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El día que Santana tocó en Woodstock


El guitarrista mexicano cumple 71 años y para celebrarlo recordamos su presentación en uno de los festivales más icónicos de la música.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Facebook Santana

El día que Santana tocó en Woodstock

En 1969, un joven mexicano capturó la atención de toda una generación con su virtuosismo en la guitarra. Carlos Santana, aprendiz del blusero Javier Bátiz, presentó al mundo una mezcla de cultura latina y anglosajona en uno los festivales más memorables de la historia: The Woodstock Music & Art Fair.

La importancia de Woodstock reside en la droga como un elemento clave de esa época, además de los históricos artistas que formaron parte del evento: Jimi Hendrix, The Who, Johnny Winter, Joe Cocker, Canned Heat, entre otros. Fue concebido como uno de los festivales más grandes en la historia de Norteamérica y por lo tanto, se hicieron presentes todo tipo de sonidos. Bill Graham, uno de los organizadores de Summer of Love y de este evento, fue el responsable de llevar al guitarrista mexicano al festival.

Santana subió al escenario a las dos de la tarde junto a su banda para interpretar una lista de canciones nuevas. La fusión de la música latina con el blues eléctrico de Chicago se escuchó en canciones como “Jingo”, “Persuassion” y “Evil Ways”, donde el tecladista Gregg Rolie tocó una de las piezas en teclado más estéticas y contagiosas.

En el final de la presentación, Santana había consumido mescalina para que, según el músico, la experiencia psicodélica de las últimas canciones fuera aún más viva: “Tomé mescalina y dije ‘cuando llegue la hora, me sentiré bien’”, comenta el guitarrista. Fue en “Soul Sacrifice” en donde, tanto Santana como los demás músicos, comenzaron a sentir los efectos del estupefaciente.

El joven percusionista Michael Shrieve imprimió su personalidad enérgica en un solo de batería que pocos han igualado mientras que Carlos imaginaba a su Gibson SG como una serpiente emplumada.

Fried Neckbones And Some Home Fries” fue el tema que cerró la ácida presentación del mexicano y su grupo, misma con la que se ganó un lugar en la historia no sólo por su talento sino por sorprender a los asistentes con un estilo único e inimitable.


Os Mutantes: la leyenda sigue viva


Sérgio Dias platicó con nosotros sobre el presente de la agrupación pionera de la psicodelia.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Facebook Os Mutantes

Os Mutantes: la leyenda sigue viva

Si se tuviera que hablar de los orígenes del rock psicodélico y el surgimiento del movimiento tropicália tanto en Brasil como en Latinoamérica, el nombre de Os Mutantes sobresaldría sin lugar a dudas. Con Rita Lee en la voz, Sérgio Dias en la guitarra y Arnaldo Baptista tocando el bajo y el teclado, Os Mutantes logró dejar huella desde su formación en la década de los sesenta y sigue marcando a nuevas generaciones.

Su sonido ha influenciado a artistas de gran renombre como David Byrne, Beck o Devendra Banhart, pero también marcó intensamente a íconos de la cultura popular como Kurt Cobain o Pat Smear, guitarrista de Foo Fighters.

Sérgio Dias, integrante original y actual líder de la nueva alineación, platicó con nosotros sobre la trayectoria del grupo, así como su reencuentro después de tantos años y el presente de la legendaria banda.

Para Sérgio, la música es uno de los pilares de su vida y es gracias a eso que Os Mutantes continúa vigente. También considera que la música que expresa la agrupación es una proyección de nosotros mismos: “Os Mutantes son ustedes y nosotros. Somos un reflejo de nuestra audiencia siempre. Creo que el trabajo de nuestra banda siempre ha sido ser un buen reflejo, siempre queremos vernos y que se vean tal y como son. Nosotros hacemos la música para ustedes”.

La agrupación original se disolvió poco a poco hasta que sólo quedó Sérgio, quien decidió ponerle fin a la banda en 1978. Tiempo después, se lanzaron álbumes inéditos a pesar de que ya no estaban juntos. El rumbo de la agrupación cambió gracias a un homenaje al movimiento de tropicália en Londres: “La reunión fue algo muy peculiar, hubo un homenaje de tropicália en el Barbican Centre de Londres en el año 2006; alguien le dijo al curador que no tendría sentido hacerlo si no estaba Os Mutantes en el cartel y el curador dijo ‘¿Qué puedo hacer? ya no existen como banda desde hace mucho tiempo’. A pesar de esto la prensa nacional e internacional obtuvo información errónea de la presentación ya que se empezó a correr la voz de que volveríamos a juntarnos de nuevo para tocar”.

El carioca comenta que después de esa pequeña fuga falsa de información, Os Mutantes se planteaba como algo cada vez más real de nueva cuenta y conforme pasaba el tiempo: “Días después comenzamos a recibir correos que nos preguntaban acerca de nuestro regreso en un show de Londres y yo no tenía idea de nada. De pronto las estaciones de radio comenzaron a decir que ya estábamos juntos y ensayando en Brasil así que nos comunicamos entre la banda. Dinho (bateria) había dejado de tocar hace 27 años, pero al contarle lo sucedido lo siguiente que mencionó fue que si yo así lo quería, él tocaría y después de eso me di cuenta de que era un regreso serio. Nos juntamos en el estudio que tengo en casa para poder recordar lo que hace años habíamos olvidado y por supuesto el ensayo fue horrible pero nos dimos cuenta que la energía siempre estuvo ahí y nunca se fue, así que ese fue el momento decisivo para poder hacerlo”.

Una de las cosas que más le sorprendió el día que salieron al escenario después de tanto tiempo fue que la gente seguía escuchándolos, pero no sólo se trataba de sus contemporáneos, también había nuevas generaciones: “Desde entonces, después de ver el público tan variado entre personas de mi edad y niños, lo mínimo que podíamos hacer era seguir tocando para ellos y no dejar que Os Mutantes muriera de nuevo”. El músico decidió continuar con el proyecto a pesar de no contar con toda la alineación original, así que reclutó virtuosismo y talento que estuviera a la altura de la banda: “Yo ya conocía a todos, ya había tocado con ellos antes ya que nunca dejé de hacer música. Con Esmeria —la vocalista actual— he coincidido muchas veces, la conozco desde hace 22 años, ella me acompañó en muchos de mis proyectos solistas. El baterista (Cláudio Tchernev) grabó conmigo algunas ocasiones y es uno de los mejores bateristas que he conocido. Vinicius (bajista) fue alguna vez a mi casa a grabar unas baterías, pero de la nada tomó un bajo y comenzó a tocar cosas de Jaco Pastorius, volándome la cabeza. A Henrique Peters lo conocí produciendo su banda y me sorprendió realmente, un día hablamos y lo invité a tocar conmigo. Por último encontré a Carly Bryant con quien hice un álbum y al final terminó siendo parte de esto. Es excelente escritora, cantante y músico, ella se convirtió en una gran parte de mi vida”.

