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50 años de ‘Are You Experienced’ de The Jimi Hendrix Experience


El álbum debut de uno de los guitarristas más emblemáticos de la historia cumple cinco décadas.


POR Héctor Elí Murguía  



50 años de ‘Are You Experienced’ de The Jimi Hendrix Experience

El 12 de mayo de 1967 fue publicado un álbum que marcaría un antes y un después en la historia de la cultura popular: Are You Experienced de The Jimi Hendrix Experience, obra que funcionaría como antesala de la psicodelia.

Jimi Hendrix, Noel Redding y Mitch Mitchel fue el primer trío que impresionó al tocar con virtuosismo una fusión de blues, jazz y efectos de sonido que ambientaron la imaginación de los jóvenes anglosajones. Reverberaciones, ecos y voces que cantaban sobre una depresión maniática y una vida sexual descontrolada, se escucharon en este disco antes de la llegada del “amor y paz”.

Hendrix se mudó a Londres en 1966 y visitó algunos clubes de blues en donde encontraría la inspiración para revolucionar el rock: Eric Clapton. Unos meses después, el guitarrista y los dos miembros de su banda, fueron descubiertos por Chas Chandler (The Animals) y su mánager, Michael Jeffrey, quienes firmaron contrato con Track Records para grabar el álbum debut del power trio.

The Jimi Hendrix Experience estuvo en el estudio durante cuatro meses en los Olimpic Studios con el productor Eddie Kramer, quien posteriormente trabajaría con Led Zeppelin y KISS. “Purple Haze” y “Foxy Lady” fueron las principales composiciones en las que Hendrix creo icónicos riffs a través de la distorsión y una técnica dinámica en su Fender Stratocaster, que posteriormente inspiró a guitarristas como como Jimmy Page, David Gilmour y actualmente a guitarristas como John Mayer. Otras versiones psicodélicas de canciones clásicas de blues como “Hey Joe”, original de Billie Roberts de 1962 y “Manic Depression“, aumentaron las emociones que predominan en el disco: excitación, sensualidad y vitalidad.

Are You Experienced inspiró a las generaciones que basaron su sonido en el blues, rock e inclusive el funk como Sly and the Family Stone y al mismo Prince en sus inicios. La leyenda de Jimi Hendrix comenzó en este álbum, el primer retrato sonoro de uno de los guitarristas más innovadores de su época.

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Mira el emotivo tributo de Lenny Kravitz a Prince


El neoyorquino interpretó los temas “When Doves Cry” y “The Cross” junto a Love Fellowship Choir.


POR Julio Cruz Montoya  



Mira el emotivo tributo de Lenny Kravitz a Prince

El pasado viernes Lenny Kravitz interpretó las canciones “When Doves Cry” y “The Cross” en la ceremonia de investidura del Salón de la Fama del Rock and Roll, esto como tributo a Prince quien falleció el año pasado a los 57 años. Kravitz tocó estos temas junto a Hezekiah Walker & The Love Fellowship Choir.

Tras el fallecimiento de Prince en 2016, Kravitz comentó “Dirty Mind fue un momento importante para mí. Sólo ver la portada abrió mi imaginación. Había un gato afroamericano, su piel era parecida a la mía, tocaba la guitarra y yo quería tocarla así, él tuvo un fuerte impacto en mí. Podía ver a dónde iba. La música, la vibra, el color, el pelo, los miembros de la banda, todo fue impresionante para mí.”

El talento de Prince fue una inspiración para miles de artistas como Erykah Badu, Bilal, Stevie Wonder, Maxwell, Janelle Monae y Bruno Mars por mencionar algunos que le han realizado un homenaje en los últimos meses.

Mira a continuación el tributo de Lenny Kravitz a Prince:

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Las diferentes etapas de Prince


En su primer aniversario luctuoso, recordamos las distintas facetas que formaron al ícono del pop.


POR Héctor Elí Murguía  



Las diferentes etapas de Prince

Prince es conocido por ser uno de los artistas más influyentes de las últimas décadas. Él le mostró al mundo que la música podía mezclarse de múltiples formas. Desde el funk hasta el pop, su esencia cambió paradigmas en la escena musical y su legado permanece a través de la personalidad ecléctica que tuvo en distintas etapas a lo largo de su carrera.

A continuación, presentamos una lista de canciones que recorren su discografía para deconstruir cada una de sus facetas como músico y símbolo social y cultural.

I Wanna Be Your Lover” – Prince (1979)
Con un riff de guitarra funky sencillo, Prince llegó a las estaciones de radio tras su debut en el club Roxy en Los Ángeles. Era 1979 y la música disco seguía en su apogeo. Sobre la base rítmica inspirada en este género, el músico compuso un par de líneas en las que por primera vez se mostraba su sensualidad única. Con 21 años de edad, Prince debutó en las listas de popularidad con esta canción. Tan sólo un año antes, el joven compositor debutó con For You, un disco que apenas fue reconocido por la crítica musical.

