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Robert De Niro: 12 personajes que lo convirtieron en una leyenda del cine


Presentamos una lista de las mejores actuaciones del actor para celebrar su cumpleaños número 74.


POR Priscila Núñez  



Foto: Petr Novák

Robert De Niro: 12 personajes que lo convirtieron en una leyenda del cine

Robert De Niro es considerado uno de los mejores actores de todos los tiempos. Desde su participación en The Godfather Part II su nombre se convirtió en sinónimo de prestigio en el mundo del cine.

El actor nació el 17 de agosto de 1943 en Nueva York, ciudad en la que se desarrollan muchas de las grandes historias que protagonizó, como si llevara en la sangre la mirada impasible necesaria para ser gángster.

En sus inicios en el séptimo arte, Robert colaboró en varias ocasiones con Brian de Palma, quien lo dirigió en 1968 en su debut, Greetings. Más tarde, la mancuerna que hizo con Martin Scorsese fue la que nos dejó algunas de las mejores entregas cinematográficas.

Con motivo de su cumpleaños número 74, realizamos un recuento de las mejores interpretaciones del actor:

Vito Corleone
The Godfather Part II
(1974)
Dir. Francis Ford Coppola

Vito es calmado y calculador. Su rostro es tan impasible que incluso cuando asesina parece que trae puesta una máscara que oculta al gángster. En esta segunda entrega del clásico de Ford Coppola, parece que interpreta a Marlon Brando interpretando a Don Corleone, lo que añade otra capa y mayor mérito a su actuación.

Travis Bickle
Taxi Driver
(1976)
Dir. Martin Scorsese

Probablemente este sea el personaje más emblemático en la trayectoria de De Niro. Todo el mundo ha escuchado la frase “¿Me estás hablando a mí?”, pero pocos saben que el actor la improvisó demostrando su gran capacidad para dar vida a un personaje más allá del papel y la simple representación. Hoy en día, Travis Bickle es sinónimo de un hombre perturbado que se convirtió en un héroe.

Michael
The Deer Hunter
(1978)
Dir. Michael Cimino

The Deer Hunter cuenta la historia de un grupo de amigos que van a luchar en la guerra de Vietnam. Mientras que en Taxi Driver interpreta a un hombre solitario con cierto grado de psicosis y en The Godfather Part II da vida a un hombre que va escalando en los peldaños del poder, en esta cinta se puede decir que interpreta a dos personajes diferentes: a Michael antes de la guerra y a Michael después de la guerra.

Jake La Motta
Raging Bull
(1980)
Dir. Martin Scorsese

De alguna manera, el trastornado boxeador que De Niro interpreta en esta película es un resumen de todo lo que el actor ha personificado en la pantalla grande: es una alma solitaria llena de contradicciones que no puede comprender a las mujeres. La Motta podrá ser un personaje monstruoso, pero no es un monstruo en sí.

Rupert Pupkin
The King of Comedy
(1982)
Dir. Martin Scorsese

Rupert Pupkin es uno de los personajes más “extraños” que De Niro ha interpretado gracias a su inaudita normalidad y su banal aspiración a ser famoso, aspiración que lo lleva a secuestrar a su celebridad favorita. Lo complejo de este personaje es precisamente el hecho de que aunque es fácil de odiar, también le agrada al espectador, algo que pocos han podido conseguir.

David ‘Noodles’ Aaronson
Once Upon a Time in America
(1984)
Dir. Sergio Leone

Noodles es un personaje complejo y lleno de contradicciones. Conforme llegas a conocerlo en la película, también te das cuenta de todas las dificultades que ha tenido que enfrentar a lo largo de su vida, y aún así, De Niro consigue que el personaje sea simpático. El actor se encuentra en su zona más vulnerable en esta película y gracias a la guía que significó el director Sergio Leone, podemos asegurar que se trata de una obra maestra del séptimo arte.

Rodrigo Mendoza
The Mission
(1986)
Dir. Roland Joffé

Lejos de todas las películas de Nueva York se encuentra la cinta de Roland Joffé, The Mission, ubicada en la selva latinoamericana en 1700. De Niro interpreta a un esclavista en busca de redención que decide seguir a un misionero para lograr un bien mayor.