Sérgio cuenta que en esta reciente formación existen varias similitudes en comparación con la alineación original. El ADN de Os Mutantes se mantiene a pesar de que los integrantes cambien: “Lo más importante y similar que encuentro es que siempre hicimos la música que queríamos, nunca la hicimos para tener dinero o ser los número uno. Nosotros siempre hicimos la música desde el corazón y como líder puedo afirmar que todos estamos en esa misma línea. Las diferencias en esta nueva etapa de la banda es que todos crean y contribuyen conforme van creciendo y evolucionando, justo igual que la música”.

Sérgio recuerda con mucho cariño los comienzos de Os Mutantes: “Creo que fueron tiempos muy importantes para la música. En el Monterey Pop Festival se presentaron figuras como The Beatles, Jimi Hendrix, Ravi Shankar, Janis Joplin y muchos más. Todo esto pasó sin internet y de manera simultánea, esa época fue de acontecimientos trascendentes que cambiaron al mundo y generaron cambios fundamentales en la música. Fue una explosión mundial que se sincronizó con todos los que intentaban exponer, difundir y hacer arte. Difícilmente podremos ver un evento de esa magnitud otra vez. Quizás suceda en cuanto a asistentes, pero el talento, la manera de convocar a las personas, la convocatoria de artistas y personas sedientas de arte no se volverá a repetir”.

Sérgio sigue derrochando talento al mantenerse activo hasta la actualidad y mencionó que él siempre ha sido la misma persona desde que Os Mutantes se formó: “Soy más joven por más tiempo. Siento que soy el mismo niño que siempre me he sentido cuando toco, si alguna vez me sintiera diferente o si dejara de sentir el placer de todo lo que he hecho, pararía de inmediato”.

Os Mutantes se presentará el próximo 4 de julio en El Plaza Condesa en punto de las 21:00 horas. Los boletos los puedes adquirir a través de este enlace.


Supersticiones y cábalas del rock


Magia y deidades: los secretos que se esconden detrás del escenario.


POR Brenda Arriaga  



Foto: Wikimedia Commons

Supersticiones y cábalas del rock

La historia de la humanidad está permeada de cábalas o creencias que se han arraigado a la cultura popular desde hace cientos de años. En el mundo de la música no hay excepción. Los ídolos del escenario se han envuelto en una serie de supersticiones que van desde evitar los encendedores blancos porque fueron hallados en la ropa que vistieron Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison cuando murieron [miembros del famoso Club de los 27] hasta viajar el 3 de febrero para prevenir algún accidente como el ocurrido durante 1959, año en el que Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper perdieron la vida en un trágico episodio conocido como “El día en que la música murió”. Volar el viernes 13 y ofrecer el show número 13 son otras actividades que los músicos descartan.

En relación a estos y otros mitos que rondan el rock, la práctica de los rituales es muy popular entre el gremio. Con el fin de ahuyentar las tragedias, alcanzar la fama y firmar contratos millonarios, los astros de la música se han involucrado en la magia, hechicería, brujería y ocultismo, doctrinas de las cuales retoman ceremonias para consagrar su legado. Independientemente de que estos cultos conecten o no con alguna deidad, la historia enmarca algunos pasajes que tambalean el escepticismo en torno a esta costumbre.

Durante los años setenta, el rock estuvo influenciado por una serie de simbolismos que le otorgaron un sentido místico. No hay una razón específica pero gran parte de la música escrita en este periodo estuvo inspirada en El libro de la ley de Aleister Crowley (1904), una de las figuras más oscuras y enigmáticas del ocultismo. Este personaje dedicó su vida al estudio de la magia sexual, magia negra y filosofía Thelema. En su obra se proclama a la voluntad como un acto verdadero de amor que vuelve a los individuos “únicos como las estrellas”, a través de invocaciones y ceremonias coitales.

Con la premisa de “el amor bajo la voluntad”, Crowley alcanzó a gran número de seguidores entre los cuales había personalidades de la música. Todos ellos se encomendaron al mago negro e hicieron realidad su utopía. Establecieron sus propias reglas y navegaron bajo el siguiente lema: “Hacer tu voluntad será la ley”. Desde luego esta forma de pensamiento se reflejó en el desenfreno sexual, irreverencia lírica y potencia escénica que inmortalizó al rock de los años setenta.

John Lennon fue un admirador de Aleister, a quien incluyó en la controversial portada del disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. La relación entre The Beatles y el mago iría más allá, pues Crowley radicó una parte de su vida en el edificio Dakota, recinto que supuestamente hechizó al marcharse. En este mismo inmueble vivió y fue asesinado Lennon a finales de 1980.

Se dice también que Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, adquirió Boleskine House, la residencia que le perteneció a Crowley, con la esperanza de invocar al brujo para encomendar el futuro de la banda. Iniciaron los rumores sobre santería tras la publicación del cuarto álbum del grupo, donde destaca la simbología impresa en su contraportada. Al respecto, Robert Plant explicó a la prensa que cada miembro eligió un símbolo metafísico que los representara individualmente, “decidimos que el álbum no podía llamarse Led Zeppelin IV”, contó.

La serie de tragedias que envolvieron al grupo evitaron que su relación con la magia se descartara del todo. En 1975, Robert Plant sufrió un accidente automovilístico en Grecia. Este suceso lo inmovilizó por un tiempo por lo que dejó de cantar “In My Time of Dying”. En 1977, mientras Led Zeppelin se encontraba de gira por Estados Unidos, Plant perdió a su hijo de 6 años debido a una extraña infección estomacal. En septiembre de 1980, el baterista del grupo, John Bonham, murió a causa de broncoaspiración en la mansión que Jimmy Page tenía en Windsor, Inglaterra. La especulación sobre el mal karma de los músicos debido a la devoción satánica de su guitarrista terminó por desaparecer a la banda un par de meses después.