2. “Controversy” – Controversy (1981)
Una de las piezas disco más contagiosas de la historia. La magia rítmica de James Brown evolucionó para darle paso a los sintetizadores. Prince cuestiona las creencias humanas y critica los dogmas sociales. Ronald Reagan llegaba al poder en enero de 1981 y grupos políticos religiosos como la Mayoría Moral, reflejaron la diferencia cultural que se vivía en ese entonces. En noviembre de ese año, “Controversy” funcionó como una reacción cuestionable ante tal diferencia entre la clase conservadora y lo que la gente vivía: “Am I black or white? Am I straight or gay?”; “Do I believe in God? Do I believe in me?”.

3. “1999” – 1999 (1992)
Dos años antes de su éxito comercial, Prince lanzó un álbum experimental en el que combinó todos los sonidos electrónicos existentes junto con su característico pop funk.

La apocalíptica “1999” representó la evolución del músico junto con “Little Red Corvette” y “Delirious” los otros sencillos del disco. El new wave, R&B y pop se encuentran tejidos en esos tracks en los que Prince utilizó por primera vez un Linn Drum, maquina de percusiones popularizada por Michael Jackson, Devo y el legendario pionero del synth pop, Gary Numan.

4. “When Doves Cry” – Purple Rain (1984)
El pop experimental de Prince se posicionó en las listas de popularidad con esta canción en occidente. La canción muestra las habilidades del músico en la guitarra, con un solo mayúsculo y una melodía sentimental basada en el avant-garde. “When Doves Cry” musicaliza el corazón de su cinta autobiográfica Purple Rain.

5. “Purple Rain” –
El himno de los vencidos. Un lamento edípico del que Prince nunca supo si funcionaría para el soundtrack de su película homónima, sin embargo, la canción concluye esta cinta de forma contundente. La muerte del padre de Prince fue el clímax perfecto para la trágica historia.

Purple Rain no solo relata su biografía, también muestra a Prince como el músico disruptivo y el ícono sexual de los ochenta. En el cine, la figura masculina de un Marlon Brando se desvanece para darle entrada al espectro andrógino de Prince.

El soundtrack de la película batió las listas de popularidad mientras Bruce Springssteen hacia lo mismo con su álbum Born In The USA.

6. “Kiss” (1986)
Después del éxito de Purple Rain, Prince se reunió con David Z, productor de Los Ángeles que lo acompañó durante su estancia en Paisley Park, estudio y sello discográfico creados por el artista.

En esta etapa, el músico compuso una melodía funky que actualmente es de las favoritas para poner en los clubs nocturnos en el mundo por los DJ’s. Cuando Prince llegó L.A, traía consigo un demo acústico que se convirtió en este pegajoso track. Los empresarios de la disquera Warner, dijeron que sonaba incompleto al final y les preocupaba debido a que solamente sería lanzado como sencillo, sin ser parte de un LP.

7. “Sign O’ The Times” – Sign O’ The Times (1987)
Paisley Park se convirtió en un laboratorio de experimentación con fórmulas arriesgadas que Prince materializó en 16 canciones distribuidas en un álbum doble.

Electro funk, R&B, soul, avant-pop y un sinfin de géneros musicales fueron la base de la arquitectura del disco. Desde Nina Simone hasta Miles Davis fueron influenciados por esta colección de temas que catapultaron a Prince al olimpo de los músicos más trascendentales.

8. “Diamonds And Pearls” – Diamonds And Pearls (1991)
En 1991, Prince regresó a la escena con un álbum que esencial en su discografía: Diamonds And Pearls. El primer sencillo del disco, titulado de la misma forma, llegó a la posición número tres del Billboard en un mundo dominado por el Bryan Adams y el pop masivo de Michael Jackson.

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Escucha “Deliverance”, la nueva canción de Prince


A la par del estreno de este tema se anunció el lanzamiento de un EP póstumo en el aniversario luctuoso del ícono del pop.


POR Héctor Elí Murguía  



Escucha “Deliverance”, la nueva canción de Prince

Ayer por la noche se anunció el lanzamiento de Deliverance, nuevo material póstumo de Prince que incluirá canciones grabadas entre 2006 y 2008.

Se trata de un nuevo EP que contendrá 6 tracks coescritos por Ian Boxill, ingeniero de audio y músico que colaboró con el ícono del pop durante esa época. Junto con el anuncio de esta recopilación fue estrenado el primer sencillo homónimo, “Deliverance”.

El sello discrográfico independiente RMA será el encargado de sacar a la luz este EP, que en su mayoría contiene el lado más gospel y blues del compositor. El nuevo material de Prince estará disponible este 21 de abril en todas las plataformas digitales para conmemorar el primer aniversario luctuoso del músico originario de Minnesota.

Escucha “Deliverance“, la nueva canción de Prince:

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José James: una voz singular en tiempos de locura


Tras el lanzamiento de ‘Love In A Time Of Madness’, el músico se tomó un tiempo para platicar sobre su característica fusión de jazz con hip hop.


POR Priscila Núñez  



José James: una voz singular en tiempos de locura

José James es un músico que se caracteriza por estar buscando la manera de expandir sus horizontes en todo momento. Es un artista contemporáneo que trata de difuminar los límites entre géneros musicales para crear piezas que simplemente reflejen lo que siente.

Cada material que lanza se aleja de sus trabajos anteriores sin perder las bases de jazz que lo definen. Dreamer, su álbum debut de 2008, inauguró un estilo musical que incorporaba elementos de hip hop al jazz tradicional. Si le preguntas, el jazz y el hip hop están íntimamente ligados.

