Archivo de la etiqueta: Patti Smith

La conmovedora verdad de Cat Power


En una íntima entrevista, Chan Marshall nos reveló los secretos detrás de ‘Wanderer’, la importancia del activismo político en Estados Unidos y su amistad con Lana Del Rey.


POR Noemí Contreras  



Foto: Stefano Giovannini

La conmovedora verdad de Cat Power

Wanderer, el décimo álbum de Chan Marshall –mejor conocida como Cat Power– está repleto de secretos e historias de dolor, pérdida, amistad, fragilidad y fortaleza. Chan hizo este disco después de que estuvo a punto de renunciar a la música y tras cambios importantes en su vida: terminó la relación de 20 años con su disquera, se convirtió en madre por primera vez y sufrió una pérdida que la marcó profundamente. Platicamos con la artista sobre lo que pasó durante este tiempo.

Han pasado seis años desde tu último álbum y han pasado muchas cosas en ese tiempo… ¿Cómo te han formado estos años para la creación de Wanderer?
Mi exdisquera me presionó mucho para lanzar un disco exitoso y lo hice. Sun se lanzó como Número 10 en la lista de Billboard. Yo no soy un artista Top 10, pero lo logré. Lo produje yo misma, no me dieron crédito por eso públicamente, lo cual fue muy difícil para mí, personal y artísticamente. Entonces me dijeron que necesitaban un nuevo álbum y yo descubrí que estaba embarazada, así que mientras salía adelante como un ser humano que eligió ser madre, imaginé un tipo de campo de fuerza a mi alrededor, supongo que era un instinto de protección porque llevaba el alma de otra persona en mi cuerpo. Al construir mi estudio en una casa que renté en Miami y tener a mi hijo, esa sensación de protección que finalmente me permití tener porque era madre, me ayudó con la separación completa de mi exdisquera y su presión para entregar otro disco exitoso.

De este modo pude ser completamente yo y hacer lo que sentía que tenía un propósito en mi vida: crear canciones, música, palabras, melodías que eran importantes para mí. Pensé en las personas que ya conocían mi música, personas a las que yo les importaba como artista, en mí misma y en el mundo al que estaba trayendo a mi hijo. Cuando alguien dice, “cuida a las personas que amas”, en realidad, es “cuida a las personas que te aman”. Y cuando noté lo sola que estaba, me di cuenta rápidamente de lo que era más importante, que era yo, mi salud y mi nuevo hijo, y por supuesto, en segundo lugar, mi yo creativo, mis canciones, mi arte.

¿De dónde viene el nombre del disco?
El nombre proviene de alguien de quien estaba muy enamorada y falleció de cáncer. Su madre, sus amigos y su hermana me habían pedido que cantara una canción, lo cual fue una de las cosas más difíciles que tuve que hacer porque era mi amigo y era muy joven, acababa de cumplir 28 años. Además, lo había mantenido en secreto, nadie sabía que estaba enamorada de él.

Hablé con la esposa de Nick Cave, Susie Bick, quien fundó The Vampire’s Wife y había perdido a su hijo un año y medio antes. Había estado haciendo vestidos durante mucho tiempo y finalmente había lanzado su línea de ropa, así que me acerqué a ella y le pregunté por el vestido específico en la portada del álbum. Usé ese vestido para el funeral y la fotografía en la portada fue tomada unos días antes de cantar para esta persona que amaba.

No sabía cómo iba a poder lograrlo, cómo aliviar el dolor. Así que la canción “Wanderer” fue escrita para este amigo que amé profundamente y que murió. Lo que nos queda en una pérdida es el recuerdo de un gran amor y con el recuerdo de un gran amor podemos avanzar. No podemos simplemente darnos por vencidos, tenemos que continuar esta vida entre el cielo y la tierra. Somos caminantes, ya sea si estamos vagando en nuestra mente, en nuestra alma, nuestro corazón, nuestro arte, nuestro trabajo, o literalmente caminando de un lugar a otro.

¿Y fue “Wanderer” la canción más desafiante para ti de este álbum?
Comencé a llorar cuando estaba cantando esta canción en la grabación. ¿Has sentido cuando tienes un nudo en la garganta? Cuando estaba cantando esta canción en la versión a capela, decidí cantarla de nuevo. Y dije: “Espera, déjame hacer otra toma”. Entré en la sala de control y pedí que reprodujeran esa primera toma a capela con un reverb. Y me tomó como 10 minutos hacerlo, era como soplar polvo en el viento, era tan fácil de hacer, tan simple, que fue lo más fácil de grabar. Tal vez fue difícil porque me hizo llorar, pero a veces eso no es lo más difícil de hacer, a veces sentir dolor o tristeza no es difícil, es muy natural.

Wanderer incluye la canción “Woman” con Lana Del Rey, tu compañera de gira y amiga. ¿Cómo ocurrió esta colaboración?
“Woman” fue la primera canción que comencé a grabar y la última canción con la que terminé. Cuando le di el álbum a mi exdisquera y lo rechazaron, dijeron que no era bueno, lo llevé a otros sellos que lo amaron y Domino fue la disquera que elegí. Pero “Woman” nunca fue parte de ese disco. Lana había entrado en mi vida en un momento en que realmente necesitaba compañerismo porque no sabía si iba a seguir haciendo música o no, no estaba segura de que este disco saliera a la luz. Se acercó a mí como amiga y sólo me dio una flor para que la sostuviera en mi corazón y para que supiera que no estaba sola en el panorama musical. Ella me recordó que soy relevante en este momento.

Cuando salí de gira con ella en Europa, me di cuenta de que quería pedirle que cantara en esta canción porque no sabía cómo entregarla al mundo. Es difícil pararse sola en la calle con tu cartel de protesta, así que le pedí a Lana que la cantara para que estuviera más disponible para el público, para ver la calidad multidimensional del mensaje de diferentes mujeres. Sabía que el público podía traducirlo conscientemente a otras mujeres, y podría sobrepasar mi historia o la historia de Lana y podría convertirse en la historia de cualquier mujer.

