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El último concierto de The Beatles


Ken Mansfield, exgerente de Apple Corps en Estados Unidos, recuerda cómo fue la última vez que el cuarteto de Liverpool se reunió para tocar.


POR Staff Rolling Stone  



Foto: cortesía Apple Corps

El último concierto de The Beatles

Por Kory Grow

“Era otro día en la oficina”, dice Ken Mansfield, recordando el improvisado concierto en la azotea de The Beatles en enero de 1969. No hay ni un toque de sarcasmo en su voz. Hace 50 años, el grupo organizó el concierto en lo alto de la oficina de Apple Records ubicada en la calle 3 de Savile Row, con la intención de filmar el final de lo que se convertiría en su película Let It Be. Era uno de los puntos de la lista de cosas por hacer. Mansfield, quien nació en Idaho, era el gerente de la disquera en Estados Unidos en ese entonces. “Algunas de las personas en la oficina de Apple ni siquiera trataron de subir, porque era sólo un día más”.

Exhortado por el roadie de la banda Mal Evans, Mansfield fue a ver la presentación histórica, el último concierto en vivo de The Beatles. “Creo que a Mal sólo le gustaba cuidarme, así que se aseguró de que estuviera allá arriba”, dice. Cuando se enteró del concierto, Mansfield salió corriendo y compró un impermeable blanco porque estaban a cuatro grados afuera. Se acurrucó en un banco con Yoko Ono, Maureen Starkey (la entonces esposa de Ringo) y Chris O’Dell (empleado de Apple) para ver al cuarteto interpretar nueve canciones, incluidas varias tomas de “Get Back”. “George me hizo encender algunos cigarrillos para tocar la punta con las yemas de sus dedos para que pudiera sentir la cuerdas”, recuerda Mansfield. “Y sé que John realmente se estaba quejando por el frío y por cómo no podía sentir sus manos”.

A finales del año pasado, Mansfield publicó un libro sobre la experiencia, The Roof, que narra cómo un trabajo en la oficina de Capitol Records en Los Ángeles lo llevó a cruzar el océano y llegar a esa azotea en Apple Corps. En el camino, también explica cómo llegó a conocer a los miembros de la banda y ofrece una visión de cómo era la vida trabajando para el grupo más famoso del mundo. The Roof contiene sus recuerdos personales junto con las contribuciones de los eruditos de The Beatles e información que encontró al investigar sobre ese día monumental.

“Sucedió que estaba trabajando en las oficinas esa semana”, dice. “Y Mal, por casualidad, me dijo: ‘Oye, Ken. Vamos a subir en 15 minutos’. Le dije: ‘¿A qué te refieres?’. Él dijo: ‘Subiremos a la azote, así que ven'”. El resto, dice, es historia.

¿Qué viene a tu mente primero cuando miras hacia atrás y piensas en el concierto en la azotea?
Había muchas riñas en The Beatles en ese momento. Subí al camerino —las oficinas que estaban usando justo antes del concierto— y parecía que estaban nerviosos, como una joven banda preparándose para una audición. Pensé que tal vez era porque no habían tocado en mucho tiempo y había mucha tensión. Más tarde descubrí que cuando entré, no es que estuvieran nerviosos; simplemente había mucha tensión entre ellos. Estaban decidiendo si debían subir. Alguien me dijo más tarde que incluso cuando llegaron a la puerta para salir al techo, todavía estaban decidiéndolo y que John dijo: “Oh, vamos. Hagámoslo. Necesitamos las imágenes”.

Así que salieron y empezaron a tocar. Estaba a una distancia de cuatro a seis pies de la banda, por lo que prácticamente estaba mirando sus caras. Cuando empezaron a tocar,  y esto es algo que nunca olvidaré, hubo un momento en el que Paul miró a John o John miró a Paul y hubo una mirada de reconocimiento. Es como si estuvieran diciendo, “¿Sabes qué? No importa lo que esté pasando, esto somos nosotros. Esto es lo que somos. Esto es lo que siempre hemos sido. Las cosas no están bien ahora mismo, pero somos lo que somos, una buena banda de rock & roll”. Escribí en mi libro que creo que subieron a la azotea sin una prueba de sonido pero se fueron con un cambio de alma. 

Dijiste que estabas a cuatro o seis pies de ellos. ¿Cuántas personas estaban tan cerca como tú?
Había sólo cuatro de nosotros allí, que eran lo que llamaríamos una audiencia: Yoko y yo, Maureen y Chris. De lo contrario, eran los cuatro Beatles y Billy [Preston], y luego estaban Michael Lindsay-Hogg, el director, y un par de chicos de sonido y de video. El área era bastante pequeña. Construyeron tablones como de 12 pies de ancho y 15 pies de largo. Así que tal vez éramos 11 o 12 de nosotros allí y luego alrededor de los bordes, tal vez había ocho personas más, así que probablemente había cerca de 20 personas en el techo en ese momento.

Dices que fue sólo un día normal en la oficina. Cuando Mal te pidió que subieras a la azotea, ¿te pareció un evento significativo?
Bueno, me pareció así desde el punto de vista de que iba a ser la primera vez que tocaran juntos de nuevo. Pero fue hecho con un propósito, la película. Así que tal vez sólo por eso, realmente no pensé que fuera para tanto. Pero cuando tocaban, comencé a tener una sensación: “Espera un minuto, algo está pasando aquí”. No podía decir qué. Fue la sensación más extraña. No fue como, “Oh, vaya, esta es la última vez que The Beatles van a tocar juntos” o “Oh, Dios, se van a separar después de esto y Apple va a cambiar”. Simplemente sentía algo. Al día siguiente, me subí a un avión y regresé a Los Ángeles, y Chris y yo no hablamos de eso durante unos 20 años. Pero cuando lo hicimos, sí fue significativo.

¿Cómo era el ambiente en la azotea? Con todo el equipo allí, me imagino que fue muy profesional, pero se puede escuchar un pequeño aplauso por aquí y por allá.
Bueno, los chicos de sonido y video fueron totalmente profesionales al cien por cien. Ellos estaban haciendo su trabajo. No tuvieron tiempo para jugar.

Desde su perspectiva, ¿cómo encajó Billy Preston con la banda?
Billy era realmente especial para la banda en ese momento. Creo que George fue muy sabio al traerlo, porque Billy fue un efecto calmante. Todos eran realmente grandes fanáticos de Billy y lo amaban. Fue realmente importante para todo el asunto. Cuando estaban en el estudio, tocaban algo y Billy me miraba con sus ojos tan grandes como platos y decía: “Wow, ¿oíste eso?” Y se dirigían a Billy y decían: “Oye , ¿por qué no haces esto aquí? “y Billy decía: “Wow, eso es genial”.

Hablemos de las canciones. El concierto fue aproximadamente tres meses después de que saliera The White Album. ¿Habías escuchado las melodías antes? ¿Qué pensabas de ellas?
Sólo conocía lo que había escuchado en el estudio y no recuerdo cuáles, porque estaban trabajando en varias cosas. Pero no, eran todas nuevas para mí.

¿Recuerdas qué pensaste al escuchar estas canciones en vivo por primera vez?
Sí, hubo algunas que realmente me gustaron, “Don’t Let Me Down” y “Get Back”. Estaba un poco desorientado porque The White Album no sentía como los otros álbumes. Sentí que no tenía un concepto y más tarde me di cuenta: “Espera, ese era su concepto, hacer algo diferente”. Let It Be fue como una continuación de eso. Luego dieron vuelta e hicieron Abbey Road, que era realmente lo que eran The Beatles para mí, más como las grabaciones anteriores.

Lo único que diré es que cuando escuché lo que Phil Spector hizo con “Let It Be”, dije “ugh”. Luego, cuando hicieron Let It Be… Naked, casi volví a sentir escalofríos porque era como: “Eso es lo que había escuchado”. Creo que Paul quería hacerlo como en Let It Be… Naked desde el principio. Siempre quiso que la gente viera la banda así.

Las otras canciones que tocaron en la azote fueron “I’ve Got a Feeling”, “One after 909” y “Dig a Pony”.
Me gustaba “I’ve Got a Feeling”. No lo sé. Algunas canciones te gustan más que otras. Es casi una blasfemia que no te gusten las canciones de The Beatles. No me harás una jugada con eso. Me gustan todas. 

¿Cuándo te diste cuenta de que una multitud se había reunido abajo?
No tenía idea. No podíamos ver nada, a menos que miraras por el borde. Por supuesto, los que estaban en la calle tampoco podían vernos desde allí. Lo que sí noté fue cómo la gente comenzó a reunirse en los edificios, y prácticamente estaban colgando de las ventanas y en las repisas. Eso fue bastante interesante.

Uno de los muchachos que trabajaba en Apple dijo que no sabía que iba a haber un concierto en la azotea ese día, y llegó justo a esa hora. Dijo que dio vuelta en Savile Row y escuchó el sonido que llenaba la calle. Vio a todas estas personas y el tráfico se estaba deteniendo. Algunas personas estaban hipnotizadas y otras estaban locas. Los empresarios estaban realmente enojados porque eran un grupo de banqueros y sastres de lujo y realmente no lo entendieron. Era solo un montón de emociones mezcladas.

Un policía se acercó e intentó detener el concierto. ¿Qué recuerdas de eso?
Eso fue demasiado exagerado. Mal había cerrado la puerta con llave antes de que comenzaran y, por supuesto, después de un tiempo hubo tantas quejas que Mal los dejó entrar. Si miras las fotos ahora, notarás que sólo había un par de muchachos y puedes ver a Mal y al policía que están juntos viendo el espectáculo. Pienso que Mal sólo los engañó. No recuerdo que haya habido ningún tipo de drama. Cuando todo terminó, todos siguieron su camino.

