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Los métodos empíricos de Bob Moses


El dúo canadiense de música electrónica conformado por Jimmy Vallance y Tom Howie regresará a la Ciudad de México para presentar ‘Battle Lines’, su más reciente producción discográfica.


POR Pablo Monroy  



Foto: cortesía Domino / Bob Moses

Los métodos empíricos de Bob Moses

Battle Lines —próximo álbum de Bob Moses— se gestó durante la extensa gira que la banda realizó para promocionar Days Gone By, su LP anterior. Viajando y conociendo a los fans comenzó la inspiración para crear este nuevo material. Las historias y experiencias que vivieron tras recorrer el mundo los hizo más fuertes y los unió más que nunca. Con este bagaje decidieron empezar a escribir nuevas canciones y fueron percibiendo el impacto que su música tuvo en la gente: “Ver cómo las canciones que escribimos han impactado a personas alrededor del mundo es lo más importante para nosotros, así nació este nuevo disco”, declara Jimmy Vallance.

Foto: Instagram Bob Moses

El título de Battle Lines surge por la situación en la que se encuentra la sociedad mundial actualmente: “Mientras escribíamos este disco y viajábamos por el mundo sentimos el ambiente en el que se encuentra el planeta y vimos todas las batallas por las que pasa la gente, tratamos de hacer que las personas no se sientan tan solas. En mi caso, siempre que me siento solo, volteo a la música. Creo que tras ver el estado de nuestro planeta presentamos esto como nuestra manera de ayudar a la gente, para que pueda encontrar ánimo, venga a los shows y comparta ese ánimo con nosotros”.

El dúo que encuentra sus principales influencias musicales en bandas como Nine Inch Nails, Oasis, Nirvana y The Chemichal Brothers regresa a México con la emoción de encontrarse con una audiencia que desde el principio los ha apoyado: “No sé qué es, los mexicanos siempre se vuelven locos, no hemos tenido ninguna mala presentación allá, siempre ha ido mucha gente. Incluso desde los primeros shows que dimos en México mucha gente iba y ya se sabía las canciones, es increíble tener ese tipo de apoyo desde el principio”.

“Heaven Only Knows” y “Back Down” son los primeros dos sencillos del nuevo álbum, y para Jimmy todos los tracks son muy especiales, son como sus hijos. El músico cree que estas dos canciones expresan bastante bien el estilo del disco que hicieron: “Tratamos de presentar las cosas de una manera en que la gente entendiera el concepto del disco, ‘Heaven Only Knows’ puede ser una canción que suene mainstream por decirlo de alguna manera, pero para nosotros simplemente es una canción que nos gustó mucho, queríamos ver qué pensaba la gente. Después salió ‘Back Down’, que es diferente pero ayuda a crear una idea de lo que será todo el álbum”.

Tom y Jimmy se han dado cuenta de que escribir música juntos y coincidir en ideas para construir un sonido conjunto es su parte favorita del proceso: “Hacerlo con alguien más, colaborar en escribir historias juntos y de una forma resolver estos rompecabezas, no hay mejor sentimiento que cuando crees que lo has hecho de la forma correcta”. En el caso de Battle Lines, “Don’t Hold Back” —una de las canciones que lo conforman— fue el tema que más emocionó a los canadienses mientras se encontraban en el proceso de escritura: “Muchas de las canciones fueron muy difíciles, así pasa a veces, pero en ocasiones es un proceso tardado. “Don’t Hold Back” fluyó muy rápido y lo disfrutamos bastante. Estábamos trabajando como en siete canciones a la vez y en todas tuvimos obstáculos, pero esa es la canción que escribimos en medio de todo eso”.

A pesar de que se han ganado un lugar importante dentro de la escena electrónica mundial, los integrantes de Bob Moses consideran que apenas están empezando y les gustaría tener una extensa carrera: “Si pudiera seguir tocando con Tom y estando de gira a los 80 años con mucho gusto lo haría”, menciona Vallance.

Battle Lines estará disponible este viernes 14 de septiembre en CD y LP de edición limitada, así como en formato digital. El dúo visitará la Ciudad de México el próximo viernes 2 de noviembre para presentarse en el Auditorio Blackberry. Puedes adquirir tus boletos aquí.


“Fresh Start”, la nueva canción de Joan Jett


Este es uno de los temas que formarán parte del la banda sonora del próximo documental de la cantautora estadounidense.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: cortesía Joan Jett

“Fresh Start”, la nueva canción de Joan Jett

Joan Jett compartió una nueva canción. Se trata de “Fresh Start”, pieza que formará parte de la banda sonora de Bad Reputation. Este documental hablará sobre su experiencia como fundadora y miembro de las bandas californianas The Runaways y Joan Jett & the Blackhearts, así como su evolución artística y algunas anécdotas que ha vivido a lo largo de más de 40 años de carrera.

“Fresh Start” fue específicamente escrita para el documental y trata sobre las dificultades a las que se enfrentan las estrellas de rock cuando comienzan a envejecer. “A veces sólo necesitas decirte a ti mismo: ‘¿Todavía disfruto lo que hago? Necesito encontrar el fuego de nuevo’, dijo Jett acerca de este tema a Entertainment Weekly. “Parte de ello era acerca de sólo pensar acerca del rock en general. Siempre ha sido un juego para personas jóvenes, escribir acerca de sexo, amor y salir de fiesta. A medida que los rocanroleros envejecen, ¿sobre qué escriben? No estoy segura de que exista una respuesta, pero la estamos buscando”.

Este es el primer lanzamiento inédito de Jett en cinco años y sucede a Unvarnishead, decimosegundo álbum de estudio de la cantautora nacida en Pensilvania.

En Bad Reputation, Kevin Kerslake retratará la vida de Joan Jett desde sus inicios y sus primeros acercamientos a la música, pasando por el movimiento punk de los años sesenta. Así como la historia detrás de The Runaways y Joan Jett & the Blackhearts, su etapa como acto solista y su faceta como ejecutiva gracias a la fundación de su compañía Blackheart Records.

