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‘Scream’, el nuevo disco de Michael Jackson, se estrenará a finales de este mes


Según reportes, este material póstumo se publicará el próximo 29 de septiembre.


POR Julio Cruz Montoya  



Foto: Facebook Michael Jackson

‘Scream’, el nuevo disco de Michael Jackson, se estrenará a finales de este mes

Un nuevo álbum póstumo de Michael Jackson que llevará por nombre Scream se estrenará a finales de este mes. Según reportes, este material se publicará el 29 de septiembre y hasta el momento se desconocen los formatos en los que se podrá adquirir.

En Europa han surgido imágenes con el título: Michael Jackson Scream: Album. Por otro lado, John Branca, colaborador de Jackson, mencionó que este disco no incluirá nuevas canciones.

“No nos veo compartiendo nueva música en un rato”, declaró Branca. “Eso no significa que no habrán nuevos lanzamientos en un futuro próximo”.

Recientemente se dio a conocer que el icónico video de “Thriller” se estrenará en el Festival de Cine de Venecia en formato 3D.

El director original, John Landis, se encargó de supervisar junto con la empresa Optimum Productions la elaboración de esta nueva versión del clásico de 1983 para ofrecer una experiencia visual con la más alta calidad visual y de audio.


30 años de ‘Bad’


Michael Jackson estrenó el 31 de agosto de 1987, su reconocido séptimo álbum de estudio.


POR Julio Cruz Montoya  



30 años de ‘Bad’

Cuando Michael Jackson lanzó Bad en 1987 logró algo asombroso: los sencillos “I Can’t Stop Loving You”, “Bad“, “The Way You Make Me Feel”, “Man in the Mirror” y “Dirty Diana” se colocaron como los Número Uno dentro del Top 100 de ese año.

Previo a este estreno, Jackson tenía mucha presión. Buscaba crear un álbum que tuviera un impacto similar al de Thriller (el disco más vendido de la historia). “El rey del pop” sabía lo que estaba en juego, incluso en el documental Bad (2012) algunos de sus colaboradores recordaron que Michael Jackson escribió “100 millones” en un espejo para recordarle su meta. “Había mucha presión para Michael”, declaró su productor Bill Bottrell en una entrevista.

El proceso creativo de este material fue largo y exhaustivo. Bottrell recuerda los interminables días en la casa de Jackson junto al tecladista John Barnes mientras creaban demos: “Él era un gran motivador, él me motivaba. Quería superar las ventas de Thriller”.

“El rey del pop” mantuvo en su órbita a los colaboradores que había participado en su álbum anterior. Nombres como el tecladista Greg Phillinganes, el ingeniero Bruce Swedien, Michael Boddicker (sintetizador), Jerry Hey (trompetista) y el percusionista Paulinho Da Cost formaron parte de la estelar alineación de Bad que fue producido por el legendario Quincy Jones. Además, a finales de los años ochenta, Jackson contó con diversos avances tecnológicos que facilitaron e hicieron que ese material sonara como ningún otro.

Durante este camino, Michael creó la mayoría de las canciones. Sus entregas anteriores contaron con grandes colaboraciones como Rod Temperton. Pero en Bad, él escribió ocho de las 10 canciones de este clásico, incluyendo cuatro de los cinco Número Uno. Esta posición, como la mente maestra de la lírica, fue un nuevo rol que adoptó. Según Bill Bottrell todo nació de la visión de Jackson.

Michael y Jones tenían algunas ideas del sonido que querían para este disco. Después de analizar su álbum anterior, ambos se percataron de que debían incluir más bajo y reducir el sintetizador en este material. “Lo puedes reproducir en un bar, en un club y en un yate. Funciona en todos lados”, agregó Bottrell.

La mayoría de las canciones de Bad fueron creadas en la casa de “El rey del pop”. Sus colaboradores han mencionado que se sentían un ambiente parecido al de un laboratorio y que Michael podía trabajar en lo que quisiera como quisiera.

Aquí puedes escuchar Bad y recordarlo a 30 años de su lanzamiento:


La nostálgica vibra de Wet Baes


Platicamos con el músico mexicano acerca de su personalidad, lo que le da sentido a su vida y sobre su más reciente material, ‘Changes’.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Daniel Patlán

La nostálgica vibra de Wet Baes

Hace un par de años, algunos músicos mexicanos se alimentaron fuertemente de la música proveniente de SoundCloud. Era un periodo en el que el vaporwave (género que satiriza la cultura popular occidental y oriental con música de los ochenta) comenzaba a ganar terreno en los oídos de los cazasonidos más hambrientos. En ese momento, nació un proyecto llamado Wet Baes, el álter ego del joven Andrés Jaime, quien inspirado en esa corriente artística, el funk, los sintetizadores y la música de antaño, le dio vida a un proyecto diferente en la escena nacional.

Foto: Daniel Patlán

Con tan sólo 20 años, el músico mexicano estrenó su álbum debut después de darse a conocer con canciones que recuerdan la época del synthpop. Con melodías de ensueño, sensaciones pop y sonidos inspirados en artistas como Justice, Phoenix, Blood Orange, Michael Jackson, George Michael y Sade, Wet Baes presentó Changes. Su concepto y su sonido proviene de las plataformas digitales de música; un universo alterno que pocos (en el mundo popular) se atreven a recorrer, sin embargo, Andrés ha entrado a ese lugar y ha salido con una colección de canciones que unen lo mejor de varias generaciones. Wet Baes transmutó del vaporwave y sus derivados a un sonido estético y digerible.

En una charla amena, Andrés cuenta cómo nació el nombre que le ha dado reconocimiento a lo largo del país: “Las primeras canciones que hice para el proyecto son una especie de intento por tomar la textura sonora de los ochenta. En esa época mi trip era totalmente ochentero. Cuando Wet Baes nació, los géneros de internet eran una realidad y tomaron los sonidos de los ochenta. Estaba el vaporwave, el future funk, artistas como St. Pepsi… entre otros. Tomar sampleos y todo este asunto ya estaba muriendo y a pesar de eso, yo quise entrarle”.

Wet Baes se ha presentado en los festivales más destacados de México. Desde el Carnaval de Bahidorá hasta el festival Anagrama, el músico ha conquistado el corazón de los más nostálgicos con canciones como “Midnight Caller” o “Dancing in the Dark”. “La mayoría de la gente que te va a ver no te conoce. Es chistoso porque me he dado cuenta que es mezclado. Hay gente que te sigue y va a los festivales para ver el show y hay otros que no te conocen pero comienzan a seguirte. No esperaba este tipo de reacciones. En todas las fechas siempre han habido fans y la conexión que he tenido con la gente ha sido muy chida”, comenta Wet Baes sobre sus seguidores.

Sobre Changes, su álbum debut, Andrés platica que el proceso creativo ha sido algo genuino y pensado con una estructura sólida: “Changes es un disco con el propósito de contar en ocho canciones una etapa de cambios y le puede quedar a cualquiera. Hay muchas cosas personales pero uno puede sentirse identificado y decir ‘eso también me pasó a mí’. Instrumentalmente hablando hay una conexión entre canción y canción. Todo el disco está compuesto bajo un mismo círculo de melodías por la misma razón. Que escuches cada una de las canciones y que en esos 30 minutos encuentres un mensaje y no solamente te eches ocho rolas porque sí. Últimamente, los álbumes se hacen así, meten muchas canciones y al final terminas escuchando tres… Por eso quise hacer sólo un trip”.

Roger Waters dice que si quieres hacer un álbum, este tiene que acariciarte de la misma forma, si tú cambias de forma radical, no servirá mucho. Tener un sólo viaje con la misma casa de melodías —como yo le llamo— te mantiene familiar, recuerdas el disco como una sola cosa, no como un paquete de mercancía musical”.