He leído que Mal desenchufó la guitarra de John, pero John la enchufó antes de “Get Back”.
Sí. Tal vez fue porque el policía le dijo a Mal que lo desconectara, pero no fue muy dramático. Eso es seguro.

En la última versión de “Get Back”, Paul bromea y dice “has estado tocando en las azoteas de nuevo, y sabes que a tu mamá no le gusta. Ella va a hacer que te arresten”.
Sí, eso solo demuestra que tan casual era todo y cuanto se estaban divirtiendo.

¿Qué pensaste de la película Let It Be cuando la viste finalmente?
Para mí, se sintió un poco oscura. Soy una de esas personas a las que les gusta que las cosas sean felices. No era tan malo todo el tiempo. Realmente estaban pasando muchas cosas grandes y mucha felicidad. Así que me gustaría ver otra edición de eso.

¿Te mantuviste en contacto con The Beatles después de que se separaron y Apple se disolvió?
Sí. George terminó el álbum de Bangladesh en Los Ángeles, y estuve con él durante ese tiempo en el estudio. Su esposa y mi esposa eran amigas, así que íbamos a comprar jeans juntos y cosas así. Pero a Paul sólo lo vi una vez más, en los Grammy. Y una vez estuve en la casa de Ringo y John llegó. Así que vi a todos a lo largo de los años. Representé a Ringo en los años noventa para su álbum Time Takes Time. Así que nuestra relación siguió y siguió.

Debe ser diferente para ti verlos tocar solos en vivo, después de verlos juntos varias veces en los años sesenta.
Lo que es divertido son los conciertos de Ringo, porque él es lo suficientemente inteligente como para traer a todos estos tipos de grandes bandas para que todos se presenten. Es muy emocionante y le quita la presión. Una vez me dijo: “La primera vez que me convertí en un acto en solitario, salí al escenario y me sorprendió la sensación. Eso es porque siempre estuve detrás de los muchachos y la batería”. Pero él dijo: “Cuando estaba en el frente, no tenía nada de ese filtro entre la audiencia y yo”, y dijo que era muy abrumador. “Sentí que podía caer hacia adelante y que las vibraciones que regresaban me sostendrían y evitarían que me cayera encima de la audiencia”. Fue toda una experiencia para él. 


Lanzarán una película sobre The Beatles


Este filme contendrá material inédito que fue grabado durante la producción de ‘Let It Be’ en 1969.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: cortesía Apple Corps

Lanzarán una película sobre The Beatles

Preparan el lanzamiento de una nueva película sobre The Beatles que retratará el proceso de creación de Let It Be, el último álbum que fue publicado por la legendaria banda en 1970. 

La dirección está a cargo de Peter Jackson, quien tiene la gran labor de convertir alrededor de 55 horas de grabaciones nunca antes vistas, tomadas mientras Paul, John, Ringo y George creaban Let It Be, en un filme. 

Las imágenes fueron captadas entre el 2 y el 31 de enero de 1969 por el realizador británico Michael Edward Lindsay-Hogg. Originalmente, la idea era producir un especial de televisión, pero al final se convirtió en un documental donde también se muestra un performance de The Beatles en el techo de las oficinas de Apple Corps en Londres. La obra de Lindsay-Hogg será remasterizada y relanzada. 

“Las 55 horas de imágenes nunca antes vistas y las 140 horas de audio disponibles para nosotros, aseguran que esta película sea la mejor experiencia de primera mano con la que los fanáticos de The Beatles han soñado durante mucho tiempo. Es como una máquina del tiempo que nos transporta. Regresamos a 1969 y nos sentamos en el estudio viendo a estos cuatro amigos hacer buena música juntos”, dijo Jackson sobre el filme. 

El director también espera que esta película ayude a minimizar la idea de que Let It Be fue un proyecto plagado de conflictos entre el cuarteto de Liverpool. Este LP fue grabado 18 meses antes de que se separara definitivamente. 

“Me sentí aliviado al descubrir que la realidad es muy diferente al mito. Claro, hay momentos dramáticos, pero ninguna de las discordias con las que se ha asociado a este proyecto. Ver a John, Paul, George y Ringo trabajar juntos, crear canciones que ahora son clásicos, desde cero, no sólo es fascinante, es divertido, estimulante y sorprendentemente íntimo”, agregó.

Esta cinta se encuentra actualmente en producción y aún no se sabe que nombre llevará y cuando llegará a los millones de fanáticos de The Beatles, pero se espera que en los próximos meses se conozca esta información. Paul McCartney, Ringo Star, Yoko Ono y Olivia Harrison están cooperando en la realización del proyecto. 


Una película inédita de Paul McCartney llegará a las salas de cine


‘The Bruce McMouse Show’ contiene imágenes de la gira de Wings por Europa en 1972 que fueron remasterizada en los estudios Abbey Road.


POR Jonathan Matamoros  



Una película inédita de Paul McCartney llegará a las salas de cine

Paul McCartney anunció que The Bruce McMouse Show será proyectada en algunas salas de cine alrededor del mundo el próximo 21 de enero. Se trata de un proyecto audiovisual que mezcla una película animada con un concierto del exbeatle y su otra banda, Wings. 

The Bruce McMouse Show trata sobre cómo Paul y los miembros de Wings conocen a un ratón promotor y su familia, quienes viven justo debajo del escenario donde están dando un concierto. El filme fue dirigido por Barry Chattington, bajo la producción de Roger Cherrill.

Las imágenes en vivo de McCartney y Wings fueron capturadas durante cuatro shows que el colectivo ofreció en los Países Bajos y Alemania en 1972. La idea de incorporar una historia animada se le ocurrió a Paul después de que vio el material que habían grabado durante sus presentaciones, por lo que decidió hacer unos bocetos de cómo luciría la familia de ratones y se los entregó a Eric Wylam, quien creó la apariencia final de los roedores. 

Paul y su entonces esposa, Linda McCartney, prestaron sus voces para los personajes animados, junto con Deryck Guyler, Pat Coombs y Derek Nimmo. La realización de The Bruce McMouse Show tomó cinco años, de 1972 a 1977. Para entonces, la alineación de Wings y la industria musical habían cambiado, por lo que Paul decidió archivar el proyecto. 

Más de 40 años después, la imagen y el audio fueron restaurados en los estudios Abbey Road para poder lanzarla. Por el momento sólo se han programada proyecciones en Estados Unidos, Canadá, Reino Unidos y Australia, pero se espera que en los próximos meses The Bruce McMouse Show llegue a más países y a plataformas de streaming. Mira un adelanto:


Estos fueron los artistas cuyas giras generaron más dinero en 2018


Ed Sheeran, Taylor Swift, Beyoncé, Roger Waters, The Rolling Stones y Pink son algunos de los actos que recaudaron más ingresos con sus tours este año.


POR Jonathan Matamoros  



Fotos: cortesía de Sony Music / Universal Music / Atlantic Records

Estos fueron los artistas cuyas giras generaron más dinero en 2018

Pollstar publicó su reporte anual de las giras con mayores ingresos durante el 2018. En la cima de la lista se encuentra Ed Sheeran con el ÷ Tour, el cual recaudó un total de $432 millones de dólares a lo largo de 94 shows en 53 ciudades diferentes, logrando vender 4,860,482 boletos. 

El segundo lugar le corresponde a Taylor Swift y el Reputation Tour, con el cual consiguió recolectar un total de $345 millones de dólares, gracias a las 2,888,892 entradas que vendió para los 53 conciertos que ofreció en 36 ciudades del mundo. 

De acuerdo con la información presentada en este reporte, 2018 fue el primer año que el top 10 de las giras más exitosas recaudó en conjunto más de $2 mil millones de dólares, superando el récord que se había conseguido en 2017 con $1.8 mil millones. En total fueron $10.4 mil millones de dólares lo que se consiguió reunir teniendo en cuenta a todas las giras que fueron rastreadas por Pollstar. 

Este es el top 10 de las giras más exitosas del 2018. Todas las cifras están indicadas en millones de dólares y la cantidad de entradas vendidas se encuentra entre paréntesis:

Ed Sheeran, ÷ Tour – $432.4 (4,860,482)
Taylor Swift, Reputation Tour – $345.1 (2,888,892)
Beyoncé & Jay-Z, On the Run II Tour – $254.1 (2,169,050)
Pink, Beautiful Trauma Tour – $169.2 (1,285,411)
Bruno Mars, 24K Magic Tour – $167.6 (1,290,438)
Eagles, 2018 North American Tour – $166 (964,245)
Justin Timberlake, Man of the Woods Tour – $151 (1,193,365)
Roger Waters, Us + Them Tour – $131.3 (1,448,771)
U2, Experience + Innocence Tour – $126.2 (927,034)
The Rolling Stones, No Filter Tour – $116.6 (750,914)

Ingresa a este enlace para conocer al resto del top 100, incluyendo a actos como Journey, Def Leppard, Foo Fighters, Sam Smith, Guns N’ Roses, Drake, Depeche Mode, Imagine Dragons, Metallica, The Killers y más. 