Personalidades como Billie Joe Armstrong, Iggy Pop, Kathleen Hanna y Alison Mosshart, expresan la gran admiración que sienten por la exlíder de Joan Jett & the Blackhearts, quien ha servido de inspiración para varias generaciones amantes del rock & roll.

Recientemente, la exlíder de Joan Jett and the Blackhearts llegó a un acuerdo con Sony Music y Legacy Recordings para distribuir algunos de sus más grandes éxitos en plataformas de streaming. Discos como Bad Reputation, I Love Rock ‘n’ Roll y muchos más, ya pueden ser disfrutados en Apple Music, Spotify y más.

Escucha “Fresh Start”, la nueva canción de Joan Jett:


Los miembros sobrevivientes de Nirvana se reúnen para tocar “Molly’s Lips” en vivo


Este tema fue originalmente interpretado por The Vaselines, una de las bandas favoritas de Kurt Cobain.


POR Jonathan Matamoros  



Los miembros sobrevivientes de Nirvana se reúnen para tocar “Molly’s Lips” en vivo

Dave Grohl y Krist Novoselic —miembros sobrevivientes de Nirvana— se reunieron para interpretar una de las canciones favoritas de Kurt Cobain: “Molly’s Lips”.


Este tema fue originalmente interpretado por The Vaselines, una de las agrupaciones predilectas de Cobain. El colectivo de grunge interpretó esta pieza en numerosas ocasiones durante sus primeros años y posteriormente la incluyeron en su compilado de descartes: Incesticide.

El encuentro entre Grohl y Novoselic ocurrió durante el concierto que Foo Fighters ofreció en su natal Seattle hace unos días, mismo donde Novoselic fue el encargado de abrir el show con su banda Giants.

“Esta es una canción vieja que no hemos tocado juntos en mucho tiempo”, dijo Dave a la audiencia mientras le daba la bienvenida a Krist al escenario. Esta es la segunda ocasión en que la dupla interpreta la pista junto a Foo Fighters. La primera vez ocurrió en 2015, durante una presentación en Escocia —país natal de The Vaselines.

Pat Smear, quien acompañó brevemente a Nirvana durante sus presentaciones en vivo entre 1993 y 1994, también formó parte del reencuentro.

Giants formará parte de Cal Jam 18, festival que el colectivo liderado por Dave Grohl ha organizado con la participación de Garbage, Billy Idol, Iggy Pop, Tenacious D, Greta Van Fleet y muchos más. Este evento ocurrirá en octubre.

Mira a Dave Grohl y Krist Novoselic tocar en vivo “Molly’s Lips” junto a Foo Fighters:


Múltiple personalidad


‘Demente y alma’: un espacio íntimo para compartir paranoias




Foto: play.roswellfilms.com

Múltiple personalidad

@AlexCarranco

¿Locura? ¿Lucha interna? ¿Trastorno? ¿Genialidad? Las respuestas tú las das o tu otra personalidad te bofeteará para tomar la palabra. Seguramente has cruzado diálogos con alguien que vive en una realidad alterna que no llegas a comprender. Pero cuidado, tal vez eres tú el que ha fragmentado el entorno para escuchar lo que quisiste o lo que te convenía. Diálogos que no comunican pero que confunden y marcan prejuicios o mentiras.

Afortunadamente, nuevamente la música está para curarnos, para alejarnos de esa paranoia en la que diversos temperamentos caminan sin rumbo como zombies en busca de cerebros.

Así lo demuestra un músico que se ha dividido, su historia y experiencia seguramente la conoces. Sus siete personalidades entraron a un estudio para tomar sus instrumentos y, sin protagonismos, se acoplaron en un solo tema. Le dieron “Play” a la creatividad.

El inquietante ritmo de vida de Dave Grohl (sí, ya sabes, el de Nirvana y Foo Fighters) lo ha hecho estructurar exitosamente varios proyectos tanto musicales como cinematográficos. Es así que dirigió un mini documental titulado Play (en dos partes). En él muestra la forma de vivir a lado de la música, la estrecha relación que se adquiere con un cierto instrumento. Hay varios ejemplos a lo largo de la historia de la música donde los artistas se enamoran de ese objeto y que gracias a las composiciones cobran vida para besar a sus creadores. Una relación mágica, estrecha y eterna.

Esta múltiple personalidad musical de Grohl edifica una sólida composición instrumental en la que él toca cada uno de los instrumentos (tres guitarras, percusiones, batería, teclados y bajo); el resultado es un tema de 23 minutos que viaja a través de ambientes y texturas llenas de rock pasando por mareas bajas y otras progresivas.

Foto: play.roswellfilms.com

Lo interesante de “Play” es su exposición en una página web donde escucharás el tema de una forma única. En ella puedes seleccionar la personalidad de Dave con su respectivo instrumento para escucharla/verla de forma aislada o acompañada por el resto de sus caracteres. Un audiovisual que con su juego sonoro cautiva y aplaudimos cada minuto de esta filmación. Además, puedes bajar las partituras y conocer las organizaciones que apoyan la educación musical. Esa fragmentación realmente está unida, la música es el pegamento para encontrar una salida exitosa. Sólo hay que soltar la primera nota y contestar una sencilla pregunta: ¿Eres Dave o Grohl?


P&R: Dave Grohl


El frontman de Foo Fighters sobre tatuajes faciales, el fin de la era del rock clásico y su favoritismo por Meg White.


POR Brian Hiatt  



Foto: Raph PH (Creative Commons)

P&R: Dave Grohl

Dave Grohl tuvo un día libre en Memphis, así que visitó Graceland, lo que lo hizo pensar que Elvis Presley fue alguna vez un niño con una guitarra tratando de lidiar con “el efecto que el joven estrellato puede tener”. Pero a diferencia de Presley y algunas otras almas torturadas, Grohl parece de algún modo construido para el largo recorrido, en parte porque simplemente disfruta mucho el viaje.

Actualmente se encuentra en una gira mundial con Foo Fighters, que lanzó el fuerte Greg Kurstin, productor de Concrete and Gold en septiembre. 23 años en la carrera de la banda, Grohl habla de los shows como si recién estuviera comenzando. “Probablemente no es bueno decirlo”, dice, “pero sinceramente, estoy escaneando a la audiencia toda la noche tratando de levantarlos a cada uno de sus asientos. Y si logro que una audiencia completa permanezca de pie durante tres horas, salgo del escenario como diciendo: ‘Fue un buen espectáculo. Los tuvimos jodidamente alborotados’”.