Recientemente, el originario de Minneapolis publicó Love In A Time Of Madness, un álbum que también incorpora elementos de R&B, soul y funk de finales de los setenta para mezclarlos con técnicas de la electrónica moderna.

El lanzamiento ocurrió la mañana del 24 de febrero. Por fortuna, José James se encontraba volando de Nueva York a Los Ángeles, desconectado de todo y sin conocimiento alguno de la respuesta que estaba teniendo el álbum en sus primeras horas de vida.

“Trabajé prácticamente tres años en Love In A Time Of Madness” asegura James desde el otro lado de la línea después de bajarse del avión. “No es que esté nervioso por el lanzamiento, prefiero no pensar en ello”.

De acuerdo con el músico, el título del álbum bien podría ser una derivación del libro de Gabriel García Márquez, El amor en tiempos de cólera, y aunque cuando comenzó a trabajar en las canciones el título no lo convencía, la locura que se vive en el mundo hoy en día ha hecho que este nombre cobre mayor importancia: “La parte de la locura empezó a salirse de control en el mundo real. El racismo, el sexismo, la inestabilidad económina, el Brexit, Trump… Me sentí tan abrumado de lo que sucedía que sentí que debía ofrecer una solución y para mí, la solución es el amor”.

“Creo que uno de los regalos que ofrece la música es que puede ser un alivio en tiempos difíciles. En su momento lo hizo Billie Holiday, darle un giro de 180 grados a la vida”, continúa José. “Si bien la música no puede arreglar los problemas, por lo menos puede ofrecer algo de luz que nos permita seguir adelante”.

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Con Love In A Time Of Madness José James planea visitar la Ciudad de México el próximo jueves 11 de mayo en el Lunario del Auditorio Nacional. Teniendo como pretexto el estreno del disco y su próxima presentación, platicamos con el músico. Esto es lo que nos contó:

Siendo alguien que ha explorado distintos géneros musicales, ¿en cuál de ellos te sientes más cómodo?
En realidad me siento cómodo en todos. Es como cuando despiertas y piensas en qué es lo que te quieres poner ese día. Me gusta usar corbatas y zapatos elegantes, pero también me encanta usar gorra y tenis, lo que no me gusta es usar la misma ropa todos los días. Así me siento con la música, quiero divertirme con ella y quiero retarme a mí mismo y a mi audiencia. Creo que más bien no me siento cómodo cuando no estoy haciendo música.

¿Entonces es cierto que nunca has tenido bloqueo de escritor?
Yo no trato de escribir cosas, las ideas vienen a mi mente y solo las pongo en papel.
Sí, es cierto que nunca he tenido bloque de escritor, pero tampoco soy un escritor prolífico, creo que un álbum cada año o cada dos es una buena velocidad para mí. Si tuviera que escribir más no sería tan bueno.

Me imagino que a veces escribes cosas que no llegan a formar parte de un álbum, ¿qué haces con ese material?
Solía preocuparme por ese material, siempre pensaba en lanzarlo en un segundo álbum o meterlo como canciones extra en la versión extendida. Después de mi primer álbum aprendí que solo es parte del proceso, muchas canciones se quedan incompletas o simplemente no funcionan y ahora creo que ese material en bruto me ayuda a lograr más cosas, además de que siempre puedes seguir desarrollando las ideas, es mejor no forzarlo.

¿Cómo fue que encontraste tu camino a través del jazz?
En realidad fue muy sencillo, lo sentí como un llamado natural porque siempre me ha gustado la complejidad del jazz, la profundidad emocional. Siento que no hay ningún otro tipo de música que sea tan satisfactorio.

¿Cuándo fue que empezaste a notar la relación que existe entre el hip hop, el jazz y el R&B?
Cuando estaba en la secundaria disfrutaba de todo al mismo tiempo y creo que solo fui afortunado porque tuve muy buenos maestros del mundo de la música. Lo único que me entristece es que la gente que escucha jazz solo escucha jazz y la gente que escucha hip hop solo escucha hip hop.

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¿Qué tipo de música escuchabas entonces, en la secundaria?
Cosas normales, Nirvana, A Tribe Called Quest, Beastie Boys y recuerdo que el primer álbum que compré fue Purple Rain, mi álbum favorito de Prince.

¿Cómo vez la escena del jazz hoy en día?
Es interesante porque cada país tiene su propia versión del jazz. La semana pasada estuve en Japón y ellos tenían su propio estilo; había bandas de Tokio que lo combinaban con funk y R&B. Me rehuso a creer que el jazz está muriendo, porque es un espíritu creativo que puede juntar cualquier tipo de música. Es posiblemente el género musical más flexible.

Alguna vez dijiste que las personas están tentadas a hacer que el jazz sea complicado pero en ocasiones sólo necesita ser sencillo, ¿la sencillez es tu acercamiento al momento de crear?
Creo que si haces cualquier cosa muy complicada deja de ser divertida y yo quiero que mi música sea placentera, quiero que la gente sea capaz de bailar con ella en un club, meterse en problemas. Al componer sí me exijo cierto grado de complejidad para sentirme cómodo, pero voy depurando, dejo que las cosas fluyan.