The Doors, David Bowie y Ozzy Osbourne son otros que encomendaron su destino al mago negro aunque los rituales oscuros no siempre fueron la clave para atraer a la buena suerte. Un ejercicio básico que ha prevenido infinidad de percances es el soundcheck. Las cosas sencillas son idóneas para conectar la energía positiva. Por ejemplo, Keith Richards come pastel de ternera antes de subir al escenario. Esta ceremonia ha traído buena suerte a los Stones desde 1989, año en el que el guitarrista del grupo comenzó con el ritual durante el Steel Wheels Tour. Una cuestión similar ocurría con Lemmy Kilmister quien tomaba Jack Daniel’s y Coca-Cola en el backstage. Esta combinación acompañó durante mucho tiempo al líder de Motörhead, hasta que reemplazó el coctel por problemas de salud. “Me gustaba más con jugo de naranja”, manifestó Lemmy a The Guardian. Este ritual fue tan icónico que la firma de whiskey lanzó una botella conmemorativa luego de su muerte en 2015.

En febrero de 2018, Paul McCartney reveló durante una entrevista con The Mirror que se toma un tiempo antes de salir al escenario para ver el programa Family Fortunes. De forma particular, Jack White dio a conocer a la revista The New Yorker el ritual que practica antes de un concierto. “Bebo Red Bull, un caballito de whisky y rompo cosas con un bate de béisbol detrás del escenario”. Por su parte, convivir con familiares y amigos cercanos es el ritual de buena suerte que no puede faltar en las giras de U2, Green Day y Depeche Mode; inclusive, se puede observar a Dave Gahan arrullando a su hijo minutos antes de presentarse en el Rose Bowl durante el documental 101, grabado en 1988.

Las supersticiones y rituales endulzan el rock. La razón radica en que la combinación entre la magia y lo sobrenatural genera buenas historias para las chicas, quienes “se fascinan por el lado oscuro de una banda”, como lo determinó Richard Cole, respecto a los rumores cabalísticos de Led Zeppelin.


Sonidos en los dos oídos (parte 2)


16 colaboraciones de nuestros lectores para escuchar con audífonos.


POR Noemí Contreras  



Sonidos en los dos oídos (parte 2)

Al publicar la primera parte de esta nota, recibimos muchas sugerencias en redes sociales que simplemente no podemos dejar pasar. Estas son algunas de las canciones con paneos increíbles que nuestros lectores recomiendan. Recuerda: ponte los audífonos, cierra los ojos y presta mucha atención.

Led Zeppelin – “Whole Lotta Love”

Radiohead – “Decks Dark”

Madonna – “Vogue”

Marvin Gaye – “Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)”

Jimi Hendrix – “1983… (A Merman I Should Turn to Be)”

Sufjan Stevens – “Carrie & Lowell”

The Beatles – “Strawberry Fields Forever”

The Rolling Stones – “Brown Sugar”

Van Halen – “Dreams”

Interpol – “Always Malaise (The Man I Am)”

Pink Floyd – “Astronomy Domine”

Bob Marley & The Wailers – “Could You Be Loved”

Kraftwerk – “The Robots”

CHVRCHES – “The Mother We Share”

Sheryl Crow – “Every Day Is A Winding Road”

Garbage – “Vow”


Escucha el cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters


Este cover aparecerá en ‘Both Sides of the Sky’, el próximo álbum póstumo del legendario guitarrista.


POR Bárbara Romo  



Escucha el cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters

Una versión inédita del cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters fue compartida hoy a través de BBC Radio 6. Esta nuevo corte aparecerá en Both Sides of the Sky, el próximo álbum póstumo del legendario guitarrista.

Hendrix grabó su versión en Nueva York el 22 de abril de 1969, acompañado por el bajista Billy Cox y el baterista Buddy Miles.

Both Sides of the Sky se estrenará el próximo el 9 de marzo. Este material recopila grabaciones inéditas que Hendrix creó entre enero de 1968 y febrero de 1970, incluyendo colaboraciones con Stephen Stills, Johnny Winter y Lonnie Youngblood.

John McDermott, coproductor de Both Sides of the Sky, sugirió que este álbum podría ser el último de Hendrix, pero mencionó que “con Jimi, siempre hay esperanza de que haya cintas en algún lugar”.

Escucha una versión inédita del cover de Jimi Hendrix a “Mannish Boy” de Muddy Waters:


El próximo LP póstumo de Jimi Hendrix incluirá 10 canciones inéditas


‘Both Sides of the Sky’ presenta canciones que fueron grabadas durante 1968 y 1970.


POR Bárbara Romo  



El próximo LP póstumo de Jimi Hendrix incluirá 10 canciones inéditas

Diez grabaciones inéditas de Jimi Hendrix formarán parte de Both Sides of the Sky, el próximo LP póstumo del legendario guitarrista. El álbum estará disponible en múltiples formatos a partir de 9 de marzo de 2018.

El disco de 13 pistas compila material grabado entre enero de 1968 y febrero de 1970. Esta es la tercera y última entrega de una serie de grabaciones no publicadas, después de Valleys of Neptune de 2010 y People, Hell and Angels de 2013. El ingeniero Eddie Kramer, que trabajó en todos los proyectos de Hendrix, coprodujo el álbum con John McDermott y Janie Hendrix.

Muchas de las 13 pistas (incluida una versión actualizada de “Mannish Boy” de Muddy Waters) muestran a Hendrix en la guitarra y la voz, Billy Cox en el bajo y Buddy Miles en la batería. “Hear My Train A Comin” cuenta con la colaboración del bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell.

Varios colaboradores invitados destacan en la lista, incluyendo a Stephen Stills, Johnny Winter y el vocalista/saxofonista Lonnie Youngblood. Stills aparece en dos pistas grabadas en septiembre de 1969: una versión de “Woodstock” de Joni Mitchell y la canción original “$20 Fine“. Por su parte, Winter aparece en una versión remezclada de “Things I Used to Do” de Guitar Slim.

“El verdadero hogar de Jimi fue el estudio, ahí es donde sucedió la música y la magia”, dijo Eddie Kramer en una declaración sobre el proyecto. “A él le encantaba todo lo relacionado con la grabación y ha sido mi gran placer y un honor desempeñar un papel en ese proceso tanto en ese momento como ahora”.

Este es el arte del CD y la lista completa de canciones:

1. “Mannish Boy”
2. “Lover Man”
3. “Hear My Train A Comin'”
4. “Stepping Stone”
5. “$20 Fine” (featuring Stephen Stills)
6. “Power Of Soul”
7. “Jungle”
8. “Things I Used to Do” (featuring Johnny Winter)
9. “Georgia Blues” (featuring Lonnie Youngblood)
10. “Sweet Angel”
11. “Woodstock” (featuring Stephen Stills)
12. “Send My Love To Linda”
13. “Cherokee Mist”


50 Años de Cultura Pop


Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop, un recorrido por las figuras y sucesos más importantes del último medio siglo.


