pero sería así”.

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Andrew VanWyngarden (MGMT)
Shaquille O’Neil con Jimi Hendrix, Martha Stewart en el banjo, David Bowie pegándole con el arco de un violín a pedacitos de papel que Martha Stewart estaría lanzando, como si jugara béisbol. Probablemente a Grateful Dead, Mahatma Gandhi sentado en el escenario sin decir nada, pero con muchos micrófonos alrededor. Todo pasaría en un crucero. Pero creo que Gandhi no se sentiría mareado, tiene un estómago durísimo, eso de no comer lo hizo estar así. Aunque creo que tendrías que comer algo para no sentirte mareado, así que seguramente estaría vomitando, pero lo tendríamos microfoneado y tal vez pondríamos un eco o algo para grabarlo”.

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Chris Wostensholme (Muse)
Beach Boys, Nirvana, Rage Against the Machine, Jimi Hendrix, Led Zeppelin… creo que sería un cartel fantástico. Pero básicamente querría a mis bandas favoritas ahí, realmente sin importarme lo que quisieran los demás [risas]”.

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Miami Horror
The Beatles, por supuesto; The Doors, Harry Nilsson, Jimi Hendrix… ¡puros clásicos! Me encantaría ver a ELO, creo que ellos todavía tocan. ¡Y Jamie XX! Para meter más cosas. Él tocaría y además presentaría a los cantantes para que salieran al escenario. Tendríamos un festival de hologramas. Podríamos tener a Michael Jackson, y además Peter Gabriel, Björk y Kate Bush. Y además Miami Horror”.

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Lanzarán un álbum del primer concierto de Jimi Hendrix con Band of Gypsys


El disco ‘Machine Gun: The Fillmore East First Show’ llegará el 30 de septiembre de este año.


POR Staff Rolling Stone México  



Lanzarán un álbum del primer concierto de Jimi Hendrix con Band of Gypsys

El día de hoy, anunciaron el lanzamiento de un nuevo álbum que permitirá a los seguidores del icono Jimi Hendrix, escuchar la primera presentación que ofreció el guitarrista al lado de Band of Gypsys.

El disco se titulará Machine Gun: The Fillmore East First Show y será lanzado el próximo 30 de septiembre. A pesar de que algunos temas de este primer disco ya han sido escuchados anteriormente, esta será la primera vez que se estrene un álbum que compile los éxitos de Hendrix y Band of Gypsys.

El LP se podrá adquirir tanto en formato físico como en digital.

A continuación te presentamos el tracklist de Machine Gun: The Fillmore East First Show 31/12/69

01. “Power of Soul”
02. “Lover Man”
03. “Hear My Train A Comin’”
04. “Changes”
05. “Izabella”
06. “Machine Gun”
07. “Stop”
08. “Ezy Ryder”
09. “Bleeding Heart”
10. “Earth Blues”
11. “Burning Desire”

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Maestros del rock


Celebramos a algunos de los maestros del rock que han influenciado a generaciones a través de los años.


POR Staff Rolling Stone México  



Jimi Hendrix

Maestros del rock

A lo largo del tiempo grandes leyendas del rock han marcado una importante enseñanza para generaciones. Desde influenciar a bandas nuevas para saltar a la fama, hasta hacer bailar en el espejo a millones de adolescentes con ganas de escuchar sus poderosas guitarras. Este 15 de mayo, se celebra el día del maestro en México y aunque estos músicos no tienen la profesión como tal, sin lugar a dudas han enseñado e inculcado técnicas musicales a miles de personas.

Presentamos nuestra galeria de algunos de los maestros del rock a través de los años.

Escucha y sigue nuestra lista de Maestros del Rock a través de Spotify:

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Minnesota sugiere una ley inspirada en Prince


La ley daría al estado el uso exclusivo de la imagen del cantante.


POR Staff Rolling Stone México  



Minnesota sugiere una ley inspirada en Prince

Prince fue un aclamado icono musical en vida, y tras fallecer su fama se ha desbordado, especialmente en su estado natal, Minnesota. El día de hoy, el senado del estado en cuestión sugirió una ley que por su acrónimo en inglés se conocería como PRINCE Act (Personal Rights in Names Can Endure Act).