Emma Stone protagoniza el nuevo video de Paul McCartney


El visual de “Who Cares” forma parte de una campaña para redes sociales en contra del bullying.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Eric Luc / cortesía de Nasty Little Man

Emma Stone protagoniza el nuevo video de Paul McCartney

Paul McCartney ha estrenado un nuevo video musical para su canción “Who Cares”, protagonizado por Emma Stone. Este tema forma parte de Egypt Station, el décimo séptimo álbum de estudio del icónico músico británico que fue lanzado en septiembre de este año.

El visual fue estrenado este pasado domingo en el Fine Arts Theater de Beverly Hills y estuvo bajo la dirección de Brantley Guitierrez, quien ha fotografiado por varios años al exbeatle durante sus giras, y el coreógrafo Ryan Heffington. En el clip podemos ver a Paul y Emma bailar e interactuar en un diferentes sets en blanco y negro, acompañados por bailarines que están vestidos como mimos y arlequines. Las grabaciones ocurrieron en octubre de este año en Brooklyn.

Este audiovisual fue designado para arrancar una campaña en contra del bullying (#WhoCaresIDo) en redes sociales, que será respaldada por varias organizaciones sin fines de lucro. “Mi esperanza es que si hay niños que son víctimas del bullying, y los hay, quizás al escuchar esta canción y ver este video puedan pensar que no es tan malo”, dijo Paul McCartney.

El día de ayer, Paul McCartney se reunió con su excompañero en The Beatles, Ringo Starr, para interpretar el éxito de 1969, “Get Back”. Ronnie Wood, guitarrista de The Rolling Stones, también acompañó a los músicos británicos en el escenario. Mira su presentación aquí.

Mira “Who Cares”, el nuevo video de Paul McCartney protagonizado por Emma Stone:


Paul McCartney interpretó “Get Back” al lado de Ringo Starr y Ronnie Wood


Esta reunión ocurrió durante la última fecha del Freshen Up Tour en 2018.


POR Jonathan Matamoros  



Fotos: Raph PH (CC), Eva Rinaldi (CC)

Paul McCartney interpretó “Get Back” al lado de Ringo Starr y Ronnie Wood

El día de ayer, Paul McCartney se reunió con su excompañero en The Beatles, Ringo Starr, para interpretar el éxito de 1969, “Get Back”. Ronnie Wood, guitarrista de The Rolling Stones, también acompañó a los músicos británicos en el escenario.


Esto ocurrió como parte del concierto que McCartney ofreció en Londres como parte de su Freshen Up Tour, gira que dio inicio en septiembre de este año para promocionar Egypt Station, su más reciente álbum de estudio.

“Tenemos una pequeña sorpresa para ustedes. En realidad, fue una sorpresa para nosotros también –sucedió apenas hoy”, dijo Paul a la audiencia, mientras Ringo se acomodaba detrás de la batería y Wood tomaba una guitarra eléctrica.

Antes de abandonar el escenario, Starr dijo: “No sé ustedes, pero eso fue muy emocionante para mí. Paz y amor para todos, y feliz Navidad”. Por su parte, McCartney agregó: “Dejaré que asimilen lo que acaba de pasar”.

Esta fue la última fecha del Freshen Up Tour en 2019, el exbeatle continuará su gira en marzo del próximo año por Sudamérica, para seguir por Estados Unidos en julio, siendo el 13 de ese mismo mes su última fecha programada en Los Ángeles. Aún no se tienen noticias sobre una posible visita a México, pero de ser así, es muy probable que sea en el mes de julio o agosto puesto que Paul estará en Norteamérica.

Mira a Paul McCartney tocar en vivo “Get Back” al lado de Ringo Starr y Ronnie Wood:


El legado de George Harrison a 17 años de su muerte


Recordamos al virtuoso músico con cinco grandes colaboraciones.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía Universal Music

El legado de George Harrison a 17 años de su muerte

George tiene un misterio dentro de sí el cual es inmenso. Lo más interesante de este misterio es ver cómo lo va revelando poco a poco. Abriéndose, creciendo, creando cosas maravillosas de la nada”, mencionó John Lennon en una entrevista en 1968 cuando se le preguntó sobre la personalidad de su excompañero de banda.

Cuando The Beatles comenzó a crear un nombre en su natal Inglaterra, George Harrison era el integrante con la personalidad más introvertida del grupo, característica con la que se le identificó el resto de su vida. Silencioso y misterioso, George se mostraba como un experimentado músico a pesar de su corta edad. Con el paso de los años y el éxito rotundo de la banda, Harrison logró acrecentar su talento y empezó a colaborar como cantautor junto a Paul McCartney y Lennon en sus proyectos en solitario.

Si bien sus explosiones de excelencia como cantautor aparecieron en los sesenta en canciones como “Here Comes the Sun”, “Something” y “While My Guitar Gently Weeps”, el talento del músico era innegable. Creando himnos atemporales que permanecen intactos en la memoria colectiva.

Lo cierto es que mientras Harrison formó parte de The Beatles, sus habilidades de composición se limitaron principalmente a proporcionar color para las composiciones de sus compañeros.

Su carrera en solitario revela las profundidades de su introspección y el alcance de su creatividad. Tras la separación de The Beatles, Harrison fue de los primeros en cosechar un éxito como solista. Su álbum en solitario, All Things Must Pass de 1970, es fácilmente su trabajo más elogiado. Su carrera incluye temas que rápidamente se volvieron éxitos como “My Sweet Lord”, “Got My Mind Set On You” y “Give Me Love (Give Me Peace on Earth)”.

Su música lo llevó inspirar a infinidad de artistas y a hacer colaboraciones con personalidades de la talla de Eric Clapton (uno de sus amigos más cercanos) y Bob Dylan. No obstante, a partir de mediados de los setenta, dejó de ser un personaje público y evitó el campo hasta su muerte a causa de cáncer el 29 de noviembre de 2001.

Hoy recordamos a George Harrison, ese chico introvertido que más tarde pareció ser el tesoro oculto más progresivo de una de las bandas más importantes de la historia. A continuación presentamos cinco grandes colaboraciones del virtuoso músico.

Theme For Something Really Important” – Duane Eddy.
Los dos guitarristas se unen para crear esta maravillosa canción del álbum homónimo de Duane Eddy de 1986. El dueto de guitarras enmarca el ritmo suave de la canción, el cual lo convierte en uno de los mejores temas de Eddy.

 

Roll Away the Stone” – Leon Russell
Esta canción incluida en el primer álbum en solitario de Russell contó no solo con Harrison en la guitarra, sino también con Ringo Starr en la batería, Bill Wyman en el bajo, Chris Stainton en los teclados y Eric Clapton en la guitarra.

 

Try Some, Buy Some” – Ronnie Spector
Este sencillo fue compuesto en su totalidad por Harrison, el cual después de debatir si debía o no contribuir en la parte musical finalmente se decidió por tocar la guitarra y grabar la versión de estudio.

 

King of Broken Hearts” –Ringo Starr
Harrison colaboró con su excompañero Ring Starr en su disco Vertical Man de 1998. Para este tema, George ejerce el papel de guitarrista principal.

Badge” – Cream
Harrison y Eric Clapton coescribieron este tema juntos. Tiempo después, la canción fue incluida en un disco de Cream, grupo liderado por Eric Clapton.


Coalición de artes: Cuando lo visual y lo sonoro se encuentran


Debido a la relevancia de las portadas de los LPs, el artista gráfico debe rescatar la esencia de un músico para plasmarla en una carátula. Aquí 10 portadas de discos que fueron ilustrados por artistas sobresalientes.


POR Andrea Calderón  



Imagen: Claudia Meza

Coalición de artes: Cuando lo visual y lo sonoro se encuentran

El éxito de una material discográfico depende de muchos aspectos más allá de la música, uno de ellos es la portada, su diseño puede llegar a tener tal popularidad que su impacto se mantiene en la memoria colectiva a través de los años. Debido a la relevancia de las portadas de los LPs, el artista gráfico debe rescatar la esencia de un músico para plasmarla en una carátula. Es así como ambos se unen para crear un diseño que resulta irrepetible y memorable. Aquí 10 portadas de discos que fueron ilustrados por artistas sobresalientes.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
The Beatles (1967)
Peter Blake y Jann Haworth

Era el 30 de marzo de 1967 y Paul McCartney, Ringo Starr, John Lennon y George Harrison se encontraban listos para realizar la portada de su próximo álbum. El cuarteto quería algo diferente y que pudiera expresar la evolución musical por la cual estaba atravesando como banda. Para simbolizarlo, quisieron crear una portada que pareciera su propio funeral, metaforizando la muerte del sonido inicial de The Beatles. Con bigotes largos y vestidos con coloridos trajes de sargentos, el grupo llamó a Michael Cooper para realizar la sesión fotográfica sin imaginarse que se convertiría en una de las carátulas más recordadas de todos los tiempos.

El diseño fue obra del artista Peter Blake, quien días antes recibió un boceto del arte que Paul McCartney había dibujado en una servilleta. Con la colaboración de su esposa Jann Haworth, la también artista pop, crearon el arte de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Esta portada del mítico grupo reúne a numerosas personalidades como Edgar Allan Poe, Marilyn Monroe, James Dean, Karl Marx y Bob Dylan. Su realización costó tres mil libras, una suma bastante alta para la época ya que en aquel entonces hacer una portada costaba tan sólo 50. El precio se excedió debido a que The Beatles tuvo que pagarle a las distintas personalidades que aparecían en el arte para poder utilizar su imagen. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band revolucionó la industria de los discos ya que fue el primer material de estudio en presentar letras impresas en su empaque.