POR Staff Rolling Stone México  



50 Años de Cultura Pop

Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop para celebrar:

• 50 años de la Trucker Jacket Type III de Levi’s®
• 50 años de la revista Rolling Stone®
• 15 años de la revista Rolling Stone® México

El mundo ha cambiado radicalmente en el último medio siglo. Todo lo que hoy es común, en esos años era imposible tenerlo a nuestro alcance. La música siempre ha estado ligada a la moda, cine, política y tecnología. A través de fotografías, citas, diseños, videos y música reviviremos los temas y sucesos más importantes desde 1967 a 2017. Una línea del tiempo que inicia en 1967, año significativo para Levi’s® y Rolling Stone® en la ciudad de San Francisco, Levi’s® lanza la famosa Trucker Jacket Type III y Rolling Stone® publica su primera edición con John Lennon vestido de militar en su primera plana. Además, Rolling Stone® imprime su primera revista en México en 2002. Década tras década viajaremos por la historia para conocer el surgimiento y evolución de la música, moda, cine, televisión y tecnología.

Para este festejo en conjunto, tendremos la exposición 50 Años de Cultura Pop, una exhibición de fotografías en vivo, imágenes icónicas de Rolling Stone®, videos, playlists de cada década, photo opportunities, colaboraciones de diseños de Trucker Jackets y jeans de Levi’s® realizadas por fundaciones de Harvey Milk y Andy Warhol e intervenciones de Jean Paul Gaultier y Damien Hirst, entre otros. Además de personalidades nacionales de la cultura popular, músicos, diseñadores y actores.

50 Años de Cultura Pop se exhibirá del 7 de diciembre de 2017 al 7 febrero de 2018 en el Foto Museo Cuatro Caminos [Ingenieros Militares 77, Lomas de Sotelo, Naucalpan de Juárez, Estado de México].

¡Vive esta experiencia única donde dos marcas emblemáticas se unen para celebrar la cultura pop! Sigue nuestros enlaces y redes sociales:

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Jimi Hendrix: 10 grandes canciones antes de alcanzar la fama


En el que hubiera sido su cumpleaños número 75, recordamos algunas de las primeras canciones en las que participó el legendario guitarrista.


POR Álvaro Tamés  



Foto: Facebook Jimi Hendrix

Jimi Hendrix: 10 grandes canciones antes de alcanzar la fama

Antes de llegar a la fama mundial, Jimi Hendrix era tan sólo un muchacho apasionado por la música. Tras ser destituido de la División Aérea 101 después de un breve servicio como paracaidista, llegó la oportunidad de sumergirse al ritmo de profesionales como Little Richard, King Curtis y los Isley Brothers, lo cual le dio un aprendizaje valioso. Sin embargo, años después, el músico hablaría con poco cariño acerca de los días en los que el trabajo era escaso: “Teníamos muy pocos shows”, comentó en 1967. “Incluso intentamos comer cáscara de naranja y pasta de tomate. Vivir afuera de esas altas viviendas era un infierno. Las ratas corrían sobre tu pecho y las cucarachas se comían el último dulce de tu bolsillo”.

Aún con todos estos retos, una carta que Hendrix le envió a su padre durante este periodo revela su convicción para crear su destino. “Aún tengo mi guitarra y mi amplificador y mientras tenga eso, ningún tonto puede evitar que yo viva”, escribió. “Aunque no como todos los días, todo va bien para mí. Podría ser peor que esto, pero seguiré luchando hasta que las cosas pasen como deben de hacerlo para mí”. El duro desafío forjaría el singular estilo que convirtió su nombre en sinónimo de virtud musical. En el que hubiera sido su cumpleaños número 75, recordamos algunos de los temas más tempranos de James Marshall Hendrix.

The Isley Brothers – “Testify” (Partes 1 & 2) (1964)


 

A finales de 1963, Hendrix decidió mudarse a Nueva York para perseguir su sueño. En muy difícil año llamó la atención de Tony Rice, un asociado de los Isley Brothers. “Tony dijo que este chico –tenía 15 o 16– era el mejor y tocaba la guitarra diestra con su mano izquierda”, comentó Ron Isley. “Yo le dije a Tony, ‘Vamos amigo, no puede ser tan bueno. Es mejor que…’ y comencé a nombrar a todos los guitarristas que queríamos en nuestra banda. Y Tony dijo, ‘Es mejor que cualquiera de ellos”. Después de una audición en el departamento de los hermanos, Jimi Hendrix era el nuevo miembro del grupo de apoyo de los Isley.

Después de varios meses en gira, la banda se reunió en un estudio de Nueva York para grabar un nuevo sencillo. El resultado, “Testify”, algo diferente para los Isley. Los hermanos echaban fuego con sus voces mientras Hendrix se encargaba de los punzantes riffs. La canción no fue un éxito e hizo que Hendrix dejara la banda poco después de su lanzamiento. Y aún con el rígido código de los hermanos Isley, Hendrix se marchó en buenos términos.

Don Covay and the Goodtimers – “Mercy, Mercy” (1964)


 

Después de reconectarse con una exnovia en su natal Seattle, Hendrix decidió quedarse en su departamento durante una gira con los Isley Brothers. Ahí, el guitarrista se encontró con un cantante llamado George “King” Clemons, quien le preguntó si estaba interesado en trabajar al lado del titán del R&B Don Covay. Hendrix aceptó y poco después se encontraba grabando “Mercy, Mercy” en el estudio A-1 Sound. Se trató de la primera aparición de Hendrix en los principales puestos de las tablas de popularidad.

En los años siguientes, Jimi mantuvo una afinidad por la canción, interpretándola durante sus conciertos al lado de Curtis Knight and the Squires, Jimmy James and the Blue Flames e inclusive en una presentación de The Jimi Hendrix Experience.

Little Richard – “I Don’t Know What You’ve Got But It’s Got Me” (Part 1 & 2) (1965)


 

Para finales de 1964, el guitarrista estaba aburrido de tocar atrás de los Isley Brothers. Después de perder un autobús en Kansas, Hendrix se puso en contacto con su amigo “Gorgeous” George Odell, quien le consiguió un trabajo en la banda de apoyo de Little Richard. Al principio, Hendrix no estaba seguro de tomar el empleo, ya que en pocas semanas el show de Sam Cooke continuaría su gira y el guitarrista podría reunirse con su banda, pero el trágico asesinato de Cooke se aseguraría de que Jimi conociera a Richard en Atlanta.

Comenzó a tocar al lado del pionero del rock poco después del nuevo año usando el nombre de Maurice James. Richard estaba impresionado, pero comenzó a resentir el éxito del estilo y show de Hendrix. “En el escenario, él se llevaba el show”, comentó Richard. “La gente gritaba y yo pensé que gritaban por mí. Pero en realidad gritaban por Jimi. Así que yo oscurecía las luces… Estaba tocando con sus dientes”.