Si te cruzaras con alguien que nunca ha escuchado a Billie Holiday, ¿qué canciones le pondrías?
Creo que “Autumn in New York“, esa es increíble. Por supuesto “Strange Fruit” y “God Bless the Child” porque es una canción que ella escribió y es muy poderosa.

Por último, describe tu álbum en tres palabras:
Vulnerable, poderoso y futuro.

Escucha Love In A Time Of Madness:

Mira el video de “To Be With You”, un sencillo de este nuevo material:

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David Bowie, Prince y The Smiths entre los artistas más destacados del Record Store Day 2017


El día que celebra la música en su formato físico presentará material inédito de gran variedad de artistas.


POR Héctor Elí Murguía  



David Bowie, Prince y The Smiths entre los artistas más destacados del Record Store Day 2017

Desde 2007, el Record Store Day es un día dedicado a la cultura musical en formato físico celebrado por tiendas y sellos discográficos tanto nacionales como internacionales. En México, el festejo es conmemorado desde hace 5 años y en esta edición, distintas tiendas ubicadas en la Ciudad de México tendrán disponible nuevo material de gran variedad de artistas. David Bowie, Prince y The Smiths, serán algunos de los artistas de los que se preparan lanzamientos especiales como rarezas y reediciones en vinilo.

Cracked Actor y Bowpromo son los materiales inéditos de Bowie que se estrenarán en el Record Store Day. El primero se trata de una compilación de temas interpretados en vivo por Bowie en 1974 en el Anfiteatro Universal ubicado en Los Ángeles. El segundo es una compilación de tomas alternativas de canciones del álbum Hunky Dory de 1971.

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De Prince lanzarán vinilos de 12 pulgadas de las canciones “Sign O’ The Times”, “I Could Never Take the Place of Your Man” y “Batdance”. De The Smiths estrenarán dos grabaciones inéditas en un vinilo de 7 pulgadas que incluirá una mezcla de la canción “The Boy With the Thorn in His Side” y un demo de “Rubber Ring” grabado en los estudios Drone.

En el Record Store Day también se estrenarán álbumes en vivo como la clásica presentación de Bruce Springsteen con E Street Band en el Hammersmith Odeon de Londres, el concierto acústico de Lou Reed en el festival Meltdown en 1997 y la más reciente presentación de Iggy Pop en el Royal Albert Hall, presentando el álbum Post Pop Depression que será lanzado como un LP triple con un libro de 16 páginas.

Record Store Day se llevará a cabo el 22 de abril en Estados Unidos y México en su décimo aniversario. Para conocer más sobre lo que el Record Store Day tendrá en su catálogo visita su página oficial.

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‘Master Of Puppets’: 31 años después


Revisamos el último trabajo en el que participó Cliff Burton.


POR Héctor Elí Murguía  



‘Master Of Puppets’: 31 años después

En 1986, un mundo postapocalíptico emergía de los sonidos que la radio anglosajona esparcía. La diversificación de los géneros musicales se gestaba desde el pop futurista de Prince y el vanguardismo de Pet Shop Boys, hasta uno de los géneros más emblemáticos que surgieron en esa década: el thrash metal.

Uno de los representantes de aquel movimiento cultural y musical fue Metallica, quienes a través de sus riffs le dieron vida a una bestia sonora de velocidad, distorsión y agresividad llamada Master Of Puppets. Tres años antes, su álbum debut Kill ‘Em All contenía rastros de hardcore en su naturaleza discursiva y Ride The Lighting de 1984 fue su primera experimentación orquestal producida por Flemming Rasmussen.

En su tercer material, la paranoia se muestra como elemento principal del concepto del álbum; “Battery” es el principio de un machacante decreto del final de los tiempos, un manifiesto que preludia una paranoia cerebral provocada por las drogas.

Según James Hetfield, fueron las sustancias adictivas las que inspiraron el nombre del álbum, debido a los efectos secundarios que causaban. A través de “Disposable Heroes“, la fórmula musical de una composición de acordes sublimes con una constante progresión de velocidad, cuenta la historia de un soldado enajenado por los albores de la guerra que visualiza un cementerio en donde todos sus amigos de escuadrón yacen; la portada del álbum, diseñanda por Peter Mensch, reflejó este sueño neurótico con las manos del “maestro” sujetando con hilos un valle seco infestado de lápidas en forma de cruces.

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La catástrofe mental llega con la canción que le da nombre al disco “Master Of Puppets“, una pieza que se compone de 3 momentos estructurales en donde el aliento de sus inspiraciones como Led Zeppelin, Deep Purple y Motörhead, se inscriben en su esencia: un preludio hipnótico, un solo de guitarra emblemático y un puente melódico en el que la canción “Andy Warhol” de David Bowie, podría asemejarse con la rítmica compuesta por Hetfield.

Leper Messiah” fue una crítica directa hacia la publicidad religiosa en una alegoría bíblica en la que el siglo XX, vomitaba a través de la distorsión el discurso de los negocios dentro de la fe humana. La lepra del consumismo le fue contagiada al mismísimo Mesías.

Master Of Puppets es la última producción de la agrupación con su alineación original, pues pocos meses después, el bajista Cliff Burton fallecería en un accidente automovilístico. En su último testamento, Burton dejaría como legado “Orion“, uno de los tracks instrumentales más apreciados en el universo del thrash por la nostalgia contenida en el mismo. El álbum fue grabado en el estudio en ocho semanas, en el verano de 1985, un tiempo récord de grabación para una banda que dedicaba su tiempo a beber alcohol y a escuchar hard rock.

A 31 años de su publicación, Metallica está consciente del éxito del thrash metal como un género que se ha popularizado a lo largo del tiempo y regresa a nuestro país con Hardwire…To Self Destruct.

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Sonidos nómadas y mentes coloridas


Britt Daniel de Spoon desmenuza el espectro detrás de ‘Hot Thoughts’, su más reciente producción discográfica.


POR Michelle Angell  



Foto: Kris Krug

Sonidos nómadas y mentes coloridas

Britt Daniel escogió la Ciudad de México para vacacionar. El encuentro tuvo lugar en la colonia Roma. Vestido de negro de pies a cabeza, con el cabello rubio, casi pelirrojo sobresaliendo entre la decoración, me recibió con una sonrisa. “Espero que tengas buenas preguntas”, bromeó expectante. Estábamos sentados en una habitación con un toque clásico, un piano, cerrado, nos acompañaba después de haber escuchado el más reciente álbum de Spoon, Hot Thoughts en un estudio aledaño.

Es un disco especial, cercano incluso; Britt hablaba orgulloso del camino que acababa de recorrer al lado del LP. “Escribir canciones siempre es difícil. Hay días en los que todo fluye y te sientes en la cima del mundo, hay otros que todo se vuelve lento, especialmente al inicio. El solo hecho de empezar es difícil. Hot Thoughts fue grabado en el estudio de Dave Fridmann, en Casadega, Nueva York. El lugar está en la mitad del bosque y estuvimos dos semanas encerrados, a veces sentía que me volvía loco”, aseveró el músico. En esos días, la banda tenía demasiado trabajo, Britt relató que salir a correr despejaba su mente, con la voz de Prince resonando en sus audífonos. “Soy una especie de nómada, todos los músicos lo somos.

Realmente te acostumbras a la vida de giras y de pronto quedarte en un mismo sitio por mucho tiempo puede ser letal”. Pero el cantante no era el único integrante de la banda que sentía que estaba a punto de perder la cordura, Alex empezó y terminó el videojuego Doom en un mismo día, pese al aburrimiento. “Llegó a tal punto que un día Jim me pidió que le pusiera un extinguidor en los pantalones, para ver qué sucedía. No digas que te dije, o tal vez sí, de todos modos no creo que entienda español”, mencionó entre risas.

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Wet Baes se presentará en El Carnaval de Bahidorá


Andrés Jaime nos hace viajar al auge de los ochenta haciéndonos disfrutar nuestra propia época


POR Camila de la Fuente  



Wet Baes se presentará en El Carnaval de Bahidorá

“El nombre del proyecto está inspirado en las fanáticas de los ochenta ‘que se ponen bien locas’”, menciona el mexicano Andrés Jaime sobre su proyecto musical Wet Baes. Se celebra a la cultura de masas, se le hace una parodia a la sociedad del consumo y hay cierta curiosidad nostálgica hacia el funk. El joven mexicano, proveniente de la banda Affer, empapa sus canciones con un estilo ochentero pero su proceso creativo proviene, en su mayoría, de las redes sociales y los viejos discos.

Andrés Jaime tiene 20 años y a pesar de su corta edad, su música tiene un sonido profesional. Comenzó su trayectoria con la banda Affer en el 2013, que hacía música soft disco, pero finalmente para él no era un sonido propio. Jaime desde el principio tenía en mente un proyecto como solista que le permitiera producir sus propias ideas. No fue hasta el 2015 que se aventuró a crear Wet Baes, en el que nunca se imaginó que iba a cantar.

Juan Soto fue el maestro de postproducción musical y productor de Andrés Jaime, quienes se conocieron a través de Karate Estudios. La experiencia y estilo de Soto se impregnó en el trabajo del joven. “Juan ha sido una persona muy importante para el proyecto… es una inspiración para mí” declara el cantante de Wet Baes en una entrevista radial en Puentes.

El músico recurre mucho a los temas de la sensualidad, atracción, juventud y seducción. Busca crecer en su música a través de la evolución y el estudio de diferentes artistas que sonaban hace dos décadas con su afán de resucitar aquellos tiempos, a pesar de no haberlos vivido.

“Creo que combinar el mundo del pasado con todo lo que sucede en estos momentos en la música y en distintos ámbitos, te puede llevar a gratas sorpresas auditivas” afirma el joven mexicano en una entrevista para Ibero 90.9. En su propuesta musical sí se siente la mezcolanza de tiempos, se hace un viaje al pasado pero a la vez, nos hace disfrutar nuestra propia época.

Entre los músicos que lo inspiran se encuentran artistas muy variados y de temporalidades diferentes: Alphaville, Michael Jackson, Prince, Billy Idol, New Order, George Benson, Dam Funk, Roosevelt, Bl00dwave, Juan Soto, entre otros. Pero la tendencia musical de Jaime es hacia los ochenta de la escuela de los afroamericanos, auge del pop y funk en la industria musical.

Su álbum debut Changes, regresa a lo funk y sus métodos fueron una combinación entre lo análogo y lo electrónico. Se puede escuchar en línea el primer track “Changes”, estrenado hace menos de un mes. Jaime también anunció la pronta publicación de “Secret (Love Song)” en su cuenta de Twitter. En el disco se fusiona el pasado con el presente, haciendo desaparecer la brecha generacional. Changes habla de lo que fue un cambio genuino para la vida del artista, que va ligado a un despertar de algo que parecía lejano. Los tracks van de la mano con experiencias propias de Jaime.

Wet Baes tiene apenas dos años sonando y ya forma parte de diferentes tours internacionales. Ha participado en proyectos junto a Ale Moreno de Ruido Rosa y Juan Soto. Su próxima presentación será en El Carnaval de Bahidorá el sábado 18 de febrero.

 

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Grammys 2017: noche de pena y gloria para Adele


Presentamos un breve recuento de las presentaciones más destacadas y a los ganadores en las categorías más esperadas de la premiación.


POR Jovel Álvarez  



Grammys 2017: noche de pena y gloria para Adele

La estrepitosa entrada de James Corden (rodando por las escaleras del fantástico escenario montado en el Staples Center de Los Ángeles) resultó ser la humorística premonición del resto de la ceremonia: espectacular pero accidentada.

La encargada de abrir la noche fue Adele, con el tema “Hello”, con una sobria y elegante presentación de su icónico éxito. Parecía ser la redención tras el fallo técnico que trajo abajo su presentación en la misma ceremonia el año pasado. Sin embargo, la noche aún era joven.

Destacó por su sorpresiva aparición el dúo francés Daft Punk acompañando a The Weeknd con la canción “I Feel It Comming”, del álbum Starboy, en el que colaboraron con el cantante canadiense.

Ed Sheeran hizo lo propio en la ceremonia con la canción “Shape of You”, siendo sucedido en las presentaciones de la noche por Kieth Urban y Carrie Underwood, con la canción “Fighter”, y más tarde por See Kelsea y Lukas Graham.

Por su parte Beyoncé sorprendió a todos con una extraordinaria presentación luciendo su recién anunciado embarazo de gemelos. Su gran maestría se vio demostrada en una oda a la maternidad de nueve minutos de duración.

Bruno Mars cautivó a los presentes con su canción “That’s what I like”, que precedió otra de las presentaciones más esperadas: la de Katy Perry, quien estrenó recientemente su nuevo sencillo “Chained to the Rythm” y se lució con un espectáculo con claros tintes políticos, pues en su brazo llevaba una banda con la palabra “resistencia” y al final de su show gritó “no al odio”, mientras las pantallas proyectaban la constitución de los Estados Unidos.

El momento más accidentado de la noche lo protagonizó la gran ganadora de la premiación: Adele. La estrella británica era la encargada del tributo a su compatriota George Michael, fallecido el 25 de diciembre pasado.

Pese a estar apoyada por una gran orquesta, la cantante experimentó fallas que la obligaron a detener la presentación y volver a empezar, no sin antes hacer gala de su conocido talento para las groserías, mismo que exigió de ella una disculpa, al haber dicho “I’m so fucking sorry” en televisión en vivo. Pese al incidente, la noche no terminaba para la cantante británica.

Lady Gaga y Metallica hicieron gala de un extraordinario mix entre metal y pop en medio de un escenario en llamas y fallas técnicas que obligaron a James Hetfield y a Gaga a compartir un mismo micrófono mientras interpretaban la canción “Moth Into Flame”.

Prince tuvo su merecido homenaje en esta ceremonia. Iniciado por Morris Day y Time cantando “Jungle Love” y “The Bird”, el tributo encontró su momento de máximo éxtasis cuando Bruno Mars se apareció vestido como el icónico cantante fallecido el año pasado. Mars cantó “Let’s Go Crazy”.

Uno de los momentos más emotivos de la noche fue el memorial a las estrellas que partieron este año, acompañado por la interpretación de John Legend y Cynthia Erivo con la canción “God Only Knows“.

En cuanto a los premiados, los mexicanos Jesse & Joy y Vicente Fernández fueron reconocidos por ‘Mejor álbum pop latino’ y ‘Mejor álbum regional mexicano’ respectivamente. Estos reconocimientos fueron entregados en la ceremonia previa al gran show.

Entre los premiados más destacados están David Bowie, quien ganó cinco Grammys póstumos.

En el esperado “duelo” entre Adele y Beyoncé, la cantante afroamericana se llevó dos trofeos a casa, por las únicas dos categorías en que no estaba nominada junto a la británica: mejor álbum urbano contemporáneo por “Lemonade” y mejor video musical por “Formation”.

La gran ganadora de la noche fue la londinense Adele, quien ganó las cinco nominaciones de este año por su álbum 25. Adele recibió los reconocimientos al álbum del año, grabación del año, canción del año, mejor álbum pop vocal y mejor actuación como solista.

De esta forma, con solo 9 años de carrera Adele Adkins tiene ya 15 Grammys en total.

Te dejamos la lista de los ganadores más destacados de la noche:

— Álbum del año:”25″, Adele.

— Grabación del año: “Hello”, Adele.

— Canción del año (premio a los compositores): “Hello”, Adele y Greg Kurstin.

— Mejor nuevo artista: Chance the Rapper.

— Mejor álbum pop vocal: “25”, Adele.

— Mejor presentación como solista: “Hello”, Adele.

— Mejor álbum de pop vocal tradicional: “Summertime: Willie Nelson Sings Gershwin”, Willie Nelson.

— Mejor interpretación pop de un dúo o grupo: “Stressed Out”, twenty one pilots.

— Mejor álbum de música dance/electrónica: “Skin”, Flume.

— Mejor canción de rock: “Blackstar”, David Bowie.

— Mejor álbum de rock: “Tell Me I’m Pretty”, Cage the Elephant.

— Mejor álbum de rap: “Coloring Book”, Chance the Rapper.

— Mejor álbum country: “A Sailor’s Guide to Earth”, Sturgill Simpson.

— Mejor interpretación country solista: “My Church”, Maren Morris.

— Mejor álbum de música alternativa: “Blackstar”, David Bowie.

— Mejor ato de metal: “Dystopia”, Megadeth.

— Mejor álbum de R&B: “Lalah Hathaway Live”, Lalah Hathaway.

— Mejor álbum de pop latino: “Un besito más”, Jesse & Joy.

— Mejor álbum de rock, música alternativa o urbana latina: “ilevitable”, ile.

— Mejor álbum de música regional mexicana (incluyendo música tejana): “Un azteca en el Azteca, Vol. 1 (en vivo)”, Vicente Fernández.

— Mejor álbum de música tropical: “¿Dónde están?”, Jose Lugo & Guasábara Combo.

— Mejor álbum de jazz latino: Chucho Valdés, “Tribute to Irakere: Live In Marciac”.

— Mejor álbum de jazz vocal: “Take Me to the Alley”, Gregory Porter.

— Mejor álbum de jazz instrumental: “Country for Old Men”, John Scofield.

— Mejor álbum urbano contemporáneo: “Lemonade”, Beyonce.

— Productor del año, no clásico: Greg Kurstin.

— Mejor video musical: “Formation”, Beyonce.

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La salvación del rock & roll


Sting posee una vida encantadora, además de un nuevo álbum. Entonces, ¿por qué no puede dejar de pensar en la muerte?


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Yancho Sabev

La salvación del rock & roll

Por Stephen Rodrick

Sting se sienta en un banquillo en el cuarto de ensayos situado en Sunset Boulevard de Los Ángeles. Abraza a su bajo en lo que espera a Vinnie Colaiuta, el baterista que le ayudará a ensayar “50,000”, un lamento dirigido a Bowie, Prince, Lemmy y otras pérdidas que ha sufrido el mundo de la música recientemente. El tema figura en 57th & 9th, su primer álbum de rock en 13 años. Sus bíceps estilo Springsteen se asoman por debajo de una playera gris [esos músculos por los que las mujeres fingen echarse aire en la cara cuando lo miran]. Otros sonidos se cuelan por las paredes. Es Kiss del otro lado de la puerta. “¿Conoces a Gene Simmons?”, me pregunta Sting minutos después. “Un tipo interesante”.

En los tres días que pasé a su lado, Sting jugó con la percepción que normalmente se tiene de él, la de un austero dios del rock con un gran ego. En algunas ocasiones falló: Humildemente presumió que acaba de recibir un premio de Broadcast Music Inc. pues el tema “Every Breath You Take” ha sido escuchado 13 millones de veces en Estados Unidos. “Eso es bastante”.

Sting ahora parece disfrutar de la broma que representan sus conocidas prácticas de sexo tántrico y su afán por ser un ego maníaco. Durante un descanso en el ensayo, hace un riff extendido en su laúd que tiene más de 10 años. “La gente se enojó conmigo”, recuerda. “Decían: ‘No quiero escuchar un pinche laúd’. Y contestaba: ‘¿Qué tiene de malo el laúd?’. Es como el Monty Python de los instrumentos”.

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Nile Rodgers regresará en 2017 con un nuevo álbum de Chic


‘It’s About Time’ será el primer álbum de la agrupación en 25 años y conmemorará su 40 aniversario.


POR Staff Rolling Stone México  



Nile Rodgers regresará en 2017 con un nuevo álbum de Chic

Después del éxito que ha tenido Nile Rodgers por su colaboración con Daft Punk en el 2013 y las múltiples presentaciones en vivo que ha hecho desde entonces, parece ser que el músico ha decidido regresar el próximo año con su banda Chic.

Después de 25 años de no producir material con la banda, Rodgers ha anunciado que el título de la producción será It’s About Time, y aunque originalmente estaba programado para estrenarse este 2016, el músico aseguró en una publicación de su página web que no lo hizo por respeto a la memoria de Prince, Glenn Frey, Paul Kantner y David Bowie, diciendo: “No podía lanzar un álbum que habla sobre la alegría de la vida en un año en el que ha habido tantas muertes”.

Con esta nueva fecha de lanzamiento, el nuevo álbum coincidirá con la celebración del 40 aniversario desde que se formó Chic y la apertura de Studio 54. “En 2017 brindaremos homenaje al club que nos puso en el mapa internacional después de dar una serie de conciertos y sencillos en el lugar, por lo que el lanzamiento del disco vendrá acompañado de una gran sorpresa”, escribió Rodgers.

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CD: Sting – ’57th & 9th’


Un oscuro y pasional LP.


POR Staff Rolling Stone México  



CD: Sting – ’57th & 9th’

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57th & 9th
Sting
Universal
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Por Jon Dolan.

Guitarras, política y visiones de mortalidad.

Han pasado años desde que Sting se consideraba a si mismo un rockstar, por lo que este nuevo álbum toma a su público por sorpresa: 57th & 9th es una zona peligrosa. Tendrías que regresar a los tiempos de “Born in the 50’s”, en el primer álbum de The Police, para escucharlo cantar sobre guitarras como lo hace ahora en el himno “I Can’t Stop Thinking About You”.

Entre las destacadas se encuentra “50,000” que ofrece una pista para entender esta nueva urgencia del guitarrista Dominic Miller por encontrar acordes oscuros. Sting le rinde tributo a Prince, rememorando shows en estadios con aquella energía impalpable para después transportarse a su propio espejo, una visión de su propia mortalidad. “These lines of stress, one bloodshot eye/ The unhealthy pallor of a troubled ghost”. En los demás temas del disco ofrece un amable trayecto hacia su pasado musical, con la balada “Heading South on the Great North Road” hasta “If You Can’t Love Me” un eco que se percibe con influencia de Kafka, envuelto en un jazz rock que asegura que Sting fue hecho en los años ochenta.

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Gana uno de los discos de Prince, ‘PRINCE 4EVER’


El álbum contiene más 40 temas y un folleto con fotografías inéditas del músico.


POR Staff Rolling Stone México  



Gana uno de los discos de Prince, ‘PRINCE 4EVER’

PRINCE 4EVER es el primer álbum que se edita después de la muerte de Prince, quien dejó un legado musical incomparable. La legendaria colección contiene material inédito como el tema “Moonbeam Levels“, la cual se grabó en 1982 para ser considerada en el álbum nunca editado Rave Unto The Joy Fantastic.

En este álbum también viene incluidos los temas “When Doves Cry“, “Let’s Go Crazy“, “Purple Rain“, entre muchos otros. Además, el disco contiene un folleto de fotografías nunca antes vistas tomadas por el fotógrafo Herb Ritts.

Prince-4-EVER

Warner Music y Rolling Stone te regalan uno de los discos que tenemos de PRINCE 4EVER. Lo único que tienes que hacer es responder correctamente las siguientes preguntas:

1. ¿Quién hizo una nueva versión de “Alphabeth Street” en 1994?
2. Menciona 3 artistas que hayan grabado temas en Paisley Park Studios.
3. ¿Dónde está localizado Paisley Park?

Manda tu nombre completo, teléfono y respuestas correctas a: rollingmexico@rollingstone.com.mx con el asunto “Trivia Prince

LOS GANADORES SERÁN NOTIFICADOS VÍA CORREO ELECTRÓNICO.

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Habrá una celebración en Paisley Park por el aniversario de la muerte de Prince


Están programados 4 días de actividades, presentaciones de bandas, vistas guiadas y mucho más.


POR Staff Rolling Stone México  



Habrá una celebración en Paisley Park por el aniversario de la muerte de Prince

La propiedad de Prince, Paisley Park -inmueble que ahora funciona como museo- anunció que celebrarán durante 4 días y con diferentes actividades, el aniversario de la muerte del músico.

Desde el 20 hasta el 23 de abril se llevarán acabo visitas guiadas a lo largo del museo, paneles de discusión y conciertos, en los cuales participarán los siguientes talentos: la banda original de Prince, The Revolution, New Power Generation, miembros de 3rdEyeGirl, Morris Day & the Time y Liv Warfield & Shelby J.

Para más información de este evento, da clic aquí.

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¿Dónde quedará el legado de Prince?


Los planes para abrir Paisley Park y la disputa por los inmuebles del músico.


POR Staff Rolling Stone México  



¿Dónde quedará el legado de Prince?

Por David Browne.

El seis de octubre, casi seis meses después de la muerte de Prince a causa de una sobredosis accidental de opioid fentanyl, su fabuloso conjunto Paisley Park en Chanhassen, Minnesota abrió sus puertas al público. Durante la remodelación, los trabajadores encontraron un arsenal de tesoros: Desde atuendos vintage (incluyendo el que usó en el medio tiempo del Super Bowl en 2007), hasta un libro de 30 o 50 páginas de cartas escritas a mano, además, una habitación secreta que escondía filmaciones nunca antes vistas.

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“En cada esquina hay algo memorable”, menciona una fuente cercana al proyecto. Sin dudarlo, aún más sorprendentes son las detalladas guías que dejó Prince para convertir Paisley Park en un museo cuando él ya no estuviera; en una pared dibujó una línea del tiempo de su propia vida desde mediados de los años noventa, además de mensajes y textos enviados a amigos cercanos que especifican de qué manera quería que sus fans recorrieran el sitio. “Hemos visto correos que él mismo mandó cuatro meses antes de su muerte que muestran cómo quería que se hicieran las cosas”, comenta la fuente. “No estaba prediciendo nada, pero siempre quiso que sus seguidores visitaran Paisley Park. Nos dejó un mapa detallado”.

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