Sticky Fingers
The Rolling Stones (1971)
Andy Warhol

En 1971, The Rolling Stones publicó Sticky Fingers, un disco que con el paso del tiempo se convertiría en uno de los más icónicos de la historia. Parte de este éxito se debe a su arte, el cual fue obra del artista plástico Andy Warhol.

Fue en 1969 cuando Mick Jagger escribió una carta a Warhol pidiéndole que creara una carátula para un nuevo LP. El estadounidense accedió e ilustró el disco creando una de las portadas discográficas más populares de la música. En ella se muestra la fotografía en blanco y negro de una cremallera (real, que al bajarla, mostraba la ropa interior) de un pantalón de mezclilla. Contrario a lo que varios creen, el hombre que aparece en la portada no es Mick Jagger, muchos creen que fue el actor Joe Dallesandro.

La portada fue censurada en España durante la dictadura de Franco y se cambió por una que presentaba unos dedos saliendo de una lata de mermelada. Sticky Fingers fue el primer álbum en contener el mítico logo que identifica a la banda, el cual fue realizado por Jagger y el diseñador John Pasche.

Think Tank
Blur (2003)
Banksy

En 2003, Blur contactó al artista de street art Banksy para crear la portada de Think Tank. Permaneciendo fiel a su estilo, el cual se caracteriza por retratar en su arte las consecuencias de la guerra, la desigualdad social y los prejuicios impuestos por la sociedad moderna, Banksy realizó un graffiti en blanco y negro para motivos del séptimo material discográfico del colectivo. En él se ilustra a una pareja que intenta besarse, mientras utilizan enormes cascos de buzo.

A pesar de que Banksy no se presta para crear arte comercial, tomó la decisión de aceptar la invitación de Blur porque se consideraba un gran admirador del grupo. “He hecho algunas cosas para pagar las cuentas y una de ellas fue el álbum de Blur. Era un buen disco e incluía bastante dinero como parte de la comisión”, mencionó. El folleto desplegable del álbum presenta el texto “Celebrity Harvest”, que era el nombre de una película propuesta para Gorillaz pero que fue rechazada. En 2007, la pieza original fue vendida en casi dos millones de pesos.

The Number of the Beast
Iron Maiden (1982)
Derek Riggs

La importancia del personaje de Eddie the Head en el diseño, es quizá tan grande como el impacto que tiene Iron Maiden en la historia de la música. Esta criatura zombi con melena blanca y siempre sonriendo de manera malévola, fue creación del artista visual Derek Riggs. El personaje ha protagonizado cada una de las carátulas de los discos y sencillos publicados por el colectivo desde los inicios del grupo y hasta 1992.

Uno de sus trazos más famosos y recordados es el que ilustra la portada de The Number of the Beast, el tercer álbum de estudio de Iron Maiden. El diseñador mencionó en una entrevista para Classic Rock en 2012 que en 1981, Rod Smallwood, el manager del grupo lo contactó para que creara la portada del sencillo “Purgatory” del álbum Killers (1981). La inspiración detrás del arte fue un cómic que Riggs solía leer de chico llamado Dr. Strange, en donde un villano gigante tenía colgado como marioneta al protagonista de la historia. Es así como Riggs trazó a Eddie controlando a Satanás, sobre un fondo inspirado en el arte cristiano medieval. El resultado fue tan bueno que el grupo decidió retener el dibujo y presentarlo como la portada oficial de su próximo álbum.

La controversia se generó después del lanzamiento cuando el diseño ganó una mala reputación por parte de la sociedad conservadora de Estados Unidos y el Reino Unido, tachando a la banda de satánica e inmoral. El impacto de la imagen fue tan fuerte que incluso se organizaron quemas públicas del catálogo del grupo en varias ciudades. Es así como Eddie the Head se ha convertido, con el paso de los años, en un símbolo del heavy metal con trazos que definen perfectamente la esencia de Iron Maiden, cuya música y letras expresan un estilo feroz, provocativo y rebelde.

Artpop
Lady Gaga (2013)
Jeff Koons

El reconocido artista plástico Jeff Koons, recordado por su más famosa obra “Balloon Dog”, fue el encargado de crear la carátula de Artpop, el cuarto álbum de estudio de Lady Gaga.

Para la portada, ambos artistas decidieron reunir varias corrientes artísticas en una sola imagen. Influenciado por las pinturas del Renacimiento, Koons personificó a Gaga como una diosa griega que acababa de parir una figura circular azul. El artista incluyó en el fondo de la portada un collage que contiene partes de la escultura de “Apolo y Dafne” de Gian Lorenzo Bernini y la pintura de “El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli.

Graduation
Kanye West (2007)
Takashi Murakami

En 2006, Kanye West realizó un viaje a Tokio y visitó el estudio del artista visual Takashi Murakami. Fascinado por la técnica de superflat (la cual está inspirada en el manga y el animé), el rapero le pidió que ilustrara la portada de su próximo álbum, Graduation.

El músico se encontraba en una nueva fase musical con la cual quería experimentar, incluyendo su estética. En la portada se ilustra un oso, mientras una metrópolis conceptual (bautizada como Universe City) lo acompaña. La inspiración es una historia creada por Takashi, en donde el personaje lucha por llegar a tiempo a su ceremonia de graduación.

Este 2018, Murakami volvió a trabajar con Kanye para la carátula de Kids See Ghosts, álbum junto a Kid Cudi.

The Dark Side of the Moon
Pink Floyd (1973)
Storm Thorgerson y Aubrey Powell

El diseño detrás de esta portada es el resultado de la unión entre Aubrey Powell y Storm Thorgerson. En 1967, ambos artistas fundaron un colectivo de diseño y fotografía llamado Hipgnosis, responsable de crear algunas de las portadas de discos más memorables del rock, como Houses of the Holy (1973) de Led Zeppelin y Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976) de AC/DC.

Para el arte de Pink Floyd, el equipo creativo mencionó en una entrevista para Rolling Stone que el tecladista Richard Wright los presionó para crear algo simple y elegante. La idea surgió cuando Powell estaba mirando un libro de física y observó una fotografía de un pisapapeles de cristal con la luz del sol brillando a través de la ventana, la cual creó un prisma de arcoíris.

“Lo trazamos en un pedazo de papel y lo llevamos a Abbey Road con muchas otras ideas. Pusimos el diseño en el piso y todos dijeron: ‘Ese es. Es increíble. Es exactamente lo que queremos. Eso es Pink Floyd’”.

El arcoíris es una metáfora a Floyd y sus primeras presentaciones, cuando el grupo aún no era famoso y utilizaba una gran cantidad de luces en sus shows. Para el diseño de la carpeta desplegable del LP, ambos artistas viajaron a Egipto y fotografiaron las pirámides de Giza. La relación entre los diseñadores y el grupo comenzó en la infancia cuando Thorgerson fue compañero de clase de Syd Barrett y Roger Waters. Más tarde, el diseñador fue el padrino de boda de David Gilmour.

Goo
Sonic Youth (1990)
Raymond Pettibon

La portada de Goo de Sonic Youth es una de las más representativas en la música, convirtiéndose en una pieza fácilmente recordada por cualquier amante del género punk. Raymond Pettibon fue el autor del diseño, quien se basó en una fotografía en blanco y negro tomada en 1966.

La imagen muestra a Maureen Hindley y su marido David Smith, cuando manejaban para declarar como testigos en el juicio de su hermana Myra Hindley y su novio Ian Brady. Ambos acabaron con la vida de cinco niños tras abusar de ellos sexualmente, convirtiéndose en una de las parejas de asesinos seriales más odiadas de Inglaterra. El texto que se observa al costado derecho del arte narra la historia de dos amantes que huyen para llevar a cabo un crimen. “Le robé el novio a mi hermana. Todo fue un torbellino, calor y resplandor. En una semana, matamos a mis padres y nos lanzamos a la carretera”, se lee en letras negras sobre un fondo blanco.

La versión en vinyl tiene una particularidad, ya que muestra marcas visibles de cinta adhesiva, como si todos los elementos de la obra simularan estar recortados y pegados. El álbum es uno de los más recordados en la carrera del colectivo y marcó un parteaguas para el género en aquella época.

Unknown Pleasures
Joy Division (1979)
Peter Saville

La historia detrás de esta portada une la música, el diseño y la astronomía. El creador de la misma, Peter Saville, dijo que el grupo le dio una imagen incluida en la Enciclopedia de Astronomía de Cambridge para que se inspirara en el diseño de la nueva carátula. La página contenía una visualización en blanco y negro de la primera vez que se registraba la frecuencia de una señal de pulsar.

Al observar la imagen y ver la similitud que tenía con unos picos montañosos, Saville supo de inmediato que ese sería el diseño definitivo. “Es la infinita posibilidad de interpretar este diseño lo que lo hace tan poderoso”, contó en el documental Data Visualization Reinterpreted: The Story of Joy Division’s Unknown Pleasures. El interior del arte de la versión en vinyl contiene una fotografía titulada Hand Through a Doorway tomada por el fotógrafo Ralph Gibson.

Desde entonces, Seville ha diseñado otras portadas memorables como Power, Corruption & Lies (1983) de New Order y Sci-Fi Lullabies (1997) de Suede, convirtiéndose en el diseñador de cabecera de Factory Records, compañía discográfica que él mismo fundó en 1978.

OK Computer
Radiohead (1997)
Stanley Donwood

Tal vez no haya una relación más fiel y estrecha entre algún diseñador y una banda como la que existe entre Stanley Donwood y Radiohead. El artista (cuyo nombre real es Dan Rickwood) ha sido el más fiel admirador de la agrupación y por lo mismo, ha sido el responsable de cada una de las carátulas que el grupo ha incluido en todos sus álbumes de estudio desde 1993.