Ese verano entraron al estudio y grabaron varias canciones, pero las más interesante fue una balada escrita por Don Covay titulada “I Don’t Know What You’ve Got but It’s Got Me“.

Buddy and Stacey – “Shotgun” (1965)


 

Cuando el camión de Little Richard pasó por Nashville en 1965, Hendrix vio la oportunidad de presentarse en televisión durante el programa musical Night Train. Mientras que Richard no apareció, Buddy Travis y Stacey Johnson interpretaron un cover del reciente éxito de Junior Walker & the All Stars,Shotgun”. Hendrix inmediatamente se hizo presente en el fondo, tocando su Fender al revés con el estilo y gracia que pronto lo harían famoso.

Sin embargo, su relación con Richard se habían vuelto agria. Mientras que las circunstancias precisas son un misterio, Hendrix dejó la banda para enfocarse en otros proyectos. Si bien el par no terminó de forma amigable, Richard recordaría a Hendrix como “el mejor guitarrista que alguna vez tuve”.

Frank Howard and the Commanders – “I’m Sorry for You” (1965)


 

La fecha definitiva de la grabación de esta canción aún es un debate, muchos la acercan al rompimiento de Hendrix con Little Richard. De cualquier manera, el guitarrista tocó en King Kasuals gracias a la invitación de su viejo amigo y compañero de banda, Billy Cox. Las sesiones fueron producidas por Bill “Hoss” Allen, quien no quedó impresionado con las habilidades de Hendrix. “Todo lo que Hoss quería era que Jimi tocara un simple ritmo mientras Johnny Jones se encargaba de la guitarra principal, pero a Hoss no le gustó lo que escuchaba de Jimi, así que cortó su participación”.

Curtis Knight and the Squires – “Hornet’s Nest” (1966)


 

Después de un difícil verano, Hendrix conoció al cantante Curtis Knight en el lobby de un hotel en Nueva York. El líder de los Squires y Jimi se volvieron amigos rápidamente y al siguiente día ya se encontraban tocando en el Studio 76. Mientras que la Fender de Hendrix se encontraba empeñada, Knight le prestó al guitarrista una Danelectro que serviría para grabar “How Would You Feel”, una canción que le debe mucho al éxito de Bob Dylan, “Like a Rolling Stone”.

Al productor Ed Chalpin le gustó lo que escuchó, así que le ofreció un contrato a Hendrix, quien inmediatamente aceptó.

Jayne Mansfield – “Suey” (1966)


 

Fácilmente la más extraña de las actividades preExperience de Hendrix fue esta presunta colaboración con la estrella de cine. Jimi jamás la mencionó en entrevistas, lo que puso en duda su participación en el track. Sin embargo, es posible que Hendrix simplemente estuviera apenado por la canción, ya que ésta poseía una calidad dudosa. Hasta la fecha, Chalpin insiste en que Hendrix tocó la guitarra y el bajo en “Suey” y posiblemente “As the Clouds Drift By”, pero este último punto es poco probable.

Ray Sharpe con King Curtis Orchestra – “Help Me” (Parte 1 & 2) (1966)


 

Cuando Jimi se encontró con el grupo de King Curtis, los músicos comenzaron una relación amena que más adelante se manifestaría como una invitación a la gira de los Kingpins y a su estudio de grabación. La primera canción que crearon juntos fue “Help Me (Get the Feeling)”, en la cual Ray Sharpe se encargó de darle vida a la voz del track. Sin embargo, las harmonías se convertirían en la verdadera estrella de la producción. Reciclada dos veces después de su lanzamiento original, al final la contribución de Hendrix quedó fuera del mix.

Antes de dejar la banda en el verano de 1966, Hendrix aparentemente grabó tres canciones con King Curtis, pero estas se perdieron durante un incendio. A la fecha, no se han encontrado copias de seguridad.


The Icemen – “(My Girl) She’s A Fox” (1966)


 

En la cima de su explosión con The experience, Hendrix produjo algunos de los mejores materiales de su temprana carrera musical durante la mitad de 1966, al lado del saxofonista Lonnie Youngblood. Juntos hicieron producciones como “Go Go Shoes”, “Go Go Place“, “Soul Food (That’s What I Like)““Goodbye Bessie Mae” y otro sencillo con el vocalista Jimmy Norman, “You’re Only Hurting Yourself”That Little Old Groove Maker“. Un estandarte de su trabajo es “(My Girl) She’s A Fox“, escrita por los hermanos Poindexter. El track fue lanzado bajo el nombre de The Icemen, un grupo conformado por Hendrix, Youngblood y el dúo Gino Armstrong y James Stokes.


Lenny Howard – “Keep the Faith, Baby” (1966)


 

Similar a la experiencia de Hendrix con King Curtis y Ed Chalpin, John Brantler tomó el enfoque de reutilizar fondos instrumentales. La canción se lanzó como “Keep the Faith, Baby” con Lenny Howard vocalizando, pero existen otras cinco variaciones, incluyendo una cantada por Billy Lamont llamada “Sweet Thang”. Tal vez la encarnación más importante es “Wipe The Sweat”, en la que Hendrix y Youngblood comparten letras improvisadas. La versión no vería la luz del sol hasta después del éxito de Hendrix. Después de varios intentos fallidos, Youngblood notó que Hendrix se alejaba del proyecto. “Lo veía como R&B y otros tipos de blues. Él amaba esa música, pero después de un tiempo ya no la sentía”.

Hendrix podía sentir el cambio también. Mientras se encontraba de gira al lado de Joey Dee & the Starliters, se sintió acorralado por el rol que tenía. “No escuchaba a ningún guitarrista hacer algo nuevo. Estaba muy aburrido”, reflexionó. “Quería mi propia escena, Quería mi propia música. Comenzaba a ver que podías crear todo un mundo nuevo con una guitarra eléctrica porque no hay ningún otro sonido como ese”.


LPs esenciales del Summer of Love


Conoce los discos que formaron la banda sonora del verano de 1967.


POR Héctor Elí Murguía  



LPs esenciales del Summer of Love

Uno de los motivos principales de Summer of Love fue la música. Figuras como Jim Morrison, Jimi Hendrix, Syd Barrett, Eric Clapton y más construyeron algunos de los álbumes más representativos de esa época. Conoce la historia detrás de los LPs más importantes de este movimiento:

The Doors
The Doors
El preludio del movimiento cultural comenzó en Norteamérica con uno de los íconos sexules más imponentes de las últimas décadas, Jim Morrison. La represión de una sociedad racista, clasista y pulsional tuvo su catarsis a través del ritmo morboso de “Light My Fire”, “Break On Through (To The Other Side)” y el viaje psicodélico “The End”, fueron el lienzo musical creado por los dedos enérgicos de Ray Manzarek en el órgano y su forma de evolucionar el sonido del Rhythm & Blues a niveles nunca antes explorados.

