Archivo de la etiqueta: King Crimson

Estrenos de la semana: los nuevos discos que debes escuchar


Grizzly Bear, Steven Wilson, Everything Everything y UNKLE son algunos de los artistas que lanzaron nuevo material.


POR Priscila Núñez  



Estrenos de la semana: los nuevos discos que debes escuchar

Todos los viernes se estrenan álbumes. Aquí te presentamos los discos más destacados para que los escuches este fin de semana:

Everything EverythingA Fever Dream

Desde que Everything Everything surgió en 2010, la agrupación se ha encargado de componer canciones que reflejan la condición humana. En este LP, la banda originaria de Manchester sintoniza con lo absurdo de nuestra época gracias una serie de viñetas surreales que reflejan las pesadillas actuales.

Grizzly BearPainted Ruins

Cinco años tuvieron que pasar para que Grizzly Bear estrenara un nuevo álbum desde el lanzamiento de Shields en 2012. En esta, su quinta entrega discográfica, su sonido continúa siendo ornamentado con el uso de sintetizadores en sus melodías.

Steven WilsonTo The Bone

Wilson se ha caracterizado por ser un músico sumamente ecléctico, dejando claro en más de una ocasión que disfruta tanto de ABBA como de King Crimson. Con To The Bone, el músico aceptó el reto de hacer “art pop” desde el terreno del rock, sin miedo a reflejar la realidad de la sociedad actual.

Neon WaltzStrange Hymns

La agrupación escocesa Neon Waltz entrega un disco repleto de canciones artesanales perfectas para los días de lluvia y los corazones rotos. Strange Hymns es un disco que trasciende los géneros establecidos para crear armonías delicadas y por lo tanto, sumamente emocionales.

Neck DeepThe Peace And The Panic

Cuando Neck Deep se encontraba de gira con el álbum Life’s Not Out To Get You de 2015, los integrantes de la banda experimentaron tantos cambios en su vida que comenzaron a cuestionarse si tener actitud positiva es suficiente para poder sobrellevarla. La respuesta a esta interrogante está implícita en su nuevo álbum.

UNKLEThe Road

Siete años después del estreno de Where Did the Night Fall, UNKLE decidió dejar a un lado el misticismo para sacar un nuevo álbum con la ayuda de Andrew Innes de Primal Scream y de Troy Van Leeuwan de Queens of the Stone Age. El resultado: un álbum que hizo valer la espera.


México es rock progresivo


King Crimson presenta su Radical Action Tour en la Ciudad de México. Tony Levin nos contagia su emoción.


POR Staff Rolling Stone México  



México es rock progresivo

Por Jorge R. Soto

Tony Levin, músico de enorme talento y versatilidad, ha tocado en 500 álbumes de artistas de épocas y géneros diversos. Actualmente participa en la gira Radical Action Tour de King Crimson, que ofrecerá cinco conciertos en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México [14, 15, 16, 18 y 19 de este mes].

Esta vez, King Crimson incluye ocho integrantes, entre ellos tres bateristas. Sobre la experiencia de tocar el bajo en esta agrupación, Levin menciona que “es muy complicado. Típico de King Crimson, en donde no hacemos las cosas de forma fácil. Los tres bateristas no tocan la misma parte, se han coordinado de forma elaborada. Es fascinante verlos. Por ello los colocamos al frente en el escenario. Es difícil describir cómo en una sola pieza se reparten las partes de la batería. Hace unos años, cuando surgió la idea, yo estaba muy preocupado porque pensé que no habría espacio para tocar el bajo, pero decidí intentarlo. Ahora toco un poco más, pero he tenido que hacer algunos ajustes. Son cosas que aprendes conforme más las ejecutas”.

Tony Levin utiliza el Chapman Stick en los conciertos de King Crimson. “Es un instrumento muy interesante. Tiene seis cuerdas de guitarra y seis de bajo, con una salida en estéreo. Puedes hacerlo sonar tocándolo o pegándole, puedes ejecutar la parte de la guitarra o la del bajo. Empecé con él en el álbum Discipline (1981), también en uno de Tom Waits. Con King Crimson toco el bajo porque hay muy buenos guitarristas. Sin embargo, en mi banda Stick Men, desempeño ambos roles. En los conciertos del Metropólitan tocaré algunas piezas con este instrumento, también con el bajo eléctrico y el electric upright bass que tiene un sonido más acústico”.


The Claypool Lennon Delirium lanzará un nuevo EP


Este nuevo material incluye covers a Pink Floyd, The Who y King Crimson.




The Claypool Lennon Delirium lanzará un nuevo EP

The Claypool Lennon Delirium, banda formada por Les Claypool y Sean Lennon (hijo de John Lennon y Yoko Ono), lanzará un nuevo EP que estará disponible a partir del próximo 4 de agosto.

Lime and Limpid Green incluye los covers “In the Court of the Crimson King” de King Crimson, “Astronomy Domine” de Pink Floyd y “Boris The Spider” de The Who. La edición limitada de este nuevo material estará disponible en color verde.

“Ambos estábamos escuchando algo que queríamos hacer inspirados profundamente en la gente de aquellos tiempos como Syd Barret“, dijo el hijo del exbeatle. “Desde que tenemos un álbum como banda, queríamos agregar canciones a nuestro show que ilustren de manera clara de lo que se trata Delirium“.

El EP también tendrá el cover de “Satori” de Flower Travelin Band, el cual ya cuenta con video oficial.

Mira el nuevo video de The Claypool Lennon Delirium a continuación:


Supergrupo conformado por miembros de Sleater-Kinney y R.E.M. revelan información sobre su álbum debut


Distintas bandas unieron fuerzas para lanzar ‘Invitation’ el próximo 25 de agosto.