Entonces, ¿cuánto café has tomado hoy?
Tal vez seis tazas. Una cantidad razonable para comenzar mi día.

Estabas teniendo dolores de pecho inducidos por la cafeína. ¿Algún plan para acabar con eso?

Te das cuenta de que estás hablando con alguien que nunca ha consumido cocaína en su vida. Sólo imagínate lo que sucedería si tuviera mi cara en una montaña de esa mierda. No estaríamos hablando por teléfono ahora mismo. Pero después de mi diagnóstico de que debería tomar descafeinado, lo probé como una semana y llegué a la conclusión de que el descafeinado apesta.

¿Cómo te sientes al ver que los actos de rock clásico se retiran?
Lo pensé en el concierto del 12/12/12, donde tenías a todos los grandes: Paul McCartney, The Rolling Stones, The Who, Roger Waters. Y la mayoría de esas personas provienen de un marco de tiempo específico. Pensaba: “Bueno, Dios. ¿Eso significa que en algún momento se va a cerrar esa ventana y se va a disipar muy rápido?”.

¿Y has lidiado con la idea de que ustedes y bandas como Pearl Jam y Guns N’ Roses se pondrán en sus zapatos hasta cierto punto?
Nunca me pondría en esa categoría o ese escalón. Pero es extraño. Antes que nada, no puedo creer que aún seamos una banda de veintitantos años. Y no puedo creer que estemos tocando en arenas y estadios. Y que ha llegado a este punto en el que observo a la audiencia y ya no veo nada más playeras de Foo Fighters. Veo a personas en sus 60 y 70 años. Veo a niños que tiene 10 años, adolescentes y me parece que cuando venimos a la ciudad, la gente escucha que hay un espectáculo de rock y simplemente sale. Así que hemos llegado al punto en el que creo que representamos algo… general [risas]. ¿Ya sabes?

Llamaste a Lil Pump el nuevo punk rock. ¿Qué te gusta de “Gucci Gang”?
Pat Smear y yo tuvimos esta conversación ya que ambos nos convertimos en grandes admiradores de Lil Pump, porque imagínate poner-le un disco de Germs a tu padre, que era un músico de formación clásica. ¿Qué crees que pensaría? Cuando era un niño escuchando punk rock, lo único que quería era ruido y rebelión, ya fuera un death metal satánico o de noise industrial. Si alguien cavara en mi colección de discos, diría: “¡Esto es ruido!”. Me encantan los beats trap y un buen 808. Y una de las cosas que más me gusta de “Gucci Gang” es que dura dos minutos. Mira, no voy a salir y me voy a tatuar la cara en el corto plazo, pero si aparece “D Rose” de Lil Pump, lo hago.

¿Qué está pasando con la segunda temporada de Sonic Highways?
Bueno, hemos estado trabajando durante seis años, y… estoy bromeando. Esa puerta siempre está abierta. Y muchas cosas grandiosas han surgido de esa serie. Ahora hay niños en las escuelas de todo el país haciendo su propio Sonic Highways sobre las pequeñas ciudades donde viven. Todavía tengo el concepto para la segunda temporada, así que algún día.

Cuando tocas, digamos “Everlong”, ¿todavía te conectas con su emoción original?
Sí. Hay noches en las que piensas qué ingredientes están sobre la pizza en el autobús y si necesitas lavar la ropa mañana, pero cuando te lanzas a una canción como esa, inmediatamente te trae de vuelta. No somos robots. Lo que me sobresalta es cuando veo a la gente cantando letras con la misma emoción. Entonces, si me oyes reír a carcajadas en medio de una canción, es porque estoy tratando de no quebrarme totalmente como un tonto frente a todos [risas].

¿Qué harías si Geddy Lee y Alex Lifeson te pidieran que toques la batería para Rush en una gira?
Les diría: “No soy físicamente o musicalmente capaz, pero gracias por la oferta”. Neil Peart, es un animal completamente diferente, otra especie de baterista. Sé los arreglos, pero soy como Meg White para Neil Peart. ¡Y ella es una de mis bateristas favoritas! Ella es la baterista favorita de mi hija, también. Mi hija toca la batería con dos tipos de música: The White Stripes y AC/DC y pienso: “Eso es exactamente lo que debes estar haciendo”.


Dave Grohl comparte el tráiler de ‘Play’, su nuevo documental


En este material se puede ver al músico tocando siete instrumentos para crear una pieza de 23 minutos de duración.


POR Shanick Mota  



Dave Grohl comparte el tráiler de ‘Play’, su nuevo documental

Dave Grohl anunció el lanzamiento de un minidocumental que lleva por título Play, una pieza audiovisual divida en dos episodios en los cuales el músico nacido en Ohio habla sobre las dificultades, los retos y las satisfacciones que trae el dedicar tu vida a tocar un instrumento musical.

El material inicia con fragmentos en los que Grohl detalla su pasión y amor por la música y la relación que se construye con el instrumento que decides tocar, así como una explicación del proceso que siguió para crear una pieza de 23 minutos de duración, donde él mismo tocó todos los instrumentos. Dave comenzó grabando la parte de las percusiones, para después complementar el tema con guitarra, bajo y teclado. Esta interpretación se muestra sin pausas durante la segunda parte.

El audiovisual, editado en blanco y negro, fue dirigido por Mark Monroe, con quien Grohl ya ha colaborado anteriormente en la miniserie Sonic Highways. La captura de la imagen estuvo bajo el mando de Brandon Trost, conocido por su trabajo en The Disaster Artist y This is The End.

Acerca de este nuevo proyecto, Dave comentó: “Ver a mis hijos comenzar a tocar música y aprender a cantar o tocar la batería, me remonta a la época cuando tenía su edad y escuchaba discos, aprendía escuchando. Cuando llevo a mis hijos al lugar donde toman sus lecciones, veo estas salas llenas de niños que realmente se esfuerzan por aprender. Incluso ahora, como un hombre de 49 años, todavía estoy tratando de aprender… no es algo que realmente domines. Siempre estás persiguiendo el próximo desafío y tratando de encontrar una manera de mejorar lo que has aprendido”.