Jefferson Airplane
Surrealistic Pillow
El sonido vital de las calles de San Francisco fue capturado por Jefferson Airplane. El segundo álbum de la banda fue una de las obras más aclamadas por su personalidad liberal, etérea, espiritual y sobre todo un retrato platónico de los sueños juveniles que se encuentra en la metáfora del título del disco. El ensueño de “Embryonic Journey” y la crónica ácida de “White Rabbit” inspirada en los cuentos de Lewis Carroll, retratan a detalle la vida de un joven estadounidense en el verano de 1967.

Pink Floyd
The Piper at the Gates of Dawn
Syd Barrett fue la piedra angular de la psicodelia británica. El primer álbum de Pink Floyd refleja una liberación de ideas y escenarios mentales inexplicables. Esta obra fue resultado de la ebullición cultural de ese mismo año. Barrett se inspiró en la literatura inglesa fantástica para crear el concepto del disco y utilizó su imaginación sin límites para convertir sus composiciones en epilepsias musicales con sonidos guturales, distorsiones agresivas y disonancias. “Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive” y “Bike”, son el comienzo, desenlace y fin de la narrativa catastrófica causada por el LSD el legendario “Diamante Loco”.

Cream
Disraeli Gears
Inspirados en el blues eléctrico de Chicago, el jazz y una vibra incandescente en las manos de Eric Clapton, Cream abrió una senda colorida en la historia del rock. La exploración sonora del trío británico atrapó la esencia del verano con riffs que se convirtieron con el paso del tiempo en reliquias como la icónica “Sunshine Of Your Love”, cuya frase melódica fue ideada por el bajista Jack Bruce, quien regresó con el tintineo luego de atender a un concierto de uno de sus fanáticos, Jimi Hendrix.

The Jimi Hendrix Experience
Are You Experienced
Jimi Hendrix, Noel Redding y Mitch Mitchell impresionaron al mundo con su virtuosismo utópico en una fusión reverberaciones, ecos y voces que cantaban sobre una depresión maniática y una vida sexual descontrolada como una forma distinta de representar el amor y paz. “Purple Haze” y “Foxy Lady” fueron las principales composiciones en las que Hendrix creó icónicos riffs a través de la distorsión y una técnica dinámica en su Fender Stratocaster, que posteriormente inspiró a guitarristas como como Jimmy Page y David Gilmour. Otras versiones psicodélicas de canciones clásicas de blues como “Hey Joe”, original de Billie Roberts de 1962 y “Manic Depression“, aumentaron las emociones que predominan en el disco: excitación, sensualidad y vitalidad.

The Beatles
Magical Mystery Tour
No conformes con el revolucionario Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, The Beatles construyó la arquitectura sonora de la psicodelia y un mundo mágico con himnos que reafirmaron su legado como la banda más importante del momento. “All You Need Is Love” reflejó la filosofía de la época, “Strawberry Fields Forever” y “I’m The Walrus” mostraron los sueños infantiles de Lennon y “Penny Lane” musicalizó la añoranza de McCartney por su amada Liverpool.

The Velvet Underground & Nico
The Velvet Underground & Nico
Los personajes más excéntricos de Nueva York se reunieron en el que sería el Estudio 54 para grabar un documento musical que capturó la agresividad y la furia juvenil provocada por los deseos más salvajes. La oscuridad de la obra escrita por Lou Reed, cantada por la enigmática Nico, y promocionada con una de las portadas más memorables de Andy Warhol, retratan la utopía de la escena underground que heredó su ideología nihilista al mundo con canciones como “Sunday Morning”, “I’m Waiting For The Man”, “Femme Fatale” y “Heroin”, una oda que deconstruye la felicidad, el amor y la paz que sigue satisfaciendo a los inconformes.

The Rolling Stones
Their Satanic Majesties Request
Mick Jagger no recuerda nada de la psicodelia. Los Stones ya utilizaban demasiadas drogas y su única rehabilitación fue este álbum conceptual que imaginaba a la banda en alguna tierra fantástica creada por Frank Baum (The Wizard of Oz) o J.R.R Tolkien (The Hobbit, The Lord of the Rings).

The Beach Boys
Smiley Smile
Después del fracaso comercial de Pet Sounds y la demencia que sufrió Brian Wilson, The Beach Boys lanzaron uno de los álbumes más lúcidos de su carrera. Tan sólo un año antes, el primer sencillo, “Good Vibrations” funcionó como un catalizador para la psicodelia con una de las líneas de bajo más icónicas del siglo pasado creadas por Carol Kaye. Wilson y una orquesta se encargaron de crear esta canción, un testamento pop que trascendió una temporada para quedarse en el inconsciente colectivo.

Grateful Dead
The Grateful Dead
Bob Weir y Jerry García fueron los encargados de llevar el estandarte de San Francisco a los oídos de los jóvenes con su mezcla de rock & roll, bluegrass y country. La producción orgánica del disco fue responsabilidad de David Hassinger (productor de “Satisfaction” y Jefferson Airplane), quien orientó el estilo del álbum a un sonido más rudimentario y sin tapujos como en el caso de “Viola Lee Blues” o “Cream Puff War”. Después del lanzamiento del disco, Grateful Dead se convirtió en una de las bandas más populares de Norteamérica y se presentó en casi todos los eventos del verano.

Big Brother & The Holding Company
Big Brother & The Holding Company
Janis Joplin fue ella quien levantó la voz por el género que en aquel entonces no tenía siquiera el derecho a elegir. Big Brother & The Holding Company fue la comunidad con la que la extrovertida Joplin salió a la luz y demostró su coraje y talento con una voz desgarrante a través del blues. El instrumento natural de la estadounidense inspiró a vocalistas como Robert Plant, quien debutaría un año después con Led Zeppelin. “Women is Losers” e “Intruder”, composiciones íntimas de la cantante, formaron parte de la colección de temas que construyeron su carrera.

Love
Forever Changes
El estilo de vida y la sensación latente de protesta fueron descritos en las letras de Forever Changes, un manifiesto musical del verano del amor. La guitarra acústica de Arthur Lee dirigió una orquesta que dibujó flores en el cabello de los que escucharon el disco. El folk rock germinaba en temas como “Alone Again Or”, “Old Man” y “Bummer In The Summer”, auténticas pinceladas de colores en un lienzo social que buscaba un camino diferente al de sus antepasados.