POR Camila de la Fuente  



Supergrupo conformado por miembros de Sleater-Kinney y R.E.M. revelan información sobre su álbum debut

Peter Buck quería estar en una banda con Corin Tucker desde la primera vez que vio a Sleater-Kinney tocar en vivo en 1997. “Recuerdo pensar, ‘¿de dónde salió esta gente?’ Era una manera única de hacer punk rock”, relató el guitarrista de R.E.M.

20 años después, Buck y Tucker lo hicieron oficial con su nuevo supergrupo llamado Filthy Friends. Su álbum debut, Invitation, será lanzado el próximo 25 de agosto y estará acompañado por una gira por Norteamérica.

Filthy Friends comenzó en el 2012 como un proyecto pequeño y de bajo perfil en Portland. La superbanda también incluye a miembros de King Crimson, Young Fresh Fellows y Fastbacks.

Foto: Vivian Johnson

Filthy Friends decidió unirse para experimentar nuevos géneros, aunque todavía mantienen la misma fuente de inspiración de algunas de las bandas: la conciencia política. Esta siempre ha estado intrínseca en la música de R.E.M. y Sleater-Kinney.

La protesta política está muy presente en Invitation, especialmente por la llegada de Donald Trump al poder. La superbanda apoya movimientos como Black Lives Matter y busca recaudar fondos para temas ecológicos relacionados al Acuerdo Climático de Paris.

Este fin de semana, Filthy Friends estará tocando en un festival en Noruega para crear conciencia sobre los desafíos que enfrenta el Círculo Polar Ártico. El año pasado, contribuyeron sencillos a la compilación anti-Trump 30 Days, 30 Songs.

Buck, siempre irreverente, opinó acerca del mandato del magnate: “Prefiero tener un presidente que no sea fascista y tenga música de mierda en la radio —oh espera— la música en la radio es una mierda y nuestro presidente es fascista”.

Escucha a continuación “The Arrival“, el sencillo que forma parte de Invitation y que fue publicado esta semana en exclusiva con Rolling Stone.


Mira a King Crimson interpretar “Heroes” de David Bowie


Robert Fripp, quien grabó la guitarra principal en la canción original, hizo un cover del tema junto con la banda británica.




Mira a King Crimson interpretar “Heroes” de David Bowie

Antes de salir de gira por Norteamérica, King Crimson compartió el video lírico de un cover a “Heroes” de David Bowie. Este clip fue filmado durante una presentación que la banda ofreció en Berlín el año pasado, lugar en el que Bowie grabó la canción.

En esta nueva versión, la guitarra principal fue grabada por Robert Fripp (guitarrista de King Crimson), quien también grabó el riff de este instrumento en tema original de 1977.

“Este concierto se llevó a cabo 39 años y 1 mes después de que se llevaran a cabo las sesiones originales de grabación de Heroes en el Hansa Tonstudio” mencionó Fripp en un comunicado de prensa.

En entrevista con Rolling Stone, el baterista Bill Rifeflin dijo que King Crimson tocará este cover en las fechas de su gira por Norteamérica.

Mira el video lírico de “Heroes“:

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King Crimson | Teatro Metropólitan | 14 de julio


La banda pionera de rock progresivo regresará a México como parte de su gira Radical Action Tour.


POR Staff Rolling Stone México  



King Crimson | Teatro Metropólitan | 14 de julio

Después de 14 años, King Crimson regresará a la Ciudad de México como parte de su gira Radical Action Tour 2017. Robert Fripp, fundador y único miembro original activo de la agrupación, compartió esta información a través del portal web de su disquera independiente Digital Global Mobile. Este concierto se llevará a cabo el próximo 14 de julio en el Teatro Metropolitan.

Fripp también anunció que la banda se encuentra trabajando en el estudio para publicar nuevo material en abril con cambios en la alineación del grupo: Tony Levin en el bajo, Mel Collins en el saxofón, Jakko Jakszyk en la guitarra y cuatro bateristas: Bill Rieflin, Gavin Harrison, Pat Mastelotto y Jeremy Stacey.

Cartel King Crimson

Los boletos estarán disponibles en preventa exclusiva para tarjetahabientes Banamex el 23 y 23 de marzo. La venta general será el 24 de marzo a través del sistema Ticketmaster o en el teléfono 53-25-9000.

Los precios son los siguientes:

• VIP: $2,880
• A: $1,940
• B: $1,420
• BB/C: $980
• D: $740
• E: $480

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John Wetton, cantante y bajista de Asia, muere a los 67 años


El músico murió después de una larga lucha contra el cáncer de colon.


POR Staff Rolling Stone México  



John Wetton, cantante y bajista de Asia, muere a los 67 años

John Wetton, músico que tocó con bandas como Family, Mogul, Thrash, Uriah Heep, Roxy Music, Wishbone y King Crimson, falleció a los 67 años a causa del cáncer de colon que padecía. Wetton había sido sometido a una cirugía en 2015 para que le retiraran una masa maligna de su abdomen.

Wetton formó el supergrupo de rock progresivo UK y después de su división en 1980, se unió a Geoff Downes, Steve Howe y Carl Palmer en Asia. Lanzaron su álbum debut homónimo en 1982 con Wetton como principal compositor de la banda. Wetton se uniría más tarde con Downes en Icon y junto con artistas como Brian Eno, Phil Manzanera, David Cross, Ayreon y District 97, pero también tuvo una exitosa carrera en solitario.