James Conway
Goodfellas
(1990)
Dir. Martin Scorsese

Considerada por muchos la mejor película de Martin Scorsese. En Goodfellas, De Niro trabaja junto a grandes actores como Paul Sorvino y Joe Pesci para encarnar al gángster más flemático de los tres. Es en Goodfellas más que en cualquier otra cinta en donde nos queda claro lo aterradora que puede ser una simple mirada de De Niro.

Max Cady
Cape Fear
(1991)
Dir. Martin Scorsese

Este filme es uno de los mejores ejemplos de como se debe hacer un remake. De Niro se las arregla para entregar a un Max Cady más aterrador que Robert Mitchum en la cinta original de 1962, puesto que da vida a un asesino que podría pasar desapercibido aunque el odio siempre estuviera presente en su mirada.

Sam ‘Ace’ Rothstein
Casino
(1995)
Dir. Martin Scorsese

Casino contiene una de las actuaciones más sutiles y humanas de Robert De Niro. En esta cinta se abstiene de todas las necesidades sociópatas que estuvieron presentes en papeles anteriores y entrega un personaje mucho más calculador, un personaje que sabe cómo tratar con políticos, hombre de negocios y con la ley.

Louis Gara
Jackie Brown
(1997)
Dir. Quentin Tarantino

Está película es uno de los trabajos más finos, bien logrados y más infravaloradas tanto del actor como de Tarantino. Aunque la película es protagonizada por Pam Grier y Robert Forster (quien entrega una de las mejores actuaciones de reparto de 1997), es De Niro quien interpreta al criminal perfecto.

Pat Solatano Sr.
Silver Linings Playbook
(2012)
Dir. David O. Russell

La gran mayoría de los personajes a los que dio vida De Niro son personas problemáticas, con pasados obscuros que los han dejado marcados. Pat Solatano parece ser una guiño tardío a los años dorados del actor. Después de una década de malas comedias (a las que tristemente ha decidido regresar), Robert despierta en Silver Linings Playbook todas las habilidades que lo convirtieron en un gran actor en primer lugar.


144 años de los jeans Levi’s® 501®


Este 20 de mayo se celebra a un clásico que ha impactado en la cultura mundial.


POR Staff Rolling Stone México  



144 años de los jeans Levi’s® 501®

Todo comenzó en 1873 cuando Levi Strauss y Jacob Davis se asociaron para fabricar los primeros bolsillos con remaches en pantalones. Posteriormente se les concedió la patente original y así fue como nació un ícono americano: el blue jean.

Durante el siglo pasado se convirtió en un símbolo de irreverencia y solidaridad. Fue usado por todo el mundo: desde James Dean y Marlon Brando hasta Jack Kerouac y Jackson Pollock, convirtiendo al jean 501® en emblema de juventud y símbolo de rebelión.

El famoso diseño ha ido mejorando con los años, pero jamás ha perdido su esencia, siempre impactando a la cultura mundial y personificando el estilo fresco y sin esfuerzo.

El próximo 20 de Mayo se cumplen 144 años de la patente de los jeans 501® y por tal motivo se llevará a cabo una celebración con los amigos de Levi’s® en un evento lleno de talento, música en vivo, estilo y mucha diversión.

Esta gran fiesta servirá como una mirada histórica al impacto que los jeans 501® han tenido en la cultura durante los últimos 140 años.

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5 cosas que aprendimos de la reunión del elenco de ‘El Padrino’


Francis Ford Coppola, Al Pacino, Robert De Niro, Diane Keaton y otros actores se reunieron durante el Festival de Cine de Tribeca.


POR Staff Rolling Stone México  



5 cosas que aprendimos de la reunión del elenco de ‘El Padrino’

Por David Fear

El director Francis Ford Coppola y el elenco de El Padrino se reunieron durante el Festival de Cine de Tribeca para celebrar el 45 aniversario de la cinta.

La dieciseisava edición de Tribeca terminó el sábado con una doble presentación especial de El Padrino parte uno y dos. Después de la proyección, Coppola fue acompañado por los actores Al Pacino, Robert De Niro, Robert Duvall, James Caan, Diane Keaton y Talia Shire en un escenario decorado como la biblioteca de Vito Corleone, personaje del fallecido Marlon Brando.