Wet Baes compone con Appleton Live pero también lo hace con sintetizadores análogos, bajo eléctrico y batería acústica, receta que le da un sazón especial a sus canciones. “Este disco tuvo mucha retroalimentación de amigos músicos, pero me cuesta trabajo hacer equipo con las personas porque todavía no puedo conectar con otros y que entiendan lo que traigo en la cabeza. Esta fue una de las razones por las que mi banda se separó. Me clavé para aprender producir además de tocar mis instrumentos. Aprendí a conocerme como músico y aprendí que mi forma de trabajar es esa”.

En la escena independiente mexicana, los músicos tardan un tiempo considerable para lanzar una producción, más aún, si estos no colaboran con una productora o un estudio de grabación: “Son meses de preproducción y producción, es un periodo largo. Para mí que soy productor de alcoba, no quise entrarle a la grabación de estudio. Con lo que iba ganando con los shows compré instrumentos y todo lo que necesitaba. En eso estuvo enfocado Changes, en que yo tuve el control por completo”, menciona el músico mexicano sobre su forma de componer y su método autodidacta.

Foto: Daniel Patlán

“Grabo una base rítmica, la dejo reposar y poco a poco la termino. Para mí, componer canciones es como cocinar un pastel. Cualquiera puede hacer un track pero no cualquiera le puede entregar un pedazo de vida. Creo que en eso consiste ser tu propio productor y en general eso sucede en la música. Mi manera de hacerla es saber bien qué es lo que quiero y darle parte de mí. Changes es resultado de darle tiempo a ese platillo musical.

Para finalizar la conversación, Andrés confiesa qué le preguntaría a sus más grandes ídolos: “Me hubiera gustado haberle producido a Michael Jackson, John Lennon y Justice. Le preguntaría a MJ qué cree sobre el sentido de mi canto y a Lennon le preguntaría sobre cosas un poco más místicas. Siento que ellos dos serían buenos críticos. Me gustaría preguntarles ‘¿Qué hay en ese mundo que te llevó a la grandeza? ¿Cómo le haces?’”.


El video de “Thriller” de Michael Jackson se estrenará en 3D


John Landis, director original del videoclip, se encargó de supervisar el lanzamiento de esta nueva versión.


POR Priscila Núñez  



Foto: Optimum Productions

El video de “Thriller” de Michael Jackson se estrenará en 3D

El icónico video de “Thriller” de Michael Jackson se estrenará en el Festival de Cine de Venecia en formato 3D.

El director original, John Landis, se encargó de supervisar junto con la empresa Optimum Productions la elaboración de esta nueva versión del clásico de 1983 para ofrecer una experiencia visual con la más alta calidad visual y de audio.

“Estoy muy feliz de haber tenido la oportunidad de restaurar y mejorar ‘Thriller‘”, expresó Landis en un comunicado. “Hemos aprovechado los avances tecnológicos para llevar el audio y la parte visual a otro nivel. Aunque ‘Thriller‘ fue filmado de manera tradicional, pude utilizar la tecnología 3D y déjenme advertirles que se llevarán una gran sorpresa”.

El estreno del visual en el Festival de Venecia incluirá la proyección del documental The Making of Michael Jackson’s Thriller que fue transmitido en MTV y Showtime cuando el videoclip se estrenó por primera vez.

Hasta el momento no se han revelado los planes de un estreno masivo del video, pero puedes ver la versión original a continuación:


CD: ‘Something to Tell You’ – HAIM


En su segundo LP, las hermanas profundizan en su soft rock de los años ochenta.


POR Staff Rolling Stone México  



CD: ‘Something to Tell You’ – HAIM

Something to Tell You

HAIM

Columbia

El futuro es brillante y retro
Por Jon Dolan

Un trío de hermanas con una historia entrañable y canciones inmaculadamente pegajosas: Danielle, Este y Alana Haim llevaban años tocando juntas, de niñas formaron Rockinhaim al lado de sus padres, para después caer en la insólita congruencia retro de Days Are Gone [Fleetwood Mac, Eagles]. Un vistazo al pasado que devela un pop rock californiano elegante pero jovialmente encantador. Les tomó cuatro años lanzar un segundo LP, pero los mejores momentos de Something To Tell You se debaten entre soft rock y soul. “Want You Back” es una balada de Christine McVie reimaginada en la era de Bad de Michael Jackson. “Walking Away” es un fantasma de R&B, “Little of Your Love” es como si Shania hubiera escrito una canción para TLC con resultados maravillosos. Las melodías y beats están acomodados con precisión. Este LP perfectamente cuidado culmina con un momento crudo, Danielle canta sobre la soledad en “Night So Long”, pero incluso en la oscuridad las chicas de Haim se tienen una a la otra.


Un álbum inédito de Michael Jackson será subastado


El material discográfico incluirá nueve canciones que nunca se han publicado.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: celebrityabc

Un álbum inédito de Michael Jackson será subastado

Esta mañana se anunció la subasta de un álbum con nueve canciones inéditas de Michael Jackson. Gotta Have Rock and Roll (casa de subastas) se encargará de llevar a cabo la venta en línea de este material del 19 al 28 de julio.

El disco tiene la palabra “Biblia” escrita con pluma y contiene algunos temas que el Rey del Pop grabó antes de morir. Entre lo más destacado del material se encuentran versiones alternativas de “Monster”, “Breaking News” y “Keep Your Head Up”, canciones que forman parte de Michael de 2010.

El precio inicial para conseguir el álbum es de 50 mil dólares y los organizadores mencionaron en entrevista con Rolling Stone que esperan que el precio final se eleve al millón de dólares. Quien se lleve a casa el CD no tendrá los derechos de la música por lo que no podrá distribuir el álbum.

Los usuarios también podrán participar en la subasta de una carta que Tupac le escribió a Madonna mientras el rapero se encontraba en prisión en 1995. La carta costará alrededor de 100 mil dólares.

Xscape, el último álbum oficial de Michael Jackson, fue lanzado en 2014 con la participación de Timbaland, Stargate y Darkchild, productores que hicieron posible el álbum póstumo del músico.

Este es el tracklist del nuevo álbum de Michael Jackson:

1. “Monster”
2. “Breaking News”
3. “Stay”
4. “Keep Your Head Up”
5. “Everything’s Just Fine”
6. “Black Widow”
7. “Burn Tonight”
8. “All I Need”
9. “Water”
10. “Let Me Fall in Love”
11. “Ready to Win”
12. “Soldier Boy”


10 años de ‘† (Cross)’ de Justice


El álbum debut del dúo parisino cumplió una década este año.


POR Héctor Elí Murguía  



10 años de ‘† (Cross)’ de Justice

En 2007, un dúo de exdiseñadores gráficos irrumpieron la escena dance mundial con la ópera disco: † (Cross). Justice, proyecto de Gaspard Augé y Xavier de Rosnay llegaría al mundo en medio del auge de internet. Después de abandonar la escuela, los parisinos consiguieron su pase a la reconocida disquera Ed Banger Records para continuar con el linaje del reinado de Daft Punk y el renacimiento de la música disco en el siglo XXI.

Antes de que el dueto concibiera la imagen de su debut, Augé y Rosnay ganaron popularidad en la escena musical con el remix de “We Are Your Friends”, track original de Simian que ganó popularidad y reconocimiento en Europa.

La mística de Justice comenzó con el lanzamiento de “Waters Of Nazareth”, una canción llena de sintetizadores distorsionados y un ambiente musical sacro. La compresión del sonido junto a la influencia de The Chemical Brothers se mostraron en “Let There Be Light”, lado b del sencillo que generó las primeras expectativas sobre un álbum debut con cualidades únicas.