Buffalo Springfield
Buffalo Springfield Again
Buffalo Springfield no sólo será recordada por Neil Young. La producción de su segundo álbum de estudio fue un factor importante para que sus canciones en el soundtrack del año del amor y paz. Jack Nietzche (mano derecha de Phil Spector) creó un collage de folk, rock y sonidos de la época como en “Mr. Soul”, una reminiscencia a The Rolling Stones. En este disco, la agrupación retrata el sonido de California en su máximo esplendor.

Van Morrison
Blowin’ Your Mind
Bob Dylan inspiró a muchos con Highway 61 Revisited en 1965 y uno de ellos fue Van Morrison, que a pesar de ser presionado por su disquera, fue uno de los artistas que logró ser el medio para hacer soñar a los adolescentes americanos de la época como Bruce Springsteen. La metamorfosis de la música tradicional norteamericana se vio reflejada en este disco.

The Byrds
Younger Than Yesterday
The Byrds
expandió su estilo con un álbum que mostró la transición del rock hacia la psicodelia. En febrero de 1967, la banda estrenó Younger Than Yesterday, la obra experimental del country y folk más influyente de los últimos tiempos. El productor Gary Usher incorporó sonidos más electrónicos y reverberaciones nunca antes escuchadas en la música popular del país de las barras y las estrellas.


Screaming Headless Torsos estrena video


“Running Black Water” es el nuevo sencillo de la banda neoyorquina y cuenta con la colaboración de la reconocida pianista Hiromi.


POR Héctor Elí Murguía  



Screaming Headless Torsos estrena video

Screaming Headless Torsos estrenó en exclusiva para Rolling Stone el video de “Running Black Water”. Este nuevo sencillo fue compuesto por Daniel Sadownick y cuenta con la participación de la prestigiada pianista Hiromi.

El visual muestra la sesión de grabación en la que SHT e Hiromi interpretan la canción. En entrevista con Rolling Stone, David Fiuczysnki, Daniel Sadownick y Freedom Bremner comentaron que “Running Black Water” nació de un sueño en el que el agua se convertía en un líquido oscuro.

“Lo importante es romper la estructura de lo establecido musicalmente hablando. Cuando tocas jazz o cualquier estilo tienes que soltarte y hacer una fiesta de viernes con los instrumentos”, menciona Fiuczysnki. “Siempre hay un lugar en el que puedes desprenderte de lo que a uno le dictan en la escuela de música”, declara Bremmer, vocalista de la banda.

En su estilo existe una conexión entre la música de Jimi Hendrix, James Brown y Bernie Worrell (tecladista de Parliment Funkadelic y Talking Heads): “Nuestra experiencia al tocar con Bernie fue única e increíble, imagina que el tipo solamente movía los dedos y hacía magia. En mi caso, Funkadelic cambió mi vida, era verdadero rock aunque no sea clasificado así su estilo musical y existe una parte de Hendrix en cada uno de nosotros”, aclara el vocalista.

Mira a continuación el nuevo video de Screaming Headless Torsos:


50 años de ‘Are You Experienced’ de The Jimi Hendrix Experience


El álbum debut de uno de los guitarristas más emblemáticos de la historia cumple cinco décadas.


POR Héctor Elí Murguía  



50 años de ‘Are You Experienced’ de The Jimi Hendrix Experience

El 12 de mayo de 1967 fue publicado un álbum que marcaría un antes y un después en la historia de la cultura popular: Are You Experienced de The Jimi Hendrix Experience, obra que funcionaría como antesala de la psicodelia.

Jimi Hendrix, Noel Redding y Mitch Mitchel fue el primer trío que impresionó al tocar con virtuosismo una fusión de blues, jazz y efectos de sonido que ambientaron la imaginación de los jóvenes anglosajones. Reverberaciones, ecos y voces que cantaban sobre una depresión maniática y una vida sexual descontrolada, se escucharon en este disco antes de la llegada del “amor y paz”.

Hendrix se mudó a Londres en 1966 y visitó algunos clubes de blues en donde encontraría la inspiración para revolucionar el rock: Eric Clapton. Unos meses después, el guitarrista y los dos miembros de su banda, fueron descubiertos por Chas Chandler (The Animals) y su mánager, Michael Jeffrey, quienes firmaron contrato con Track Records para grabar el álbum debut del power trio.

The Jimi Hendrix Experience estuvo en el estudio durante cuatro meses en los Olimpic Studios con el productor Eddie Kramer, quien posteriormente trabajaría con Led Zeppelin y KISS. “Purple Haze” y “Foxy Lady” fueron las principales composiciones en las que Hendrix creo icónicos riffs a través de la distorsión y una técnica dinámica en su Fender Stratocaster, que posteriormente inspiró a guitarristas como como Jimmy Page, David Gilmour y actualmente a guitarristas como John Mayer. Otras versiones psicodélicas de canciones clásicas de blues como “Hey Joe”, original de Billie Roberts de 1962 y “Manic Depression“, aumentaron las emociones que predominan en el disco: excitación, sensualidad y vitalidad.

Are You Experienced inspiró a las generaciones que basaron su sonido en el blues, rock e inclusive el funk como Sly and the Family Stone y al mismo Prince en sus inicios. La leyenda de Jimi Hendrix comenzó en este álbum, el primer retrato sonoro de uno de los guitarristas más innovadores de su época.

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Escucha a Robert Plant interpretar “Kashmir” por primera vez desde la reunión de Led Zeppelin


El músico fue un invitado del violinista Nigel Kennedy durante su concierto en Londres.


POR Priscila Núñez  



Foto: Egghead06

Escucha a Robert Plant interpretar “Kashmir” por primera vez desde la reunión de Led Zeppelin

El día de ayer, Robert Plant subió al escenario del Royal Albert Hall durante el concierto del violinista Nigel Kennedy para interpretar “Kashmir” por primera vez desde la reunión de Led Zeppelin en 2007.

Antes de comenzar a cantar, Plant explicó que conoció a Kennedy cuando estaba trabajando en su álbum solista Fate of Nations de 1992 y que esta colaboración era una especie de retribución por la ayuda brindada en ese entonces.

Tras las palabras de Plant, la orquesta que acompañaba al violinista comenzó a tocar la sinfonía completa con los tradicionales patrones de sonido que recuerdan a la música de Marruecos y algunos nuevos arreglos.