Tengo curiosidad por tu canción “Me Voy”, cuyo título está en español. ¿Cómo surgió?
He estado tocando la guitarra que se escucha en la canción durante años. La obtuve por 40 dólares, creo que en Memphis. Tiene cuerdas de nylon y es una guitarra muy bonita. Y he estado tocando ese pasaje musical por muchos años, y por lo que sucedió (lo que mencioné sobre mi amigo que falleció) y la forma en que me sentía por ciertas cosas sobre mi país y cómo sentía que ciertas personas en mi vida me habían quitado demasiado. ¿Conoces esa expresión cuando la gente confunde amabilidad con debilidad? En esta canción, el coro es para esas personas. Y la razón por la que canto en español es porque es una guitarra flamenca, y aunque podría cualquier idioma, qué idioma más antiguo y más bello para cantar que el español.

He visto lo políticamente activa que eres en las redes sociales, especialmente contra Trump y a favor de los derechos de las mujeres. ¿Crees que esto es parte de la obligación de ser una artista?
Sí. Cuando era más joven, hace unos 20 años, Patti Smith me dijo: “Chan, es nuestra responsabilidad como artistas hablar porque es el único lugar donde tienes total libertad”. Sí, pueden despedirte de un trabajo, pero aún puedes escribir libros y cantar canciones sobre lo que es correcto. Personas (como el jugador de fútbol Colin Kaepernick) pueden ser despedidas, expulsadas y puestas en una lista negra por defender lo correcto. Porque aparentemente en este país, puedes ser el presidente Trump y puedes hacer lo que quieras.

Cuando era más joven, por supuesto que quería tener una voz para poder hablar más alto, y no había un formato. Y ahora hay un formato, y no sólo soy yo, hay muchas personas que comparten mucha información diariamente que necesitamos saber y necesitamos compartir para ayudarnos a posicionarnos colectivamente en contra de esta actual tiranía repugnante. Algunas personas se burlan y dicen: “Es sólo activismo de las redes sociales”. ¿Y sabes qué? Puedes decirles a todas estas personas que se vayan a la mierda, porque parte del punto es hacer un cambio consciente de nuestra propia forma de pensar y avanzar hacia un lugar con más justicia.

Durante años, mis amigos me dijeron que estaba loca por interesarme y estar atraída por cosas que realmente me importaban a nivel global. Y puedo decirte una cosa: cuando Trump llegó a la presidencia, todos y cada uno de mis amigos que me habían llamado loca, estaban en la marcha de las mujeres. Ese cambio mental, ese empuje constante de lo que es justo, correcto y bueno, hace algo inconsciente en la conciencia de las personas. Tiene un propósito. Así que te agradezco que lo menciones.


The Cure lanzará un nuevo álbum en 2019


Robert Smith dijo que él y sus compañeros volverán al estudio para terminar lo que será su decimocuarta producción discográfica.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: cortesía Universal Music

The Cure lanzará un nuevo álbum en 2019

Durante una entrevista para BBC 6 Music, Robert Smith confirmó que The Cure tiene planes de lanzar un nuevo material discográfico muy pronto. El líder y vocalista de la banda británica incluso declaró que ya reservaron tiempo en el estudio para comenzar con la grabación de algunos temas que él mismo escribió.

Robert aseguró que el deseo de crear nueva música llegó tras sentirse inspirado por sus actividades como curador del cartel de la próxima edición del festival Meltdown, que se llevará acabo en junio. Al respecto, Smith comentó: “De repente me enamoré de la idea de escribir nuevas canciones, escribir otra vez me ha resultado muy emocionante”.

“Volveremos al estudio en unas seis semanas para terminar lo que será nuestro primer álbum en más de una década. Es una época muy emocionante para todos nosotros”, dijo Smith para SiriusXM y agregó que el ver a las nuevas bandas durante el festival Meltdown lo inspiró a crear algo nuevo. 

La discografía de esta icónica agrupación está compuesta por trece álbumes de estudio, y desde 2008 los ingleses han estado alejados de los estudios de grabación, después de que publicaran 4:13 Dream.

Smith explicó que prefiere no forzar el proceso creativo: “Algunos temas son realmente buenos, otros no tan buenos, puede que algo salga de esto. Nunca he querido estar en una posición en la que me vea obligado a escribir, nunca me he sentido cómodo con eso. Esto es producto de mi inspiración”.

El próximo año, The Cure encabezará varios festivales alrededor del mundo, destacando el Rock Werchter, NOS Alive y Mad Cool Festival. Se espera que la icónica banda británica anuncie más fechas en los próximos meses. 

Durante una entrevista para BBC 6 Music, Robert Smith confirmó que The Cure tiene planes de lanzar un nuevo material discográfico muy pronto. El líder y vocalista de la banda británica incluso declaró que ya reservaron tiempo en el estudio para comenzar con la grabación de algunos temas que él mismo escribió.

Robert aseguró que el deseo de crear nueva música llegó tras sentirse inspirado por sus actividades como curador del cartel de la próxima edición del festival Meltdown, que se llevará acabo en junio. Al respecto, Smith comentó: “De repente me enamoré de la idea de escribir nuevas canciones, escribir otra vez me ha resultado muy emocionante”.

“Volveremos al estudio en unas seis semanas para terminar lo que será nuestro primer álbum en más de una década. Es una época muy emocionante para todos nosotros”, dijo Smith para SiriusXM y agregó que el ver a las nuevas bandas durante el festival Meltdown lo inspiró a crear algo nuevo. 

La discografía de esta icónica agrupación está compuesta por trece álbumes de estudio, y desde 2008 los ingleses han estado alejados de los estudios de grabación, después de que publicaran 4:13 Dream.

Smith explicó que prefiere no forzar el proceso creativo: “Algunos temas son realmente buenos, otros no tan buenos, puede que algo salga de esto. Nunca he querido estar en una posición en la que me vea obligado a escribir, nunca me he sentido cómodo con eso. Esto es producto de mi inspiración”.

El próximo año, The Cure encabezará varios festivales alrededor del mundo, destacando el Rock Werchter, NOS Alive y Mad Cool Festival. Se espera que la icónica banda británica anuncie más fechas en los próximos meses. El día de ayer se anunció que la agrupación finalmente ingresará al Salón de la Fama del Rock & Roll en 2019.