Play estará disponible a partir del próximo 10 de agosto a través de plataformas digitales. El 28 de septiembre se lanzará una edición especial en vinilo, la cual ya puede preordenarse a través de este enlace. Mira un nuevo adelanto de esta producción:

— Esta nota fue actualizada el 7 de agosto de 2018


Comparten un adelanto de ‘Bad Reputation’, documental sobre Joan Jett


Este filme llegará a salas de cine y a plataformas digitales el próximo 28 de septiembre.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: In the fight (Creative Commons)

Comparten un adelanto de ‘Bad Reputation’, documental sobre Joan Jett

La vida y obra de Joan Marie Larkin, mejor conocida como Joan Jett, serán plasmadas en un nuevo documental que llevará por título Bad Reputation. Este filme hablará sobre su experiencia como fundadora y miembro de las bandas californianas The Runaways y Joan Jett & the Blackhearts, así como su evolución artística y algunas anécdotas que ha vivido a lo largo de más de 40 años de carrera.

Kevin Kerslake fue el encargado de realizar esta producción. Anteriormente, el director de videos musicales ha colaborado con grupos como Pantera, Sonic Youth y Nirvana. En este corto adelanto, personalidades como Billie Joe Armstrong, Iggy Pop, Kathleen Hanna y Alison Mosshart, expresan la gran admiración que sienten por la exlíder de Joan Jett & the Blackhearts, quien ha servido de inspiración para varias generaciones amantes del rock & roll.

El nombre de este documental está inspirado en el álbum debut de la cantautora y productora nacida en Wynnewood, Pensilvania, el cual fue estrenado en 1980. En esta pieza, Kerslake retratará la vida de Jett desde sus inicios y sus primeros acercamientos a la música, pasando por el movimiento punk de los años sesenta. Así como la historia detrás de The Runaways y Joan Jett & the Blackhearts, su etapa como acto solista y su faceta como ejecutiva gracias a la fundación de su compañía Blackheart Records.

Joan relata al inicio del tráiler: “Cuando tenía 13 años, le pedí a mis padres una guitarra como regalo de Navidad. Después fui a tomar una clase y el hombre me dijo: ‘Las chicas no tocan rock & roll’, yo contesté: ‘¡Mierda!'”. A lo largo de los casi dos minutos que dura el clip, Jett habla sobre las dificultades a las que se tuvo que enfrentar en la industria de la música por ser una mujer, especialmente en un ámbito totalmente dominado por hombres. “Dime que no puedo hacer algo, y sabes, lo voy a hacer”, finaliza la cantautora estadounidense.

Bad Reputation tuvo su primera proyección durante la pasada edición del Festival de Cine de Sundance y llegará a salas de cine, plataformas digitales (iTunes y Amazon) y otros servicios de paga a partir del próximo 28 de septiembre. Mira el tráiler:


Una voz inolvidable


Chris Cornell ha partido pero nos quedan su música y palabras.


POR Ricardo Duran  



Foto: cortesía Universal Music

Una voz inolvidable

No todos los días nace un hombre con la voz de Chris Cornell, ni un compositor capaz de dar luz a joyas como “Hunger Strike” (al frente de Temple of the Dog), “Black Hole Sun” (junto a Soundgarden) o “Like a Stone” (con Audioslave). Y sobretodo, no todos los días podemos hablar con una de las voces más grandes del rock.

Por más de tres décadas Cornell dejó una huella muy profunda en nuestra historia; a mediados de los años ochenta ya estaba al frente de Soundgarden abriendo camino a una escena que –acabando con los infames ejércitos del glam– se comió el mundo en la primera mitad de los noventa y devolvió al planeta la fe en el verdadero rock & roll. Con ellos, con Pearl Jam, Nirvana y Alice In Chains, logramos recuperar la confianza que habíamos perdido en medio de tanta pestañina cursi. Hace poco hablamos con él a propósito de su visita a Colombia y este es un extracto de aquella conversación.

¿Recuerdas la primera vez que oíste música y fuiste consciente de
 que te gustaba lo que estabas escuchando?
Nací en 1964, había mucha música, y la que había en la radio era bastante loca… La primera vez que me interesó algo fue The Monkees; quizá tenía tres años. Recuerdo que no me gustaban, no entendía; me tomaba todo literalmente y obviamente no entendía las metáforas. Creo que la primera vez que oí a The Monkees había algo en ellos… había más guitarras, más melodías que se parecían a las de The Beatles… eso me gustó a una edad muy temprana, parecía algo diseñado para cautivar tus oídos y me llevó a oír a The Beatles.

Lo que me pareció interesante acerca de la música rock siendo tan joven, particularmente de las canciones de The Beatles es que eran muy sofisticadas, incluso para los estándares actuales de composición. Además, no tenía ninguna identidad adherida a ella; creo que los jóvenes siempre tratan de relacionar la música con su identidad; es lógico porque representa gran parte de la vida y es también lo que te atrae, pero yo no tenía eso durante los primeros años, me interesaba solo por la música, no por lo que representaba.

¿Cómo describirías a Seattle cuando comenzaste a tocar con Soundgarden?
Era una escena musical muy pequeña; todo era indie, había punk, punk alternativo y post punk. Y lo que pasó es que toda esa escena se convirtió en algo como “puedes hacer lo que quieras, siempre y cuando no sea ostentoso, que sea diferente a lo que se oye en la radio todos los días”. Se adoptó eso mucho más que otras ciudades. También había mucha diversidad, más de lo que la gente creía porque desde afuera solo se enfocaban en un puñado de bandas, pero para la época en que Soundgarden empezó en 1984, habían más bandas de las que imaginaban, y queríamos ser parte de ese tipo de expresión.