El arte de OK Computer, el tercer LP del colectivo, es un collage que mezcla imágenes hechas a computadora por el vocalista Thom Yorke y una ilustración del artista inglés. El diseñador creó su trabajo al principio de su carrera, cuando se encontraba en la casa de Yorke. Ahí, el entonces adolescente, comenzó a pintar sobre un lienzo en blanco, teniendo en la mente una escena postnuclear. Donwood mencionó que Thom lo invitó a cada una de las sesiones de grabación de OK Computer para que llevará un diario y así pudiera inspirarse para la realización de la portada. El resultado fue una de las carátulas más recordadas de los últimos años.


Los 15 mejores momentos de ‘The White Album’


El nuevo box set de la pieza maestra de The Beatles de 1968 está lleno de joyas nunca escuchadas. Un primer vistazo exclusivo de esta obra inaudita.


POR Staff Rolling Stone  



Foto: cortesía de Universal Music

Los 15 mejores momentos de ‘The White Album’

Por Rob Sheffield

Todo lo que sabemos sobre ‘The White Album’ está a punto de cambiar. La obra maestra de The Beatles de 1968 siempre ha sido el misterio más profundo en su historia –su música más alocada, extraña, experimental y brillante.

Pero resulta que The White Album es incluso aún más extraño de lo que creíamos. Especialmente cuando lo escuchas en Abbey Road, el legendario estudio en Londres donde la banda pasó cinco largos meses creándolo. Durante un par de días soleados (y largas noches) en Abbey Road, Rolling Stone realizó un tour exclusivo y privado por las gemas inauditas de la nueva edición de súper lujo de The Beatles, por siempre conocido como The White Album. El productor Giles Martin, hijo de George Martin, fue un guía valiente, reproduciendo tomas desde lo profundo de las bóvedas, y a menudo usando una guitarra para demostrar un cambio de acorde. “Era una banda en llamas”, dice. “Es el doble o triple de Sgt. Pepper –las cuatro paredes de este estudio ya no podían contenerlos”.

Parte de la mística de The White Album es todo el drama que se produjo en él –los argumentos y malas vibras son materia de leyenda. Así que lo sorprendente es todo el humor, emoción y compañerismo que se muestra en la nueva colección. Un buen ejemplo: una versión previamente desconocida de “Good Night” donde John, Paul, George y Ringo armonizan sobre una guitarra folk. Como Martin admite, “Los escuchas cantar a todos juntos y te preguntas: ‘¿Esto es The White Album?’”.

Sí, este es The White Album, y el impresionante box set profundiza en el frenesí creativo que The Beatles logró en 1968. Hay una nueva mezcla del productor Giles Martin y el ingeniero Sam Okell, además de cuatro discos de tomas alternas. El material extra está lleno de revelaciones, especialmente la joya de la corona de los tesoros enterrados de The Beatles: los demos acústicos de Esher. Aunque continúa la aclamada edición de aniversario del año pasado de Sgt. Pepper, esta es una inmersión más profunda, ya que el álbum cubre mucho terreno. Con las baterías recargadas de su retiro en India, los cuatro estaban alcanzando nuevas etapas como compositores, incluso Ringo, quien contribuyó con “Don’t Pass Me By”. No podían esperar para volver al estudio. No tenían idea de cuánto trauma vivirían. “Not Guilty” de George pasó por 102 tomas, y aun así no entró en el álbum. Su sufrido productor los abandonó después de unos meses. Ringo no sólo renunció al grupo por un par de semanas, sino que huyó del país. Se obligaron mutuamente a llegar al límite, pero así fue como se les ocurrió la música más audaz de sus vidas. Lo que aparece en todo el nuevo material es la osadía, la espontaneidad, la toma colectiva de riesgos, el espíritu de equipo. Mientras las cintas ruedan, los chicos suenan sorprendentemente juguetones. Al final de una toma, Paul bromea: “Quédate con esa. Márcala como fabulosa”. No tenían miedo de dar sus ideas más locas. Como Giles Martin lo expresa diplomáticamente: “La línea entre un máster final y hacer idioteces se está haciendo más delgada”.

Las tomas alternativas desafían la sabiduría convencional de que aquí es donde la banda se divide en cuatro artistas solistas. “¿Creen que la percepción de la historia de The Beatles se ha visto afectada por sus propios comentarios a principios de los años setenta?”, pregunta Martin. “Eso es lo que me pasa. Creo que después de The Beatles, cuando el corcho del champán salió volando de la botella y se fueron por caminos separados, reaccionaron en contra de ellos mismos. ‘Para ser honesto, no trabajamos bien como grupo’ y ese tipo de cosas. Sin embargo, nunca se desaceleraron creativamente. Me gusta bastante la idea de que se tiren tazas de té en el estudio. Estoy un poco decepcionado por no encontrarlo [en estas grabaciones]. Pero lo que están haciendo es crear un disco”.

Las ediciones de lujo y súper lujo finalmente presentan los demos de Esher, que los beatlemaníacos han estado pidiendo escuchar durante años. En mayo de 1968, recién de regreso de India, el grupo se reunió en el búngalo de George en Esher (pronunciado “Isher”) para grabar versiones acústicas de las nuevas canciones que ya habían acumulado para el nuevo álbum. Durante los siguientes días, trabajando juntos o en solitario, hicieron 27 canciones. Las cintas estuvieron en una maleta en la casa de George durante años. Siete pistas salieron en Anthology 3; otras nunca se han lanzado en ninguna versión Beatle, incluyendo “Child of Nature” de John y “Sour Milk Sea” de George. Las cintas de Esher por sí solas hacen que esta colección sea esencial, con una nueva intimidad casera que es única. Martin dice: “Son maquetas, pero espiritualmente, las actuaciones tienen su propio valor”.

Esta edición tiene nuevas versiones de otras canciones del mismo período: “Hey Jude”, “Lady Madonna”, “The Inner Light”, “Across the Universe” (pero no el lado B “Hey Bulldog”, porque no hay segundas tomas –la hicieron sólo una vez). También intentaron clásicos como “Blue Moon” y “You’re So Square (Baby I Don’t Care)”. Muestra lo que debería haber sido evidente del disco original: suenan como una verdadera banda, cuatro tipos que no pueden dejar de presumir, demasiado apasionados por sus canciones para considerar dar marcha atrás. (O para notar que todos a su alrededor se quebraban bajo la presión, incluso el estoico Sr. Martin. Su hijo explica: “No había horario, y le encantaban los horarios”).

Por supuesto, la esencia de The White Album es que todos lo escuchan de manera diferente –incluidos ellos mismos. Se pelearon sobre qué incluir, qué excluir, si debería haberse editado en un solo disco. (Años más tarde, en el documental Anthology, todavía discutían sobre eso). Esta edición reavivará esos argumentos. Pero incluso para los fanáticos que conocen el álbum original de pies a cabeza, es una nueva experiencia por completo –una que permanentemente cambiará cómo pensamos y hablamos sobre The Beatles.

Aquí hay 15 de sus momentos más reveladores:

1. “Revolution 1”

La legendaria Toma 18, una improvisación de casi 11 minutos del primer día de las sesiones de The White Album. Los otros integrantes de The Beatles estaban sorprendidos de ver a una persona nueva al lado de John: Yoko Ono, quien se volvió una presencia constante en el estudio. Comienza como la versión que conoces del disco: la torpe intro de guitarra de John, el “toma dos” del ingeniero Geoff Emerick, el “okaaay” de John. Pero donde la original se desvanece, esta apenas está empezando. El ritmo aumenta mientras John continúa cantando “all right, all right”, de un suave suspiro hasta un grito agudo. Yoko se une a la banda para añadir retroalimentación distorsionada de sintetizador, mientras Paul se aferraba al piano. Ella recita poesía en prosa y algunos fragmentos terminaron en “Revolution 9”: “It’s like being naked… if you become naked”.

La historia de esta sesión se ha contado muchas veces, usualmente presentada como una escena complicada donde Yoko se entromete, sembrando las semillas de la discordia, de principio a fin. Entonces es una sorpresa escuchar lo divertidos que están. Termina en un ataque de risa –ella pregunta nerviosamente: “¿Fue demasiado?”. John le dice que suena genial y Paul coincide: “¡Sí, es increíble!”.

2. “Sexy Sadie”

Mientras la banda entra en calor, George canta juguetonamente un gancho de Sgt. Pepper: “It’s getting better all the tiiiiime!”. John resopla: “Lo es, ¿cierto?”. La Toma 3 es una versión mordaz de “Sexy Sadie”, con Paul garabateando en el órgano. Sin embargo, a pesar del mal humor, la banda suena totalmente sincronizada. Cuando George pregunta: “¿Qué tan rápido, John?”, él responde: “Como lo sientas”.

3. “Long, Long, Long”

El tranquilo himno de George siempre ha sido subestimado, en parte porque está masterizado demasiado bajo. En la fantástica Toma 44, “Long, Long, Long” cobra vida como un dueto entre George y Ringo, con la batería estrellándose en un diálogo con las voces susurrantes. Giles Martin explica: “Supongo, como está documentado aquí, que George era el mejor amigo de Ringo, como él dice. Esa canción es una especie de los dos”. George comienza a improvisar al final: “Gathering, gesturing, glimmering, glittering, happening, hove- ring, humoring, hammering, laquering, lecturing, laboring, lumbering, mirroring…” Termina con el escalofriante y agónico acorde, originalmente el sonido de una botella de vino vibrando en el amplificador de Paul. “Todavía te da miedo cuando se aproxima”.