Descrito por Rolling Stone como “una carga melodramática sin tapujos y una redefinición del swingbeat”, los parisinos lanzaron † (Cross) el 18 de junio de 2007. Este nuevo álbum, con una portada que mostraba una simple cruz, reafirmaba lo enigmático de su presencia.

Como si se tratara del personaje Frankenstein, el álbum fue una ópera formada por microsampleos. Sensaciones de Kraftwerk, Giorgio Moroder, Chic y algunos seres mitológicos del french house como François de Roubaix y Serge Gainsbourg se escuchan en los casi 50 minutos del primer álbum de los herederos del electro dance.

Cross fue un mito de internet en comparación con otras obras anteriores de dance, electrónica y nu disco. “D.A.N.C.E”, un homenaje a Michael Jackson, fue una de las canciones más descargadas en sitios web como LimeWire y Napster. “Stress” fue el climax del sensacionalismo por el dueto. Kanye West publicó el video de esta canción en su página web en 2008. Justice estaba haciendo historia.


Viernes de estrenos: los nuevos discos que debes escuchar


Chuck Berry, Katy Perry, Wet Baes, Lindsey Buckingham y Christine McVie son algunos de los artistas que lanzaron nuevo material hoy.


POR Héctor Elí Murguía  



Viernes de estrenos: los nuevos discos que debes escuchar

Todos los viernes se estrenan álbumes. Aquí te presentamos los discos más destacados para que los escuches este fin de semana:

Chuck BerryChuck

Previo a su deceso, Chuck Berry anunció el lanzamiento de un álbum después de 38 años sin publicar material alguno. Tom Morello, Gary Clark Jr. y Nathaniel Rateliff son algunos de los músicos que colaboraron en la obra póstuma que consolida el legado del guitarrista norteamericano.

Wet BaesChanges

Con tan sólo 20 años, el músico mexicano estrenó su álbum debut después de darse a conocer con canciones que recuerdan la época del synthpop. Melodías de ensueño, sensaciones pop y una influencia que combina los sonidos de la actualidad (Justice, Phoenix y Blood Orange) con la década de los ochenta (Michael Jackson, George Michael), Wet Baes estrena Changes, un álbum que invita al escucha a ser uno mismo.

PhoenixTi Amo

“Este material está inspirado en discos y veranos italianos”, comentó el guitarrista Laurent Brancowitz de Phoenix. De igual manera, Thomas Mars añadió que su nuevo álbum pasó por un largo proceso de experimentación.

Katy PerryWitness

Katy Perry estrenó su quinto álbum de estudio titulado Witness. La nueva entrega discográfica de la cantante estadounidense cuenta con las colaboraciones de Migos, Nicki Minaj, Alexis Taylor (Hot Chip), Joe Goddard (Hot Chip), Megan James y Corin Roddick.

Sufjan Stevens/Bryce Dessner/Nico Muhly/James McAlisterPlanetarium

Sufjan Stevens, Bryce Dessner de The National, el compositor Nico Muhly y James McAlister, lanzaron un álbum colaborativo con un concepto inspirado en el sistema solar: Planetarium.

RancidTrouble Maker

Los veteranos de punk y ska se inspiraron en la muerte para lanzar su nuevo álbum. En 19 tracks, Rancid confirma su poderío con riffs estresantes y un ritmo sin límites.

Lindsey Buckingham y Christine McVieLindsey Buckingham y Christine McVie

Lindsey Buckingham y Chistrine McVie rompieron la estructura novelística de Fleetwood Mac, cuando Stevie Nicks decidió tomar su propio camino como solista. Con el plan de lanzar un nuevo álbum, el dúo decidió reclutar al bajista John McVie y a Mick Fleetwood para este disco que solamente esconde bajo un nombre distinto, el nuevo trabajo de la legendaria banda.


Adele, la antítesis más exitosa de la industria


La cantante británica cumple 29 años y los celebra en la cima de las listas de popularidad.


POR Jovel Álvarez  



Adele, la antítesis más exitosa de la industria

Adele es uno de esos casos en los que el triunfo sabe a aun más dulce. Los 29 años de la cantante británica más exitosa de la actualidad permiten hacer una pausa para analizar el éxito de una joven que obtuvo todo lo que no buscaba.

Han pasado 10 años desde que la vida de aquella talentosa adolescente con una voz profunda y melancólica se escuchó por primera vez en las emisoras británicas. 19 fue el disco que la dio a conocer en su país y le valió los primeros dos Grammy de su carrera: una mujer por la cual la industria no habría apostado mucho si no hubiese demostrado que era exactamente lo que el público esperaba.

Rompiendo esquemas de apariencia, vestuario, vocabulario y exposición a la vida pública, Adkins dejó en claro que su carrera se basaría en su voz y únicamente en ello.

Esta valiente decisión marcó un hito en una industria en la que el mejor cuerpo parecía vender más que la mejor voz. Adele acabó con esa norma.

21, su segundo álbum de estudio, se convirtió en uno de los más mayores éxitos pop de los últimos años.

El álbum partió del dolor ante el fracaso de una relación de 18 meses que dejó su ánimo destruido. Ante dicho episodio, y alentada por el consumo constante de alcohol, Adkins abrió su corazón de una forma auténtica, profunda y completa, dando como resultado una colección de canciones, una más desgarradora que la otra.

Ante el nuevo éxito obtenido por temas como “Set Fire to the Rain”, “Rolling in the Deep”, “Take it All”, “Don’t You Remember”, “One and Only” y “Someone Like You”, Adkins vio ante sus ojos un vuelco total en las expectativas que tenía de su vida y su carrera.

El álbum le valió cinco premios Grammy y ventas estimadas en más de 33 millones de unidades, siendo el disco más vendido a nivel mundial por dos años consecutivos (2011 y 2012) y convirtiéndose en el que más unidades ha vendido en un periodo de dos años desde Thriller de Michael Jackson.

Tras una operación en las cuerdas vocales que la apartó de los escenarios en plena promoción de su segundo álbum, Adele se vio en un bloqueo creativo total, pues el estrellato la había alejado de esa vida cruel pero real que inspiraba sus canciones.

El embarazo de su hijo le dio la excusa para retirarse cuatro años, en los que finalmente reencontró su norte creativo y pudo componer nuevamente los temas honestos que su público esperaba.

Hello” marcó su regreso a los escenarios, consiguiendo un éxito aplastante en el mundo entero y 25 demostró que el toque auténtico de sus composiciones no se había perdido.

Un nuevo acto de irreverencia se daría al anunciar que su tercera producción no estaría disponible en servicios de streaming.

“Yo quería probar un punto. Todo el mundo me dijo que los servicios de streaming son el futuro. Bueno ¡pues si es el futuro, no estamos en el maldito futuro todavía! Yo quería probar que si a la gente le gusta un álbum lo suficiente, irá a comprarlo. Y lo hicieron”, dijo Adele en 2016. Las ventas de 25 a nivel mundial superan ya las 20 millones de unidades.

25 se convirtió en el álbum más vendido de 2015 y 2016, rompiendo los récords de venta anual de una década en Estados Unidos desde No Strings Attached (2000) de ‘N Sync.

Tras el lanzamiento de su tercer álbum, la artista se embarcó en uno de los tours más exitosos de los últimos tiempos, con 53 conciertos en Europa, 58 en Norteamérica (México incluido) y 11 en Oceanía, para un total de 122 presentaciones en un periodo de año y medio.

25 le valió el mayor éxito en los Grammys 2017, ceremonia tras la cual su conteo total de megáfonos dorados subió a 15.

Se puede odiarla o amarla, pero los números hablan por sí mismos: Adele se convirtió en un fenómeno inesperado, siendo la artista de mayor éxito comercial a nivel mundial, trascendiendo barreras generacionales hasta hoy inexorables, pues se posicionó en el gusto de hijos, padres y abuelos por igual.

Adkins se prepara actualmente para cuatro conciertos de despedida en el Estadio Wembley en Londres. Con una fortuna valorada en 147 millones de euros, la artista piensa retirarse 10 años.

El misterio se acerca a la vida de Adele, y ella parece esperarlo para abrazarlo, y dejar a su público en espera de un nuevo éxito que algún día llegará.

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Las diferentes etapas de Prince


Recordamos las distintas facetas que formaron al ícono del pop.


POR Héctor Elí Murguía  



Las diferentes etapas de Prince

Prince es conocido por ser uno de los artistas más influyentes de las últimas décadas, mostrándole al mundo que la música podía mezclarse de múltiples formas. Desde el funk hasta el pop, su esencia cambió paradigmas en la escena musical y su legado permanece a través de la personalidad ecléctica que tuvo en distintas etapas a lo largo de su carrera.

A continuación, presentamos una lista de canciones que formaron parte de su discografía y que sirven para entender cada una de sus facetas como músico y como símbolo cultural.

I Wanna Be Your Lover” – Prince (1979)
Con un sencillo riff de guitarra funky, Prince llegó a las estaciones de radio tras su debut en el club Roxy en Los Ángeles. Era 1979 y la música disco seguía en su apogeo. Sobre la base rítmica inspirada en este género, el músico compuso un par de líneas en las que por primera vez se mostraba su sensualidad única. Con 21 años de edad, Prince debutó en las listas de popularidad con esta canción. Tan sólo un año antes, el joven compositor debutó con For You, un disco que apenas fue reconocido por la crítica musical.

2. “Controversy” – Controversy (1981)
Una de las piezas disco más contagiosas de la historia. La magia rítmica de James Brown evolucionó para darle paso a los sintetizadores. Prince cuestiona las creencias humanas y critica los dogmas sociales. Ronald Reagan llegaba al poder en enero de 1981 y grupos políticos religiosos como la Mayoría Moral reflejaron la diferencia cultural que se vivía en ese entonces. En noviembre de ese año, “Controversy” funcionó como una reacción cuestionable ante tal diferencia entre la clase conservadora y lo que la gente vivía: “Am I black or white? Am I straight or gay?”; “Do I believe in God? Do I believe in me?”.

3. “1999” – 1999 (1992)
Dos años antes de su éxito comercial, Prince lanzó un álbum experimental en el que combinó todos los sonidos electrónicos existentes junto con su característico pop funk. La apocalíptica “1999” representó la evolución del músico junto con “Little Red Corvette” y “Delirious” los otros sencillos del disco. El new wave, R&B y pop se encuentran tejidos en esos tracks en los que Prince utilizó por primera vez un Linn Drum, maquina de percusiones popularizada por Michael Jackson, Devo y el legendario pionero del synth pop, Gary Numan.

4. “When Doves Cry” – Purple Rain (1984)
El pop experimental de Prince se posicionó en las listas de popularidad con esta canción. El tema muestra las habilidades del músico en la guitarra, con un solo mayúsculo y una melodía sentimental basada en el avant-garde. “When Doves Cry” musicaliza el corazón de su cinta autobiográfica Purple Rain.

5. “Purple Rain” –
El himno de los vencidos. Un lamento edípico del que Prince dudaba si funcionaría para el soundtrack de su película homónima, sin embargo, la canción concluye esta cinta de forma contundente. La muerte del padre de Prince fue el clímax perfecto para la trágica historia.

Purple Rain no sólo relata su biografía, también muestra a Prince como el músico disruptivo y el ícono sexual de los ochenta. En el cine, la figura masculina de un Marlon Brando se desvanece para darle entrada al espectro andrógino de Prince. El soundtrack de la película batió las listas de popularidad mientras Bruce Springssteen hacia lo mismo con su álbum Born In The USA.

6. “Kiss” (1986)
Después del éxito de Purple Rain, Prince se reunió con David Z, productor de Los Ángeles que lo acompañó durante su estancia en Paisley Park, estudio y sello discográfico creados por el artista. En esta etapa, el músico compuso una melodía funky que actualmente es de las favoritas para poner en los clubs nocturnos en el mundo por los DJ’s. Cuando Prince llegó L.A, traía consigo un demo acústico que se convirtió en este pegajoso track. Los empresarios de la disquera Warner, dijeron que sonaba incompleto al final y les preocupaba debido a que solamente sería lanzado como sencillo, sin ser parte de un LP.

7. “Sign O’ The Times” – Sign O’ The Times (1987)
Paisley Park se convirtió en un laboratorio de experimentación con fórmulas arriesgadas que Prince materializó en 16 canciones distribuidas en un álbum doble. Electro funk, R&B, soul, avant-pop y un sinfin de géneros musicales fueron la base de la arquitectura del disco. Desde Nina Simone hasta Miles Davis fueron influenciados por esta colección de temas que catapultaron a Prince al olimpo de los músicos más trascendentales.

8. “Diamonds And Pearls” – Diamonds And Pearls (1991)
En 1991, Prince regresó a la escena con un álbum que esencial en su discografía: Diamonds And Pearls. El primer sencillo del disco, titulado de la misma forma, llegó a la posición número tres del Billboard en un mundo dominado por el Bryan Adams y el pop masivo de Michael Jackson.

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Campus RS marzo 2017


Un espacio para la difusión de ideas universitarias.


POR Staff Rolling Stone México  



Campus RS marzo 2017

Un caballo de Troya

Nintendo finalmente anunció el Nintendo Switch, del que se especulaba desde hace meses bajo el nombre de NX

Por Sebastián Valencia Chávez

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Todos los rumores eran ciertos: Es una plataforma híbrida, con el poder de una consola casera pero la versatilidad de una portátil, controles desmontables y cartuchos. Pero con esta consola llega un cambio importante para Nintendo. Estamos en 1985 otra vez.

En 1985 se lanzó el Nintendo Entertainment System (NES) en América, conocido como Famicom en Japón. Esta consola fue vendida como un sistema de entretenimiento porque América estaba harto de los videojuegos después de la crisis de 1983 por la saturación del mercado. El NES era un lobo disfrazado de oveja que tomó al mundo por sorpresa, demostró que los videojuegos no estaban muertos y salvó a la industria entera. Hoy, más de 30 años después, Nintendo lo vuelve a hacer, con una consola familiar que no va por las familias.

En el video del Nintendo Switch no vemos a un solo niño o persona mayor, todos son adolescentes. El estilo es totalmente distinto al del anuncio del Wii o Wii U, en el que tonos saturados pintaban a una familia disfrutando del dispositivo. El anuncio de Switch fue sobrio, más elegante y con un objetivo muy claro: Atraer a los millennials. Pero entonces, ¿Nintendo se está olvidando de su nicho de siempre, abandonando al mercado familiar? Para nada.

Nintendo dejó la marca Wii, dirigió su anuncio a una audiencia joven y presentó algunos juegos complejos como Skyrim o NBA 2K, pero es claro que la base seguirá siendo Super Mario, The Legend of Zelda, Splatoon y todas las familiares propiedades intelectuales de la gran N. Lo que sucede es que Nintendo por fin entendió que para llegar a las familias, específicamente a los niños, no tienes que dirigir el producto a ellos. La estrategia es similar a la de PlayStation: Véndele a un mercado mayor, idealiza el concepto del hardcore y pronto llegarán los más pequeños, ansiando parecer mayores por jugar Call of Duty.

El Switch parece ser una fórmula para el éxito: Una campaña publicitaria que pinta para dirigirse al mercado que tanto critica a Nintendo, la del autoproclamado hardcore gamer; exclusivas fuertes; apoyo de compañías third-party y un concepto nunca antes visto que girará cabezas cuando esté en un anaquel. ¿Por qué mercado va Nintendo? Va por todo, pero de una forma distinta a como ya lo logró con el Wii. Va por ti, jugador clavado que quiere tener Skyrim para llevar; va por ti, papá que verá un concepto totalmente nuevo y atractivo; va por ti, niño que anhela crecer y jugar títulos maduros; va por ti, fan de Nintendo que tiene dinero en mano antes de cada anuncio de la compañía. El Nintendo Switch es un caballo de Troya, una consola familiar lista para invadir tu hogar. Y, al igual que el artilugio de la obra de Homero, el Switch es la última esperanza del imperio de ganar la guerra. Ten por seguro que si la propuesta es inteligente y Troya canta victoria, el grande estará de regreso.

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En la cárcel, pero con un Óscar

¿Debemos respetar la obra de un artista problemático?

Por Sebastián Valencia Chávez

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En la edición de 2016 de Sundance debutó una película llamada The Birth of a Nation. Recibió el Premio de la Audiencia y del Gran Jurado. “Si esto no es un contendiente para los Óscares, no sé qué es”, comentó Kristopher Taply de Variety una semana después del festival. ¿Entonces por qué no figuró en las nominaciones de este año? Su productor, escritor, director y protagonista, Nate Parker, se vio envuelto en una controversia grande. Resurgió un escándalo de abuso sexual de 1999 y el suicidio de la acusadora en 2012. La cinta fue ignorada por la Academia y ni siquiera se estrenó en México.

¿Por qué es justo eso? Ya sea hablemos de Nate Parker, Mel Gibson u Orson Scott Card; lo que haga un autor no debería influenciar la apreciación de una obra. Esto es más fácil decirlo que hacerlo, muchas veces no los podemos separar. Vemos Manhattan y recordamos las acusasiones hacia Woody Allen, o la misma The Birth of a Nation, en la que el personaje de Nate Parker busca venganza por la violación de su esposa. Sí, puede ser muy difícil, pero deberíamos tratar de ver a una obra de arte como un bebé que no tiene la culpa de las acciones de sus padres.

Patricia Townsend, artista y psicoanalista, realizó un gran artículo llamado “A Life of It’s Own”, en el que entrevista a diversos artistas sobre su proceso creativo. Encontró similitudes muy interesantes entre la creación de una obra de arte y la crianza de un hijo. Tenemos la etapa de “génesis” en la que el artista entra en un periodo de gestación que involucra memorias, impresiones y sentimientos mezclándose inconscientemente antes de ‘hacer click’ y resultar en una idea. Luego sigue el “desarrollo”, en el que el artista crea un ambiente propicio para el crecimiento del proyecto y entra en una relación intensa con este. Y finalmente llega la “separación”, que es la que más nos interesa. Aquí, un tercero entra a la relación: la audiencia. La obra actúa con autonomía en los demás, sin necesidad del autor. La responsabilidad del artista ha terminado, así como cuando el hijo finalmente deja el nido para buscar su propia vida.

Pero al seguir con el paralelismo, encontramos un problema. Un hijo con malos padres puede ser reconocido porque tiene uso de razón, es una persona pensante que toma sus propias decisiones, sin importar las acciones de los que lo criaron; pero cuando hablamos de una obra, sus méritos siempre te remitirán al autor, al menos cuando sea hora de premiarla; porque aunque conectes con The Birth of a Nation, al final el Óscar se lo tendrías que dar a Nate Parker. Y aunque en las regulaciones de los Óscares dice que los miembros deben basar sus decisiones solo en méritos artísticos y técnicos, es difícil imaginar a alguien no virtuoso recibiendo un premio. Pero tal vez tengamos que hacerlo, por respeto a la obra. Tal vez alguien llegará a tener un Óscar esperándolo en libertad condicional. De algo sí estoy seguro: “La Cabalgata de las valquirias” es una obra maestra, sin importar si Wagner era un antisemita adorado por Hitler o no.

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Patrick Miller

Entre el surrealismo del high energy.

Andrea Calderón Velázquez

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Foto: Andrea Calderón

Foto: Andrea Calderón

La incógnita
“Está muy random, como surrealista” “¿O sea, está cool?” “Cool no sería mi definición, no sé, tienes que ir para poder definirlo, no creo que exista una palabra que pueda describir lo que vives en el Patrick Miller”.

Con esta conversación fue como, por primera vez en mi vida escuché a una amiga cercana hablar sobre el Patrick Miller, un antro que se ha vuelto icónico en la Cuidad de México y presume ser uno de los mejores y más excéntricos lugares para pasar la noche en la capital metropolitana.

Un día después de tener dicha conversación con mi amiga decido googlear el nombre y lo primero que me salta en los resultados es un video de la banda mexicana de indie rock, Hello Seahorse! titulado “La Flotadera.” Le doy play y en él se observa a gente bailando, sudados, al ritmo de luces de colores, atuendos de los años ochenta y una bola plateada de disco colgada del techo. Termina el video y mi curiosidad por el Patrick Miller aumenta. Decido salir a conocer el lugar. Llamó a unas amigas y les platico del lugar, vendiéndoselos como toda una experiencia nueva y emocionante, solo dos de ellas aceptan acompañarme.

El primer encuentro
Nos arreglamos y decidimos no ir muy formales, unos tenis para estar cómodas y bailar si así lo queríamos. Al llegar a la calle Mérida de la colonia Roma, en la zona centro de la Cuidad de México comenzamos a ver mucho movimiento. Justo en medio de la calle hay lo que parece ser un estacionamiento abandonado, lo que después nos enteraríamos que era la entrada del Patrick Miller. Conforme nos acercamos al número 17 de dicha calle podemos ver una fila enorme, que parece no tener fin. “No manchen, ¿ya vieron?”, dice una de mis amigas. “¿Ésta es la fila?, si está así debe estar buenísimo el lugar”. Decidimos preguntar al señor del vallet parking. “Hola, buenas noches, ¿ésta es la fila para el Patrick Miller? “Sí damita, ésta es. Se ve muy larga pero pasan rápido, no se preocupen”. Supongo que el señor dijo esto porque vio en nuestras caras mucha preocupación. Bajamos del coche, le damos $50 al señor y él se encarga de estacionar la camioneta.

Decidimos formarnos, avanzamos por la fila, viendo a todo tipo de personas, desde fresas con camisas marca Polo hasta darks con labios negros y faldas de tul. Avanzamos un poco más y la fila daba la vuelta hasta la Avenida Cuauhtémoc. Volteo a ver a mis amigas, las dos tienen una cara de incertidumbre. La fila está con-formada fácilmente por 50 personas y dobla toda la esquina de la calle. Llegamos al final y nos formamos. Enfrente de nosotros hay un chico con una falda larga, una chamarra de cuero y el pelo verde, una de mis amigas me lo señala sorprendida. Conforme pasa el tiempo vamos viendo como llegaban al lugar todo tipo de personas y se forman atrás de nosotros, en menos de 20 minutos ya habíamos avanzado la mitad de la calle. Nos quedaba muy poco para entrar al lugar.

Llegamos a la entrada del mismo, nos piden nuestra identificación, nos revisan las bolsas y justo enfrente de nosotros están las taquillas. Me preparo para pagar el cover, sacando un billete de $200. Para mi sorpresa el cover es sumamente barato, “Son 30 varos” me dice la señorita de la taquilla. Me sorprendo y le gritó a mis amigas que aún les seguían revisando la bolsa en la entrada. “¡Son $30!”, la señorita se ríe. A cambio de mis $30 me da una ficha azul con un número. Entramos a un túnel con luces fosforescentes azules, verdes, rosas y amarillas, levanto la mirada y veo a mucha gente, puedo escuchar la música y una persona me pide mi ficha. Habíamos entrado.

Bienvenidos
Todo estaba sumamente obscuro, de vez en cuando los flashes de las luces te dejaban ver algo pero en realidad lo único que puedes distinguir son figuras humanas. La música, fuerte y de los años noventas. Éxitos en español coreados por toda la gente. El lugar es enorme, con un segundo piso desde el cual todas las personas observan a los de abajo. El volumen de la música apenas me deja escuchar a una de mis amigas. “¿Vamos por algo de tomar?”, “Sí, pregunta que en dónde”. Mi amiga le toca la espalda a una persona, voltea y resulta ser un señor como de 50 años, que fácilmente podría ser mi papá. Esto me sorprendió, “¿no se supone que este lugar es para jóvenes?”, pienso. Nos señala la fila para comprar cerveza, esta misma tiene fácil 30 personas. Nos formamos y observamos alrededor con el tiempo suficiente para estudiar el lugar y la gente presente. Hay señores adultos, parejas gays, heterosexuales, lesbianas e incluso gente extranjera.

Enfrente de nosotros hay un chico de unos 20 años bailando en la fila, no pierde ni un segundo para enseñar sus mejores pasos. Avanzamos y casi al llegar a la barra un chico decide que es buena idea colarse a la misma. “¿Qué te pasa güey? Estamos formados hace 15 minutos, no te metas”, le dice el que estaba formado atrás de él. El mismo chico le habla al que sirve en la barra. “No le vendas compa, se metió y todos lo vimos”. En menos de un segundo toda la fila comienza a gritar. “¡Fuera, fuera, fuera!” Al chico colado no le quedó más que salirse de la fila sin nada que tomar.

Es como estar bailando en el infierno
Ya con nuestras bebidas decidimos subir al segundo piso, donde permaneceríamos por el resto de la noche. De mi lado izquierdo se observa al DJ, realmente metido en su música, lo observo por unos cinco minutos seguidos para ver si logra voltear a verme pero nunca lo hace. Jamás despega lo ojos de sus discos y cuando lo hace sólo cierra los ojos para sentir la música. Nos asomamos para mirar el primer piso. Hordas de gente, todas sudando, pegadas, bailando sin parar, muchas de ellos besándose, tomados de las manos y cantando todas las canciones con entusiasmo. Escucho a una chica decir: “Hace un calor horrible ,es como estar bailando en el infierno”. Nada podría describir mejor el lugar.

Justo al lado de nosotros hay una pareja de lesbianas besándose, a una de mis amigas le quedan justo a sus espaldas. Empiezan a gritar emocionadas, en el fondo suena “Solo se vive una vez” de la cantante española Mónica Naranjo. Todo el lugar se vuelve loco, bajo la mirada y observo como se empiezan a formar círculos en donde una sola persona en el centro baila al ritmo de la música, siendo aplaudido por el resto del círculo. “Esto es como en las películas”, le digo a mis amigas. Una de ellas se emociona y decide grabarlo todo. Justo abajo de mí se ve a una pareja de unos 40 años bailando al compás de “100% Pure Love” de Crystal Waters. Puedes ver la felicidad en su rostro, solo se miran el uno al otro, sin importarles el exterior. Y así las siguientes tres horas, éxitos en español y mucha gente bai-lando. Dan las 3 am y el ambiente en ligar de decrecer sigue en aumento. Duelos de baile por donde veas. Gente realmente emocionada por el ritmo de la música.

Para las 4am, la hora que en la página de internet oficial del lugar dice cerrar la fiesta parece no terminar. Cuando por fin decidimos irnos del lugar suena el inicio de “Beat It” de Michael Jackson, al minuto todo el segundo piso se mueve. Literalmente. Del movimiento emitido por el suelo de abajo, el segundo piso empieza a tambalearse. Empiezo a observar como se les abre pista en cada círculo a los mejores bailarines, todos recreando los mejores pasos del fallecido “Rey del pop”. Me llama la atención un chico que podía realizar el “moonwalk” de la mejor manera, del otro lado una chica capaz de reproducir el paso clásico del video de “Smooth Criminal” y así sucesivamente, todos involucrados en la música, en sus pasos, en su ritmo, en su sentimientos. Olvidando por un segundo la vida exterior y los problemas que les rodean.

A final de eso se trata la música, de sentirla, de vivirla, de experimentarla. De envolverte tanto en ella que olvides que te están mirando, que olvides como te ves, de donde eres y si eres suficiente. La noche termina y tengo un zumbido en el oído. Salgo con un dolor de piernas brutal, la cabeza me duele un poco, mi blusa bastante sudada y mi alma contenta, muy contenta.

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La historia de Rolling Stone México: marzo


En los meses de Marzo.


POR Staff Rolling Stone México  



La historia de Rolling Stone México: marzo

Nuestra revista ha sido engalanada con varios personajes de la cultura popular para que a través de sus palabras, conozcamos más sobre sus proyectos. En esta ocasión, y para seguir celebrando estos 15 años junto a ti, desempolvamos nuestro baúl y te recordamos algunos artículos que publicamos en los meses de marzo. Hay para todos los gustos con declaraciones que han sido memorables.

2003
En ese año, Shania Twain seguía recogiendo el gran éxito de su álbum Up!, una producción que se alejaba del country para cantarle al pop. Su talento y belleza fueron la imagen de nuestra portada. Además, tuvimos una exclusiva con Ben Affleck, protagonista de Daredevil.

“Cuando estaba consierado tomar este papel, alguien me dijo que de hacerlo, siempre iba a ser percibido como Daredevil, que nunca más podría interpretar exitosamente a otro personaje de cómic”.
Ben Affleck

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2004
Además de nuestro gusto por el azúcar morena, entrevistamos a uno de los mejores cómicos de México: Andrés Bustamante. Nos hizo reflexionar y reír en el encuentro que tuvimos.

“Creo que todos estamos buscando tener un estadista en la Presidencia de la República y no hay escuelas para ser Presidente. Lamentablemente todos van teniendo un aprendizaje; ya que están arriba se empiezan a dar cuenta de cómo está la onda, caen en la realidad”.
Andrés Bustamante

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2006
Este mes viene Placebo a México y hace varios años los tuvimos en portada. Una entrevista con Brian Molko y Stefan Olsdal sobre su álbum Meds. Y en cine, sostuvimos una conversación con Luis Estrada, director de La ley de Herodes.

“Aún sigo usando maquillaje y sigo muy interesado en la moda, pero yo no me pongo vestidos, porque, a mi edad, parecería drag queen“.
Brian Molko

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2007
Unas colegiales que además de portarse mal, también querían divertirse. Camila Sodi y Martha Higareda fueron protagonistas de la película Niñas mal. Por otro lado, publicamos entrevistas con el elenco de Lost, una serie que marcó historia en la televisión.

“Pese a lo que la gente cree, yo crecí tan libre… Pero tan, tan libre. Puedo ser lo que quiera ser. Ahorita puedo retirarme y hacer yoga en un monte por 40 horas. Tengo tantas posibilidades… Y eso se lo agradesco a mi educación”.
Camila Sodi

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2009
Unos beatles coloreados para recordar que su fin era eminente. Tuvimos acceso a nuestro archivo para reproducir las palabras de John Lennon. Además, todo lo que pasaba en 1969 desde Vietnam hasta Woodstock y con 25 discos de esa época.

“El trabajo con The Beatles ya no me resultaba tan interesante aunque en cierto sentido, me parece que todos estábamos aburridos”.
John Lennon

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2011
Una portada que en su momento fue polémica entre nuestros lectores. Pero Justin Bieber ha sido un fenómeno del pop y aquí le hicimos una interesante entrevista. En esa edición contábamos con la colaboración del Dr. Ozzy Osbourne quien con picardía, respondía las preguntas de los lectores. Además, entrevistas exclusivas con deadmou5, R.E.M., Ke$ha y recordamos a The Clash.

Michael Jackson es mi inspiración. Cuando murió, no lo podía creer. Pensaba: ‘Se ha ido y ni siquiera pude conocerlo’”.
Justin Bieber

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2015
El talento de Carlos Santana ha sido reconocido durante su carrera. Platicamos con él sobre su visita a México y nos dio la primicia de que estaba grabando el esperado álbum Santana IV.

“Los consejos de mi madre me han guiado a ser un hombre de honor”.
Carlos Santana

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Algunos de los conciertos que cubrimos:
Haggard ★★★ Circo volador (2003)
Travis ★★★ 1⁄2 Palacio de los Deportes (2004)
U2 ★★★★ Estadio Azteca (2006)
DJ Tiësto ★★★★ Foro Sol (2008)

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Wet Baes se presentará en El Carnaval de Bahidorá


Andrés Jaime nos hace viajar al auge de los ochenta haciéndonos disfrutar nuestra propia época


POR Camila de la Fuente  



Wet Baes se presentará en El Carnaval de Bahidorá

“El nombre del proyecto está inspirado en las fanáticas de los ochenta ‘que se ponen bien locas’”, menciona el mexicano Andrés Jaime sobre su proyecto musical Wet Baes. Se celebra a la cultura de masas, se le hace una parodia a la sociedad del consumo y hay cierta curiosidad nostálgica hacia el funk. El joven mexicano, proveniente de la banda Affer, empapa sus canciones con un estilo ochentero pero su proceso creativo proviene, en su mayoría, de las redes sociales y los viejos discos.

Andrés Jaime tiene 20 años y a pesar de su corta edad, su música tiene un sonido profesional. Comenzó su trayectoria con la banda Affer en el 2013, que hacía música soft disco, pero finalmente para él no era un sonido propio. Jaime desde el principio tenía en mente un proyecto como solista que le permitiera producir sus propias ideas. No fue hasta el 2015 que se aventuró a crear Wet Baes, en el que nunca se imaginó que iba a cantar.

Juan Soto fue el maestro de postproducción musical y productor de Andrés Jaime, quienes se conocieron a través de Karate Estudios. La experiencia y estilo de Soto se impregnó en el trabajo del joven. “Juan ha sido una persona muy importante para el proyecto… es una inspiración para mí” declara el cantante de Wet Baes en una entrevista radial en Puentes.

El músico recurre mucho a los temas de la sensualidad, atracción, juventud y seducción. Busca crecer en su música a través de la evolución y el estudio de diferentes artistas que sonaban hace dos décadas con su afán de resucitar aquellos tiempos, a pesar de no haberlos vivido.

“Creo que combinar el mundo del pasado con todo lo que sucede en estos momentos en la música y en distintos ámbitos, te puede llevar a gratas sorpresas auditivas” afirma el joven mexicano en una entrevista para Ibero 90.9. En su propuesta musical sí se siente la mezcolanza de tiempos, se hace un viaje al pasado pero a la vez, nos hace disfrutar nuestra propia época.

Entre los músicos que lo inspiran se encuentran artistas muy variados y de temporalidades diferentes: Alphaville, Michael Jackson, Prince, Billy Idol, New Order, George Benson, Dam Funk, Roosevelt, Bl00dwave, Juan Soto, entre otros. Pero la tendencia musical de Jaime es hacia los ochenta de la escuela de los afroamericanos, auge del pop y funk en la industria musical.

Su álbum debut Changes, regresa a lo funk y sus métodos fueron una combinación entre lo análogo y lo electrónico. Se puede escuchar en línea el primer track “Changes”, estrenado hace menos de un mes. Jaime también anunció la pronta publicación de “Secret (Love Song)” en su cuenta de Twitter. En el disco se fusiona el pasado con el presente, haciendo desaparecer la brecha generacional. Changes habla de lo que fue un cambio genuino para la vida del artista, que va ligado a un despertar de algo que parecía lejano. Los tracks van de la mano con experiencias propias de Jaime.

Wet Baes tiene apenas dos años sonando y ya forma parte de diferentes tours internacionales. Ha participado en proyectos junto a Ale Moreno de Ruido Rosa y Juan Soto. Su próxima presentación será en El Carnaval de Bahidorá el sábado 18 de febrero.

 

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Fallece Al Jarreau, vocalista de jazz


El músico es recordado por interpretar el exitoso tema de la serie ‘Moonlightning’.


POR Staff Rolling Stone México  



Fallece Al Jarreau, vocalista de jazz

El popular vocalista de jazz, Al Jarreau, falleció esta mañana en un hospital de Los Ángeles después de haber sido internado por una pulmonía. El músico de 76 años había sufrido problemas de salud durante sus últimas giras por Europa y acababa de anunciar su retiro de las presentaciones en vivo.

Alwin Lopez Jarreau (su nombre completo) nació en Wisconsin en 1940. Después de tocar en locales nocturnos de Los Ángeles, Warner Bros. se fijó en su talento y lo contrataron. Su carrera despegó en 1980, pero uno de sus grandes éxitos fue gracias a la serie Moonlightning para la cual Jarreau prestó su voz en el tema principal. Fue parte de la grabación de “We are the world”, el himno de Michael Jackson y Lionel Richie. También ganó 7 premios Grammy durante su carrera.

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Mira a Barack Obama bailar “Thriller” de Michael Jackson


El presidente de los Estados Unidos y su esposa pasaron su último Halloween en la Casa Blanca.


POR Staff Rolling Stone México  



Mira a Barack Obama bailar “Thriller” de Michael Jackson

Para su último Halloween en la Casa Blanca, el presidente Barack Obama y la primera dama sorprendieron a los asistentes en la fiesta que realizan cada año en la residencia presidencial, bailando el icónico tema de Michael Jackson, “Thriller”.

La celebración para niños de localidades cercanas e hijos de familiares de militares tuvo lugar en el ala sur de la Casa Blanca. Durante la fiesta, Barack y Michelle Obama convivieron y regalaron dulces a los asistentes.

The Man of Steel meets with the Commander-in-Chief. 🎃

Una foto publicada por The White House (@whitehouse) el

La sorpresa comenzó cuando Obama dijo: “Hemos estado trabajando en un pequeño baile, no sabemos cómo nos va a resultar, pero creemos que debemos intentarlo de cualquier forma”, minutos después el presidente y su esposa comenzaron a bailar la coreografía de uno de los mayores éxitos del rey del pop.

Mira el video de Barack Obama bailando “Thriller” aquí:

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Tom & Collins, los mexicanos que están dejando su marca en la industria


Platicamos con el dúo de música electrónica que se está dando a conocer en todo el mundo.


POR Isabella Ramaci  



Tom & Collins, los mexicanos que están dejando su marca en la industria

Todo comenzó en un antro en la Colonia Roma llamado Walther. Desde ese entonces el significado de Tom & Collins pasó a ser más que una mezcla de ginebra con agua mineral para convertirse en el grupo mexicano que se está dando a conocer en distintas partes del mundo.

Jorge Corral y Juan Pablo Escudero, abogado y mercadólogo respectivamente, decidieron abandonar sus trabajos, para convertirse en DJs, una decisión que sin duda les ha traido buenos resultados.

Con presentaciones en el EDC México, Beyond Wonderland en San Francisco, The Day After en Panamá o Wish Outdoor en Monterrey, Tom & Collins no para de cosechar éxitos y colaboraciones con grandes figuras de la industria musical como Steve Aoki, Avicii, Alesso entre muchos otros.

Tuvimos la oportunidad de platicar con Jorge Corral y Juan Pablo Escudero y esto fue lo que nos dijeron sobre sus nuevos proyectos.

¿Cómo se conocieron?

Juan Pablo: ¡Uy! nos conocimos desde chavitos en las fiestas, teníamos amigos en común y acabando la prepa me fui a París seis meses, allá me encontré a Jorge, que también se había ido de intercambio, fue así como comenzamos a conocernos más, pero el proyecto de Tom & Collins no se dio hasta mucho después de que ya estabamos en la universidad.

¿Cómo fue que surgió esta decisión, qué fue lo que los acercó a la música?

Jorge: Siempre habíamos sido apegados a la música, los dos éramos tanto músicos como melómanos, nos encantaba poner música en las fiestas, yo creo que el hecho de tocar juntos, sentir la energía de la gente respondiendo, y hacerlos bailar durante horas, es algo que nos atrapó, entonces ya desde seis o siete veces que tocamos juntos en un antrito en La Colonia Roma, tomamos la decisión de formalizar el proyecto, ponerle nombre y echarle ganas a estudiar producción digital.

¿Qué es lo que quieren expresar con su música?

Juan Pablo: De entrada yo creo que cada canción es algo diferente, te lleva a cierto lugar, ya ahorita llegamos al punto, y sí, nos costó trabajo, pero sentimos que tenemos un sonido como Tom & Collins y definitivamente expresa pasarla bien, bailar, tener una conexión con la gente para la que estamos tocando. En el momento que logramos eso y las personas están disfrutando, la música que hicimos cumplió su objetivo.

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¿Cuál ese ese estilo musical que los caracteriza, ese que al escucharlo inmediatamente sabes que es Tom & Collins?

Juan Pablo: Definitivamente estamos merodeando por los géneros deep house o house con influencias de tech house, pero la gente nos ha dicho y nos hemos dado cuenta que nuestra característica principal se basa en los bajos, las progresiones de bajos y los tipos de sonidos que usamos son un factor, yo creo que en general los sonidos que escogemos y personalizamos tienen algo distintivo, que le dan similaridad a cada canción.

En su carrera musical, ¿qué buscan profesionalizar en su estilo y de qué manera?

Juan Pablo: Se puede seguir aprendiendo siempre, mientras más práctica tienes, más control en la producción de música desarrollas y obtienes más libertad creativa, estamos perfeccionando todo el tiempo. Siempre seguir aprendiendo en técnicas de producción, seguir descubriendo nuevos sintetizadores, nuevos plug in, nuevos tipos de sonidos y también ir grabando elementos experimentales, sonidos que se nos hacen interesantes, los grabamos y usamos en una producción, yo creo que al nivel producción y músical, nos falta mucho que aprender.

¿Cuáles eran sus grupos favoritos anteriormente, qué es lo que solían escuchar?

Jorge: Yo la verdad, en mi adolescencia escuchaba mucho rock, me gustaba mucho The Strokes, estilos algo alternativos como Radiohead, nunca me encerré en un género, también me gustaba el hip-hop, mucho pop ochentero como Queen o Michael Jackson. Me gustaba escuchar nuevas propuestas, y nuestra música se ve influenciada por esto, no tenemos límite cuando queremos incorporar elementos de otros géneros.

Juan Pablo: Empecé definitivamente con el pop y con los inicios de la electrónica, igual era superfan de Michael Jackson, aunque también me llama el nuevo sonido del pop, como Years and Years.

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¿Cómo en un mundo tan competitivo como lo es el de la música encuentran la innovación en sus creaciones?

Juan Pablo: De entrada estamos en una posición privilegiada, porque está explotando una bomba en Latinoamérica con lo de la electrónica, y de cierta forma todo el mundo quiere que salga talento electrónico latinoamericano, los otros paises están volteando a ver lo que hacemos acá, los latinos llevamos el ritmo musical en la sangre, y eso se puede expresar en la música, ese factor nos ayudó mucho a sobresalir, y hemos sentido mucho el apoyo de la gente, de todos lados, sí, pero más de los latinos.

Jorge: En la innovación tenemos que ser fiel a nuestros gustos y a lo que nos mueve, no detenerte ante cualquier cosa creativa, el secreto está en no aferrarte a nada creativamente y hacerlo por más loco que suene para después sacarlo.

¿Quién se encarga de qué? ¿cuáles son los papeles que toman? y ¿cómo es que ustedes funcionan al momento de crear música?

Jorge: Hacemos muy buena mancuerna, Juan Pablo tiene un poco más de conocimiento técnico, de cómo moverle a cada sonido para que suene como queremos que suene y yo tocaba más instrumentos de chiquito, hacemos un buen equipo. Al crear, como proceso todo lo hacemos juntos, desde lo primero hasta lo último, pero cuando llegan los momentos de inspiración pues colaboramos juntos, cosa que igual nos ayuda a no salirnos del objetivo.

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¿Cuáles son los momentos más importantes de sus carreras como DJs?

Juan Pablo: La verdad hay varios momentos, uno fue ganar un concurso en Las Vegas que se llamaba Soundclash, que era una competición mundial, no pensábamos ganar y que personas importantes de la industria voltearan a vernos, creo que ha sido uno de los picos más altos. Además la oportunidad de tocar en festivales importantes como el EDC México y el EDC Las Vegas.

Jorge: Vamos a tener un momento en el siguiente mes, porque va a salir nuestra música con Afterclub, y es algo que va a cambiar el rumbo de Tom & Collins porque va a salir nuestro EP, vale la pena mencionarlo, porque expondremos una cantidad importate de música, sería uno de los puntos más altos pues igual estamos haciendo una gira con Ultra, iremos a Perú, Bolivia y Río de Janeiro.

¿Qué es lo que ustedes sienten que les falta? ¿con quién les gustaría colaborar? o ¿qué les falta por hacer en sus carreras musicales?

Juan Pablo: Seguir dándonos a conocer, queremos que nuestra música se escuche en todo el mundo, por eso nos clavamos varios meses en el estudio, para sacar buena música. Por decirte algún nombre, a mí me encantaría colaborar con Disclosure.

De todas sus creaciones, ¿cuáles son sus piezas favoritas?

Juan Pablo: ¡Ay! esa es una pregunta muy difícil, porque te enamoras de cada pieza, yo soy el típico que se enamora, la escucho, le sigo moviendo cosas, y en el momento en el que me encuentro haciendo otro track ya estoy enamorado de la otra pieza, entonces diría que sería “Neutral“, que es un nuevo tema que vamos a estrenar proximamente y estamos muy contentos y convencidos con ese track, ya queremos que salga.

Jorge: Yo estoy metido con el remix que hicimos de TOKiMONSTA, “Giving Up“, es un track supercool, sobre todo por la gente que participó en ese disco y en ese tema. TOKiMONSTA tiene una buena propuesta, y aunque no es nuestro género, está padre poder colaborar con lo que nos están proponiendo, cuando nos llegó el remix estábamos muy emocionados.

Síguelos en twitter @TOMandCOLLINS @jpescudero  @jorgecorralr y entérate de sus próximos proyectos.

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