Seattle perdió a personajes muy talentosos como Kurt Cobain, Layne Staley y Andy Wood, entre otros, ¿cómo lograste sobrevivir a esos años tan tormentosos?
Mmm, no lo sé (risas), es una pregunta extraña… De cierto modo estaba viviendo mis sueños desde el comienzo, cuando encontré gente como yo que quería tener una banda y hacer estas cosas. A nosotros en Soundgarden, a diferencia de Nirvana o Pearl Jam, por ejemplo, nos tomó muchos años desde que empezamos a ensayar y escribir la primera canción hasta que nos volvimos conocidos a nivel mundial con Superunknown.

Fueron 10 años de un camino largo y empinado, y personalmente creo que ese camino fue bueno para mí, porque no tuve que sentir de un día para otro el peso del mundo sobre mis hombros o lidiar con ser un éxito comercial en todo el mundo.

Hay una crisis de identidad que viene con eso, no creo que todo el mundo esté preparado para eso. Tal vez exista gente que nace para eso, si uno es Elton John o David Lee Roth es porque nació para eso, de algún modo no lo sorprende volverse estrella de la música, pero eso no es muy frecuente.

Creo que la mayoría de gente que se vuelve famosa con la música sufre una crisis de identidad, eso cambia la forma de percibir el comportamiento humano, particularmente cuando uno está en televisión. La primera vez que Soundgarden apareció en televisión, en cuestión de 12 horas la gente me veía diferente, pero yo seguía siendo la misma persona, porque sabíamos lo que se sentía eso en una escala más pequeña.

Éramos celebridades en la escena local indie, en la radio universitaria; después las giras, cuando aparecimos en televisión, sabíamos lo que realmente significaba eso.

Creo que si eso te golpea súbitamente en la cabeza será difícil afrontarlo. Personalmente, y estoy hablando solo por mí, si hubiera tenido éxito de la noche a la mañana a los 20 años, seguramente no estaríamos teniendo esta conversación… muchas cosas habrían podido suceder. Me hubiera podido creer todo ese alboroto, hubiera podido creerme el más grande, y dedicar mi carrera a ser un cabrón… pero eso no ocurrió porque las cosas sucedieron de forma lenta y continua. Siempre sentí que tenía esa responsabilidad con los fans y estaba obsesionado con la idea de mantenerme el a mí mismo. Siempre he tenido en mente que no todas mis ideas son geniales, cuando uno tiene eso bien claro se esfuerza y trabaja por todo.

Después de todos estos años, ¿qué pasa por tu mente cuando tocas canciones como “Black Hole Sun”, “Hunger Strike” o “Like a Stone”? ¿qué imaginas cuando tocas esas canciones en vivo?
Esas canciones han llegado a tener vida propia, siento que cuando toco canciones viejas me remonto al momento en que las escribí y lo que significaban para mí; todos esos recuerdos llegan a mi mente cuando las toco, y a veces hay algo completamente nuevo, porque las canciones están evolucionando constantemente y siempre hay una sensación de frescura al tocarlas. Creo que siempre será un éxito encontrar un nuevo sentimiento dentro de ellas…

Siento que cada vez que escribo una canción estoy buscando algo, cuando grabo un demo es como el comienzo de la búsqueda, es el primer paso. Puede parecer que saqué algo que tenía adentro y que ya está lista la canción cuando está grabada, pero no es así. Dos años después, tocándola en vivo se convierte en lo que quería que fuera desde el comienzo, simplemente no era capaz de lograrlo.

Una canción necesita ser tocada, ensayada, interpretada de distintas maneras… todo eso para descubrir el potencial que tiene. Es una evolución, una composición musical es algo vivo, tiene su propia vida, es una cosa orgánica que no puedes controlar.

Creo que eso es lo interesante de la música, y eso me mantiene inmerso en ella todos los días, como cuando era niño. Muchos músicos y compositores piensan diferente y consideran que el día que grabaron la canción terminó todo, no permiten que cambie… pero ese no es mi caso, para mí es una evolución constante.


Frances Bean Cobain compartió nueva música


La hija de Kurt Cobain también anunció que lanzará más material próximamente.


POR Bárbara Romo  



Foto: Facebook Frances Bean Cobain

Frances Bean Cobain compartió nueva música

Frances Bean Cobain comparte todos los días novedades sobre su vida a través de su cuenta de Instagram. En los últimos meses, la heredera del rock también ha publicado avances sobre sus propios proyectos musicales; hace unos meses, compartió un fragmento de una canción escrita por ella en el aniversario de la muerte de su padre.

Al parecer, el tema aún no estaba a la altura de sus expectativas, ya que a las pocas horas de haber sido publicada, la eliminó. El día de hoy compartió un nuevo video en el cual cambia un poco la letra e incluye una guitarra acústica.

El video ya cuenta con más de 300,000 reproducciones y Cobain insinuó tener planes para empezar su carrera en la música. Cuando le preguntaron a la célebre hija de Kurt Cobain y Courtney Love “¿Alguna vez lanzarás una canción completa?”, ella respondió con un simple “Oh, sí”. En los comentarios del video, una persona comentó que el interés de las personas en su música era simplemente porque es hija de padres famosos, a lo que ella respondió: “Probablemente tengas razón sobre el hecho de que las personas pueden hacer suposiciones o conclusiones sobre mi arte porque están informadas sobre la trayectoria de mi vida… No a todos les debe gustar, no es un requisito al hacer y recibir arte”.

En una entrevista, le preguntaron a Frances sobre lo que cree que pensaría su padre sobre su arte y ella contestó: “No quisiera hablar en nombre de nadie. Lo que realmente me importa es lo que mi padre pensaría de mí como ser humano, al igual que toda la gente que me rodea”. Con respecto a la corta melodía, Frances asegura que debe ser tomada solamente como un post de Instagram y no como un adelanto oficial.

Mira el clip de la primera canción de Frances Bean Cobain a continuación:

https://www.instagram.com/p/BiVfhapgBgN/?utm_source=ig_embed


El nuevo material y gira de Jared Leto


El cantante de Thirty Seconds to Mars sobre su más reciente LP, los peligros de una gira a la ‘Spinal Tap’, y por qué está a la baja en Bitcoin.


POR Brian Hiatt  



Foto: Instagram Jared Leto

El nuevo material y gira de Jared Leto

El quinto y nuevo álbum de Thirty Seconds to Mars tiene lo que el vocalista Jared Leto llama “un título bastante cargado” y no está bromeando: America. También es el disco con más electrónica desde su debut homónimo en 2002, y su LP más pop-amigable, con apariciones especiales de Halsey, A$AP Rocky y la producción de una pista por Zedd. “No son necesariamente grandes himnos de guitarra”, dice Leto, recién llegado de Italia para una presentación con su banda.

“Durante mucho tiempo, quería hacer un álbum sobre el sueño americano y Estados Unidos como concepto, y como estaba a la mitad, pensé: ‘Creo que ahora estoy haciendo ese álbum’”.

En el sencillo “Walk on Water”, cantas “Making love with the devil hurts”. ¿Podrías explicar ese sentimiento?
Es la vieja historia sobre el conejo que quería montar un cocodrilo. Y al final se come al conejo y dice: “Soy un maldito cocodrilo. ¿Qué esperabas?”. Entonces, si haces un trato con el diablo, hay ciertas cosas que puedes esperar. “Walk on Water” es una canción sobre los tiempos en que vivimos.

¿Es posible que el diablo esté en la oficina Oval?
Podrías tomar eso como un ejemplo. Toqué en París para 15 mil personas, y me sorprendió lo fuerte que cantaron esa canción. Puedes escribir un tema sobre Estados Unidos, pero éstas son preocupaciones globales.

¿Qué te llevó a los sonidos electrónicos en este álbum?
Siempre me ha gustado esa mezcla, ya sea Depeche Mode o The Who usando sintetizadores, o Pink Floyd usando cualquier tecnología para llegar a donde la canción necesitaba ir. Además, los platillos fuertes y las guitarras distorsionadas no se traducen en este día y era. Si enciendes eso ahora, tus oídos comenzarán a sangrar.

¿No es eso realmente porque todo se está masterizando demasiado fuerte?
Tienes toda la razón. Era agradable subirle el volumen a Zeppelin o Nirvana en tu auto. Ahora todos se quejarían; es tan perforante, brillante. Creo que tiene algo que ver con las decisiones estilísticas que son penetrantes en la música actual.

¿En qué pop moderno y hip hop estás ahora?
Kanye siempre es una inspiración por su valentía. Y una de mis canciones favoritas en los últimos años ha sido “Bored in the U.S.A.”, de Father John Misty. No había escuchado ese tipo de verdad en una canción en mucho tiempo. En general, algunas de los temas más grandes del mundo ahora tienen, como tres instrumentos, incluida la voz. Estamos en este momento de minimalismo increíble, y para una banda que ha estado al máximo, es divertido experimentar en un nuevo territorio y romper nuestras propias reglas.

Nombraste tu gira después del nuevo y enorme tema instrumental “Monolith”. ¿Te inspiró Hans Zimmer?
No directamente. Con los temas instrumentales, le digo al ingeniero: “Disculpa, necesito tu silla por un momento”, y abro Pro Tools y empiezo, básicamente, a componer. Siempre me han gustado los soundtracks de Ennio Morricone y Tangerine Dream. Incluso me encantó Chariots of Fire cuando era niño. Y The Last Temptation of Christ es uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos. “Monolith” es la introducción de esta gigantesca escultura cinética que tenemos en medio de la arena en esta gira, y hay un monolito de 18 metros de altura en el edificio.

Entonces, ¿lograste no tener un Spinal Tap y terminar con un monolito de 18 metros?
Sí [risas]. Pero tenemos mucho de eso. Comenzamos jugando dentro de esta caja rectangular gigante. Hay un gran potencial para que nos atasquemos en esto. Pero nuestros conciertos son tan imprecisos que si ocurriera, probablemente se convertiría en el mejor espectáculo de la gira. Y luego enviaríamos la producción a casa y nunca más la usaríamos.

Filmaste Suicide Squad y Blade Runner 2049 mientras trabajabas en este álbum. ¿Algo de eso no te hizo “sangrar”?
Cuando me concentro en algo, lo hago por completo, y cuando hago música, soy parte mánager, comercial, creativo, escritor, músico, cantante y compositor. Lo disfruto y me vuelve loco muchas veces. Para este álbum, tenemos un documental filmado en todos los estados de Estados Unidos en un solo día, el 4 de julio del año pasado. Estamos en medio de la edición. Ha sido una avalancha de desafíos creativos increíbles. Probablemente el más duro que he trabajado en toda mi vida.

Como gran inversor tecnológico, ¿qué opinas sobre Bitcoin y las criptomonedas?
No me meto con cripto. Ese debería ser el nombre del álbum, realmente. Le pregunté a las dos personas más inteligentes que conozco, dos de las personas más exitosas del mundo y ambas tenían una opinión negativa al respecto. Lo cual no significa que esas dos personas no puedan estar equivocadas.

Como fan de The Smashing Pumpkins. ¿Qué piensas sobre la reunión sin D’arcy?
Yo no… Ni siquiera sabía que había una reunión. Lo siento.


Frances Bean Cobain estrena su primera canción


La hija de Kurt Cobain y Courtney Love compartió un fragmento de su nuevo tema a través de redes sociales.


POR Andrea Calderón  



Foto: Instagram Frances Bean Cobain

Frances Bean Cobain estrena su primera canción

Frances Bean Cobain, hija de Kurt Cobain y Courtney Love, publicó por primera vez una canción de su autoría.

A través de su cuenta oficial de Instagram, la joven de 25 años compartió un video interpretando un fragmento del nuevo tema. Esta no es la primera vez que la también modelo muestra su capacidad como cantante en redes sociales, a principios de este año, Frances publicó un video haciendo una versión de “Hallelujah”, mítico tema compuesto por Leonard Cohen.

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Frances Bean Cobain también mencionó que la composición y creación de este nuevo tema nació en un momento de inspiración: “No tener una televisión en mi casa ha sido la mejor decisión que he tomado, porque así me veo obligada a ocupar mi tiempo en cosas que alimentan mi mente y mi alma”, escribió para sus seguidores. “P.D. Por favor no roben mi pequeña idea, gracias”, finalizó el mensaje.