4. “Good Night”

De todas las tomas alternas, “Good Night” es la que dejará a la mayoría de los oyentes desconcertados de por qué esta no fue la versión que llegó al álbum. En lugar de las cuerdas exuberantes, tiene el punteo de la guitarra de John y el grupo completo armoniza en el coro de “good night, sleep tight”. Es raro escuchar a los cuatro cantando juntos en esta etapa, y su calidez es impresionante. “Sí prefiero esta versión a la del disco”, admite Martin. (No será el último en decir esto).

John toca el mismo patrón de guitarra que en “Dear Prudence” y “Julia”. Ese es una de las características sónicas distintivas de The White AlbumThe Beatles tenía su habilidad acústica en condición óptima, pues no había nada más qué hacer para divertirse en Rishikesh. En India, su compañero peregrino Donovan les enseñó el estilo de punteo de los folkies de Londres como Davey Graham. “Donovan le enseñó esta parte de guitarra. John pensó: ‘¡Genial!’, y después en el clásico estilo de The Beatles, escribió tres canciones usando la misma parte de guitarra”. Las demás tomas de “Good Night” son más cercanas al espíritu cursi de canción de cuna de la original. En una, Ringo canta suavemente sobre el piano de George Martin; en otra, hace una introducción a palabra hablada. “Vamos, guarda todos esos juguetes, es tiempo de ir a la cama. Ve a la tierra de los sueños. Sí, papá cantará una canción para ti”. Al final, bromea: “Ringo se ha vuelto un poco loco”.

5. “Helter Skelter”

Esta canción de Paul inspiró un sinfín de sesiones de estudio, tambaleándose hacia el primer headbanging –lo comenzaron el día después de la premier de Yellow Submarine, entonces tal vez simplemente tenían ganas del extremo opuesto. Esta toma tiene 13 minutos de un prístino ruido pesado, notablemente cerca de Black Sabbath, en la época en que Sabbath todavía estaba en Birmingham inventando su sonido.

6. “Blackbird”

Paul toca la canción –“Dark black, dark black, dark black night”– intentando descubrir la vibra. Todavía no lo logra. Le dice a George Martin: “Si alguna vez la alcanzamos, podré decirte cuando lo haya hecho. Sólo necesitamos olvidarlo. Es una decisión sobre qué voz usar”. Piensa su camino por la canción, su novia de entonces, Francie, se escucha en el fondo. “Todo está en el tiempo”, dice Martin. “Hay dos cosas separadas, un gran guitarrista y un gran cantante –él ha logrado desconectarlas y ponerlas juntas otra vez. Está tratando de averiguar dónde se unen”.

7. “Dear Prudence”

De todos los demos de Esher, “Dear Prudence” es probablemente la que mejor muestra su humor ruidoso. John termina su ensoñación infantil haciendo reír a sus compañeros de banda, contando la historia de Prudence Farrow que inspiró la canción. “Un curso de meditación en Rishikesh, India”, declara. “Enloqueció bajo el cuidado de Maharishi Mahesh Yogi. Todos estaban muy preocupados por la chica, porque se estaba volviendo demeeeente. Entonces le cantamos”.

8. “While My Guitar Gently Weeps”

Hay un demo acústico, pero la Toma 27, grabada un mes más tarde, es mucho mejor que la versión del álbum –John en el órgano, Paul en el piano, la guitarra principal del invitado especial Eric Clapton. (George invitó a su amigo a que viniera a tocar, en parte porque sabía que los otros se comportarían con Clapton). El ritmo sólo se cae cuando George intenta alcanzar una nota alta al estilo de Smokey Robinson y falla. “Está bien”, dice. “Intenté hacer un Smokey y yo no soy Smokey”.

9. “Hey Jude”

Grabada en medio de las sesiones, pero planeada para un sencillo aislado, la balada de Paul todavía está en bruto, pero incluso en esta primera toma, ya está diseñada como una epopeya de siete minutos, con Paul cantando el na-na-na del final. Otra gema en este box set: un primer intento de “Let It Be”, con la letra original de Paul mostrando su conexión explícita con el R&B estadounidense: “When I find myself in times of trouble/ Brother Malcolm comes to me”.

10. “Child of Nature”

Otro tesoro de Esher. “Child of Nature” es una balada gentil que John escribió sobre su retiro a India: “On the road to Rishikesh/ I was dreaming more or less”. La descartó del álbum pero la rescató algunos años más tarde, escribió nuevas letras y la convirtió en una de sus más famosas canciones como solista: “Jealous Guy”.

11. “Julia”

Una de las confesiones más íntimas de John –la única canción de The Beatles donde él está tocando solo. Puedes escuchar su nerviosismo mientras se sienta con su guitarra y le pregunta a George Martin, en un acento scouse burlón: “Es mejor parado, ¿no lo crees? Es muy difícil cantar esto, sabes”. El productor lo tranquiliza. “Es una canción muy difícil, John”. “’Julia’ era una de las favoritas de mi papá”, dice Giles. “Cuando comencé a tocar la guitarra en mi adolescencia, me dijo que me la aprendiera”.

12. “Can You Take Me Back?”

Otro fragmento del Lado Cuatro que sirve como una transición misteriosa hacia el caos abstracto del collage de sonido de “Revolution 9”. Paul juega con ella por unos minutos, tratando de hacerla más sustanciosa con un poco de country blues –“I ain’t happy here, my honey, are you happy here?”.

13. “Ob-La-Di, Ob-La-Da”

Paul se pasó una semana llevando a la banda por esta tonada, hasta que John finalmente salió furioso del estudio. Regresó unas horas después, muy drogado, y golpeó el piano con rabia, creando la introducción tintineante que pone el riff en marcha. Esta versión inicial es agradable pero demasiado suave –muestra por qué la canción realmente necesitaba esa agudeza cruel. Un ejemplo perfecto del espíritu colaborativo de The Beatles: John tal vez odiaba la canción, Paul tal vez resentía el sabotaje de John, pero a ambos les importaba profundamente la música como para no hacerla bien.

14. “Sour Milk Sea”

Una destacada de George de las grabaciones de Esher, “Sour Milk Sea” no entró en el álbum, pero se la dio a su amigo de Liverpool, Jackie Lomax, quien logró un éxito con ella. (Definitivamente merecía ser clasificada por encima de “Piggies”, la cual continúa como la más débil de cualquier versión de este álbum). “Not Guilty” y “Circles” son otros demos de George que se quedaron en el limbo. “Not Guilty” suena terminada en las cintas de Esher, pero en el estudio, estaba condenada al fracaso con más de 100 tomas en vano.

15. “Happiness Is a Warm Gun”

Un complicado experimento que aprendieron juntos en el estudio, con John jugando con la estructura y su falsete de parodia de doo wop. “¿A alguien se le hace más fácil?”, pregunta. “Parece un poco más fácil –ya no es divertido, pero es más fácil”. George dice con voz aguda: “Más fácil y divertido”. John responde: “Oh, está bien, si insistes”. Es un momento que resume todos los descubrimientos sorprendentes en esta edición de The White Album: un momento donde The Beatles está al borde de lo desconocido, con nadie con quien contar excepto ellos mismos. Pero ahí es cuando se inspiran para avanzar a toda marcha y saludar el nuevo día.


Escucha una versión inédita de “While My Guitar Gently Weeps” de The Beatles


Esta pieza forma parte de la reedición de ‘The White Album’ que estará disponible a partir del 9 de noviembre.


POR Brenda Arriaga  



Foto: cortesía Universal Music

Escucha una versión inédita de “While My Guitar Gently Weeps” de The Beatles

Para conmemorar el 50 aniversario de su álbum homónimo –mejor conocido como The White Album–, The Beatles editará una versión remasterizada que desempolvará clásicos como “Back in U.S.S.R”, “Blackbird”, “Ob-La-Di, Ob La Da”, entre otros.


Para promocionar este futuro relanzamiento programado para el 9 de noviembre, se compartió la segunda toma que The Beatles grabó en el estudio del clásico “While My Guitar Gently Weeps”. Este tema fue escrito en julio de 1968 por George Harrison y musicalizado junto a Paul McCartney. Eric Clapton se unió a las sesiones posteriormente tras una invitación de Harrison. Clapton jugó un papel determinante durante las sesiones de grabación de la canción, pues, de acuerdo a declaraciones del mismo Harrison “los otros muchachos en el estudio eran tan buenos como el oro porque él estaba ahí”.

Después de extensivas sesiones en los estudios Trident –lugar donde se grabó The White Album–, The Beatles presentó el disco de larga duración incluyendo la primera toma de “While My Guitar Gently Weeps”.

El relanzamiento de The White Album es el resultado del trabajo de los ingenieros Giles Martin y Sam Okel, quienes mezclaron nuevamente los 30 temas originales de la producción lanzada en 1968. La reedición del disco estará disponible a partir del 9 de noviembre de este año. Al respecto, Giles comentó lo siguiente: “Al volver a mezclar The White Album, intentamos acercarlos lo más posible a The Beatles en el estudio. Hemos vuelto a poner las capas con la esperanza de sumergir a los antiguos y nuevos oyentes en uno de los álbumes más diversos e inspiradores que se hayan hecho”.

Además de los 30 tracks original, se agregaron 27 demos acústicos y 50 tomas de estudio que fueron grabadas durante la producción del LP. De igual forma también se editó un libro de 164 hojas con fotografías del cuarteto de Liverpool, un póster y las letras de las canciones del disco impresas. Para conocer más detalles ingresa aquí.