Dicha ley permitiría al estado controlar la publicidad referente al fallecido músico por los próximos 50 años, lo cual podría aplicar para otras celebridades originarias del mismo estado, que fallezcan en el futuro o recientemente fallecidas.

Según los senadores que apoyan la moción, no sería la primera vez que ocurre un fenómeno político de este estilo inspirado por la muerte de alguna celebridad, ya que supuestamente en Washington ocurrió algo muy similar tras la muerte del famoso guitarrista Jimi Hendrix. Aún no se sabe si la ley será aprobada a tan solo dos semanas de terminar el actual período de los senadores en cuestión.

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El museo de Jimi Hendrix abre sus puertas al público


Los fans del guitarrista ya pueden conocer el dormitorio en el que pasaba el tiempo Hendrix.


POR Staff Rolling Stone México  



El museo de Jimi Hendrix abre sus puertas al público

Este miércoles se inaugurará a manera de museo la habitación en la que Jimi Hendrix pasó el tiempo durmiendo y escuchando música a finales de los sesenta en Londres. De acuerdo con los informes, el guitarrista de mudó al número 23 de Brook Street en 1968, cuyo espacio ha sido recreado más de 45 años después para ofrecer una experiencia cercana a los fans del ambiente en el que estuvo inmersa la leyenda de la guitarra.

Cabe mencionar que antes de convertirse en una sala de exposición, el lugar había sido usado como oficina principal del museo de Händel, el cual estaba ubicado en la que fuera la residencia del compositor, pero luego de que una gran cantidad de seguidores de Hendrix se presentara con intenciones de ver el lugar en el que había vivido su ídolo, hace cinco años se realizó una exposición temporal sobre el artista. Tras el rotundo éxito, la administración decidió montar una exhibición permanente en el museo y dedicarlo en su totalidad al músico.

The Guardian informó que Kathy Etchingham, quien fuera la novia de Hendrix durante esos años, ayudó a recrear cada uno de los detalles de la habitación, incluyendo unas fotografías tomadas por Barrie Wentzell en enero de 1969 del guitarrista para el semanario Melody Maker.

museo hendrix

Otra sala del museo muestra una pared cubierta con portadas de los álbumes que solían sonar en el tocadiscos del intérprete de “Purple Haze”, además de piezas de Johann Sebastian Bach y de Händel.

A su vez, se espera que en otoño se inaugure una exposición con más de la colección personal de Jimi Hendrix.

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Murmullos del Honky Tonk: La noche chilanga de Jimi Hendrix


Hace casi 20 años escribí una nota sobre la breve aparición del legendario guitarrista Jimi Hendrix en un bar del DF. Desde entonces, aquella historia ha ido sumando elementos.


POR Staff Rolling Stone México  



Murmullos del Honky Tonk: La noche chilanga de Jimi Hendrix

Hace casi 20 años escribí una nota sobre la breve aparición del legendario guitarrista Jimi Hendrix en un bar del DF. Desde entonces, aquella historia ha ido sumando elementos.

Por Jordi Soler.

Algunos de los que la leyeron me han enviado correcciones o confirmaciones sobre lo que yo había contado, de esa historia que alguien me contó a mí.

También recibí una especie de documental casero, de un lector que había sido testigo presencial, preocupado por la veracidad de esa historia que yo había colegido, o interpretado, o incluso reconstruido a partir de aquel acontecimiento desconcertante: En el mes de mayo del año 1969, el famoso guitarrista Jimi Hendrix hizo una escala en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México.

La escala fue más larga de lo que se esperaba, los pasajeros descendieron del avión y la compañía aérea ofreció pagar habitaciones en el hotel que estaba frente al aeropuerto, para que los pasajeros descansaran, pues venían de Marruecos. Eran las 10 de la noche y el avión no reemprendería el vuelo hacia Toronto, sino hasta las seis de la mañana…

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