Carl Palmer fue uno de los primeros en rendirle tributo a Wetton, llamándolo valiente e innovador, así como un “un gigante de la música”. Palmer declaró: “Con el fallecimiento de mi buen amigo y colaborador musical, John Wetton, el mundo pierde otro gigante musical. John fue una persona gentil que creó algunas de las melodías y letras más duraderas de la música popular moderna”.

“Como músico, fue valiente e innovador, con una voz que llevó la música de Asia a la cima de las listas de todo el mundo. Su capacidad para triunfar sobre el abuso del alcohol hizo de él una inspiración para muchos que también han luchado esa batalla. Para aquellos que lo conocimos y trabajamos con él, su valiente lucha contra el cáncer fue una inspiración más. Voy a extrañar su talento, su sentido del humor y su sonrisa infecciosa”.

Geoff Downes llamó a su amigo “uno de los mejores talentos musicales del mundo” y añadió: “Fue un gran privilegio para mí trabajar con este genio de forma tan estrecha en nuestros numerosos proyectos juntos a lo largo de los años. Su voz era de los dioses, sus composiciones, fuera de este mundo. Su sentido de la melodía y la armonía era irreal, literalmente ‘especial'”

Jakko Jakszyk, de King Crimson, también le rindió homenaje a Wetton. Él publicó en Twitter: “Verdaderamente y realmente entristecido por la noticia de que John Wetton ha fallecido. Me sentí honrado de llamarle un amigo. Te quiero, JW”.

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Greg Lake, bajista y vocalista de King Crimson, muere a los 69 años


El también cofundador de Emerson, Lake & Palmer será recordado por uno de lo pioneros del rock progresivo.


POR Staff Rolling Stone México  



Greg Lake, bajista y vocalista de King Crimson, muere a los 69 años

Greg Lake, cantante, multiinstrumentista y cofundador de bandas como King Crimson, Emerson, Lake & Palmer y Asia, murió el martes pasado a los 69 años. El músico contribuyó a que el rock progresivo se convirtiera en un género popular y ayudó a definir el estilo de esta corriente con base en la experimentación y con su enorme talento.

Su mánager dio a conocer a través de la BBC que recientemente tuvo una “larga y terca batalla contra el cáncer”; la noticia llega nueve meses después de la muerte de su compañero de banda, Keith Emerson.

“Con una profunda tristeza es momento de decirle adiós a mi amigo y compañero de banda, Greg Lake“, escribió Carl Palmer en un comunicado. “Su altísimo tono vocal y habilidades como músico serán recordadas por todos los que conocimos su música y las grabaciones que hizo con ELP y King Crimson. Tengo profundas memorias de esos maravillosos años que pasamos juntos y muchos espectáculos memorables que realizamos. Después de haber perdido a Keith este año, la noticia ha sido particularmente dura para todos nosotros. Y así como Greg cantó al final de ‘Pictures at an Exhibition‘, ‘muerte es vida’. Su música ahora puede vivir por siempre en los corazones de todos los que lo amamos”.

Como vocalista y compositor, Lake ayudó a definir el estilo de rock progresivo como una introspección con una pizca de fantasía. Él cantaba con claridad y confianza, haciendo de su voz una singular fuerza sobre la experimentación de él y de sus compañeros. Ya sea tocando el bajo o la guitarra, como a menudo lo hacía con Emerson, Lake & Palmer, escribió de una manera que permitía a sus compañeros de banda construir vastos e intrincados paisajes sonoros.

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Pat Mastelotto y Trey Gunn llegan a México


2016-06-15


POR Staff Rolling Stone México  



Pat Mastelotto y Trey Gunn llegan a México

ACTUALIZACIÓN:
El show de Pat Mastelotto y Trey Gunn cambia al 15 de junio, la sede sigue siendo la misma y los boletos adquiridos para el 21 de julio podrán utilizarse en la nueva fecha.

Original:
Los músicos Pat Mastelotto y Trey Gunn se conocieron por primera vez en 1993 en una grabación de Peter Gabriel. Más tarde, Fripp los invitó a ambos a colaborar en el proyecto King Crimson en 1994.

Tras analizar su química musical decidieron formar el dúo TU. Su primer disco tuvo algunos problemas al producirse por su apretada agenda, pero entre sesiones nocturnas construyeron el primer material.

El dúo se estará presentando en el Lunario del Auditorio Nacional el próximo 21 de julio, acompañados de personajes como Colin Edwin, Mastelotto, Lorenzo Esposito, y Carmelo Pipitone, con su proyecto O.R.K.

Precios:
General $ 550.00 (hasta el 31 de Mayo) y $ 600.00 (del 1 de Junio hasta el día del show)

Los boletos estarán disponibles a partir del 29 de Febrero 2016 en taquilla y en el sistema Ticketmaster.

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The Flaming Lips hacen cover a “Bohemian Rhapsody”


The Flaming Lips acaban de dar a conocer su cover al clásico de Queen, “Bohemian Rhapsody”.


POR Staff Rolling Stone México  



The Flaming Lips acaban de dar a conocer su cover al clásico de Queen, “Bohemian Rhapsody”.

The Flaming Lips hacen cover a “Bohemian Rhapsody”

Como han hecho anteriormente con canciones de Pink Floyd en su versión a The Dark Side of the Moon y el In The Court of the Crimson King de King Crimson, la banda liderada por Wayne Coyne publicó ahora un video en el que se muestran tocando el tema de 1975 del disco A Night at the Opera de Queen.

Recientemente The Flaming Lips anunciaron que su próximo disco, The Terror, saldrá a la venta el 1 de abril, así mismo, que se encuentran trabajando en su reversión al disco debut de The Stone Roses, donde al parecer contarán con la colaboración de New Fumes y Stardeath.