Kashmir” pertenece al álbum Physical Graffiti de 1975 y la noche de ayer fue la primer ocasión en la que Plant interpretó el tema sin Jimmy Page:

Durante la velada, Robert Plant y Nigel Kennedy también versionaron “Hey Joe“, un tema clásico de los sesenta popularizado por The Leaves y Jimi Hendrix. Escúchalo a continuación:

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Salvajes sueños de festival


Porque en nuestros deseos revivimos muertos y reunimos bandas.


POR Valeria Villegas  



Salvajes sueños de festival

Ver una banda tocar y desangrarse sobre el escenario, sangrar con ellos y levantar los puños mientras nos bañamos en sudor es un placer indescriptible que la música ofrece. Pero no sólo nosotros nos inspiramos con los acordes, los músicos también sueñan con aquellas agrupaciones a las que les gustaría ver en vivo. Los artistas que han pasado por nuestras páginas nos revelaron sus deseos en directo, y nosotros te regalamos los festivales ideales de aquellos que nos hacen delirar con sus instrumentos. Se vale soñar, ¿no?

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Nameless Ghoul (Ghost)
“Apeguémonos a los que están vivos. Una de las bandas que siempre quise ver es Pink Floyd. Realmente desearía que Roger Waters, Nick Mason y David Gilmour se juntaran. Guns N’ Roses de la era clásica sería fantástico, estoy seguro que todos estamos esperándolo, así que podría no ser tan descabellado. Realmente no soy muy divertido para estas cosas. Mi respuesta seguramente sería más de ensueño hace unos 15 años, cuando la mayor parte de estas bandas no se habían reunido. Si se tratara de otra cuestión, no querría a ninguna otra banda, querríamos ser los headliners”.

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David Lovering (Pixies)
“Ay, ay, ay. [silba]. ¡Es difícil! Mis bandas favoritas estarían: Led Zeppelin, Rush y Steely Dan… Sería un cartel algo raro, pero sería así”.

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Andrew VanWyngarden (MGMT)
Shaquille O’Neil con Jimi Hendrix, Martha Stewart en el banjo, David Bowie pegándole con el arco de un violín a pedacitos de papel que Martha Stewart estaría lanzando, como si jugara béisbol. Probablemente a Grateful Dead, Mahatma Gandhi sentado en el escenario sin decir nada, pero con muchos micrófonos alrededor. Todo pasaría en un crucero. Pero creo que Gandhi no se sentiría mareado, tiene un estómago durísimo, eso de no comer lo hizo estar así. Aunque creo que tendrías que comer algo para no sentirte mareado, así que seguramente estaría vomitando, pero lo tendríamos microfoneado y tal vez pondríamos un eco o algo para grabarlo”.

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Chris Wostensholme (Muse)
Beach Boys, Nirvana, Rage Against the Machine, Jimi Hendrix, Led Zeppelin… creo que sería un cartel fantástico. Pero básicamente querría a mis bandas favoritas ahí, realmente sin importarme lo que quisieran los demás [risas]”.

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Miami Horror
The Beatles, por supuesto; The Doors, Harry Nilsson, Jimi Hendrix… ¡puros clásicos! Me encantaría ver a ELO, creo que ellos todavía tocan. ¡Y Jamie XX! Para meter más cosas. Él tocaría y además presentaría a los cantantes para que salieran al escenario. Tendríamos un festival de hologramas. Podríamos tener a Michael Jackson, y además Peter Gabriel, Björk y Kate Bush. Y además Miami Horror”.

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Lanzarán un álbum del primer concierto de Jimi Hendrix con Band of Gypsys


El disco ‘Machine Gun: The Fillmore East First Show’ llegará el 30 de septiembre de este año.


POR Staff Rolling Stone México  



Lanzarán un álbum del primer concierto de Jimi Hendrix con Band of Gypsys

El día de hoy, anunciaron el lanzamiento de un nuevo álbum que permitirá a los seguidores del icono Jimi Hendrix, escuchar la primera presentación que ofreció el guitarrista al lado de Band of Gypsys.

El disco se titulará Machine Gun: The Fillmore East First Show y será lanzado el próximo 30 de septiembre. A pesar de que algunos temas de este primer disco ya han sido escuchados anteriormente, esta será la primera vez que se estrene un álbum que compile los éxitos de Hendrix y Band of Gypsys.

El LP se podrá adquirir tanto en formato físico como en digital.

A continuación te presentamos el tracklist de Machine Gun: The Fillmore East First Show 31/12/69

01. “Power of Soul”
02. “Lover Man”
03. “Hear My Train A Comin’”
04. “Changes”
05. “Izabella”
06. “Machine Gun”
07. “Stop”
08. “Ezy Ryder”
09. “Bleeding Heart”
10. “Earth Blues”
11. “Burning Desire”

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Maestros del rock


Celebramos a algunos de los maestros del rock que han influenciado a generaciones a través de los años.


POR Staff Rolling Stone México  



Jimi Hendrix

Maestros del rock

A lo largo del tiempo grandes leyendas del rock han marcado una importante enseñanza para generaciones. Desde influenciar a bandas nuevas para saltar a la fama, hasta hacer bailar en el espejo a millones de adolescentes con ganas de escuchar sus poderosas guitarras. Este 15 de mayo, se celebra el día del maestro en México y aunque estos músicos no tienen la profesión como tal, sin lugar a dudas han enseñado e inculcado técnicas musicales a miles de personas.

Presentamos nuestra galeria de algunos de los maestros del rock a través de los años.

Escucha y sigue nuestra lista de Maestros del Rock a través de Spotify:

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Minnesota sugiere una ley inspirada en Prince


La ley daría al estado el uso exclusivo de la imagen del cantante.


POR Staff Rolling Stone México  



Minnesota sugiere una ley inspirada en Prince

Prince fue un aclamado icono musical en vida, y tras fallecer su fama se ha desbordado, especialmente en su estado natal, Minnesota. El día de hoy, el senado del estado en cuestión sugirió una ley que por su acrónimo en inglés se conocería como PRINCE Act (Personal Rights in Names Can Endure Act).

Dicha ley permitiría al estado controlar la publicidad referente al fallecido músico por los próximos 50 años, lo cual podría aplicar para otras celebridades originarias del mismo estado, que fallezcan en el futuro o recientemente fallecidas.

Según los senadores que apoyan la moción, no sería la primera vez que ocurre un fenómeno político de este estilo inspirado por la muerte de alguna celebridad, ya que supuestamente en Washington ocurrió algo muy similar tras la muerte del famoso guitarrista Jimi Hendrix. Aún no se sabe si la ley será aprobada a tan solo dos semanas de terminar el actual período de los senadores en cuestión.

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