“El punk se ha gentrificado”: Marky Ramone en México


El exintegrante de la mítica banda punk se presentará el próximo 13 de diciembre en El Plaza Condesa para interpretar los mejores éxitos de los Ramones.


POR Héctor Elí Murguía  



“El punk se ha gentrificado”: Marky Ramone en México

Marky Ramone, baterista conocido por formar parte de la alineación de los Ramones desde 1978, regresará a Ciudad de México después de tocar el año pasado en el Vive Latino para ofrecer un show que alimente la nostalgia de todos los seguidores del punk.

Con motivo de esta visita, hablamos con él sobre sus inicios, cómo se ha transformado el concepto del género musical y cuál es su problema en la actualidad, así como de sus principales virtudes como músico.

Acerca de sus más vibrantes recuerdos del nacimiento de la escena punk en Estados Unidos, Marky comenta: “mi primer disco lo grabé en la preparatoria con Dust, una de las primeras bandas que tocaba en el CBGB”, la meca de ese movimiento musical del cual emergieron bandas como Talking Heads, Patti Smith, Television, Blondie, entre otros.

“Nos separamos. Técnicamente no teníamos los mejores músicos pero sí un estilo muy particular. Después entré a The Voidoids, donde pude encontrar la energía que necesitaba”, menciona. Antes de entrar a los Ramones y adoptar el apellido que hoy mantiene, Marky destacó en la escena neoyorquina al ser considerado para reemplazar a Billy Murcia, baterista de The New York Dolls que falleció en 1972.

Dentro de su lista de canciones propias favoritas, el músico conserva “Blank Generation”, un track que compuso junto al guitarrista Johnny Thunders, “I Wanna Be Sedated”, “Rock And Roll High School”, “The KKK took my baby away” y “Pet Sematary”.

“Siempre trataba de tocar distinto. No me obstinaba con una sola idea de cómo hacerlo. Intentaba aprender de escuchar todo tipo de música; desde bandas como Yes hasta blues, música clásica, lo que venía de la invasión británica. Todo para aprender y encontrar así mi sello personal”, señala.

Sobre Yes, representantes del rock progresivo —género que veía emerger algunas de sus más grandes obras al mismo tiempo que el punk— y el contraste que existía en los años setenta, donde también brotaron estilos como el disco y hasta el glam, Marky agrega: “El punk se trata de decir lo que dices en solo cuatro instrumentos. Es una suma de poderes sin pretensión a comparación de otro tipo de música como el progresivo, Emerson Lake & Palmer y esas cosas”.

“El punk se ha gentrificado. Hay muchos que se visten con Converse, tienen tatuajes y usan lentes oscuros y eso no es ser punk, así no funciona”, señala sobre la concepción de todo un movimiento social del cual se considera un personaje histórico.

“Hay muchas bandas de punk que son reales por lo que dicen, pero hay otras que no. Algunos que se involucran en el ámbito social y político, pero todo lo que tienen que decir está relacionado con el odio y eso no está bien”, menciona sobre la gestación de nuevas agrupaciones del género. “Por supuesto, tiene algo que ver con esta administración (el gobierno de Donald Trump). Los (supremacistas) blancos y el KKK están sobre nosotros, rodean la escena y de eso no se trata el punk”.

Sobre cómo formar un estilo único, Marky es enfático cuando es cuestionado sobre la originalidad de bandas como Greta Van Fleet, que ha sido criticada por imitar el sonido de bandas de la antigüedad como Led Zeppelin: “No me gusta que las bandas copien a otras bandas, cada quien debería tener su propio estilo. No me importa quien sea, no habrá otro Led Zeppelin, así que si ellos le copian a Led Zepp muy bien, pero deberían mostrar un poco de su propia personalidad”.

“Escuchar de todo forma de pronto tu estilo, tu propia personalidad. No es una sola persona diciéndote qué hacer, nunca me gustaron los maestros, pero por mi cuenta escuchando mi radio, así empecé”, concluye el baterista.


Patti Smith, Bruce Springsteen y Michael Stipe compartieron el escenario


Esta colaboración ocurrió durante la presentación del nuevo documental de Patti Smith, ‘Horses: Patti Smith and her band’.


POR Andrea Calderón  



Fotos: EJ Hersom / Blondinrikard Fröberg / Alberto Cabello / Wikimedia Commons

Patti Smith, Bruce Springsteen y Michael Stipe compartieron el escenario

Patti Smith estrenó un documental para celebrar el 40 aniversario de su álbum debut Horses.

Horses: Patti Smith and her band mostrará una recopilación de los shows en vivo que Smith preparó para homenajear el lanzamiento de Horses, los cuales fueron grabados en el Teatro Wiltern de Los Ángeles. El documental estará disponible en exclusiva a través de Apple Music el próximo 22 de mayo.

Patti presentó el documental en el Festival de Cine de Tribeca, el cual se llevó a cabo en el Beacon Theatre de Nueva York. La cantautora aprovechó la ocasión para invitar al escenario a dos músicos muy importantes.

Bruce Springsteen fue el primer invitado de la noche, quien interpretó “Because The Night” (canción coescrita junto a Smith). Al terminar dicha presentación, ambos músicos llamaron al escenario a Michael Stipe, exvocalista de R.E.M, para cantar “People Have the Power”.

Minutos antes de interpretar el tema, la madrina del punk compartió un mensaje con el público presente: “Personas individuales pueden inspirar a otros pero son las millones de personas unidas las que crean un verdadero cambio”.

Smith también interpretó “Dancing Barefoot”, “For What It’s Worth”, “Pissing in a River” y “Land / Gloria” durante esta presentación.

Mira a Patti Smith y Bruce Springsteen interpretar “Because The Night”:

Mira a Patti Smith, Bruce Springsteen y a Michael Stipe interpretar “People Have the Power”:


The Cure confirma planes para grabar nueva música


Robert Smith habló sobre The Cure y la celebración de su 40 aniversario como banda.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Facebook Metdown

The Cure confirma planes para grabar nueva música

Durante una entrevista para BBC 6 Music, Robert Smith confirmó que The Cure tiene planes de lanzar un nuevo material discográfico muy pronto. El líder y vocalista de la banda británica incluso declaró que ya reservaron tiempo en el estudio para comenzar con la grabación de algunos temas que él mismo escribió.

Robert aseguró que el deseo de crear nueva música llegó tras sentirse inspirado por sus actividades como curador del cartel de la próxima edición del festival Meltdown, que se llevará acabo en junio. Al respecto, Smith comentó: “De repente me enamoré de la idea de escribir nuevas canciones, escribir otra vez me ha resultado muy emocionante”.

La discografía de esta icónica agrupación está compuesta por trece álbumes de estudio, y desde 2008 los ingleses han estado alejados de los estudios de grabación, después de que publicaran 4:13 Dream.

Smith explicó que prefiere no forzar el proceso creativo: “Algunos temas son realmente buenos, otros no tan buenos, puede que algo salga de esto. Nunca he querido estar en una posición en la que me vea obligado a escribir, nunca me he sentido cómodo con eso. Esto es producto de mi inspiración”.

Esta notica ha emocionado a sus fanáticos, quienes también tendrán la oportunidad de ver el acto en vivo que Smith ha preparado junto a The Cure en Meltdown. En este festival también estarán presentes grupos como Nine Inch Nails, Deftones, Placebo, The Libertines y My Bloody Valentine. “Seré yo y otras cuatro personas que conozco muy bien, tocando principalmente canciones de The Cure. Exploraremos algunas de las canciones que casi no tocamos o que nunca hemos tocado en vivo. Queremos que esa presentación involucre instrumentación totalmente nueva y diferente”, mencionó Robert.

Smith también habló sobre los planes que tiene el proyecto para celebrar sus 40 años de trayectoria: “¿Qué deberíamos hacer? ¿Volver a Crawley? (Donde comenzó todo). ¿Tocar en el bar donde realizamos nuestra primera presentación como The Cure? O quizá deberíamos hacer algo grande y tocar en todas las capitales del mundo”.

Robert Smith se encuentra optimista acerca del futuro de la agrupación, pero aclaró que no lanzarán ningún material si no es lo suficientemente bueno: “El próximo año es el cuarenta aniversario de nuestro primer álbum (Three Imaginary Boys). Si para entonces no hemos lanzado algo aún, entonces significa el fin para nosotros. Si llegamos a ese punto, no creo que The Cure vuelva a lanzar algún otro disco más adelante”, comentó el vocalista.


Grandes compositoras de la música


Hoy rendimos homenaje a estas artistas que con su arte buscan erradicar estereotipos y hacer que la igualdad de género sea una realidad.


POR Andrea Calderón  



Grandes compositoras de la música

A lo largo de la historia, el mundo de la música ha sido dominado principalmente por el género masculino. Sin embargo, eso no demerita el valor y talento con el que varias mujeres han ejecutado su arte, el cual ha sido capaz de sobrepasar dichas fronteras.

Cada una de ellas ha realizado con su música una declaración de guerra, un grito que lejos de buscar un conflicto entre géneros busca la igualdad y respeto entre ambos. Ejemplos de mujeres que han soñado con crear grandes himnos, que han roto barreras y han abierto el camino para nuevas generaciones.

Presentamos siete grandes compositoras que han aportado su talento a la historia de la música contemporánea.

Patti Smith

Una figura clave en la historia de la música y del desarrollo del género femenino. Patti Smith es considerada como una de las artistas más sobresalientes de la escena punk en los años setenta, etiqueta que sigue portando con orgullo hasta hoy en día. Su impacto es difícil de medir, inspirando a infinidad de artistas y bandas tan diversas como The Smiths, R.E.M. o Garbage. Su imagen andrógina y poco femenina desafió los estereotipos impuestos por la sociedad de aquella época. Además de sus grandes aportaciones a la música, la originaria de Chicago se desenvuelve en otras artes como la poesía, actuación y periodismo.

Joni Mitchell

La canadiense Roberta Joan Anderson –o mejor conocida en el mundo de la música como Joni Mitchell– comenzó su carrera cantando en clubs y bares de Toronto a los 19 años. Con el paso del tiempo logró ser reconocida por su estilo innovador, mostrando su talento como pocas. En la década de los sesenta y setenta, Joni se convirtió rápidamente en una de las figuras más importantes del folk a la par de figuras como Bob Dylan. Su álbum más importante, Blue (1971), ha sido reconocido por críticos musicales como uno de los mejores álbumes de la música contemporánea, además de contener gran valor icónico como sólido representante del movimiento feminista. Quizá la cualidad más grande de la artista de 74 años es la capacidad para componer de manera sobresaliente, siendo las críticas sociales y políticas temas constantes en sus composiciones.

Stevie Nicks

Hablar de Stevie Nicks es hablar de una de las mujeres más importantes en la historia de la música. Su potente voz y único estilo abrió el camino y sirvió de inspiración para artistas como Cyndi Lauper y Madonna. El nombre de esta compositora se volvió famoso en los años setenta cuando fungió como la voz principal de Fleetwood Mac, escribiendo algunas de las canciones más populares de la agrupación. Tiempo después decidió separarse de la banda y emprender un proyecto en solitario, logrando el éxito de manera casi inmediata. Su monumental irrupción en solitario, una profunda fijación en la estética de cada uno de sus videoclips y esa imagen que se desenvolvía entre lo gótico y lo sensual le han hecho ser nombrada como “La dama del rock”, título que permanece con ella hasta hoy en día.

Kate Bush

La cantante y compositora británica Kate Bush tenía 19 años cuando debutó como cantante solista, colocándose en los puestos más altos de popularidad con su sencillo “Wuthering Heights” en 1978. Marcada por un estilo art rock altamente visual, la discografía de Bush consta de 11 álbumes que han logrado convertirla en una de las figuras más importante en la música. Galardonada con premios como el Brit Award en 1987 y el premio Ivor Novello en el 2002, la imagen de Bush sigue presente con una trayectoria profesional que destaca por su calidad artística. A pesar de que su fama a nivel mundial no llegó a consolidarse, Bush es considerada un punto clave de inspiración para varias figuras de la música contemporánea.

Alicia Keys

Alicia Augello Cook, mejor conocida como Alicia Keys, es una de las cantantes más reconocidas de los últimos años. Ya sea por su gran voz o su gran capacidad como compositora, la neoyorquina siempre se ha caracterizado por ser una fiel representante del R&B y el soul, además de una aguerrida defensora de los derechos de las mujeres afroamericanas. Keys ha colaborado para una gran lista de artistas como Usher y Christina Aguilera. Además, su talento se desenvuelve entre la actuación y la música, siendo galardonada con numerosos premios entre los cuales sobresalen sus 15 premios Grammy.

Sia

Poco saben de la participación e influencia de Sia Furler detrás de algunos de los temas más exitosos de los últimos años. La creatividad de esta australiana no se limita a un solo rubro, desarrollando su carrera como cantante, productora y compositora de manera sobresaliente. Fue hace 17 años cuando Sia comenzó su carrera como solista, cosechando algunos éxitos en el Reino Unido, para que en 2014 lanzara 100 Forms Of Fear, un disco que la consagraría como artista. El álbum fue aclamado por la crítica y sencillos como “Chandelier” y “Elastic Heart” la colocaron rápidamente en los puestos más altos de popularidad. Fue en 2007 cuando Sia empezó a coescribir con Christina Aguilera “Bound to You” para la banda sonora de la película Burlesque, canción que fue nominada al Globo de Oro. Desde entonces ha coescrito con estrellas del pop como Britney Spears, Katy Perry, Jessie J, Beyonce, Rihanna y Jennifer López, entre otras.

Linda Perry

Linda Perry comenzó su carrera como miembro de la banda 4 Non Blondes, convirtiéndose en uno de los rostros más populares de la música de los años noventa. El videoclip de la canción “What’s Up?” es uno de los más recordados y su influyente estilo impregnó de originalidad la época. Después de separarse de la agrupación en 1995, la artista decidió formar una compañía discográfica, convirtiéndose en una de las mujeres más poderosas en la escena musical, abriendo el camino para todas aquellas mujeres que querían introducirse de lleno en el mundo de la producción musical. Perry es responsable de varios éxitos en la carrera de distintas personalidades como Gwen Stefani, Pink, Courtney Love, Ariana Grande, Christina Aguilera y Alicia Keys.


The Smiths tendrá su propia novela gráfica


El libro fue escrito por el artista Con Chrisoulis y narrará la adolescencia de los músicos antes de que se convirtieran en artistas famosos.


POR Andrea Calderón  



The Smiths tendrá su propia novela gráfica

En los próximos días, los seguidores de The Smiths podrán adquirir una novela gráfica sobre los inicios de la banda. Titulada Tales of the Smiths: A Graphic Biography, este proyecto ilustrará los primeros años del grupo integrado por Morrissey, Johnny Marr, Andy Rourke y Mike Joyce.

El libro fue escrito por Con Chrisoulis, un artista originario de Australia que se desenvuelve en varias disciplinas como el dibujo y la escritura. Chrisoulis es conocido por tocar temas como la injusticia social, la guerra y la corrupción política, pero en los últimos años se ha interesado por ilustrar la vida de distintas personalidades de la música y el entretenimiento. En 2016, el artista comenzó a trabajar en Rebel Rebel, una biografía gráfica de David Bowie.

Tales of The Smiths: A Graphic Biography contará a través de 464 páginas “las historias de músicos adolescentes que se convertirían en The Smiths” e incluye una introducción escrita por el exbaterista de The Fall, Simon Wolstencroft. Antes de su lanzamiento oficial (el 22 de marzo), Chrisoulis ha compartido un adelanto de la novela a través de redes sociales.

La novela también cuenta historias sobre las bandas que influenciaron a los integrantes de The Smiths, como fue el caso de New York Dolls, Nico, Sex Pistols, Patti Smith y más. Otros temas importantes que la novela narra son el encuentro entre Morrissey y Johnny Marr, la formación de la banda en 1982 y su primer concierto oficial como The Smiths.


Mira a Patti Smith interpretar “People Have the Power” en vivo


La cantautora tocó este tema al lado de sus hijos.


POR Bárbara Romo  



Mira a Patti Smith interpretar “People Have the Power” en vivo

Patti Smith hizo una aparición inesperada en el programa The Tonight Show, donde interpretó su clásico “People Have the Power“, tema incluido en su álbum de 1988, Dream of Life.

La cantautora fue acompañada en el escenario por sus hijos, Jackson Smith en la guitarra, Jesse Smith en el teclado y Questlove de The Roots en la batería.

Smith se encontraba en Nueva York debido al concierto organizado en honor a su difunto esposo y exmiembro de MC5, Fred “Sonic” Smith.

Mira a Patti Smith interpretar “People Have The Power” junto a sus hijos:


“La música es una fuerza revolucionaria”, palabras de Lenny Kaye, guitarrista de Patti Smith


El músico habló de proyectos individuales y su colaboración de más de 40 años con la cantautora.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Cortesía de kurimanzutto

“La música es una fuerza revolucionaria”, palabras de Lenny Kaye, guitarrista de Patti Smith

Por Jorge R. Soto

Como en sus inicios, Lenny Kaye acompañó a Patti Smith con su guitarra, en el ciclo Poesía en voz alta “Sesiones del café La Habana”, el cual forma parte de la iniciativa Sonora 128 de kurimanzutto que se realiza en la Ciudad de México hasta el 30 de noviembre. El músico habló de proyectos individuales y su colaboración de más de 40 años con la cantautora, expresando su enorme admiración: “Soy muy afortunado en ser parte de su mundo porque desafía cualquier definición con su poesía, su música, su arte y sensibilidad. En esta etapa de nuestra vida creativa somos como hermanos. Hemos pasado por tantas cosas, que nuestra comunicación en el escenario es telepática. Es un privilegio para mí ayudarla a alcanzar su visión y sé que con mi aporte, somos capaces de transformar las emociones que tenemos, en arte”.

Foto: Cortesía de kurimanzutto

Protagonista, cronista y testigo de una época que sacudió al mundo del rock, Kaye recuerda con seriedad aquel legendario club CBGB: “Fue en 1974 cuando Patti y yo fuimos a ver a Television presentarse en el CBGB. Sé que es difícil de creer, pero un año o dos antes, no había lugar para que tocara alguna banda de rock en Nueva York. Todos los clubes estaban cerrados o sólo contrataban artistas de alcance nacional. Con Patti, muchas veces abrimos para un artista folk en Greenwich Village. No había sitios, así que de repente, un club reunió la energía del Lower Manhattan. Fue interesante porque estaba tan fuera del mainstream que las bandas tuvieron tiempo de desarrollar la escena. Especialmente nosotros. Habíamos tocado una vez al mes en lugares extraños, pero aquí había oportunidad de hacerlo –a principios de 1975– durante siete semanas seguidas, cuatro noches con Television y eso nos ayudó a entender realmente nuestras posibilidades. Todo el material que se convirtió en Horses se solidificó en el CBGB.

Al principio, las bandas tocábamos los unos para los otros. Eran 25 o 30 personas alrededor. No había atención de los medios, así que todos tuvieron oportunidad de crecer y cometer errores. Era un lugar dónde ver a tus amigos y tomar una cerveza porque no tenía pretensiones. La camaradería y el sentido de experimentación contribuyeron a hacer realidad esa escena”.

Foto: Cortesía de kurimanzutto

Lenny Kaye ha producido al menos 20 álbumes; fue nominado tres veces al Grammy en el rubro Liner Notes y creó la celebrada recopilación Nuggets, lo mismo que es coautor –con David Dalton– del libro de biografías Rock 100. Actualmente, está a punto de iniciar un proyecto y explica su contenido: “El libro se llama Lightning Striking–Space in Time of Rock and Roll. Ahí desgloso esos periodos en la historia del rock donde cambia la música. En los que –aunque hay muchas influencias– de pronto algo se cristaliza, en tiempo y espacio. Y la música cambia debido a eso. Las épocas son: 1954, con Elvis; 1962 en Liverpool, cuando la invasión inglesa empezó a tomar forma; San Francisco, 1967; Nueva York 1975, escena de la que tuve el privilegio de ser parte, además del glam metal de Los Ángeles de los años ochenta y el grunge de Seattle, entre otras. Siento que es la historia de la línea de vida del rock, porque, aunque siempre habrá ejecutantes y grandes músicos dentro del marco del rock, para mí la música es una fuerza revolucionaria”, concluye el músico.


Garbage estrenó el video de “No Horses”


El clip dirigido por Scott Stuckey retrata los problemas sociopolíticos del 2017.


POR Priscila Núñez  



Garbage estrenó el video de “No Horses”

Garbage estrenó el video de “No Horses“, una canción que la banda compartió el mes pasado. Las ganancias de este tema serán donados a la Cruz Roja internacional.

El video dirigido por Scott Stuckey retrata distintos problemas que enfrenta la sociedad en 2017 como el consumismo ciego, el hambre y la guerra. “‘No Horses‘ me hizo darme cuenta de que no me estoy volviendo loco, estos son tiempos verdaderamente jodidos. La letra es muy poderosa, así que el reto era acompañarlo de visuales que no arruinaran las interpretaciones individuales que cada quien pueda darle a la canción”, dijo Stuckey.

Además, el clip también muestra a Shirley Manson vestida con una capa roja y lavándole los pies a sus compañeros de banda.

El baterista Butch Vig describió a “No Horses” como “un reflejo de conciencia política muy al estilo de Patti Smith, muy pertinente con lo que está sucediendo”.

Mira el nuevo video de Garbage a continuación:


Patti Smith y U2 interpretaron “Mothers Of The Disappeared” en vivo


La icónica cantante se presentó junto a la banda irlandesa en París.


POR Héctor Elí Murguía  



Patti Smith y U2 interpretaron “Mothers Of The Disappeared” en vivo

Patti Smith se unió a U2 durante una presentación que la banda irlandesa ofreció en París y juntos interpretaron “Mothers Of The Disappeared”, canción que cierra The Joshua Tree, álbum que cumple 30 años.

Mothers Of The Disappeared” está inspirada en la experiencia que tuvo Bono en El Salvador y Nicaragua durante julio de 1986. En esos países, el cantante conoció a un grupo de mujeres a las que la dictadura argentina y chilena, les había arrebatado a sus hijos. Para hacer un homenaje por su valentía, Bono escribió el tema y The Edge compuso la melodía en una guitarra española.

U2 se encuentra en una gira que celebra el trigésimo aniversario de su emblemático álbum The Joshua Tree y en octubre, la banda visitará México para presentarse en el Foro Sol.

Mira a continuación a Patti Smith y a U2 interpretar “Mothers Of The Disappeared”:


Bob Dylan aceptará formalmente el Premio Nobel de Literatura


El compositor y letrista norteamericano recibirá el galardón personalmente.


POR Héctor Elí Murguía  



Foto: Cortesía de Sony Music

Bob Dylan aceptará formalmente el Premio Nobel de Literatura

Después del controversial nombramiento de Bob Dylan como ganador del Premio Nobel de Literatura, el artista finalmente recibirá el premio de manera presencial.

Esta semana, Bob Dylan se ha reunido con la Academia en Estocolmo. La vocera oficial de la institución, compartió un comunicado en el que menciona: “Hay una buena noticia. Bob Dylan y la Academia Suiza decidieron reunirse este fin de semana. La Academia le entregará el diploma y la medalla del Nobel como ganador del Premio Nobel de Literatura. El lugar de la cita será pequeño e íntimo y no habrá medios presentes; sólo Bob Dylan y los miembros de la Academia, todo conforme a los deseos de Dylan”.

A pesar de esta situación, a los merecedores al premio se les pide que hagan una lectura sobre su campo de conocimiento. Generalmente estas lecturas se llevan a cabo en la ceremonia de premiación, pero el compositor no lo hizo ni lo hará de esta manera; en cambio, entregará una cinta con esta lectura.