Al terminar la proyección de las primeras dos cintas de la saga, tuvo lugar un panel con los actores en el que recordaron anécdotas de la filmación y respondieron algunas preguntas. Estas son cinco cosas que aprendimos de esa reunión:

1. Coppola había hablado con Brando antes de El Padrino para que interpretara The Conversation.
El director recordó que se encontraba leyendo el New York Times un domingo por la mañana mientras vivía en San Francisco cuando vio la portada del libro de Mario Puzo con las icónicas cuerdas de marioneta. Entonces ocurrieron dos coincidencias: los productores Al Ruddy y Gray Frederickson, quienes terminarían produciendo la adaptación, pasaron a la casa de Coppola para saludar.

La segunda coincidencia fue que mientras los productores y el realizador se encontraban juntos, el teléfono sonó y era Marlon Brando para rechazar protagonizar The Conversation, una historia en el que Coppola había estado trabajando.

2. Pacino y Diane Keaton se emborracharon juntos después de filmar su boda.
No es un secreto que el productor Robert Evans tenía sus dudas respecto a tener a Al Pacino en el papel de Michael Corleone, e incluso, después de obtener el papel, siguieron poniéndolo a prueba. Fue hasta que filmó la escena en la que le dispara a Sollozzo en el restaurante que se dieron cuenta de que era el actor indicado.

Sin embargo, eso no impidió que Pacino decidiera aliviar un día la presión en compañía de Diane Keaton en su habitación de hotel. “Terminamos muy abrumados después de la escena de nuestra boda”, dijo el actor, “Éramos actores de teatro y no estábamos acostumbrados a la producción cinematográfica. Todo el asunto tenía un aire que se sentía surreal, así que regresamos y comenzamos a beber”.

3. El actor que interpreta al sicario Luca Brasi podría haber hecho, por así decirlo, su investigación en la vida real.
Ha habido rumores que dicen que Lenny Montana, el luchador originario de Brooklyn que actúo como el guardaespaldas de Corleone, podría haber estado involucrado en alguna situación similar a la que interpretaba en El Padrino.

Coppola recordó haber preguntado a Montana si era capaz de interpretar de forma convincente la escena en la que Brasi se sienta en la cama y carga su arma. La respuesta del actor y la forma en que el director contó la anécdota en Tribeca nos hace pensar que los rumores podrían ser verdad.

4. A Talia Shire fue a quien se le ocurrió la idea de que el personaje de Kay había tenido un aborto.
Cuando a los panelistas se les preguntó si habían vuelto a ver las cintas después de tantos años, Keaton respondió que lo había hecho recientemente en su laptop y que había quedado maravillada con la interpretación de Talia Shire como Connie Corleone. Después, Coppola admitió que fue Shire quien tuvo la idea de que Kay abortara en la segunda parte de la saga para dejar en claro que ella ya no sería parte “de ese asunto siciliano”.

5. Marlon Brando tenía testículos más impresionantes que los de Robert Duvall.
Robert Duvall fue el ganador en la competencia de anécdotas. Al parecer, durante la filmación, el elenco se hacía bromas entre ellos y fue durante la escena de la boda en donde Brando y Duvall decidieron desnudarse aún a pesar de que Coppola les recordara que había mujeres y niños presentes. Después de la hazaña, una mujer se acercó para decirle “Señor Duvall, no está nada mal pero, por Dios, ¡¿vio a Brando?!”

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Un forajido contempla los 50


Johnny Depp: Soltero, sobrio y preguntándose todavía de qué demonios se trata todo esto


POR Staff Rolling Stone México  



Johnny Depp: Soltero, sobrio y preguntándose todavía de qué demonios se trata todo esto

Un forajido contempla los 50

Por Brian Hiatt

En ocasiones, en lo más profundo de la noche durante alguna filmación, luego de colocar su guitarra de vuelta en el estuche o cerrar uno de los cuatro o cinco libros que siempre carga consigo, a Johnny Depp le da por cuestionarse muchas cosas. Adora su trabajo, ha tenido peores, y el dinero que gana suele ser cada vez más decente; la clase de dinero con la que puedes comprar una isla, construir un estudio de grabación en tu propia casa o ahorrarles las preocupaciones existenciales a tus hijos y nietos. Pero, ¿hay algo más que a uno se le antoje hacer?