Los Mejores Discos de 2012


Los Mejores Discos de 2012


POR Staff Rolling Stone México  



Los Mejores Discos de 2012

Los Mejores Discos de 2012

Grandes sorpresas de diversos géneros. Aquí nuestro conteo anual de lo mejor en música, por orden alfabético. ¿Ya los escuchaste?

Alabama Shakes
Boys & Girls
Han sobresalido desde la cuna del soul sureño. Su debut supone un conjunto de esbeltos y pegajosas rolas originales acerca de los temas que verdaderamente importan: El amor y la muerte. Éste es uno de los debuts que hicieron erupción este año.

Alt-J
An Awesome Wave
El álbum debut de estos británicos es una serie de temas en ambientes que irradian entre lo nostálgico y emotivo de una interpretación vocal que atrapa, con una conjunción de ritmos bien trabajados. Su estilo resulta muy afortunado.

Beach House
Bloom
La mortalidad y la ruina continúan haciendo burbujas en la superficie, pero son difíciles de detectar cuando centras tu atención en la extática manera cómo la voz de Victoria Legrand se fusiona con los rebotes creados por los acordes del órgano y guitarra.

Bob Dylan
Tempest
El trigésimo quinto álbum de Dylan es un reflejo muy fiel del sorprendente rejuvenecimiento de su carrera tardía: Perspicaz y bromista, rebosante de ingenio y de una historia insuflada de vida, marinado con un par de siglos de folk y pop, blues y doo-wop.

Bruce Springsteen
Wrecking Ball
Su décimo séptimo álbum es el más osado en décadas, golpea con su gran corazón y fusiona el clásico sonido de la E Street Band con géneros inesperados y toques modernistas: Trompetas, gráciles notas electrónicas y hasta un rap de Michelle Moore.

Cat Power
Sun
Canaliza la oscuridad tachonada de lentejuelas del post punk de los años ochenta y el pop creado con sintetizadores a través de colores electrónicos y una delgada capa de percusiones que apuntalan una especie de aura a la Joy Division, pero en femenino.

David Byrne & St. Vincent
Love This Giant
La unión de David Byrne y St. Vincent dio como resultado un EP con lo mejor de ambas mentes. Por un lado, el ex Talking Heads le inyecta cuestionamientos filosóficos a la joven neoyorkina, quien regresa la dosis con guitarras, beats y metales llenos de ritmo.

Deftones
Koi No Yokan
Es un disco romántico y melancólico. Las notas altas de Chino Moreno contrastan con sus desgarradores gritos pero, después de la catarsis, la vibra es optimista. El sonido es sexy y meditabundo. Se tomaron su tiempo en hacerlo, y se nota en la solidez.

Fiona Apple
The Idler Wheel
El berrinche musical más exquisito del año constituye también su grabación más emocionante. Es la prime­ra producción personal sin nada que lo pudiera con­vertir en la típica carnada generada por las agencias publicitarias especializadas en hipsters.

Foxy Shazam
The Church of Rock and Roll
Banda norteamericana –ignorada en su país– que en el Reino Unido fueron adop­tados, apreciaron su talento y divulgaron su obra. Una ex­traña pero agradable mezcla de rock clásico, piano, voca­les agudas estilo Queen y una buena dosis de teatralidad.

Frank Ocean
Channel Orange
El segundo disco de este cantautor de 25 años constitu­ye el lanzamiento de R&B más emocionante de los últimos tiempos, una delineada me­ditación acerca del amor y la pérdida, que a su vez actualiza a Stevie Wonder y a Prince para esta era post Drake.

fun.
Some Nights
El trío de Nueva York encontró la palanca para el éxi­to de su pop con toques de mú­sica del mundo en los pulmones como de Broadway del cantan­te Nate Ruess pero, asimismo, tiene deuda con esa majestuosi­dad azucarada tipo Queen con un sentido Eltoniano.

Green Day
¡Uno!, ¡Dos!, ¡Tré!
Se tomaron unas vacaciones de las dramáticas óperas rock. El grupo ha decidido crear un punk ardiente y pegajoso, como si estuviéramos en 1994. Una trilogía sorprendente. Billie Joe Armstrong con discursos del poder de una angustiosa furia juvenil rockera.

Jack White
Blunderbuss
El amor puede hacerle cosas muy raras a un hombre. Y cuando dicho hombre no es otro que Jack White, lo que el amor puede hacerle es muy extraño. El disco solista de White constituye nuestra primer oportunidad para escucharlo verdaderamente suelto.

Joe Bonamassa
Driving Towards The Daylight
El blues rock no es un género estilo Twitter; décadas después de que los guitarristas de Reino Unido recrearan los lamentos americanos como piezas más extensas, sigue siendo mejor cuando los practicantes se alargan. Joe destaca en piezas largas.


The Killers
Battle Born Brandon Flowers se acompaña de una cascada de sintetizadores ochenteros sin dejar de lado su insigne mezcla entre sinceridad y galantería al estilo Las Vegas. Productores de primer nivel ayudaron a The Killers a crear esta joya de la cursilería.


Lana Del Rey
Born To Die – The Paradise Edition
Todos hablan de Lana pero pocos de su música. Si bien la reedición ofrece ocho nuevos tracks –incluyendo la controversial “Cola”– el estilo no cambia. Parece ser que el mood cincuentero y la voz rasposa al estilo Pixies es lo suyo, como ser sensual.

Led Zeppelin
Celebration Day
En diciembre de 2007, Led Zeppelin se despojó del fantasma del fracaso que persiguió a sus reuniones durante los años ochenta e hizo de éste, su primer show después de 27 años, uno de los mejores y más redentores regresos de todos los tiempos.

The Maccabees
Given To The Wild
El mejor disco en la corta carrera del quinteto londinense. El sonido es fluido, la textura en la voz de Orlando Weeks exalta la emotividad de las melodías. The Maccabees han logrado algo difícil en el mundo indie: Tomar el control y generar su propia identidad.

Muse
The 2nd Law
Sus canciones mezclan a Queen, Led Zeppelin, King Crimson y Radiohead para hacer que casi cualquier otra banda actual parezca minúscula. En su sexto álbum, Matthew Bellamy aúlla con poder acerca de la distopía moderna del crecimiento insostenible y las novias dificultosas.

Rush
Clockwork Angels
El primer disco de Rush en cinco años y el mejor álbum de la banda desde la década de 1980. Regresa a los álbumes conceptuales. La devoción de Neil Peart por la ciencia ficción y la fantasía lo llevan a escribir las letras, en colaboración
con el autor Kevin J. Anderson.

Slash
Apocalyptic Love
Logra un gran disco que muestra el trabajo de una banda que no se limitó a la ejecución por invitación, sino a todo un proceso que involucró a la nueva mancuerna y cómplice: Myles Kennedy (Alter Bridge). Un álbum que provoca una experiencia auditiva dinámica.

Soundgarden
King Animal
El disco parte de sus raíces para tomar toda clase de exóticos caminos. Abrumador pero con feroz odio a sí mismos. Lo que los hizo afiliarse al grunge y no ser sólo un tipo nuevo de viejo metal fue precisamente su terrible y brutal desesperación.

Tame Impala
Lonerism
El segundo álbum de la banda explora la soledad y aislamiento de Kevin Parker, líder de este proyecto, y suena a psicodelia pura, como de los años sesenta. Parker construye un disco conceptual sobre el aislamiento. Sonidos hipsters con apasionantes.

The Vaccines
Come of Age
En esta ocasión, Young despilfarra clichés de veinteañero indiferente, con su propio y desventurado giro. Al final, el disco resulta demasiado apegado a melodías que nos recuerdan a The Strokes y la guitarra surf parece menos desencantada.


*Conteo elaborado por los lectores de Rolling Stone y el staff de la revista


The Flaming Lips lanzarán el remake de ‘In the Court of the Crimson King’ de King Crimson


El proyecto reúne a artistas como New Fumes, Linear Downfall, Spaceface and Stardeath y White Dwarfs.


POR Staff Rolling Stone México  



El proyecto reúne a artistas como New Fumes, Linear Downfall, Spaceface and Stardeath y White Dwarfs.

The Flaming Lips lanzarán el remake de ‘In the Court of the Crimson King’ de King Crimson

En el 2010, The Flaming Lips realizaron su propia versión del Dark Side of the Moon de Pink Floyd. Ahora anuncian que llevarán a cabo un proyecto similar con In the Court of the Crimson King, el álbum que lanzó King Crimson en 1969.

Este nuevo disco titulado Playing Hide and Seek with the Ghosts of Dawn, se puede escuchar en línea aquí. El proyecto reúne a artistas como New Fumes, Linear Downfall, Spaceface and Stardeath y White Dwarfs.

“Creo que son de esas cosas espontáneas que se le ocurren a Wayne,” comentó Chance Anthony Cook, guitarrista de Linear Downfall. “Fue muy inspirador estar ahí y la energía era impresionante,” agregó en el portal oficial de los Flaming Lips.

Una edición limitada en vinyl de Playing Hide and Seek with the Ghosts of Dawn fue lanzada a finales de octubre, y sólo se consigue en tiendas de discos independientes de Estados Unidos. Las canciones se podrán comprar en iTunes en las próximas semanas.


Nuevas reediciones de Emerson, Lake & Palmer


El grupo Emerson, Lake & Palmer, reeditará nuevas versiones de los discos ‘Emerson, Lake & Palmer’ y ‘Tarkus’, a la venta el 11 de septiembre


POR Staff Rolling Stone México  



El grupo Emerson, Lake & Palmer, reeditará nuevas versiones de los discos 'Emerson, Lake & Palmer' y 'Tarkus', a la venta el 11 de septiembre

Nuevas reediciones de Emerson, Lake & Palmer

El catálogo de Emerson, Lake & Palmer ha sido ampliamente reeditado a lo largo de los últimos años, pero aparentemente se ha encontrado nuevo material del grupo, por lo cual habrá nuevos lanzamientos.

Primero se lanzará una versión extendida y remasterizada de los discos, Emerson, Lake & Palmer de 1970 y Tarkus de 1971. Ambos LPs saldrán en ediciones de lujo triples con un nuevo sonido 5.1 Surround Sound, nuevas mezclas (hechas por el nominado al premio Grammy, Steven Wilson, quien ha mezclado en el mismo formato la discografía de King Crimson y Jethro Tull) y tomas alternas inéditas. También saldrá una edición en vinil así como una digital en iTunes con versiones remasterizadas por el ingeniero Brad Blackwood.

La disquera Razor & Tie, también anunció que próximamente relanzará nuevas versiones de los discos Pictures At An Art Exhibition (1971), Trilogy (1972), Brain Salad Surgery (1973) y Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends – Ladies & Gentlemen (1974).

Los primeros dos discos estarán disponibles a partir del próximo 11 de septiembre.


Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos


Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos


POR Staff Rolling Stone México  



Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos

Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos

Jimi Hendrix1.- Jimi Hendrix
Por Tom Morello

Jimi Hendrix detonó nuestra concepción de lo que el rock podía ser: manipuló la guitarra, el trémolo, el estudio y el escenario. En temas como “Machine Gun” o “Voodoo Chile”, su instrumento es como una vara de percepción de los turbulentos años sesenta, puedes escuchar los disturbios callejeros y las bombas de Napalm que caen desde los cielos de su “Star-Spangled Banner”. Tocaba sin esfuerzo. La canción más bella del canon de Jimi Hendrix es “Little Wing”. Si eres guitarrista, podrías pasarte la vida entera estudiando los detalles, pero jamás descubrirás los secretos de lo que él tenía. Hendrix entreteje perfectamente los acordes con las notas sueltas y luego utiliza progresiones que no aparecen en ningún libro de teoría musical. Sus riffs son como una aplanadora funk y pre-metalera, y las líneas de sus solos una especie de viaje de ácido y electricidad que te conduce a una bifurcación en el camino.

Escucha: “Purple Haze”, “Foxey Lady”, “The Star-Spangled Banner” y “Hey Joe”.

2.- Eric Clapton
Por Eddie Van Halen

En realidad, Eric Clapton es el único guitarrista que ha sido una verdadera y única influencia en mí, a pesar que mi estilo no se parece en nada al suyo. Su manera de tocar ostenta una simplicidad primordial y su estilo, vibra y esto no es más que un eco de este hecho. Conectaba su guitarra Gibson a un Marshall y eso era todo. Lo más básico. El blues. Sus solos eran melódicos y memorables, justamente así deben ser los solos de guitarra: sólo una parte de la canción. Podría tarareártelos.

Escucha: “Bell Bottom Blues”, “Crossroads” y “White Room”.

3.- Jimmy Page
Por Joe Perry

Lo que Jimmy Page hace en la guitarra puede transportarte. El solo de “Heartbreaker” es increíble por su inmediatez; como si estuviera en la orilla del desfiladero de su propia técnica y la gente sigue volviéndose loca cuando lo toca en vivo. Jimmy edificó un catálogo increíble de experiencia con The Yardbirds y su trabajo como músico de sesión, así que durante la grabación del primer disco de Led Zeppelin él ya sabía exactamente cuáles eran los sonidos que necesitaba.

Escucha: “Dazed and Confused”, “Heartbreaker” y “Kashmir”.

4.- Keith Richards
Por Nils Lofgren de The E Street Band

Recuerdo cuando escuché “Satisfaction” por primera vez; estaba en la secundaria, pero sobre todo recuerdo lo que dicho tema me hizo sentir: me asustó. Keith escribió muchos temas con dos o tres notas y todos ellos han demostrado ser mucho más poderosos que cualquier solo de guitarra. Recuerdo cuando se me ocurrió practicar la parte del coro de “Beast of Burden”, pensé: “Los acordes son correctos, pero nada de esto suena a Keith”, la afinación era lo máximo: un acorde hermoso que parece una voz que canta. Así es la médula de todas las partes grandiosas de guitarra de cualquier disco de The Rolling Stones. Keith siempre encuentra la afinación perfecta para impedir que el trabajo –me refiero al trasteo, al muting en las cuerdas– se interponga u obstaculice la expresión de sus sentimientos.

Escucha: “(I Can’t Get No) Satisfaction” y “Gimme Shelter”.

5.- Jeff Beck
Por Mike Campbell de The Heartbreakers

Jeff beck sabe combinar brillantemente la técnica con la personalidad como si nos estuviera diciendo: “Soy Jeff Beck y aquí estoy, será imposible ignorarme”. Incluso en The Yardbirds su tono era melódico así como directo y golpeador, luminoso, apremiante y filoso, pero al mismo tiempo dulce. Uno podía caer en cuenta de que se trataba de un ejecutante serio y que ninguna otra cosa le interesaba. No se guardaba nada. Jeff no se entromete, pero tampoco cede terreno, dominando la maestría en poder tocar junto y alrededor de un vocalista, respondiéndole, presionándolo, ahí radica la belleza del par de discos que grabó con Rod Stewart.

Escucha: “Beck’s Bolero”, “Freeway Jam”, “A Day in the Life”, “I Ain’t Superstitious” y “Heart Full of Soul”.

6.- B.B. King
Por Billy Gibbons

Las influencias de B.B. quedaron establecidas a muy temprana edad. Como nativo de Indianola, Mississippi, él puede retroceder lo suficiente para regresar el sonido de los campesinos y de las figuras del blues, entre ellos Charlie Patton y Robert Johnson aunque el fraseo de una sola nota de T Bone Walker es otra cosa. Podemos escuchar estas influencias en la selección de melodías que no sólo canta con la boca sino que también permite que su guitarra lo haga instrumentalmente.

Escucha: “3 O’Clock Blues”, “The Thrill is Gone” y “Sweet Little Angel”.

7.- Chuck Berry
Por Keith Richards

Cuando vi a Chuck Berry en el festival “Jazz On A Summer’s Day”, yo era un adolescente y lo que me dejó impresionado fue su manera de ir a contracorriente, tocando algo que no tenía nada que ver con el resto de los jazzistas. Todos eran buenísimos pero su actitud era la típica del jazzista: “Eso que llaman rock & roll…”. Con “Sweet Little Sixteen”, Chuck tomó el escenario por asalto a pesar de la antipatía de todos los presentes, en mi opinión eso es el blues, esa es la actitud y esas son las agallas que se requieren. Yo quería ser así, pero mi piel era blanca.

Escucha: “Johnny B. Goode”, “Maybellene” y “Roll Over Beethoven”.

8.- Eddie Van Halen
Por Mike McCready de Pearl Jam

Tenía 11 años y estaba en casa de mi maestro de guitarra, cuando de pronto se escuchó “Eruption” en el estéreo, sonaba como si viniera de otro planeta, yo comenzaba a aprender los acordes básicos y cosas como AC/DC y Deep Purple, y no le encontraba el sentido a “Eruption”, pero me pareció gloriosa. Eddie es un maestro del riff: “Unchained”, “Take Your Whisky Home”, el comienzo de “Ain’t Talking ‘Bout Love”, los sonidos que saca no siempre suenan como de guitarra, muchas armonías y texturas brotan gracias a su estilo de plumilleo.

Escucha: “Eruption”, “Ain’t Talking ‘Bout Love” y “Hot for Teacher”.

9.- Duane Allman
Por Robert Randolph

Crecí tocando la guitarra en una iglesia y la idea consistía en imitar la voz humana. Tan sólo en esos términos, Duane Allman fue quien llevó todo al siguiente nivel, él solía ser mucho más preciso que todos sus predecesores. La primera vez que escuché todos los discos viejos de The Allman Brothers, me pareció muy extraño porque los sonidos eran realmente similares a la música con la que crecí.

Escucha “Layla”, sobre todo cuando pasa a la parte final, Duane se desliza con su slide a lo largo y ancho de la melodía; yo repetía esta canción una y otra vez mientras intentaba dormir.

Escucha: “Statesboro Blues”, “Whipping Post” y “Blue Sky”.

10.- Pete Townshend
Por Andy Summers

Pete Townshend no acostumbra tocar muchos solos, por lo cual mucha gente no sabe lo bueno que realmente es. Pero para el rock es uno de los más importantes. Su guitarra rítmica es agresiva y extremadamente emocionante, tiene una conexión fluida y maravillosa, no es algo que puedas ver todos los días y su forma de tocar es como un reflejo de su personalidad. Es intenso, es el primer punk, el primero que destruyó una guitarra sobre el escenario, una auténtica declaración que dejó a todos sin aliento; pero a la vez, estamos hablando de una persona culta y articulada, le encanta el jazz y alguna vez me dijo que eso era lo que en realidad se le antojaba tocar.

Escucha: “My Generation”, “I Can See For Miles” y “Summertime Blues”.

11. George Harrison
Por Tom Petty

George Harrison y yo estábamos en el auto, cuando de pronto empezó a sonar la canción “You Can’t Do That” de The Beatles, el principio era hermoso, un riff de una guitarra de 12 cuerdas, él me dijo: “Eso fue idea mía”, “¿En serio?”, exclamé yo, a lo que George contestó y explicó: “Estaba parado y de la nada pensé: ‘¡Tengo que hacer algo!’”; eso dice mucho de su forma de ser, siempre que se le metía algo en la cabeza no paraba hasta lograrlo y eso fue parte primordial de la magia de The Beatles, nunca paraban hasta lograr lo que se proponían. George se sabía de memoria los solos más raros de Elvis; el rockabilly fue su influencia más importante pero siempre le gustó añadir detalles.

Escucha: “I Saw Her Standing There” y “Something”.

12.- Stevie Ray Vaughan

A principios de los años ochenta, MTV comenzaba su ascenso y la guitarra de blues estaba a años luz del centro neurálgico de la música comercial, pero Stevie Ray Vaughan te obligaba a prestar atención. Había absorbido los estilos de los grandes del blues y su tono bestial, su virtuosismo casual y su impecable manera de mecerse podía convertir un blues arrastrado como “Pride and Joy” en un tema duro y casi metalero.

Escucha: “Love Struck Baby”, “Cold Shot” y “Look at Little Sister”.

13.- Albert King

Cuando Jon Landau, reportero de Rolling Stone, le preguntó a Albert King en 1968 quiénes eran sus influencias, King respondió: “Nadie. Todo lo que hago está mal”. Pionero del blues eléctrico, King (quien era zurdo) tocaba al revés una Gibson Flying V modelo 1959 para diestros, con las cuerdas graves en la parte inferior, su manera de afinar fue siempre secreta e indescifrable, tocando las notas con el pulgar. King podía tocar las notas mucho más fuertes y en una forma más poderosa que cualquier otro guitarrista y sus discos influyeron a toda una generación.

Escucha: “Born Under a Bad Sign” y “As the Years Go Passing By”.

14.- David Gilmour

Como productor y compositor, David Gilmour, de Pink Floyd, se siente atraído por texturas flotantes y oníricas, pero cuando se pone la Stratocaster con el fin de tocar un solo, una sensibilidad opuesta toma las riendas y lo posee. Él era un solista feroz, con una sólida base de blues, en un grupo que en realidad no tocaba nada de blues, sus solos elegantes, expansivos e implacablemente melódicos eran sorprendentes y vigorizantes.

Escucha: “Comfortably Numb” y “Shine on You Crazy Diamond”.

15.- Freddy King

Entrevistado en 1985, Eric Clapton dijo que el lado B del sencillo para “I Love the Woman”, lanzado por Freddy King en 1961, “representa la primera vez que yo escuché una guitarra eléctrica líder, con todo y las notas retorcidas… Fue una especie de iniciación”. Clapton compartió el amor que sentía por King con sus compañeros británicos, héroes de la guitarra como Peter Green, Jeff Beck y Mick Taylor.

Escucha: “Hide Away”, “Have You Ever Loved a Woman” y “The Stumble”.

16.- Derek Trucks

Literalmente creció en la familia de The Allman Brothers, Derek Trucks (sobrino del baterista de la banda, Butch Trucks) empezó a tocar la guitarra cuando tenía nueve años y empezó a salir de gira a los 12. Tenía 20 años cuando tomó la guitarra del difunto Duane Allman en 1999, sus solos explotaban y tomaban diferentes direcciones, incorporando el delta blues, hard-bop jazz y el éxtasis del gospel sureño así como influencias de la India con ritmos raga.

Escucha: “Joyful Noise” y “Whipping Post”.

Neil Young17.- Neil Young
Por Trey Anastasio

Si tuviera que dar una clase de guitarra a jóvenes, lo que haría en la primera clase sería poner el solo de un minuto de la canción de Neil Young, “Down by the River”; eso sólo una nota pero es tan melódica que simplemente ruge con gran actitud y enojo. Es como si intentara en una forma muy desesperada conectar, Neil toca como si una arteria de su corazón tocara directamente al público.

Escucha: “Down by the River” y “Mr. Soul”.

Les Paul18.- Les Paul

Les Paul quien es mejor conocido como el genio que inventó la guitarra con un cuerpo sólido y que lleva su nombre, era tan imaginativo como guitarrista, “él producía los mejores sonidos de guitarra en los años cincuenta y no hay nadie que se le acerque”, dijo Brian Wilson.

Escucha: “How High the Moon”, “Vaya con Dios” y “Tiger Rag”.

James Burton19.- James Burton

Su estilo es brillante, conciso y fresco, es uno de los sonidos únicos en la música country que tiene influencias en los guitarrazos rockeros. “Nunca compré un disco de Ricky Nelson”, dijo Keith Richards, “pero sí compré los de James Burton”.

Escucha: “Hello Mary Lou”, “Susie Q” y “Believe What You Say”.

Carlos Santana20.- Carlos Santana

Nuestro compatriota, Carlos Santana, terminó sus estudios de preparatoria en San Francisco en 1965, cuando la escena música era explotada, exponiéndolo a un mundo de revelaciones que se convertirían en la llave de los estándares de la psicodelia de los ritmos latinos –blues eléctrico, ritmos africanos y jazz moderno, con sus mentores como Jerry Garcia y Peter Green de Fleetwood Mac.

Escucha: “Black Magic Woman”, “Oye Como Va” y “Soul Sacrifice”.

Chet Atkins21.- Chet Atkins

Como productor ejecutivo en los años sesenta, Chet Atkins inventó el pop inteligente con un toque del sonido de Nashville que rescataron el country de su depresión comercial. Como guitarrista, era más creativo, dominando el country, jazz y los estilos clásicos, también perfeccionó la habilidad de tocar acordes y melodías al mismo tiempo gracias a su distintivo estilo de tocar con el dedo gordo y tres dedos.

Escucha: “Your Cheatin’ Heart” y “Wake Up Little Susie”.

Frank Zappa22.- Frank Zappa

“Cuando estaba aprendiendo a tocar la guitarra, estaba obsesionado con ese álbum”, Trey Anastasio de Phish dijo esto en 2005 sobre el disco de Zappa de 1981, una colección de solos abrasadores y complicados, Shut Up ‘n’ Play Yer Guitar.

Escucha: “Willie the Pimp” y “In-a-Gadda-Stravinsky”.

23.- Buddy GuyBuddy Guy

Buddy Guy se acostumbró a que le llamaran a su estilo “puro ruido”, desde su familia en la parte rural de Louisiana, hasta las cabecillas de Chess Records, Phil y Leonard Chess. No me dejaban explayarme como yo quería”, dijo el músico. Guy se convirtió en la principal influencia para los titanes desde Jimi Hendrix hasta Jimmy Page.

Escucha: “Stone Crazy” y “First Time I Met the Blues”.

Angus Young24.- Angus Young

“Yo no me veo como un solista” es lo que dijo el guitarrista principal de AC/DC sobre su estilo maniático. “Es como un color que añado a la emoción”. Jerry Cantrell de Alice in Chains lo llamó “El único Dios de la guitarra del blues y del rock”.

Escucha: “Highway to Hell” y “Bad Boy Boogie”.

Tony Iommi25.- Tony Iommi
Por Brent Hinds de Mastodon

Recuerdo la primera vez que escuché a Black Sabbath, el vecino le prestó a mi hermano mayor el disco Masters of Reality, no dejábamos de ponerlo. Lo escuchábamos con las luces apagadas, con velas prendidas y cuando mi padre entró al cuarto se asombró y gritó, “¿Qué es todo esto?”, lo rompió en nuestras caras; pero la música me había llegado como si fuera un rayo. En verdad entro como a la zona Iommi cada vez que me cuelgo una guitarra. Tony es un pionera metalero, a pesar de la finura que tiene al tocar, no es tan rápido; su fraseo tiene una vibra tan clásica y toda mi inspiración se la debo a la emoción que me dio Tony.

Escucha: “Iron Man”, “Sabbra Cadabra” y “Children of the Grave”.



Escucha ‘Heritage’, el nuevo disco de Opeth


Heritage es el titulo del nuevo disco de Opeth, el décimo en su carrera musical, el cual ya salió a la venta y puede escucharse por completo en línea


POR Staff Rolling Stone México  



Heritage es el titulo del nuevo disco de Opeth, el décimo en su carrera musical, el cual ya salió a la venta y puede escucharse por completo en línea

Escucha ‘Heritage’, el nuevo disco de Opeth

Heritage es el titulo del nuevo disco de Opeth, el décimo en su carrera musical, el cual salió a la venta el martes 13 de septiembre.

En este disco, la banda sueca deja de lado el death metal para dar paso a un rock más al estilo de los años setenta y vocales más nítidas, con claras influencias de Deep Purple y King Crimson.

Anteriormente estrenaron el tema de “The Devil’s Orchard”, con un sonido sacado del blues y jazz del sur de Estados Unidos.

istockphoto_5590629-hand-cursor El disco se puede escuchar por completo aquí.