En diciembre, Dylan escribió a la Academia para avisar sobre su ausencia en la ceremonia de premiación en diciembre, en la que el embajador Azita Raji pronunció el discurso de aceptación del premio en su lugar. Patti Smith también se presentó y cantó “A Hard Rain’s A-Gonna Fall“, a manera de homenaje.

BANNER APP 166


Lykke Li y Ryan Gosling interpretan juntos un tema de Bob Marley


El actor y la cantante sueca versionan “It Hurts to Be Alone” en el nuevo adelanto de ‘Song to Song’.


POR Priscila Núñez  



Lykke Li y Ryan Gosling interpretan juntos un tema de Bob Marley

La cantante sueca Lykke Li y el actor canadiense Ryan Gosling interpretan a dueto el tema de Bob Marley & The Wailers, “It Hurts to Be Alone”, en el nuevo adelanto de la nueva película de Terrence Malick, Song to Song.

La cinta se centrará en la escena musical en Austin y será protagonizada por Michael Fassbender, Rooney Mara, Ryan Gosling y Natalie Portman.

En Song to Song, Lykke Li interpretará a la ex pareja de Gosling. A continuación puedes ver el video de esta versión del tema de Marley que fue producida por Nigel Godrich, productor de Radiohead:

Song to Song también incluirá una canción inédita de Patti Smith llamada “God Running”, así como música de Die Antwoord, Bob Dylan, Sharon Van Etten, entre otros. Además contará con la participación de Florence Welch, Iggy Pop y los Red Hot Chili Peppers.

Mira el tráiler a continuación:

BANNER APP 166


Lou Reed: 20 esenciales


Una revisión de los mejores momentos del legendario músico con The Velvet Underground, como solista y con los grandes artistas que colaboró.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Man Alive!

Lou Reed: 20 esenciales

Por Gavin Edwards

Después de abandonar The Velvet Underground en 1970, Lou Reed fue a trabajar a la empresa de contadores de su padre como mecanógrafo. Si nunca hubiera vuelto a tocar una nota de música en su vida, los cuatro álbumes que hizo con The Velvet Underground hubieran sido suficientes para establecerlo como uno de los principales escritores y visionarios del rock. Afortunadamente para él, y para nosotros, Reed continúo haciendo música por décadas. Aquí están 20 momentos esenciales por el gran Lou Reed, el animal del rock & roll de corazón legendario.

I’m Waiting for the Man

Empieza con $26 dólares en tu mano y esta canción del álbum debut de The Velvet Underground: un músico de rock se dirige a comprar drogas. Con John Cale golpeando el piano, Reed presentó la canción que marcaría su carrera: dura, urbana, ruidosa y poética.

Sister Ray

En el segundo álbum de The Velvet Underground White Light/White Heat, Reed empujó al grupo lo más que pudo con este ruido épico sobre el libertinaje: diecisiete minutos y medio de improvisaciones, con letras sobre una orgía de trasvestis llenos de drogas. La canción sirvió como un modelo e inspiración para innumerables bandas en las siguientes décadas –pero en su lanzamiento en 1968, con sonidos psicodélicos en todas partes, The Velvet Underground se sostuvo solo, como un género por sí mismo.

Pale Blue Eyes

La otra cara de la inagotable fuente de veneno de Reed era su habilidad para escribir hermosas baladas ansiosas como esta, del tercer álbum homónimo de Velvet Underground (1969). R.E.M., Hole y Patti Smith le han hecho covers –pero el tema original sigue siendo insuperable.

Satellite of Love”

De Transformer, el álbum en solitario 1972 de Reed, producido por David Bowie y Mick Ronson. El tema es un cuento de ciencia ficción de infidelidad y voyeurismo, ¿o es a caso o una canción de cuna de la era espacial? ¿O un lamento alegórico? Desde hace 41 años, ha sido un acertijo envuelto en una melodía, dentro de un enigma.

Walk on the Wild Side

La canción más famosa de Reed, una historia dulce y nostálgica del séquito de los travestis de Andy Warhol llegando a Nueva York para dar sexo oral en cuartos traseros. El sencillo, extraído de Transformer, era tan transgresivo de muchas maneras, que parece un pequeño milagro que alguna vez se haya sido tocado en la radio –sin embargo, fue el único tema de Reed que entró al Top 40 en Estados Unidos.

Vicious

La última canción de Transformer, recordado por la famosa copla, “Vicious / Me golpeaste con una flor”. (La letra fue extraída de una conversación que Reed había tenido con Andy Warhol). Esta versión en vivo presenta a Reed con el pelo blanqueado.

Sad Song

Mientras que muchos músicos han hecho los álbumes de Berlín, Berlin de Lou Reed (1973) es el estándar para cortarse las muñecas en contra del cual todos son juzgados. Cuando el disco concluyó con la balada épica “Sad Song“, parecía que el mundo entero se cerraba.

Sweet Jane

Esta versión en vivo de un favorito de The Velvet Underground (del Rock ‘n’ Roll Animal de 1974) fue un clásico de rock en la radio durante muchos años, en gran parte debido a la larga introducción: los guitarristas Dick Wagner y Steve Hunter tocaron juntos como si los hubieran unido con pegamento.

Metal Machine Music

Uno de los movimientos más hostiles que un músico ha hecho jamás hacia sus fans y su compañía discográfica: en 1975, Reed siguió su álbum más exitoso (Sally Can not Dance) con un disco doble con gritos agudos. Metal Machine Music inspiró a algunos de los mejores escritos por el legendario crítico Lester Bangs, quien dijo “los seres humanos sensibles, simplemente encuentran imposible no desalojar ninguna habitación en donde la tocan”.

Street Hassle

Una pequeña ópera (del álbum de 1978 de Reed con el mismo nombre), empezando con una orquesta de cuerdas que gradualmente se transforma en una banda de rock. Una historia de lujuria, muerte, misoginia y mentiras –que incluye un monólogo hablado por Bruce Springsteen.

The Day John Kennedy Died

Después de años de posicionarse como un antisocial y extraño del rock & roll, Reed publicó The Blue Mask en 1982 y declaró como un hombre promedio. Esta canción honesta sobre el 22 de noviembre de 1963, es una bien observada historia sobre la mundana realidad de la muerte.