Hoy, de vuelta en su oficina, ubicada en Los Ángeles, tomándose un descanso de su participación en el rodaje de Transcendance –una cinta de ciencia ficción que se está filmando en Albuquerque–, luciendo fresco luego de haber celebrado el cumpleaños 14 de su hija la noche anterior, con su más reciente actuación, mitad artística, mitad locura (interpretando a Tonto maquillado para la guerra, en El llanero solitario), Depp pondera el asunto y concluye con un “quizá”.

“Le estoy dando una patada en el culo a mis 50 años”, dice unos días después de abandonar sus cuarentas para siempre y dando una calada a esos cigarrillos gordos y cafés que él mismo forja con destreza. “No estoy seguro de querer pasar otros 10 años haciendo lo mismo”.

Las fantasías en torno a su posible retiro le rondan la cabeza “todos los días”, comenta. Pero nada es inminente. “Creo que mientras conserve la oportunidad, el deseo y la chispa creativa que me permiten hacer esto, mi deber es continuar”, nos dice Depp, en su barítono tabaquero y un tanto hipnótico tono. “Y más tarde, llegando a un cierto punto, reducir todo a lo mínimo a fin de concentrarme, supongo, en la vida. En vivir una vida auténtica. Ir a algún sitio en el que no tenga que sentir esta presión, al que no tenga que acceder por la cocina o por el laberinto subterráneo de un hotel. En cierto momento, cuando envejeces o cuando algunas de tus neuronas reviven, caes en la cuenta de que, de alguna manera, siempre has vivido como un fugitivo”.

Claro que el paso del tiempo también abre puertas, detrás de las cuales uno puede hallar ciertos papeles interesantes; basta con fijarnos en gente como su amigo de farra, Marlon Brando. Y Depp no sabe cómo descansar. “No sé si pueda relajarme”, dice. “Para mí eso es imposible. Mi cerebro, cuando está flojeando, es una cosa mala. Me pongo raro. Bueno, no exactamente raro, pero sí ansioso”.

Cuando Depp deja correr los contenidos mentales, esto es lo que ocurre: “Algo en mí se preocupa excesivamente por el mundo, tal y como ocurre con el resto de los humanos. Si eres sensible a este tipo de asuntos y no dejas de enterarte y enterarte, poco a poco podrías volverte loco. Comienzas a fijar tu atención en ciertas cosas, por ejemplo, el hecho de que la gente pelea porque alguien dice que su Dios es mejor que los dioses de el tipo de al lado. Y por esto mueren trillones de personas. Salvajemente. Horriblemente. Gente inocente. Y vamos, no hay manera. No puedes captar esto como si fueses una máquina que pudiera más tarde arrojar toda esta información en forma de datos coherentes. No es posible. Así que tienes que proteger algo. Protegerte de algún modo, como si…”.

Hace una pausa, mira a través de sus lentes de aviador con cristales color azul y ríe, aceptando que se acaba de meter en un callejón mental sin salida. “¿De qué estamos hablando, Alfie?”, dice. “O, mejor dicho, ¡Alf! Alf es preferible, para serte honesto. ¿De qué va todo esto, Alf?”.

Me atrevo a comentarle que Alf podría ser un buen papel para él. “Debería interpretar a Alf”, dice, feliz. “Sí. Claro, una película a la que deberíamos llamar Alf: Las escenas inéditas”.

Johnny Depp es amable, no cabe duda. No es difícil descubrir la razón por la cual sus héroes –Brando, Keith Richards, Hunter S. Thompson, Bob Dylan– suelen convertirse en sus amigos. “Johnny puede ser tan interesante como Dylan o Brando… Tan interesante como yo”, dice Richards, quien le ha concedido al actor horas y horas de entrevistas para un documental acerca de la vida y la música del guitarrista de The Rolling Stones y que, asimismo, interpretó al padre de Depp en las secuelas de Los piratas del caribe. “Se interesa por una gran cantidad de cosas y su sentido del humor es maravilloso. Esa clase de personas son como un imán. En general él es como yo: Un chico tímido del que puedes esperar grandes cosas. Además, ambos sabemos que tenemos algo que hacer… Aunque no sepamos qué diablos es ese ‘algo’”.