Live Aid, el festival que hizo historia


Si bien no fue ni remotamente el primero, es indudablemente el más famoso.


POR Benjamín Salcedo  



Live Aid, el festival que hizo historia

La historia nos remonta hasta los años sesenta cuando se comenzó a popularizar este tipo de eventos, en donde se reunían diversos grupos para conformar un espectáculo atractivo. El más conocido, sin duda, fue Woodstock en 1969 antecedido por el Monterey Pop Festival con similares participantes pero en distintas proporciones.

Sin embargo, Live Aid fue único e irrepetible.

Pensado con el objetivo de recaudar fondos para apoyar la lucha contra el hambre en Etiopía, Bob Geldof concibió este concierto uniendo las previas acciones materializadas en bandas y discos de Band Aid en Europa con el tema “Do They Know It’s Christmas?” y en Estados Unidos con USA for Africa y la canción “We Are The World”.

Nunca antes se había realizado un festival musical simultáneamente en dos continentes; en dos ciudades y convertirse en uno solo. Además de ser transmitido completo por televisión al resto del mundo.

En Londres inició el festejo en el legendario estadio de Wembley —a reventar— con la presencia de los príncipes Carlos y la bella Lady D. En la parte superior del escenario destacaba la fecha, julio 13 de 1985 junto con el nombre de Pepsi, uno de los patrocinadores que hicieron posible gran parte de la logística del evento.

Hubo momentos sublimes, desde reuniones de bandas que estaban separadas y se juntaron ese día por el noble fin como por ejemplo Led Zeppelin, Black Sabbath con Ozzy Osbourne y Duran Duran, hasta participaciones fuera de serie como la que hizo Queen.

La banda liderada por Freddie Mercury se desenvolvió como en su casa ya que el estadio había sido sede de sus múltiples conciertos históricos. Mercury y su arrasadora personalidad se adueñaron de inmediato del escenario; sentado al piano inició con la primera parte de su obra maestra, “Bohemian Rhapsody”, sobre ese piano se aprecian unos vasos de Pepsi y una cerveza. Pudiera parecer intrascendente, pero cuando veas la escena en la película del mismo nombre, Bohemian Rhapsody —que se estrena el 2 de noviembre— notarás que ese instante fue fielmente reproducido. Su actuación fue apoteósica e inolvidable, ver a todo el estadio levantar y bajar el puño al ritmo que él marcaba en “Radio Ga Ga” quedará en el recuerdo de quienes lo vieron en vivo.

Cuando comenzaba a caer la tarde en Londres, se unió Estados Unidos y dio inicio el evento y transmisión desde el estadio JFK de Filadelfia, donde comenzaron a desfilar los demás artistas participantes. Algunos se dieron el lujo, como Phil Collins, de tomar un vuelo en el Concorde para participar en ambos estadios el mismo día.

El cierre fue espectacular; el de Wembley a las 10 de la noche (5 de la tarde en Filadelfia) con artistas como Paul McCartney, David Bowie, The Who, Elton John, U2, George Michael y muchos más. Mientras que el cierre en Estados Unidos fue poco antes de la media noche con la mayor parte de los participantes como Lionel Ritchie, The Rolling Stones, Tina Turner, Duran Duran y varios más.

Por la importancia y trascendencia del Live Aid, el 13 de julio anualmente se conmemora el Día Mundial del Rock.


Paul McCartney fue la fuerza creativa de The Beatles


En las palabras de Philip Norman, autor de la obra ‘McCartney: la biografía’.


POR José Luis Guzmán  



Foto: Jimmy Baikovicius / Creative Commons

Paul McCartney fue la fuerza creativa de The Beatles

Diciembre 1980. El asesinato de John Lennon dejó al mundo helado y petrificado en adoración al beatle muerto. Los obituarios en todo el mundo no dudaron en calificarlo como “héroe de la clase trabajadora” y se le comparaba a menudo con Walt Whitman y John F. Kennedy. Se cristalizó la leyenda de “el más carismático, interesante e importante” de The Beatles dejando a McCartney, Harrison y Starr en el papel de meras comparsas que tuvieron la suerte de convertir los sueños de Lennon en sonido. Incluso Eric Cartman en South Park lo llamó “el rey de los hippies”. Dos libros fueron fundamentales en este proceso de canonización: Shout! The Beatles in Their Generation de Philip Norman editado un año después del asesinato y The Ballad of John and Yoko realizado por los editores de ROLLING STONE en 1982.

Agosto 2018. Aparece McCartney: la biografía del mismo Philip Norman (Malpaso Ediciones) que recompone la otra mitad del cielo beatle y concede, finalmente, el reconocimiento definitivo al músico de talento indiscutible, inseguridad disfrazada de encanto, al mercurial perfeccionista con un talento innato por la melodía y a quien ahora Norman no duda en calificar como “extraordinariamente talentoso”.
“El McCartney real es más inseguro de lo que uno podría imaginar y por lo mismo más interesante”, nos comenta Norman vía telefónica desde Londres al preguntarle sobre el origen de su más reciente libro.

¿No resulta paradójico que siendo fan de John Lennon, hayas escrito el libro más importante en la vida de Paul?
Realmente no soy… No me consideraría fan, porque los fans son totalmente subjetivos y escribir un libro como fanático sería una pérdida de tiempo. Prefiero ser objetivo y obtener una aproximación crítica al mismo tiempo que apasionada y me refiero a ver con pasión al sujeto. De este modo, aunque pienso que John era muy adorable, debo reconocer que también solía ser muy desagradable, así que de manera inesperada encontré mucho que admirar en Paul.

¿Cuál crees es la característica más importante que convirtió a McCartney en la estrella que ahora conocemos?
Es muy fuerte, pero también con muchísima determinación. John bien pudo haberse rendido tratando de empujar y unir a The Beatles, tratando de ser más famoso. Paul fue la fuerza impulsora, la fuerza creativa tanto en los álbumes como en el look de la banda. Funcionaba no sólo como músico, sino con fuerte sentido de la estética. Su determinación es asombrosa.

Si no te declaras un fan, ¿cuál es tu aproximación al fenómeno de The Beatles en general y McCartney en particular? ¡Porque realmente es muy interesante!
Fui el primer escritor en publicar una aproximación psicológica sobre el surgimiento de la beatlemanía y cómo ocurrió; debí dar un paso atrás (de cuánto me gustaban) para acercarme objetivamente y con pasión. Y por mucho tiempo pensé que nunca más escribiría sobre ellos porque hay millones de obras escritas sobre The Beatles y pensé que no había algo más que decir. No fue sino hasta finales de los años sesenta cuando una revista estadounidense [Show] me pidió una investigación sobre la organización de Apple y me encontré en el edificio número tres de Savile Row, literalmente en un asiento de ringside para ver el rompimiento de The Beatles, cuando descubrí que siempre habría nuevo material para escribir sobre ellos. Lo que tenía que hacer era salir, experimentarlo y no quedarme dormido en mi cuarto diciendo: “Amo a John”, “Amo a Paul” o “Me gusta tal o cual canción”.

 


The Beatles celebrará el 50 aniversario de ‘The White Album’ con una reedición especial


Esta nueva versión incluirá demos, versiones acústicas, tomas hechas durante las sesiones de grabación y más material inédito.


POR Jonathan Matamoros  



The Beatles celebrará el 50 aniversario de ‘The White Album’ con una reedición especial

Esta mañana, se anunció el lanzamiento de una reedición especial de The White Album para conmemorar el 50 aniversario del noveno álbum de estudio de The Beatles, el cual fue lanzado el 22 de noviembre de 1968. Esta nueva versión contendrá nuevas mezclas, demos inéditos y algunas grabaciones que formaron parte de las sesiones de estudio. Este nuevo material estará disponible a partir del próximo 9 de noviembre.

Esta es la primera vez que el disco homónimo de The Beatles ha sido reeditado. Las 30 pistas que conforman el LP han sido remezcladas en formato estéreo y 5.1 por el productor Giles Martin y el ingeniero de mezcla Sam Okell a partir de las cintas originales de cuatro y ocho tracks.

“Al volver a mezclar The White Album, intentamos acercarlos lo más posible a The Beatles en el estudio”, escribió Giles Martin. “Hemos vuelto a poner las capas con la esperanza de sumergir a los antiguos y nuevos oyentes en uno de los álbumes más diversos e inspiradores que se hayan hecho”, agregó.

El material extra que ha sido agregado a esta reedición incluye 27 demos acústicos y 50 tomas realizadas durante las sesiones de grabación, la mayoría de ellas son piezas inéditas. Paul McCartney escribió una introducción para esta reedición: “Habíamos dejado la banda de Sgt. Pepper para tocar en sus soleados Campos Elíseos, y avanzábamos a grandes pasos hacia nuevas direcciones sin un mapa”.

El arte de esta reedición fue realizado por Richard Hamilton, una de las principales figuras del pop art británico. Las versiones de superlujo están numeradas en el frente del LP, tal y como lo estaban las primeras copias del álbum en 1968. También se incluyó un libro de pasta dura de 164 páginas con fotografías de John, Paul, George y Ringo, así como un póster y las letras impresas de las canciones. Además de capítulos que detallan cada una de las pistas, acompañados por notas originales de las sesiones de grabación que acercan a sus fanáticos al tiempo que vivió The Beatles entre el lanzamiento de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y las grabaciones de The White Album.