Waves of Fear

En The Blue Mask, Reed encontró el elemento musical que le faltaba: el guitarrista Roberto Quine, que había crecido pasando licor de contrabando en los conciertos de The Velvet Underground. “Una cosa que es crucial es que escucho las letras”, dijo Quine. “Waves of Fear, si se tratara de hacer una crema de huevos, mi solo sería diferente a una persona teniendo un colapso nervioso”. La pista dura por cuatro asombroso minutos llenos de psicosis: la banda se desata mientras Reed grita: “Loco con sudor / Saliva en mi mandíbula”.

I Love You, Suzanne

En New Sensations (1984), Lou Reed interpretó el papel de un divertido cantante de pop –¡y lo hizo muy bien! Mientras cantaba “Intenta todo una vez/ Prueba cualquier cosa dos veces”.

Strawman

El álbum New York de 1989 de Reed fue un regreso a la forma viciosa: historias sobre la otra cara de la ciudad de Nueva York con guitarra de fondo. “Strawman” es una de las canciones más enojadas y mejores del álbum, con letras sobre las desigualdades de la sociedad: “¿Alguien necesita a otro político con los pantalones abajo y con dinero pegado en su ano?” Esta versión en vivo tiene un furioso solo de guitarra de Reed.

Hello It’s Me

Reed se reunió con su compañero de The Velvet Underground, John Cale en 1990 para hacer Songs of Drella, un excelente álbum sobre su una vez jefe, Andy Warhol. La mayoría de material es escrito desde el punto de vista de Warhol, pero en esta hermosa coda, Reed canta directa y hermosamente al hombre que conoció.

Egg Cream

No es una canción sobre un hombre teniendo una crisis nerviosa, pero sobre hacer una crema de huevos. Del Set the Twilight Reeling (1996), esta es una dulce canción sobre la nostalgica Brooklyn con las clásicas guitarras de Reed.

Perfect Day

En 1997, la BBC encargó la portada “Perfect Day” (originalmente la segunda cara de “Walk on the Wild Side“, que tenía un resurgimiento de popularidad debido a su inclusión en la banda sonora de Trainspotting). Los cantantes incluyeron a Bono, Elton John, Emmylou Harris, Shane MacGowan de The Pogues. De alguna forma, en el Reino Unido este sencillo llegó al número uno.

Like a Possum

El núcleo de la obra de Reed de 2000, Ecstasy, es esta canción de dieciocho minutos sobre los límites de las necesidades animales: “Sólo es otra noche inútil en la cama”, canta Reeds. Mientras tanto, las guitarras pulverizan sus emociones.

The View

Lulú, el álbum de 2011 en colaboración con Metallica, fue la cosa más divisible que el artista haya hecho desde el comercial para las patinetas de Honda en 1984. Pero sus mejores canciones fueron pesadas y viscerales, demostrando que a sus 69 años, Reed todavía era implacable. Y sumó puntos por retar a Lars Ulrich a un “pelea callejera”.

Dirty Blvd.“/”White Light White Heat

En 1997, para el cumpleaños número cincuenta de David Bowie, Reed subió al escenario con su viejo amigo y colaborador para interpretar “Dirty Blvd.” (El single principal de New York) y “White Light / White Heat” (la canción que da nombre del segundo álbum de The Velvet Underground). Intercambiaron líneas y sonrisas secretas –en sus rostros se podía ver cómo la música de Reed, a menudo alienante, era también la fuente de una alegría profunda.

BANNER APP 166


Mira el primer adelanto de ‘Song to Song’, la nueva cinta de Terrence Malick


Ryan Gosling, Rooney Mara, Michael Fassbender y Natalie Portman protagonizarán esta cinta junto a músicos como Iggy Pop, Patti Smith, Florence Welch, Lykke Li, entre otros.


POR Priscila Núñez  



Mira el primer adelanto de ‘Song to Song’, la nueva cinta de Terrence Malick

En los últimos años, Terrence Malick ha estado desarrollando distintos proyectos cinematográficos entre los que destacan cintas como Tree of Life de 2011 y To the Wonder de 2012. Este año el director está de regreso con la esperada Song to Song de la que finalmente se ha estrenado el primer adelanto.

Protagonizada por Ryan Gosling, Rooney Mara, Michael Fassbender y Natalie Portman, Song to Song también contará con la parición de músicos como Iggy Pop, Patti Smith, Florence Welch, Lykke Li, Red Hot Chilli Peppers, Arcade Fire y Black Lips.

El tráiler nos presenta una cinta impregnada del sello característico de Malick pero rodeado de un ambiente musical estridente; además de que ofrece una mirada a la fotografía de Emmanuel Lubezki. Velo a continuación:

La cinta tiene programado su estreno durante el festival SXSW de este año y aún se desconoce cuando podría llegar a las salas mexicanas.

BANNER BAJA NUESTRA APP 165


Patti Smith celebró sus 70 años al lado de Michael Stipe


El exvocalista de R.E.M. subió al escenario con un pastel de cumpleaños para guiar al público y desearle un feliz cumpleaños a Smith.


POR Staff Rolling Stone México  



Patti Smith celebró sus 70 años al lado de Michael Stipe

Patti Smith celebró su cumpleaños número 70 el viernes pasado con un concierto en el Riviera Center de Chicago, la ciudad donde nació. Durante la presentación, el exvocalista de R.E.M. Michael Stipe, hizo una aparición sorpresa en el escenario para darle un pastel de cumpleaños mientras le cantaban “Feliz Cumpleaños”.

Stipe, quien regresó a los escenarios después de la separación R.E.M. en un concierto de Smith en diciembre de 2014, volvió a unirse con la cantante y su banda para interpretar “People Have The Power“.

La celebración de los 70 años de Smith en Chicago viene sólo 3 días después de que la cantante organizara una fiesta para celebrar el cumpleaños número 70 de su guitarrista de hace años, Lenny Kaye, el 27 de diciembre en el Bowery Ballroom de Nueva York.

Smith y su banda pasaron el Año Nuevo presentándose en en Park West venue en Chicago.

Mira el video de Michael Stipe cantando “Feliz cumpleaños” a Smith.

BANNER BAJA APP 164