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La Otra Cartelera: febrero variado


Las recomendaciones cinematográficas de la semana


POR Staff Rolling Stone México  



Las recomendaciones cinematográficas de la semana

La Otra Cartelera: febrero variado

Por @Arturo Aguilar

A pesar de tener menos días, febrero nos ha preparado un banquete diverso de estrenos y propuestas en la cartelera nacional. Festivales, estrenos Oscareables, documentales y re-estrenos de clásicos se pelean nuestra atención en las siguientes semanas, así que aquí te presentamos lo destacado del mes para que puedas organizarte con tiempo y no perderte lo que más te pueda interesar.

En mi anterior colaboración aquí en el blog, les compartimos la lista/calendario de estrenos Oscareables para este mes. Las cintas que más atención acaparan y que la mayoría de cinéfilos busca ver antes de la entrega del Oscar. Pero febrero tiene mucho más cine que el de los Oscares y aquí algunas opciones que bien podrían buscar quienes quieran ir más allá de las nominadas a la estatuilla de la Academia.

Ambulante (a partir del 8 de febrero).- Una amplia y diversa oferta de documentales llegan a las pantallas mexicanas. Destacan sus secciones Sonidero (sobre documentales musicales); Reflector (lo más destacado del género según público y crítica en otras partes del mundo) y Pulsos (el documental mexicano reciente), de las que hablamos tanto aquí en el blog como en el videochat del pasado jueves 7 de febrero.

El Padrino (re-estreno: 8 de febrero).- La obra maestra de Francis Ford Coppola regresa a la pantalla grande. Una oportunidad imperdible de ver uno de los grandes clásicos del cine como debe de verse, en el cine.

La película basada en la obra de Mario Puzo junto con las actuaciones de Marlon Brando, Al Pacino, Robert Duvall, James Caan y Diane Keaton es un paseo por lo más destacado del cine. En su realización y manufactura, en su tratamiento de la historia, su evolución, el retrato interno de una familia de la mafia y su vida, personal y ‘profesional’. La verdad es que encuentro pocas razones para no ir a verla al cine.

Cuates de Australia (estreno: 8 de febrero).- Everardo González es sin lugar a dudas uno de los cineastas mexicanos más destacados de la actualidad, un documentalista de extraordinaria propuesta. Este es el retrato de los habitantes del ejido Cuates de Australia (en Coahuila) y su éxodo anual en búsqueda de agua durante la época de sequía. Bien llevado y planteado, profundiza en la forma de vida sencilla de esta realidad y de estas personas. Tan cercana a nosotros y a la vez tan desconocida.

La maleta mexicana (ya en cartelera).- Documental sobre el material fotográfico de la guerra civil española que los fotógrafos Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour (conocido como “Chim”) realizaron y que durante más de 70 años estuvieron desaparecidos. Más allá del descubrimiento de este histórico material, la película explora la necesidad de la memoria histórica y de hablar y conocer el pasado a partir de una joven generación española que se hace preguntas del pasado. Un tema hasta hace muy poco, prohibido y del que nadie hablaba al respecto.

FICUNAM (21 de febrero al 3 de marzo).- Para cerrar el mes (ya escribiremos algo a detalle en esas fechas), arranca no de los festivales más interesantes de nuestro país por lo que su propuesta programática ofrece. Se trata del cine que empuja los límites de su propia definición, de los artistas y obras que buscan construir mensajes mucho más complejos y atrevidos que los de las historias o narrativas tradicionales. Para los más cinéfilos, el lugar perfecto para descubrir la vanguardia cinematográfica de todo el mundo. Destaca la restrospectiva y visita del director Jonas Mekas, figura fundamental del cine avant-garde.

Ah sí, y también durante el mes estrenarán las reflexiones apocalípticas de David Cronenberg en Cosmópolis (con Robert Pattinson), un ejercicio de estilo con interesantes momentos, participaciones e ideas, aunque lejano de lo más destacado de Cronenberg y que no logra aterrizar la intención de su retrato social y la introspección de su protagonista; y Fuerza Antigángster, cinta de acción con un elenco de lujo que promete hacer las delicias de los amantes de las cintas de época con estilo moderno, galanes, bellezas y muchos balazos y secuencias de acción en el estilo de lo mejor que Hollywood puede ofrecer.


La Otra Cartelera


Recomendaciones cinematográficas para disfrutar en la comodidad de tu casa, por Arturo Aguilar.


POR Staff Rolling Stone México  



Recomendaciones cinematográficas para disfrutar en la comodidad de tu casa, por Arturo Aguilar.

La Otra Cartelera

Por @Arturo Aguilar

El verano cinematográfico se encuentra en pleno apogeo, y para los cinéfilos a quienes les gusta buscar estrenos con algo más que una mera intención de entretenimiento, estas semanas resultan algo complicado con la llegada de blockbusters que saturan (y acaparan) las salas de cine.

Pero no debemos olvidar que el buen cine puede llegar a nuestras casas en lugar de que nosotros lo vayamos a buscar a una sala de cine. Y en esta categoría caen los tres títulos de reciente lanzamiento que les recomendamos esta semana, para quienes quieren evitar los gentíos y filas en las salas de cine en esta época de verano y disfrutar en la comodidad del hogar cine de muy buen nivel (y que sí, también entretiene).

– Un tranvía llamado deseo. (A Street Car Named Desire. Edición 60 Aniversario)

Mucho se ha escrito ya de este clásico del cine. De la poderosa actuación de Marlon Brando como un rudo y a la vez emocionalmente frágil Stanley Kowalski. de la extraordinaria adaptación fílmica que logra Elia Kazan de la obra de Tennessee Williams, de los premios Oscar obtenidos en las categorías de Mejor Actriz y Mejor Actriz y Actor de Reparto (y de la incomprensible decisión de no otorgar a Brando el Oscar a Mejor Actor a pesar de estar nominado y ser considerado por todos como el favorito), de la censura a la que fue sometida originalmente, y de la relevancia artística-social de un filme que sin inhibiciones (en un contexto de enorme censura a temas como la sexualidad) exhibe los más profundos sentimientos de sus atribulados protagonistas, seres complejos y cargados de una pasión y una sexualidad que corresponde a las de la gente real y no a la de personajes acartonados. Algo que nunca se había plasmado en pantalla de forma tan vehemente.

La revisita a esta versión original restaurada es un viaje a la era en la que el cine enfrentaba importantes tiempos de cambio. De frente al fin de la era de los grandes estudios, la apertura a temáticas polémicas y la llegada de movimientos y escuelas cinematográficas que seguirían empujando los límites del cine como arte y como industria.

Mención especial merece la atractiva presentación Blu-ray Book, además del material adicional que incluye escenas nunca antes visto donde se profundiza en la tensión sexual entre los personajes de Stanley y Blanche, así como sobre la desbordada pasión de Stella Kowalski por su esposo Stanley.

Los Imperdonables (Unforgiven)

También este año, uno de las últimas grandes películas del género Western cumple 20 años: Los Imperdonables (Unforgiven) de Clint Eastwood.
Eastwood logra con esta película un poético y maravilloso cierre a las historias de este género, herencia del cine norteamericano.

William Munny es un pistolero retirado, viudo y padre de familia. Viven en una situación claramente precaria. Hace años abandonó la violencia, pero ahora su única salida para sacar adelante a su familia es hacer un último trabajo como caza recompensas, acompañado por un viejo socio y un joven e inexperto novato. Su misión: matar a dos hombres que le cortaron la cara a una prostituta.

Asomándose al ocaso de estas vidas y a los fantasmas del pasado que tratan de exorcizar, Eastwood, como es costumbre en su filmografía, nos envuelve todo en un intenso paseo emotivo y reflexivo sobre la redención.

Las actuaciones de Eastwood, Morgan Freeman y Gene Hackman complementan perfectamente el atractivo trabajo visual y el cadencioso y preciso trabajo de edición de este filme.

Si volver a ver esta joya en formato Blu-ray no fuera suficiente (incluso considerando la bonita presentación BD Book), esta edición incluye una importante cantidad de material adicional, incluido un documental sobre Eastwood que bien valdría la pena tener por sí mismo.

– Atracción Peligrosa (The Town. Ultimate Collector’s Edition)

Después de un prometedor debut como director en Gone Baby Gone, Ben Affleck confirmó en Atracción Peligrosa que sin duda se trata de un realizador al que hay que seguirle la pista, capaz de montar tan eficientemente una secuencia de acción, pausadas y tensas escenas como intensos momentos de intimidad emocional.

Doug MacRay es el líder de una banda de ladrones cuya dinámica se verá trastocada cuando contra lo acostumbrado, deciden tomar a una rehén tras ciertas complicaciones en su último ‘trabajito’. De esta premisa se extiende una historia muy bien equilibrada sobre códigos y fidelidades, realidades, redenciones, segundas oportunidades e ilusiones románticas.

El lanzamiento de este completísimo Box Set permite no sólo asomarse a una versión extendida del filme (donde Affleck se permite ahondar en ciertos momentos o historias y que debió sacrificar para el lanzamiento comercial) y descubrir un final alternativo no conocido, sino también a una interesante cantidad de material físico que permite involucrarse con estas historias de los robos y atracos de esta banda de criminales, de las investigaciones realizadas por la policía y de los demás personajes involucrados, a través de fichas policíacas, fotografías y hasta un mapa de Boston que muestra dónde suceden los acontecimientos del filme.

Un verdadero paquete de colección que no desmerece en lo mínimo a una muy recomendable película con un sólido elenco conformado por el propio Affleck, Rebecca Hall, Jon Hamm, Jeremy Renner y Blake Lively.

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P&R: Black Rebel Motorcycle Club


Como si formaran parte de la película, los integrantes de la banda de San Francisco caminan por la vida con chaquetas de cuero, con peinados de la década de los cincuenta y una actitud a la James Dean en Rebel without a cause.


POR Staff Rolling Stone México  



Como si formaran parte de la película, los integrantes de la banda de San Francisco caminan por la vida con chaquetas de cuero, con peinados de la década de los cincuenta y una actitud a la James Dean en Rebel without a cause.

P&R: Black Rebel Motorcycle Club

Por Jorge Ramis
Fotos interior: Oscar Villanueva

En el filme de 1953, The Wild One, Marlon Brando interpreta de manera legendaria a Johny Strabler, el líder de una pandilla de motociclistas llamada “The Black Rebels Motorcycle Club”.

Como si formaran parte de la película, los integrantes de la banda de San Francisco caminan por la vida con chaquetas de cuero, con peinados de la década de los cincuenta y una actitud a la James Dean en Rebel without a cause.

Tras su reciente visita a México, los integrantes de Black Rebel Motorcycle Club platicaron con Rolling Stone y aprovecharon para presentar a su nueva baterista, Leah.

¿Cómo fue crecer, musicalmente, en una ciudad como San Francisco?
Peter:
Tú sabes, siempre es mejor otro lugar. Tuvimos nuestra historia ahí y estuvo bien. A mucha gente no le gustaba Black Rebel Motorcycle Club, no iban a nuestros conciertos porque éramos una banda local y tocábamos en cada bar en el que pudiéramos. Lo más difícil fue que no sentíamos la aceptación de nuestros amigos de otras bandas. Todo era una competencia. Nosotros no queríamos eso, deseábamos una comunidad o una unión especial. Fue difícil y lo sigue siendo. Como dije antes, siempre es mejor otro lugar.

Black Rebel Motorcycle Club
¿Cómo fue el proceso de trabajo en su último disco, con la inclusión de Leah?
Robert:
Era muy inspirador ese sentido de unión que tienes como banda. Contratar un baterista que tocara las canciones viejas, decirle qué hacer y demás. Teníamos una casa en Filadelfia y vivimos ahí como seis meses. Nos hartamos de nosotros mismos. Tuvimos buenos momentos y se sintió muy bien. Nunca supimos cómo sonaba el disco así que en ocasiones nos asustábamos mucho. No tuvimos mucho control sobre éste, así que si queríamos unirnos como banda teníamos que soltarnos totalmente. Leah es la responsable de todo esto, pues su sensibilidad y su capacidad para interactuar en ese tipo de ambiente nos ayudó demasiado.

Leah: (Robert) ¿En verdad crees que fue más difícil para mí?
Robert: Imagino lo que viviste, seguro fue muy difícil eso de integrarte.
Leah: Creo que llegué al punto en el que tuve que llevarme con ellos dos de la mejor manera posible. Saber qué era lo que el par quería de mí fue todo un reto.

¿Qué bandas están escuchando en estos momentos?
Leah: Tom Waits.
Peter: El último disco que escuché fue de una banda llamada Timber Timbre, son de Montreal y me sorprende lo buenos que son.
Robert: Sin Alley.

rolling Stone Reseña del concierto de Black Rebel Motorcycle Club en el Ibero Fest 2011