Este anuncio se da exactamente 24 años después de la muerte de su padre el 5 de abril de 1994. Kurt Cobain fue encontrado sin vida en su casa de Seattle el 8 de abril. Con su trágica muerte, el cantante impactó al mundo de la música y su nombre ingresó a la famosa lista del club de los 27, denominación que hace referenica al grupo de músicos célebres que comparten una fúnebre singularidad: haber muerto trágica y prematuramente a la edad de 27 años.

Escucha un fragmento de la nueva canción de Frances Bean Cobain:


10 curiosidades sobre Kurt Cobain


El líder de Nirvana cumpliría 51 años el día de hoy.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Kurt Cobain en el 'MTV Unplugged' de Nirvana

10 curiosidades sobre Kurt Cobain

Hoy hubiera sido el cumpleaños de Kurt Cobain y para celebrar su nacimiento, compartimos 10 datos curiosos sobre el líder de Nirvana.

Foto: Rolling Stone

1. Su madre le cantaba canciones de The Beatles, por lo que los ingleses fueron una inspiración para el artista. Más tarde copió algunas de las técnicas de grabación que utilizaba John Lennon para darle más potencia a su voz.

2. Después del divorcio de sus padres, Kurt comenzó a molestar a otros niños en la escuela y fue llevado a terapia. Le recomendaron vivir con uno solo de sus padres en vez de cambiar constantemente de ambiente. Después de esto, su madre le cedió la custodia al padre del músico.

3. Cuando era niño, Cobain tenía un amigo imaginario llamado Boddah y su carta suicida fue dirigida a este amigo imaginario.

4. El vocalista fue instructor de natación en su ciudad natal antes de lanzarse al estrellato en el mundo de la música.

5. Era fan de The Melvins y llegó a declarar que el primer concierto al que asistió fue uno de ellos. Audicionó para formar parte de la banda, pero fue rechazado.

6. Durante su juventud intentó unirse a la marina, pero su “exceso de entusiasmo” disuadió a los reclutadores, quienes le negaron la posibilidad de unirse.

7. Kurt Cobain se casó con Courtney Love usando una pijama verde, que años después su hija Francis utilizó para una sesión de fotos de la revista ELLE.

8. Tracy Marander, quien fuera novia del frontman en la época en que Nirvana lanzó el álbum Bleach, intentó convencerlo de buscar un trabajo ya que ella era quien lo apoyaba financieramente. La canción “About A Girl” está dedicada a ella.

9. La inspiración para “Smells Like Teen Spirit” proviene del aroma de una novia de Cobain. Kathleen Hanna (Bikini Kill y Le Tigre) escribió en la habitación del músico “Kurt smells like Teen Spirit”. Teen Spirit es una marca de desodorante, pero Kurt lo tomó como algo más revolucionario.

10. Después de su presentación en los MTV Music Awards de 1992, Cobain escupió en un piano que creyó que sería utilizado más tarde por Axl Rose. El piano resultó pertenecer a Elton John.


Los inimaginables héroes del rock


Cómo Portugal. The Man logró uno de los éxitos más grandes.


POR Joe Levy  



Foto: Maclay Heriot

Los inimaginables héroes del rock

La amistad entre John Gourley y Zach Carothers de Portugal. The Man se remonta a dos décadas atrás, cuando asistieron a la preparatoria juntos en Alaska. John es el guitarrista y cantante, Zach toca el bajo. Son el centro de la banda, ambos han estado trabajando en ella desde hace 13 años. Nos reunimos con Manville y el tecladista de PTM, Kyle O’Quin, además de Krule y otros amigos en un restaurante tailandés. El baterista Jason Sechrist, quien se acaba de convertir en padre hace 12 días, también se encuentra aquí. El guitarrista Eric Howk está en una boda. (Howk es parapléjico a causa de un accidente que sucedió 10 años atrás. Creció con Carothers y Gourley y empezó a tocar en Portugal. The Man desde 2015).

La comida y las cervezas llegan. Después más comida y más cerveza. En una noche parecida a esta —hace tres años durante un after que PTM organizó para Arcade Fire en Australia— la fiesta evolucionó a tal grado que la fiebre de la noche provocó que el mánager de la gira de Portugal. The Man los proclamara “Los Señores de Portland”. El nombre se quedó y tanto la banda como su equipo, ahora tienen tatuajes con esas mismas palabras. De hecho, la banda a veces toca pequeños shows bajo ese seudónimo. “Creímos que sería divertido crear una mentalidad como de pandilla, Portland es una ciudad tan pacífica que podemos conquistarla”, dice Carothers.

Los señores de Portland son una pandilla benéfica. De pronto la plática envuelve un viaje en el tiempo y recuerda una gira en la que los integrantes de la banda fueron testigos de la destrucción de los vestidores del recinto, no provocada por ellos, claro está. Gourley recuerda haber visto al guitarrista de una banda correr con una botella de vino, a punto de estrellarla contra la pared. El músico le sugirió cautela: “Me vio y dijo: ‘¡Rock & roll!’ y la rompió contra la pared. Yo sólo pensaba: ‘Alguien va a tener que limpiar eso'”.

La mañana siguiente, después de desayunar tarde, Carothers y Gourley se cortan el pelo. En un día se van a España, en donde tocarán en una noche de premios organizada por la estación de radio más grande de habla hispana en Europa. En una de las tantas barberías retro de Portland, los músicos tratan de no cruzar miradas mientras están en las sillas.

Ya tienen experiencia en eso. Los dos de 36 años, han pasado prácticamente la mitad de sus vidas juntos. Carothers era uno de los chicos populares en la preparatoria, mientras que Gourley era sumamente tímido. Incluso, tuvo que ser educado en casa por medio año debido al bullying que sus compañeros le hicieron en secundaria. Hablan de Alaska con una mezcla de respeto y alivio, por haberse cambiado a un lugar menos aislado en el mundo.

Gourley creció mudándose de un lugar remoto a otro, su padre manejaba compañías de construcción y construía hoteles para una compañía de cruceros. “Vivíamos tan lejos de las personas como podíamos”, recuerda. Usa la frase: “Tenía ansiedad social”, para describirse al crecer.

El padre de Carothers trabajaba para Pepsi. “Era el chico de la ciudad porque vivía cerca de Wasilla”. Comenzó a tocar guitarra al descubrir Nirvana, Beastie Boys y Rage Against the Machine. “Todas al mismo tiempo, fue como descubrir El Mago de Oz, comencé a ver en color”.

Carothers se mudó a Oregon en las primeras etapas de la universidad, después dejó la escuela para crear una banda en Portland, reclutando a Gourley en 2002. Cuando esa banda se desintegró llegó Portugal. The Man y salieron de gira implacablemente.

Hicieron cinco discos desde 2006 hasta 2010, tratando de hacer lo mejor posible descubriendo qué paso tomar en el transcurso del viaje. En 2010, firmaron con Atlantic, y comenzaron a grabar In the Mountain in the Cloud con el productor John Hill, quien había trabajado con Santigold y M.I.A. El hecho de colaborar con una disquera grande casi los destruye. Acostumbrados a hacer álbumes en 10 días, comenzaron a tener demasiado tiempo y las canciones eran revisadas millones de veces. “Ese fue el momento más oscuro de la banda”, relata Carothers.


Escucha cuatro extraños demos de Nirvana


Estos casetes incluyen grabaciones de la banda durante los años ochenta.




Foto: Facebook Nirvana

Escucha cuatro extraños demos de Nirvana

John Purkey, un viejo amigo de Kurt Cobain, compartió en su cuenta de YouTube (The Observer) una serie de extraños demos de Nirvana.

En los videos se escuchan grabaciones de la banda durante los años ochenta, casetes que posteriormente serían los pilares de Bleach, álbum debut de Nirvana. Aparentemente estas pistas se las entregó Cobain en persona.

Uno de los audios más intrigantes son las grabaciones de batería de Chad Channing en lo que parece ser las primeras tomas de Nevermind. Estos demos contienen cerca de cuatro horas de material. Algunas de las piezas de estas grabaciones son inéditas, pero estos demos han sido escuchados antes en su mayoría.

Escucha los demos a continuación:

Demo 1:

“Esta es la primera cinta que Kurt me dio. La calidad del sonido no es perfecta, pero no es tan mala. “Paper Cuts” es un poco raro al principio, fue exactamente como Kurt me lo dio. Me acostumbré. Después suena claro”, menciona Purkey.

Demo 2:

Demo 3:

https://youtu.be/a72afxjLEYQ

“Esta fue la grabación que me dio después de grabar canciones para lo que se convertiría en Bleach“, agregó John Purkey.

Demo 4:

“Grabado con Chad producido por Butch Vig. Creo que se conoce como el demo del estudio inteligente. Kurt comenzó el doblaje de alta velocidad. Se puede escuchar un pequeño error cuando presiona el botón de alta velocidad”, comentó John Purkey.


Escucha una grabación acústica de Nirvana nunca antes publicada


En este audio, Kurt Cobain y Dave Grohl interpretan los temas “Dumb” y “Polly”.


POR Andrea Calderón  



Escucha una grabación acústica de Nirvana nunca antes publicada

Hace algunos días apareció en la red el audio inédito de una presentación que Nirvana dio en 1991. En la grabación se escucha a Kurt Cobain acompañado de Dave Grohl interpretando “Polly” y “Dumb” en un concierto acústico.

El íntimo show se realizó el 1 de diciembre de 1991 en un pequeño bar de Edimburgo, el cual albergó aproximadamente 20 fanáticos. La banda realizó este set acústico con el fin de recaudar fondos para el hospital de niños de la ciudad escocesa.

Aunque ninguna grabación de esta presentación había aparecido en las últimas décadas, recientemente un sitio que cubre las noticias más importantes de la banda llamado LiveNirvana anunció que exactamente 26 años después del concierto la presentación finalmente había sido recuperada y publicada.

Además de “Polly” y “Dumb“, en la grabación también se puede escuchar un tramo de la canción “Jesus Does not Want Me for a Sunbeam“.

Escucha a continuación la grabación acústica de Nirvana:


50 Años de Cultura Pop


Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop, un recorrido por las figuras y sucesos más importantes del último medio siglo.


POR Staff Rolling Stone México  



50 Años de Cultura Pop

Levi’s® y Rolling Stone® México presentan la exposición 50 Años de Cultura Pop para celebrar:

• 50 años de la Trucker Jacket Type III de Levi’s®
• 50 años de la revista Rolling Stone®
• 15 años de la revista Rolling Stone® México

El mundo ha cambiado radicalmente en el último medio siglo. Todo lo que hoy es común, en esos años era imposible tenerlo a nuestro alcance. La música siempre ha estado ligada a la moda, cine, política y tecnología. A través de fotografías, citas, diseños, videos y música reviviremos los temas y sucesos más importantes desde 1967 a 2017. Una línea del tiempo que inicia en 1967, año significativo para Levi’s® y Rolling Stone® en la ciudad de San Francisco, Levi’s® lanza la famosa Trucker Jacket Type III y Rolling Stone® publica su primera edición con John Lennon vestido de militar en su primera plana. Además, Rolling Stone® imprime su primera revista en México en 2002. Década tras década viajaremos por la historia para conocer el surgimiento y evolución de la música, moda, cine, televisión y tecnología.

Para este festejo en conjunto, tendremos la exposición 50 Años de Cultura Pop, una exhibición de fotografías en vivo, imágenes icónicas de Rolling Stone®, videos, playlists de cada década, photo opportunities, colaboraciones de diseños de Trucker Jackets y jeans de Levi’s® realizadas por fundaciones de Harvey Milk y Andy Warhol e intervenciones de Jean Paul Gaultier y Damien Hirst, entre otros. Además de personalidades nacionales de la cultura popular, músicos, diseñadores y actores.

50 Años de Cultura Pop se exhibirá del 7 de diciembre de 2017 al 7 febrero de 2018 en el Foto Museo Cuatro Caminos [Ingenieros Militares 77, Lomas de Sotelo, Naucalpan de Juárez, Estado de México].

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