El álbum homónimo de The Beatles fue el primero que lanzaron a través de su propia disquera Apple Records y fue publicado en formato estéreo y mono. Rápidamente, esta producción se convirtió en uno de sus más emblemáticos y exitosos lanzamientos. The White Album está incluido en la posición Número Diez dentro de la lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según Rolling Stone.

Esta es la lista de canciones que estarán incluidas en la reedición de The White Album:

CD 1: 2018 Stereo Mix
“Back in the U.S.S.R.”
“Dear Prudence”
“Glass Onion”
“Ob-La-Di, Ob-La-Da”
“Wild Honey Pie”
“The Continuing Story of Bungalow Bill”
“While My Guitar Gently Weeps”
“Happiness is a Warm Gun”
“Martha My Dear”
“I’m So Tired”
“Blackbird”
“Piggies”
“Rocky Raccoon”
“Don’t Pass Me By”
“Why Don’t We Do It In the Road?”
“I Will”
“Julia”

CD 2: 2018 Stereo Mix
“Birthday”
“Yer Blues”
“Mother Nature’s Son”
“Everybody’s Got Something to Hide”
“Except Me and My Monkey”
“Sexy Sadie”
“Helter Skelter”
“Long, Long, Long”
“Revolution I”
“Honey Pie”
“Savoy Truffle”
“Cry Baby Cry”
“Revolution 9”
“Good Night”

CD 3: Esher Demos
“Back in the U.S.S.R.”
“Dear Prudence”
“Glass Onion”
“Ob-La-Di, Ob-La-Da”
“The Continuing Story of Bungalow Bill”
“While My Guitar Gently Weeps”
“Happiness is a Warm Gun”
“I’m So Tired”
“Blackbird”
“Piggies”
“Rocky Raccoon”
“Julia”
“Yer Blues”
“Mother Nature’s Son”
“Everybody’s Got Something to Hide”
“Except Me and My Monkey”
“Sexy Sadie”
“Revolution”
“Honey Pie”
“Cry Baby Cry”
“Sour Milk Sea”
“Junk”
“Child of Nature”
“Circles”
“Mean Mr. Mustard”
“Polythene Pam”
“Not Guilty”
“What’s the New Mary Jane”

CD 4: Sessions
“Revolution I” (Toma 18)
“A Beginning” (Toma 4) / “Don’t Pass Me By” (Toma 7)
“Blackbird” (Toma 28)
“Everybody’s Got Something to Hide”
“Except Me and My Monkey” (Ensayo no numerado)
“Good Night” (Ensayo no numerado)
“Good Night” (Toma 10 con una parte de guitarra de la toma 5)
“Good Night” (Toma 22)
“Ob-La-Di, Ob-La-Da” (Toma 3)
“Revolution” (Ensayo no numerado)
“Revolution” (Toma 14 – Instrumental de fondo)
“Cry Baby Cry” (Ensayo no numerado)
“Helter Skelter” (Primera versión – Toma 2)

CD 5: Sessions
“Sexy Sadie” (Toma 3)
“While My Guitar Gently Weeps” (Versión Acústica – Toma 2)
“Hey Jude” (Toma 1)
“St. Louis Blues” (Sesión de improvisación)
“Not Guilty” (Toma 102)
“Mother Nature’s Son” (Toma 15)
“Yer Blues” (Toma 5 con voz de guía)
“What’s the New Mary Jane” (Toma 1)
“Rocky Raccoon” (Toma 8)
“Back in the U.S.S.R.” (Toma 5 – Instrumental de fondo)
“Dear Prudence” (Voz, guitarra y batería)
“Let It Be” (Ensayo no numerado)
“While My Guitar Gently Weeps” (Tercera versión – Toma 27)
“(You’re so Square) Baby, I Don’t Care” (Sesión de improvisación)
“Helter Skelter” (Segunda versión – Toma 17)
“Glass Onion” (Toma 10)

CD 6: Sessions
“I Will” (Toma 13)
“Blue Moon” (Sesión de improvisación)
“I Will” (Toma 29)
“Step Inside Love” (Sesión de improvisación)
“Los Paranoias” (Sesión de improvisación)
“Can You Toma Me Back? (Toma 1)
“Birthday” (Toma 2 – Instrumental de fondo)
“Piggies” (Toma 12 – Instrumental de fondo)
“Happiness is a Warm Gun” (Toma 19)
“Honey Pie” (Instrumental de fondo)
“Savoy Truffle” (Instrumental de fondo)
“Martha My Dear” (Sin metales y cuerdas)
“Long, Long, Long” (Toma 44)
“I’m So Tired” (Toma 7)
“I’m So Tired” (Toma 14)
“The Continuing Story of Bungalow Bill” (Toma 2)
“Why don’t we do it in the road?” (Toma 5)
“Julia” (Two rehearsals)
“The Inner Light” (Toma 6 – Instrumental de fondo)
“Lady Madonna” (Toma 2 – Piano y batería)
“Lady Madonna” (Backing vocals from Toma 3)
“Across the Universe” (Toma 6)

Blu-ray:
PCM Stereo (2018 Stereo Mix)
DTS-HD Master Audio 5.1 (2018)
Dolby True HD 5.1 (2018)
Mono (2018 Direct Transfer)

Mira un clip donde se puede ver todo lo que contendrá la reedición de The White Album:


“Back in Brazil”, el nuevo video de Paul McCartney


Este es uno de los temas que forman parte de ‘Egypt Station’, el nuevo álbum del exbeatle.


POR Shanick Mota  



“Back in Brazil”, el nuevo video de Paul McCartney

Paul McCartney estrenó su decimoctavo álbum de estudio bajo el nombre de Egypt Station el pasado 7 de septiembre. De este nuevo LP se desprenden canciones como “I Don’t Know”, “Come to Me” y “Back in Brazil”. “Macca” compartió el video oficial de este último tema.

En el audiovisual de “Back in Brazil” podemos ver como nace un romance entre una chica brasileña llamada Yasmin y Zach, a quien invita a asistir con ella al concierto de Paul McCartney pero al final, no puede acompañarla. Decepcionada, Yasmin entra sola al show y es invitada por el exbeatle a subir al escenario.

Egypt Station es el primer material inédito que Paul comparte en cinco años, después de que estrenara New en 2013. Esta nueva producción marcó su reingreso a la cima del conteo Billboard 200, del cual había estado ausente desde 1982, año en el cual Tug of War llegó al Número Uno.

McCartney unió fuerzas con Spotify para crear Paul McCartney & Spotify Singles: Under The Staircase, una playlist exclusiva que incluye audio y video de la sesión en vivo que el músico británico realizó en los Estudios Abbey Road hace unas semanas. Además de contar con material pasado de su discografía como solista y de su nuevo disco, la lista de canciones incluye interpretaciones en vivo de piezas de The Beatles como “A Hard Day’s Night” y “Love Me Do”. Esta misma contiene un total de 17 tracks y 34 videos y ya se encuentra disponible en Spotify.

Mira “Back in Brazil”, el nuevo video de Paul McCartney:


Paul McCartney comparte el video de “Fuh You”


Este es uno de los dieciséis temas que conforman el nuevo material discográfico del icónico músico británico.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Twitter Paul McCartney

Paul McCartney comparte el video de “Fuh You”

Sir Paul McCartney compartió el audiovisual que acompaña a “Fuh You”, uno de los 16 temas que conforman su más reciente producción discográfica Egypt Station, la cual es la decimosétima en su carrera como solista y tuvo su estreno el pasado viernes 7 de septiembre.

“Fuh You” es uno de los tres adelantos que pudimos escuchar de este LP previo a su lanzamiento. Para la creación de este track, Paul unió fuerza con el cantautor y productor Ryan Tedder.

Al respecto de cómo fue creada esta pista, McCartney mencionó: “Sólo estábamos pensando en ideas y pequeñas partes de melodía y acordes y la canción se comenzó a formar pieza por pieza. Y después intenté darle algo de sentido a la historia. Es como ‘Come On Baby Now’. ‘Habla de ti mismo. Di la verdad, déjame conocerte’, y básicamente quiero saber como te sientes, provocas que quiera salir y robar. Esa la idea inicial y se desarrollo a partir de eso… como una especia de canción de amor, pero obscena”.

En el visual en blanco y negro de “Fuh You” podemos ver a un adolescente recorriendo las calles de Liverpool –la ciudad natal del exbeatle— después de tener una cita exitosa con una jovencita. Mientras Jamie (el chico) va de vuelta a su hogar, recorre la ciudad bailando, cantando el tema de McCartney e interactuando con quien se cruza en su camino.

El pasado fin de semana, el icónico músico británico celebró el lanzamiento de Egypt Station con un concierto sorpresa en la Grand Central Station de Nueva York. Frente a algunas afortunadas personas, Paul interpretó 26 canciones, incluyendo algunos de los más grandes éxitos de The Beatles como “Love Me Do” y “Let It Be”, así como piezas de su nuevo disco y algunas más de la discografía de su exbanda Wings. Puedes ver todas sus presentaciones en el canal de YouTube de McCartney.

Esta nueva producción representa el primer material inédito que Paul comparte en cinco años, aunque a lo largo de este tiempo, el artista nacido en Liverpool ha colaborado con diferentes figuras como Kanye West, Rihanna, Foo Fighters y Ringo Starr.

Egypt Station ya está disponible en todas las plataformas digitales y en formato físico. Puedes adquirirlo a través de este enlace.

Mira el nuevo video de Paul McCartney para “Fuh You”: