Archivo de la etiqueta: punk

Mira el tráiler de ‘American Valhalla’, documental de Iggy Pop y Josh Homme


Esta nueva cinta retrata la colaboración entre el “Padrino del Punk” y el vocalista de Queens Of The Stone Age en ‘Post Pop Depression’.


POR Héctor Elí Murguía  



Mira el tráiler de ‘American Valhalla’, documental de Iggy Pop y Josh Homme

El documental American Valhalla contará la historia de la colaboración entre Iggy Pop y Josh Homme en el álbum Post Pop Depression. En un nuevo adelanto de la cinta, ambos artistas reflejaron lo especial que fue trabajar juntos.

El clip muestra escenas íntimas de las sesiones de grabación del más reciente álbum del ícono del punk. Esta producción fue grabada en el estudio Rancho De La Luna en California. El bajista Dean Fertita (The Dead Weather) y el baterista Matt Helders (Arctic Monkeys) también aparecen en el documental.

“Despertar y ver a Iggy Pop hacer tai chi o lo que sea, es extremadamente reconfortante”, dijo Homme. Por su parte, el baterista de Arctic Monkeys mencionó: “La mayoría de los días grabábamos los tracks cenando: buena comida y un poco de vino o tequila y luego directo a la cama”.

American Valhalla fue dirigido por Homme y el cineasta Andreas Neumann. El documental será estrenado este jueves en cines canadienses y llegará a las salas de Norteamérica el próximo 11 de julio.

Mira el tráiler de este documental a continuación:


Justice, Foxygen y Marky Ramone en el Vive Latino 2017


La nostalgia se hará presente en el festival con 3 actos internacionales de gran prestigio.


POR Héctor Elí Murguía  



Justice, Foxygen y Marky Ramone en el Vive Latino 2017

PresentadoporDoritos

Como cada año, el Vive Latino reúne esencialmente a bandas y artistas de origen hispano pero también presenta actos internacionales. En su decimoctava edición, el dúo de electrónica francesa Justice, el sonido nostálgico de Foxygen y el legado de Marky Ramone (exbaterista de los Ramones) serán algunos de los protagonistas extranjeros que le darán un sabor distinto al festival.

Justice

justice

Con el sonido sacro de los sintetizadores y el sampleo de piezas de música clásica, Gaspard Augé y Xavier de Rosnay comenzaron su carrera musical tras abandonar su travesía como diseñadores. En 2007, sitios web de descarga de música como Napster y LimeWire mostraban a “D.A.N.C.E“, éxito de su álbum debut Cross, como una de sus canciones más populares.

Su camino se ha forjado en la disquera Ed Banger Records, lugar de donde provienen otros herederos del french house como Breakbot. El estilo francés de la discoteca muestra una mística a través del crujir de sus teclados taladrantes y una caja de ritmos ensordecedora.

En su álbum Audio, Video, Disco de 2011, Justice incluyó instrumentos de orquesta en la producción. Después del lanzamiento de su último álbum Woman el año pasado, los parisinos regresan a nuestro país con un sonido más cercano a sus influencias como Earth, Wind & Fire, KC and the Sunshine Band y Daft Punk.

Foxygen

Foxygen 1.5

Usar la música de antaño para crear composiciones siempre ha sido una fórmula de éxito. Foxygen representa esa obsesión por la nostalgia, en específico por la música teatral al estilo Lou Reed y la textura sonora que vociferaban Mick Jagger o David Bowie.

A los 15 años, Sam France y Jonathan Rado lanzaron su primer álbum independiente Jurassic Exxplosion Phillipic, un material de 30 tracks con el que crearon una ópera espacial. La disquera Jagjaguwar firmó el primer contrato de Foxygen para lanzar su segundo álbum Take the Kids Off Broadway una obra que imita el sonido de The Brian Jonestown Massacre.

Con su última producción Hang, la agrupación californiana hace un homenaje a los musicales de rock clásico con la participación de más de 40 músicos de orquesta para matizar el sonido del álbum, que remite a la época vanguardista de Nueva York en los setenta.

Marky Ramone

MARKY

El exbaterista de los Ramones regresa a otra edición del Vive Latino como lo hizo en 2009. El dueño de las baquetas pioneras del punk norteamericano sustituyó al percusionista original de la banda en 1978 y mostró su personalidad en “I Wanna Be Sedated” del álbum Road To Ruin.

Previo a tal suceso, Marc Bell (Marky Ramone) vivió en Brooklyn y firmó contrato con Dust, banda que fue reconocida por tocar un estilo que definiría el hard rock y que por esto mismo se encargó de producir los primeros dos discos de Kiss: Kiss (1974) y Hotter Than Hell (1974).

Mientras las huelgas de los trabajadores y los basureros formaban parte del imaginario en el mundo underground de Nueva York en los setenta, Marky grabó Blank Generation con Voidoids, que representaría en sus letras y su sonido, esa zona de Estados Unidos.

Como representante del punk, Marky será uno de los personajes históricos que visitarán el Vive Latino junto con las bandas actuales del género como Chingadazo de Kung Fu, Dolores de Huevos y la mítica banda Rancid.

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20 años de ‘Homework’ de Daft Punk


El dúo francés revolucionó la música electrónica hace dos décadas con un sonido robótico fuera de lo ordinario.


POR Héctor Elí Murguía  



20 años de ‘Homework’ de Daft Punk

La obsesión es bien vista cuando genera nuevas ideas para la evolución humana en cualquiera de sus disciplinas. En el caso de Daft Punk, su afán con la música disco, el pop de los ochenta y los sintetizadores, sumados a la mezcla de canciones de antaño, fueron una simbiosis que a finales de la década de los noventa mostraron al mundo un producto de beats mutantes que definieron la música electrónica.

Después de haber experimentado con punk y rock en su banda Darlin’, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo formaron Daft Punk, un monstruo francés de dos cabezas robóticas, que tomaron la inspiración estética de Kraftwerk para llevar el house y una pizca de techno a las pistas de baile con su álbum debut Homework de 1997.

En la escena electrónica se encontraba The Chemical Brothers y The Prodigy, quienes fueron el preámbulo de lo que las revistas de rock en aquel entonces vaticinarían como la llegada de una nueva era: aliens que invadirían la tierra disfrazados de DJ’s.

Surgía una de las raíces del french house. Comenzaba una nueva era en la música electrónica capitalizada por un par de anónimos que utilizaban cascos futuristas. La narrativa del álbum se basó en una historia que relata la vida de los clubes, contada por un locutor de radio que presenta el album de Daft Punk en el track “WDPK 83.7 FM”.

El primer sencillo del disco, titulado “Da Funk” materializó la obsesión del dúo al obtener un sonido pulsional de aquel híbrido de house, un género que se popularizó en aquella década junto con el techno proveniente de Detroit y de Chicago. Su patrón de ritmos era constante, la repetición de las líneas de bajo en todas las canciones, en específico en “Around The World” —de la cual el sampleo fue tomado de “Good Times” de Chic— fue un elemento esencial para la construcción del álbum que reverenció a figuras de la electrónica francesa como François de Roubaix y Jean-Michel Jarre.

La maquinaria sonora construida pieza por pieza por el dúo fue supervisada por su mánager Pedro Winter, quien los llevó de la mano para tocar en los clubes más populares de Europa. Daft Punk firmó para Virgin Records en 1996, pues fueron el único sello discográfico que les permitió tener el control de lo que querían hacer.

Canciones como “Revolution 909” y “Rollin’ & Scratchin’” se convirtieron en tracks esenciales para los sets de los DJ’s que comenzaron a tocar su música (como los mismos Chemical Brothers).

La invasión alienígena llegó a la televisión a través del medio más importante de los noventa: MTV. El video promocional de “Da Funk” fue dirigido por Spike Jonze, personaje que se convertiría en un referente como director de videos musicales entre los que destacan “The Rockafeller Skank” de Fatboy Slim y recientemente “Afterlife” de Arcade Fire.

El álbum cierra con “Alive” un track de corte minimalista que, además de ser la primera referencia del concepto que popularizaría la comercialización en vivo de la electrónica con su gira homónima, es originalmente el final de la mezcla de su primer canción “New Wave” la carta de introducción con la que se presentaron en el sello discográfico escocés, Soma Quality Recordings, quienes editaron los primeros sencillos de los parisinos antes de firmar el contrato con Virgin, para la grabación completa del disco.

En esta obsesión por mantenerse fieles y buscar innovar en el mundo de la música, Daft Punk siguió reinventándose con sus trabajos posteriores: Discovery (Virgin, 2001) y Human After All (Virgin, 2005). Inclusive, su retorno al sonido que los influyó en el Random Access Memories en 2013, significó una metamorfosis comercial que llego a las estaciones de radio con “Get Lucky” una canción de calidad en medio del pop plástico que permea actualmente.

A 20 años de que unos aliens robóticos aterrizaran en Francia para sabotear nuestros oídos con su hipnótico house, Homework es un deber para el melómano que evoluciona conforme a sus buenas obsesiones.

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Dave Lombardo se une a los Misfits


El exbaterista de Slayer acompañará a la banda de punk en el Riot Fest.


POR Staff Rolling Stone México  



Dave Lombardo se une a los Misfits

Los Misfits confirmaron que Dave Lombardo, exbaterista de Slayer se unirá a sus presentaciones en el Riot Festival después de estar fuera de los escenarios por 33 años.

“Fue una decisión fácil para mí el unirme a estos shows tan monumentales, estoy honrado de haber sido considerado y estoy muy emocionado por tocar con la banda” dijo Lombardo al ser anunciada la noticia. “Los Misfits crearon la actitud del horror punk y tuvieron una influencia masiva en el rock moderno, punk y metal”, finalizó Lombardo.

La banda se presentará el 2 y 16 de septiembre en Chicago, con una alineación compuesta por el cantante Glenn Danzig, el bajista Jerry Only y el guitarrista Doyle, formación que no se veía desde 1983.

Dave es uno de los mejores bateristas y no puedo esperar a que los demás lo vean tocar las canciones de Misfits en vivo para estos shows especiales” dijo Danzig sobre el músico que fue incluido en la lista de los 100 mejores bateristas de todos los tiempos de Rolling Stone.

Después de las batallas legales entre Danzing y Doyle, la reunión del cuarteto de New Jersey se tornó aún más sorprendente al anunciar la colaboración de Lombardo, “Él es uno de mis bateristas favoritos, es una locura” concluyó el cantante de Misfits.

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Iggy Pop cumple 69 años


El padrino del punk sigue siendo imparable.


POR Anel Lazcano  



Iggy Pop cumple 69 años

Uno de los músicos más versátiles en la escena del rock, Iggy Pop, se ha convertido en una leyenda viviente. Su nombre real es James Newell Osterberg. Jr y se inició en el mundo de la música como baterista en la banda escolar The Iguanas. Poco a poco fue descubriendo nuevos géneros, los que intentó tocar con distintas bandas, siempre regresando inevitablemente a sus raíces: el rock n´roll. Después de la universidad formó otra banda de rock, pero ahora fungiendo como vocalista y haciéndose llamar “Iggy” por primera vez.

El estilo tan salvaje que caracteriza al cantante en el escenario surgió cuando vio en vivo por primera vez a The Doors. La energía que Pop brindaba a su banda The Stooges se vio reflejada en su primer álbum Fun House que grabaron con Elektra Records. En su momento no fue un disco exitoso pero hoy en día se le considera como un clásico del rock que además ayudó a gestar lo que actualmente es el punk rock.

Tras un desastroso período en que las drogas gobernaban, la agrupación se separó. Iggy Pop regresó para reconstruir su carrera musical y con la ayuda de David Bowie, quien era un amigo muy cercano, logró producir The Idiot y Lust For Life, los dos álbumes más reconocidos del cantante.

Continuó con su carrera siempre de la mano protectora de Bowie y con el tiempo comenzó a incursionar en el mundo del cine. Con la cinta Trainspotting resurgió su fama cuando la canción “Lust For Life” apareció en la cinta. La trayectoria del cantante se extiende hasta la fecha tanto en el cine como en la música. Su influencia va desde la música hasta los videojuegos e incontables bandas han realizado covers de sus canciones, si no fuera por él la esencia del punk rock no sería lo que es hoy.

¡Feliz cumpleaños, Iggy Pop!

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El poder crudo está de regreso


James Williamson, de Iggy & The Stooges, presenta ‘Ready to Die’.


POR Staff Rolling Stone México  



James Williamson, de Iggy & The Stooges, presenta 'Ready to Die'.

El poder crudo está de regreso

Por @Verónica Galicia

Como leyendas del punk se pueden citar muchas bandas; esa sola palabra, punk, nos remite inmediatamente a un sinfín de personajes y lugares emblemáticos: The Ramones, Patti Smith, Nueva York, Malcolm McLaren, Joe Strummer, Londres. Pero en este caso, como en muchos otros géneros, quienes siembran camino y marcan pauta, no suelen gozar inmediatamente de protagonismo ni de días de gloria (si es que los llegan a tener).

Hay grandes bandas con poco material de estudio, con una precipitada carrera que coquetea por igual con las drogas que con la fama, con un sonido que se balancea entre lo poco valorado y lo diferente. Bandas llenas de actitud, cuyas increíbles presentaciones se vuelven de culto cuando el público corre la voz. Bandas que se juegan el 100 por 100 en cada decisión con tal de cambiarlo todo, bandas que entran de lleno como un tren bala, trazando el camino a su paso; bandas sin miedo, que con su ejemplo, reescriben la historia de la música aún sin tener la intención de hacerlo. Ese es el caso de The Stooges, una de las bandas más rudas y fundamentales del punk estadounidense.

Hace más de 40 años, James Newell Osterberg tenía la fiel vocación de ser un baterista de blues en el poco favorecedor entorno musical de Detroit. Ni él mismo imaginaba, que unos años después estaría sobre un escenario untando crema de cacahuate sobre su pecho, lanzándose desde las tarimas para que el público lo cargara, cambiando su nombre a Iggy Pop y convirtiéndose en una leyenda, en una piedra angular de la música contemporánea.

Si bien uno de los aciertos más grandes de Iggy fue hacerse amigo de David Bowie (quien le ayudó a reconstruir la banda y conseguir un nuevo contrato discográfico en 1971), no podemos dejar de lado otra de las mejores decisiones de la carrera de The Stooges, un cambio en la alineación que llevó su sonido a un nuevo nivel: Ese segundo acierto se llama James Williamson; quien junto con Iggy Pop, es autor del tercer álbum de estudio de la banda, Raw Power (1973). Su sonido de guitarra rápido y agresivo lo ha llevado a ser considerado por la crítica como uno de los guitarristas pioneros del punk.

“Mi guitarra favorita es una Gibson Les Paul Custom de 1969”, confiesa Williamson en una charla donde la discusión se centra en cómo su primer guitarra (una Fender Jaguar) no era el instrumento para el sonido que estaba buscando. “La manera en que logro mi sonido en particular se debe a las pastillas de la guitarra; en esos días, el hilo de cobre que las recubría era bobinado a mano, así era como cada quien lograba su propio sonido, algo único y característico. Combino esto con un amplificador Vox AC30, que es lo que técnicamente define mi

Pero no fue únicamente la muerte de Ron lo que trajo de vuelta al último de The Stooges: “Este período coincide con mi decisión de jubilarme antes de tiempo en Sony. Fue ahí, cuando Iggy me ofreció regresar con The Stooges. En un principio me negué, pues no tenía ningún interés en regresar a la escena musical, pero después lo pensé con más detenimiento. Pensé en Iggy, Ron y yo, como éramos cuando teníamos 20 años. En ese momento entendí que de alguna forma yo le debía una a mis amigos y que ellos, me necesitaban. Lo que más admiro de Iggy Pop, es cómo nunca se dio por vencido y logró reunir a The Stooges”.


“No me gusta el punk”, reveló Iggy Pop


El cantante encuentra tedioso ser nombrado como el padrino del género.


POR Staff Rolling Stone México  



El cantante encuentra tedioso ser nombrado como el padrino del género.

“No me gusta el punk”, reveló Iggy Pop

Iggy Pop, vocalista y líder de The Stooges, casi siempre ha sido conocido como “el padrino del punk”. Sin embargo, de acuerdo con un reporte de NME, el cantante mencionó que no es fan del título y que lo encuentra “tedioso”.

“Tienen que tener un lugar donde ponerme en referencia en todo esto”, mencionó sobre las figuras de la industria que usan el apelativo. “Y creen que tienen que explicarlo a un público al que igualmente le falta educación o inteligencia. Así que eso es lo que obtienes. Está bien, pero es tedioso”.

Iggy Pop continuó explicando que se le pidió que promoviera un concierto dando una entrevista en radio, cuando el tema del punk salió a colación. “No habíamos vendido ninguno de los conciertos, así que el promotor quiso que apareciera en radio. Así que le dije ‘Está bien, daré una entrevista’. Bueno, al parecer no fue suficiente. Querían que hablara sobre cinco canciones punk y de plano les dije ‘No me gusta el punk’”, apuntó Iggy Pop.

El vocalista también respondió a los rumores de que había amenazado con mostrar sus genitales al público durante la presentación de su banda durante el festival SXSW en Austin, Texas. “No los amenacé”, declaró. “Quiero decir que nunca habría expuesto mi miembro. Es como… una leyenda urbana. De vez en cuando se sale por aquí o por acá, o mis pantalones se caen mucho”.

Iggy and the Stooges estrenaron su quinto álbum de estudio, Ready To Die el pasado mes de abril, sucesor de The Weirdness, álbum estrenado en 2007.


Por que los libros y la música se llevan muy bien


Te recomendamos libros de música para que veas que libros, hay de todo tipo.


POR Staff Rolling Stone México  



Te recomendamos libros de música para que veas que libros, hay de todo tipo.

Por que los libros y la música se llevan muy bien

Por: Romina Pons

Hoy, 23 de abril, se celebra el día mundial del libro, en una iniciativa creada por la UNESCO para fomentar la lectura. En Rolling Stone pensamos que no existen personas a quienes no les guste leer, sino que más bien no han encontrado un libro que les guste. A continuación te recomendamos una selección de libros sobre el tema que más nos gusta: la música.

Vida – Keith Richards (escrito por James Fox)

El famoso guitarrista de los Rolling Stones le platicó su vida a James Fox, dando como resultado uno de los libros más divertidos y anecdóticos de la música. Es impresionante como, a pesar de estar drogado todo el tiempo, Keith Richards puede recordar tantos momentos de su vida. El libro es tan sincero que le generó problemas con Mick Jagger, y no sólo nos cuenta sobre sus grandes fiestas, sino que es también una pieza invaluable de la cultura de la música de los últimos 50 años.

I Am Ozzy (Confieso que he bebido) – Ozzy Osbourne

Este libro es una crónica de la vida del líder y vocalista de Black Sabbath, empezando con su niñez y relatando mucho de los conocidos incidentes – y otros no tanto- que vivió como parte de Black Sabbath. El libro ha sido aclamado por la crítica por la cantidad de detalles que tiene, y por retratar a la perfección el humor del cantante.

Peter Grant: The Man Who Led Zeppelin – Chris Welch

Este libro revela la interesante vida de Peter Grant, el boxeador que cambió el ring para volverse manager de Led Zeppelin. Además de momentos memorables con la banda, este libro da una mirada de cerca de la importancia de tener alguien que organice a los grupos, que responda por ellos y que sea de su entera confianza.

Can’t Stop Won’t Stop: La Generación del Hip Hop- Jeff Chang

Creado en el Bronx y en Kingston, Jamaica, el hip-hop prontó se convirtió en un moviemiento mundial. Este libro habla de su surgimiento, cuando la pobreza y la globalización orilló a los jóvenes a expresar los cambios, analizarlos y criticarlos, e iniciar una revolución musical. Le da un sentido de identidad a sus seguidores y transformó tanto la cultura como la política.

Porfavor mátame: La historia hablada el Punk, sin censura – Legs McNeil

Este libro es el primer compilado de la historia oral de el movimiento nihilista por excelencia. En el libro hay citas de personajes como Iggy Pop, Dee Dee y Joey Ramone, o Danny Fields, además de punks no famosos de la época, dándonos una imagen general de esa explosiva era. Desde sus orígenes hasta su fin, el punk ha sido criticado, idealizado, descrito y explicado por las personas que stuvieron ahí y lo hicieron posible.


Carta de Sid Vicious a Nancy Spungen


Tras la reedición de ‘Never Mind The Bollocks’ de The Sex Pistols, ha surgido material inédito sobre la banda.


POR Staff Rolling Stone México  



Tras la reedición de 'Never Mind The Bollocks' de The Sex Pistols, ha surgido material inédito sobre la banda.

Carta de Sid Vicious a Nancy Spungen

Tras la reedición de Never Mind The Bollocks de The Sex Pistols, ha surgido material inédito sobre la banda. Ahora les compartimos una carta – o más bien lista- que le escribió Sid Vicious a su novia Nancy Spungen en 1978, justo unos meses antes de que Nancy muriera acuchillada de manera misteriosa en el Chelsea Hotel de Nueva York.

Lo que hace a Nancy tan maravillosa. Por Sidney
1. Guapa
2. Sexy
3. Bonito cuerpo
4. Gran sentido del humor
5. Conversaciones extremadamente interesantes
6. Ingeniosa
7. Ojos hermosos
8. Se viste increíble
9. Tiene la mejor vagina húmeda del mundo
10. Incluso sus pies son sexys
11. Es muy inteligente
12. Tiene colmillo


La mañana del 12 de octubre de 1978, Sid se despertó tras una noche de drogas y alcohol para encontrar el cadáver de su novia en el baño. Tenía una puñalada en el abdomen y había muerto desangrada. El bajista fue arrestado por ser el principal sospechoso del asesinato, pero él siempre alegó que no recordaba haberlo hecho.

El 2 de febrero de 1979 la madre de Sid le inyectó una sobredosis de heroína a petición suya: no podía soportar la vida sin Nancy. Poco después encontraron en su chamarra una nota que pedía que lo enterraran junto a ella.


CD: The Gaslight Anthem


El cuarteto aumenta su poder y se encuentra un lugar dulce entre sincerdidad cursi e intensidad punk


POR Staff Rolling Stone México  



El cuarteto aumenta su poder y se encuentra un lugar dulce entre sincerdidad cursi e intensidad punk

CD: The Gaslight Anthem

The Gaslight Anthem
Handwritten
Calificación:
Mercury

Gaslight no es tan majestuoso como Coldplay o Arcade Fire, y en su debut con una disquera grande permanecen como punks de Nueva Jersey orgullosamente provinciales, que cantan acerca de sentimientos profundos con una sinceridad que haría sonrojar a Bono. Handwritten es su disco más directo y con mayor sonoridad. Los guiños a Motown y al dub se han ido, pero el súper productor Brendan O’Brien les da mordacidad y brillo.

Con sus boinas, tatuajes e intensidad, Fallon puede parecer un barista drogándose con sus propias provisiones. Pero es un vocalista feroz, y tiene estilo en los estribillos, además de un sentido del drama a la Springsteen, lo que hace que estas canciones sean más catárticas que cursis.

Escuchen “Handwritten”, en donde gruñe con unas guitarras agresivas: “What’s your favorite song?/That’s mine, I’ve been crying to it since I was young”. También está “Too Much Blood”, una importante power ballad. “Are you scared this sounds familiar?”, grita. Fallon no tiene miedo de nada: De ningún sonido conocido, ni de parecer como un tirano. Esa valentía le sienta bien.



1977 el año en que llegó el Punk a salvar al rock para siempre


Hace 35 años, este género desgarró las melodías para encrudecer el ritmo…


POR Staff Rolling Stone México  



Hace 35 años, este género desgarró las melodías para encrudecer el ritmo...

1977 el año en que llegó el Punk a salvar al rock para siempre

Hace 35 años, este género desgarró las melodías para encrudecer el ritmo

Por @Benjamín Salcedo

La industria musical, y el rock en lo particular, vivía uno de los momentos más difíciles y áridos. Se habían generado mega estrellas millonarias y estrafalarias que representaban un estilo de vida que no se identificaba con los jóvenes de la época, los grandes grupos comenzaban a desaparecer: Led Zeppelin hacía su último concierto en Estados Unidos; después de la película The Song Remains the Same, nunca volvieron hacer música sublime similar a la que nos acostumbraron.

Black Sabbath vivía los peores años de la alineación estelar, sus discos Technical Ecstasy y Never Say Die! fueron discretos y grises epitafios a uno de los momentos más brillantes de su historia. Deep Purple había cambiado a su cantante Ian Gillan y el reemplazo David Coverdale también abandonó al grupo, dejándolos en una era de incertidumbre que duraría hasta 1984. En el rock progresivo también las cosas no pintaban bien: Yes había sufrido grandes cambios y lo ostentoso de sus presentaciones no llamaba más la atención; Genesis había perdido a Peter Gabriel, los cuatro restantes habían logrado mantener cierta dignidad, pero la salida del guitarrista Steve Hackett hundió al grupo en un periodo experimental más pop y simple. Kiss, dueños del showbiz con espectaculares conciertos, lanzaban discos a granel y su calidad demeritó considerablemente con cada lanzamiento. De igual manera, la mayoría de los grupos de rock en ese momento vivían realidades similares a los ojos de una juventud inconforme.

La situación económica mundial pasaba por un momento complicado de desempleo que impactaba más al viejo continente; aumentaba la pobreza, la nueva generación se vio atrapada en un remolino de incertidumbre, dando como origen a un movimiento emergente ante la marginación. Al termino de sus estudios, los jóvenes salían en busca de una oportunidad laboral que no existía, aunque contaban con un miserable ingreso de desempleados.

El público se empezaba a cansar de la banalidad del rock, sus letras no aportaban nada a la nueva generación. Los grupos pasaban meses (e invertían miles de dólares) en el estudio perfeccionando perfeccionando el sonido de sus discos. El rock pop vivía buenos momentos y comenzaban a surgir los primeros exponentes de lo que se denominaría AOR (Adult Oriented Rock). Bandas como Journey y Kansas (con algo más de experiencia), Foreigner, Cheap Trick y Meat Loaf aparecían para llenar un hueco en esas preferencias. Por otro lado, la música disco iniciaba su reinado y la película Saturday Night Fever servía como estandarte a un movimiento más elitista y despreocupado que sólo buscaba diversión, aunado al auge de figuras como Bee Gees, Abba y Donna Summer, entre otros.

El movimiento punk satanizaba a los hippies, culpándolos de la realidad que se vivía en la música y el arte en esos momentos, pero con la influencia de bandas principalmente americanas como Velvet Underground (cambiando el concepto y estilo literario), MC5 (con su potencia y distorsión), los estrafalarios New York Dolls y principalmente Iggy & The Stooges, canalizando todo esto en conciertos y discos, influyeron a la primera generación de grupos punk.

Mientras tanto, en las cloacas de Nueva York, el cuarteto de Queens llamado Ramones –ataviados con jeans rotos, camisetas y chamarras de cuero– digerían la influencia de bandas sesenteras para manifestar su inconformidad con el mundo entero a través de un retorno a los tres acordes básicos y una melodía simple con mensajes cáusticos. Tuvieron que ir a Inglaterra para que el mundo se fijara en ellos pero, además de exponerse masivamente, influenciaron en los británicos esa rebeldía en forma musical. Grabaron su disco debut con tan sólo $6 mil dólares, en dos días de estudio, logrando un álbum clásico. Poco tiempo después, los británicos invadieron al mundo con los Sex Pistols. Esta banda no tardó en ser considerada como un peligro para su país por los mensajes en rolas como “God Save the Queen” o “Anarchy in the UK”. Aunque su duración fue efímera, lograron impregnar esa inconformidad en muchas otras agrupaciones de la época. De esta forma, se formó en el Reino Unido un movimiento musical masivo, creativo y original, que revolucionaría la música como la conocíamos hasta ese momento. Estaban prohibidos en la radio y televisión, sus conciertos se transmitían de boca en boca, sólo tocaban en pequeños bares y bodegas.

El impacto cultural fue inmediato y directo. Se unieron The Damned y The Clash, la energía que despedían no tenía comparación, no había antecedentes, pues el mensaje implícito en su música era abrasivo, simple pero ruidoso, al grado que no tardaron las discográficas en buscarlos para firmarlos sin saber el lío en el que se estaban metiendo. Eran grupos que no daban concesiones ni estaban dispuestos a convertirse en “estrellitas faranduleras” como las disqueras acostumbraban tratarlos.

Del otro lado del Atlántico, Ramones reinaban. Su propuesta musical, aunque denunciante, era mucho más divertida y menos dramática que en Inglaterra. En los bares neoyorkinos como el CBGB, se forjaron algunos de los más interesantes representantes del movimiento americano. Grupos como Television, The Boomtown Rats, Patti Smith, Blondie y Talking Heads, entre otros grupos que con el tiempo tendieron hacia otra rama del punk conocida como new wave, más musical y elaborada, menos tendenciosa y contestataria. También en Los Ángeles se gestó un estilo punk inclinado al hardcore, con exponentes como Black Flag, Circle Jerks, Fear o Dead Kennedys, de San Francisco.

En Estados Unidos se manejó el tema de otra forma. A diferencia de la Gran Bretaña, los americanos rápidamente ven en ellos más que una amenaza, un negocio lucrativo. Florecieron inmediatamente gran cantidad de grupos y las disqueras los firmaban a destajo, generando una nueva escena artística incluyendo a discográficas alternativas e independientes.


RS 111. Agosto 2012


Green Day, Patti Smith, Matchbox Twenty, Rodrigo y Gabriela, True Blood, ACTA, Punk, James Murphy, Yes, Batman y más…


POR Staff Rolling Stone México  



Green Day, Patti Smith, Matchbox Twenty, Rodrigo y Gabriela, True Blood, ACTA, Punk, James Murphy, Yes, Batman y más...

RS 111. Agosto 2012

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Green Day cambia la ópera rock por LPs de punk crudo

P&R: Patti Smith
Nos habla acerca de su nuevo osado álbum, de la secuela Just Kids y la grandeza de Neil Young

¿Se acuerdan de Matchbox Twenty?
En entrevista con el vocalista Rob Thomas, asegura que su nuevo álbum North conserva la poderosa energía de la banda

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Televisión: True Blood
El estreno de la quinta temporada y el adiós a su productor

Libros: El regreso a Montebello, un lugar mágico literario
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Las elecciones del 1 de julio demostraron varias cosas en México.
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ACTA
Solución a la mexicana
Por Antonio Marvel

1977 El año en que llegó el Punk a salvar al rock para siempre
Hace 35 años, este género desgarró las melodías para encrudecer el ritmo
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¡Los más grandes DJs! ¡Las mejores fiestas! Y mucho ritmo rave

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El líder de LCD Soundsystem separó a la más grande banda de dance rock e hizo una película sobre eso; pero la fiesta todavía no termina

El perpetuo cambio de Yes
En entrevista con el veterano baterista Alan White, platicamos sobre el nuevo sonido de Yes y el futuro del rock progresivo; la banda regresa a nuestro país para ofrecer un concierto este 21 de agosto en el Pepsi Center

Batman
El caballero de la noche busca la redención
En refrescante charla con Christian Bale y el cineasta Christopher Nolan, nos hablan sobre el dolor, la psique de Batman y la conclusión de la trilogía

Cómo un mexicano retó a Tom Cruise en escena

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Las numerosas vidas de Adam Yauch


Adam Yauch: De cómo el Beastie Boy más salvaje tomó un sendero que lo llevó de las calles de Nueva York a la Iluminación


POR Staff Rolling Stone México  



Adam Yauch: De cómo el Beastie Boy más salvaje tomó un sendero que lo llevó de las calles de Nueva York a la Iluminación

Las numerosas vidas de Adam Yauch

De cómo el Beastie Boy más salvaje tomó un sendero que lo llevó de las calles de Nueva York a la Iluminación

Por Brian Hiatt

Había llegado tan lejos, hizo tantas cosas, desempeñó tantos papeles a lo largo del camino, pero incluso durante los últimos meses de su muy corta vida, Adam Yauch siguió moviéndose con el ímpetu de una locomotora. Punk adolescente, bromista un tanto malicioso; bajista poco valorado; el primer rapero blanco legítimo; borracho desmadroso; budista; feminista vociferante; activista a favor del Tíbet; director de videos. “La palabra para describir a Adam es ‘evolucionado’”, dice Matthew Allison, uno de sus amigos más antiguos. “Siempre le gustó llevar las cosas más lejos, a niveles nunca antes imaginados”.

Podría bastar con ser MCA, el más propositivo y musicalmente hábil de Beastie Boys –el trío de Nueva York que alteró la marcha de la música popular y definió lo realmente cool para una o incluso dos generaciones de jóvenes. “Yauch era el director”, dice su antiguo compañero de banda Adam “Ad-Rock” Horovitz, tal vez por primera vez en su vida. “Gozaba de un ímpetu extra que le permitía ver el fondo de las cosas”.

A lo largo de los últimos dos años, entre tratamientos para el cáncer en las glándulas salivales –que tras un gran despliegue acabó con su vida el 4 de mayo– Yauch decidió que quería ser jinete. Si estás buscando una imagen final de Adam Yauch, ésta podría servir más que otras: Delgado, de barba blanca, un sombrero de vaquero sobre su nívea cabellera, sus botas tejanas en las espuelas, las riendas en las manos y el caballo con Yauch encima atravesando los campos verdes, apacibles y vastísimos de Tennessee. La propiedad era de Sheryl Crow, una sobreviviente del cáncer que logró entablar una incongruente amistad con Yauch cuando él comenzó a llamarle para pedirle consejos para su enfermedad (se conocieron durante la gira realizada en 2008 a fin de impulsar el voto). Él encontró en Nashville un centro para el tratamiento de cáncer avanzado. En esa clínica pudieron apuntalar genéticamente su cáncer y, mientras tanto, él le preguntó a Crow dónde podía hospedarse. Con su esposa Dechen y su hija Losel, siempre a su lado, Yauch utilizó el rancho de Crow como un refugio.

En noviembre del año pasado, Yauch comenzó a sentirse débil: Tenía tiempo de no actualizar a sus fans en lo referente a los avances de su enfermedad, y algunos amigos no sabían nada de él. Pero llamó a Horovitz y Diamond, a quienes pidió que lo acompañaran en el estudio para grabar las últimas sesiones de Beastie Boys. “Fue algo muy bueno para él”, dice Mike D. “Seguramente su tratamiento le hacía sentirse del carajo, y el hecho de poder involucrarse en algo le mejoró el ánimo; pudo rodearse de gente con la que no le apenaba verse o sentirse realmente mal”. “Lo único que anhelaba era pasar un buen rato”, dijo Horovitz (quien dice que sólo grabaron “cosas estúpidas, algunas canciones de rap, un poco de hardcore”). Licensed to Ill, lanzado en noviembre de 1986, fue el primer disco de hip hop en llegar al primer lugar de las listas, vendiendo cuatro millones de copias en un año, mucho más de lo que cualquier disco de punk o rap había logrado hasta entonces. Sus videos eran inescapables, sobre todo “(You Gotta) Fight for Your Right (To Party)”.

Tras la gira, el éxito hizo que Yauch comenzara a sentirse como si estuviese atrapado en una jaula. Un video oficial con escenas en el backstage, capturadas durante esa gira, muestra la clase de comportamiento que Yauch tardaría años en olvidar: Estrella latas de cerveza contra las paredes del camerino y se pone a toquetear a una fan que le ha pedido una firma en el torso. No es su mejor momento. Pero para 1987, los Beastie Boys se sentían tan perdidos en sus nuevas caretas que su decisión consistió en inmortalizar el incidente –junto con las imágenes de decenas de chicas cubiertas de miel, crema batida o cerveza. “Todo mundo atraviesa esas fases como de universitario, y todo mundo actúa como un estúpido borracho”, declaró Yauch en 1997. “Pero dio la casualidad de que nuestras estupideces podías conseguirlas en las tiendas de video”. Yauch sólo disfrutó de todo esto al principio. “Puede que en cinco años tenga que vender autos usados”, le dijo a un entrevistador. “En realidad me importa un carajo, porque en este momento me estoy divirtiendo como nunca”. Pero no por mucho tiempo. “Lo que la sociedad occidental nos enseña”, dijo Yauch en entrevista con Rolling Stone, en 1998, “es que si logras generar una cantidad suficiente de dinero y de poder, y si puedes tener sexo con la gente más hermosa, la felicidad es tuya. Esto es lo que cada comercial, cada revista, cada película nos enseña. Pero es una falacia. Y creo que nos dimos cuenta de ello durante el periodo de Licensed to Ill”.

Poco después de mudarse a Los Ángeles, Yauch consiguió una cantidad apreciable de ácido líquido. Se puso a consumirlo, sobre todo cuando salía a esquiar, y lo combinaba con marihuana. Durante un tiempo, los viajes intergalácticos de Yauch trabajaban a favor del músico. Para empezar, su expansión mental lo mantuvo atento a la potencialidad psicodélica de las múltiples capas de sampleos y esto definió el sonido de su sorprendente segundo álbum, Paul’s Boutique. En palabras de Mike D: “La experiencia con el ácido le confirió la capacidad de decirse: ‘Increíble, puedo oprimir todos los botones de play al mismo tiempo’. El cambio mental le permitió ver esa clase de cosas y eso fue una influencia muy fuerte durante la grabación del álbum, sin duda”. Asimismo comenzó a leer la Biblia y a tomarse en serio la espiritualidad. Yauch impulsó a la banda hacia un costado mucho más positivo. “Ni Adam Horovitz ni yo nos sentíamos muy cómodos con todo esto”, dice Mike D acerca de la nueva misión de Yauch. “Tardamos un poco en acostumbrarnos”, añade Mike. “Pero nosotros también sentíamos algo parecido. Jamás lo dejamos solo”.

Cuando Beastie Boys se convirtieron en uno de los dos platos principales Lollapalooza, Yauch decidió hacerse acompañar a lo largo de los dos meses por un grupo de monjes tibetanos. Según Billy Corgan, líder de The Smashing Pumpkins, el grupo coestelar de la gira, “la vibra inicial iba por el lado de, ya sabes, ‘esos son los monjes de Yauch, ¿qué pretende?’. Pero en verdad los veneraba”.

Corgan fue de los pocos que se atrevieron a charlar con los monjes y, según su versión, las conversaciones le condujeron a un despertar espiritual que tiempo después le salvaría de la zozobra suicida.

Yauch había sampleado las voces de otros monjes tibetanos a fin de incluir los resultados en Ill Communication y las regalías de las canciones en cuestión fueron destinadas a la causa tibetana, pero todo esto se transformó en algo mucho más significativo. Poco después, Yauch organizó una serie de Conciertos para la Libertad Tibetana, con lo que pretendía informar a las masas acerca de la represiva ocupación china de esta nación. Yauch realizó las llamadas personalmente a fin de reclutar a una cierta cantidad de artistas, y las alineaciones a lo largo de siete años son, de alguna manera, una especie de tributo a su influencia, con cabezas de cartel de la talla de U2, Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers, Radiohead y The Smashing Pumpkins.

Beastie Boys dieron su último concierto el 12 de junio de 2009, frente a decenas de miles de fans en Bonnaroo. Su último tema fue una versión alegre y descuidada de “Sabotage”. De camino al festival, la garganta le molestaba a Yauch, pero todo mundo pensó que se debía al polvoso terreno del festival. Un mes después, durante una junta telefónica con Diamond y Horovitz, les dijo que le habían diagnosticado cáncer en las glándulas salivales. “Pero estaré bien”, les aseguró.

Horovitz y Diamond no tienen ni idea de lo que harán musicalmente en el futuro. “Estoy muy confundido”, dice Horovitz. “Estoy como en un trance, dormido. Cuando paseo a mi perro me pongo a llorar. No sé qué hacer. Esta situación es una mierda”.

Pero Mike D puede imaginar a su viejo amigo espoleándoles una última vez. “Creo de verdad que Yauch quiere que intentemos una cosa muy loca que desde hace tiempo deseábamos hacer”, dice sentado en su casa en Brooklyn, a seis cuadras de la casa de los padres de Yauch. La cara se le ilumina, como si estuviese escuchando esa voz tan familiar: “Él nos diría: ‘Eso es exactamente en lo que ustedes deben ponerse a trabajar en este momento’”.


P&R: YACHT


En entrevista con Rolling Stone, Jona y Claire hablan sobre sus principales influencias, sus conceptos ideológicos y las diferentes ramas del arte en que se han ido involucrando con el paso de los años.


POR Staff Rolling Stone México  



En entrevista con Rolling Stone, Jona y Claire hablan sobre sus principales influencias, sus conceptos ideológicos y las diferentes ramas del arte en que se han ido involucrando con el paso de los años.

P&R: YACHT

De la utopía a la anarquía…
Fotos y texto por @Vero Galicia

YACHT no es sólo una banda de electro pop independiente. En sus propias palabras, la pareja de casados, Jona Bechtolt y Claire L. Evans, dice que YACHT es también un sistema de creencias. Ellos no encuentran límite en la expresión de sus ideas, lo que los ha llevado a lograr uno de los actos en vivo más interesantes, interactivos y divertidos de la escena musical actual, además de que los ha hecho involucrarse en diferentes disciplinas artísticas.

Recientemente aparecieron en un capítulo de la serie estadounidense “A Day In The Life” donde viajaron desde Los Ángeles a su ciudad natal Portland. En él podemos ver la grabación de un video musical en un salón de juegos láser, seguido de una presentación en los famosos estudios Mississipi.

En entrevista con Rolling Stone, Jona y Claire hablan sobre sus principales influencias, sus conceptos ideológicos y las diferentes ramas del arte en que se han ido involucrando con el paso de los años.

YACHT
Una de las cosas más representativas de YACHT es el acto en vivo ¿Cuál es su principal influencia en el escenario?
Jona: Empecemos por decir que Nirvana es de nuestras principales influencias. Tenemos la energía del punk crudo que quizás no se aprecia definidamente como punk; no traemos chamarras de piel con estoperoles o el cabello con picos, pero definitivamente tenemos energía punk. Calvin Johnson es una gran influencia para nosotros. Él comenzó K Records y toda la escena musical del noroeste del Pacífico explotó debido a él, al menos eso me gusta pensar. La manera en la que baila inspira al arte. Nuestro amor por el movimiento y también por muchas cosas que no son directamente musicales, como Merce Cunningham. Claire, ¿lo vimos cuando fuimos a México?

Claire: Sí, en el Palacio de Bellas Artes, fue una función parte de su último tour. Un gran espectáculo y un gran lugar también. Amamos el baile y la danza moderna. Nos interesa la manera en la que diferentes personalidades interpretan el poner cuerpos en el espacio de manera radical.

Jona: También las instalaciones de arte y video. Nos interesa mucho crear algo visualmente complicado, no sólo con la ropa que usamos, sino con video, presentaciones, luces, preguntas y respuestas, banners. Nos gusta confundir y complicar el escenario lo más posible.

Claire: La idea es sumergirnos en una experiencia que esté separada completamente del resto del mundo. No queremos generar una experiencia estándar del rock & roll, sino algo dentro de lo que se puede estar en algún momento.

Jona: Así como los momentos de utopía, buscamos crear un momento especial que sea solamente nuestro.

Claire: A esto se le llama “Zona Autónoma Temporal” (Temporary Autonomus Zone).

¿Cuáles son los límites de sus presentaciones?
Claire: Tratamos de hacer cada show diferente y depende mucho del público. Las presentaciones son diferentes una de otra simplemente por la forma en la que la gente nos recibe. A veces es un desafío romper el límite entre nosotros y la audiencia, a veces es muy sencillo y se puede ir directo a interactuar. Como seres humanos tenemos la virtud de no ser iguales de un momento a otro, somos diferentes cada vez que subimos a un escenario simplemente por que somos personas y es imposible repetirnos exactamente, no somos máquinas. Siempre somos diferentes.

Jona: Siempre escuchamos nuestros sentimientos; nos escuchamos nosotros mismos y a nuestros cuerpos, navegamos en eso y dejamos que así se decida como vamos a ejecutar una presentación.

Si eso es YACHT en vivo ¿qué es YACHT en un álbum?
Claire: Para nosotros cada álbum es un documento exacto de nuestro punto de vista acerca de algo en un momento en el tiempo. Tendemos a hacer discos cuando nuestra manera personal de ver la vida y nuestra filosofía han cambiado de una manera significativa.

Jona: Y es una forma de esparcir esa forma de pensar.

Claire: Nos gusta congelar en el tiempo esa idea y explorarla, haciendo un documento de ese momento. De nuestro último disco no escribimos ninguna canción antes, todo se escribió mientras estabamos en el proceso de grabación pues es un documento de las ideas que surgieron en nuestras conversaciones mientras lo estabamos haciendo. Hasta que esa conversación se deje de sentir verdadera, cuando sintamos que esas ideas son viejas o que necesitamos explorar nuevas ideas, entonces haremos otro disco. El disco es un punto de partida, es un lugar de referencia donde la gente puede entender de qué se trata y venir a vernos y experimentarlo en la vida real, en tercera dimensión.

¿Estas ideas tienen caducidad, o las pueden retomar fácilmente?
Jona: No creo que tengan fecha de caducidad. Nos gusta movernos hacia delante y explorar nuevos conceptos, pero no necesariamente dejamos atrás lo viejo.

Claire: Yo veo con mucho cariño por dónde hemos pasado y lo que estaba pasando en nuestras vidas, es como hacerte un tatuaje: te recuerda esos momentos y lo mucho que te gustaron.

YACHT
¿Cuáles son las ideas detrás de Sangri-La?

Claire: Nuestro álbum anterior (See Mystery Lights) es sobre espiritualidad, misticismo, religión, esoterismo y todo tipo de misterio. Vivíamos en el desierto en Texas y nos parece que es un documento muy fiel sobre del viaje personal que tuvimos para entender todas estas ideas. Estuvimos de gira tres años con él y durante este tiempo terminó siendo un punto de partida de muchas conversaciones sobre estos temas; así que decidimos que el siguiente paso era encontrar una manera de llevar estas ideas a la práctica; vivirlas y que fueran reales. Utopía fue un buen punto de partida pues son ideas físicas, es vivir dentro de la idea. Investigamos tanto en la historia como en la ciencia ficción, leímos mucho, hablamos con mucha gente y después intentamos crear nuestra propia utopía.

Jona: Pórtland (Oregón), Los Ángeles (California) y Marfa (Texas) son tres lugares que consideramos fueron utopías personales en diferentes momentos de nuestras vidas. Queríamos hacer un documento de espectro completo sobre la luz y la oscuridad, sobre utopía y distopia.

Claire: Al final descubrimos que es imposible llevarlo a cabo una utopía en la vida real; todas las veces que alguien ha querido intentarlo ha terminado mal.

Jona: Suicidios colectivos, Jonestown…

Claire: Cualquier ejemplo que pienses de una comunidad utópica termina por desintegrarse. Supongo que cuando te aíslas tanto de otras personas, te vuelves ciego al cambio, ya no tienes retos y este distanciamiento termina por desintegrarse.

¿Cuál es su concepto de utopía ahora que han estado de gira con Sangri-La?
Claire: Cuando comenzamos a trabajar en el álbum utopía era sobre cambiar las leyes. Ahora es un concepto más flexible; es más sobre tiempo, no de lugar. Utopía son ciertos momentos en el tiempo: puede ser un momento hermoso muy breve, un concierto, un encuentro con un amigo.

Si utopía es no-lugar ¿qué es distopia?
Claire: Distopia es lugar. Distopia es cuando alguien trata de implementar ideología en un lugar, de una forma que no permite que haya diversidad, cambios y respeto hacía otras personas. Al final se vuelve fascismo, lo que es distopia. La utopia es quizás más real y más práctica.

¿En qué han estado trabajando últimamente?
Claire: Tenemos muchas cosas actualmente en las que hemos estado trabajando que no son directamente musicales. Hicimos un perfume, Jona lo usa todo el tiempo. Mucha gente piensa que huele raro pero en realidad se requiere un gusto particular para entenderlo, es más como un aceite, es un olor como a humo y es bastante pesado y serio. Estamos interesados en explorar muchas cosas diferentes que podemos hacer, no queremos limitarnos a ser sólo una banda o sólo un acto en vivo. Esta fragancia fue el expresar una idea en una forma diferente, sin escribirla o convertirla en canción, si no encapsularla en un olor.

Jona: Lo próximo que haremos será probablemente un libro sobre los conceptos de Shangri La; utopía, distopía, será la versión escrita del disco.

Claire: Nos gusta mucho diseñar cosas impresas como posters o diseñar ropa. Por ahora estamos fascinados con eso, estoy segura que eventualmente haremos nueva música.

Jona: Tarde o temprano, quizás para finales de este año tengamos nueva música.


P&R: Crocodiles


A pesar de que las dos cabezas creativas de Crocodiles viven divididos por el Atlántico (Brandon en Nueva York y Charles en Londres), esto no ha impedido que se mantengan en contacto vía Skype o que intercambien archivos a larga distancia para que su proyecto siga con vida.


POR Staff Rolling Stone México  



A pesar de que las dos cabezas creativas de Crocodiles viven divididos por el Atlántico (Brandon en Nueva York y Charles en Londres), esto no ha impedido que se mantengan en contacto vía Skype o que intercambien archivos a larga distancia para que su proyecto siga con vida.

P&R: Crocodiles

Por Andrés Díaz
Fotos Oscar Villanueva

A pesar de que las dos cabezas creativas de Crocodiles viven divididos por el Atlántico (Brandon en Nueva York y Charles en Londres), esto no ha impedido que se mantengan en contacto vía Skype o que intercambien archivos a larga distancia para que su proyecto siga con vida.

La próxima semana estarán lanzando su tercer material discográfico Endless Flowers, el cual fue todo un reto por ser la primera vez que se auto producían, lo cual detonó que su sonido se volviera aún más auténtico, respetando el espíritu punk del que provienen.

Los Crocodiles platicaron con Rolling Stone México durante su visita a México con motivo del Festival Marvin.

Crocodiles
¿Qué recuerdan de su primera visita a México?
Brandon Welchez:
En cierta forma conocemos a México porque Tijuana está muy cerca de nuestro hogar, pero la ciudad de México es otra cosa, porque es una de las más grandes del mundo. Cuando tocas en una ciudad así sabes que hay mucha gente que te verá.
Charles Rowell: La gente es muy energética porque no es tan contemplativa, porque las audiencias en Nueva York y Londres buscan fallas en las bandas que están viendo; aquí es diferente, la gente se quiere divertir.

¿Por qué creen que San Diego se volvió un semillero de bandas punk?
Brandon:
La ciudad no ha sido siempre buena musicalmente, de hecho es aburrida. En la prepa sólo hacíamos skate, nos drogábamos o buscábamos chicas para acostarnos con ellas y escuchar música. No había nada interesante que hacer.
Charles: La gente de Los Ángeles hizo que nos volviéramos más territoriales y que buscáramos crear nuestra propia escena.
Brandon: Empezamos como un dueto musical porque queríamos huir de ahí.

Crocodiles
En Londres, a finales de los setenta, pasaba algo similar en el sentido de que la música era la única forma de salir de la dura realidad
Brandon:
No se puede comparar con lo que vivimos hoy en día a pesar de la recesión económica, pero es el mismo espíritu de frustración y aburrimiento. No hay muchas opciones en San Diego, todos escuchan Jack Johnson o Jason Mraz, es muy frustrante. Creo que por eso alrededor de 2007 muchas bandas surgieron para volverse famosas y salir de ahí.

¿Cómo manejaron el hype de su primer disco?
Brandon:
Llevamos 12 años haciendo música y hemos estado de gira. Hay mucha gente que aún no sabe lo que hacemos y eso no nos importa.
Charles: Se agradece que escriban cosas buenas de uno, pero no me gusta que con un poco de atención la bandas se vuelvan unos arrogantes.
Brandon: Es parte de crecer y trabajar duro y pertenecer en una banda de punk, ya que ese tipo de éxito no es compatible con nuestra música.

Crocodiles
Para este último disco, ¿de qué forma se retaron para hacer algo diferente?
Brandon:
El primer reto fue que nos auto producimos.
Charles: En cada disco tratamos de capturar el sonido que tenemos en nuestras cabezas, cuando comenzamos en un nuevo álbum tratamos de empujar ese sonido aún más lejos y crear algo nuevo a pesar de las limitaciones con las que nos enfrentemos, las cuales ayudan a que nos vayamos por otros caminos.

¿Qué cosas descubrieron al auto producirse?
Charles:
Aprendemos mucho con cada productor y tratamos de aplicarlo en el estudio, en este caso, el ingeniero de sonido nos ayudó mucho. Antes teníamos una idea poco clara de cómo usar los efectos en nuestros instrumentos para darle la intensión que queremos, ahora somos un poco más sabios en ese sentido.
Brandon: Escuchamos muchos discos y tratamos de averiguar cómo sacaron esos sonidos. Somos muy amateurs en ese sentido y sabemos que va a tomarnos años aprender todo, lo cual lo vuelve aún más interesante.

crocodiles
¿Cómo mantienen el espíritu punk en el disco? Muchas bandas tratan de que todo suene impecable en el álbum.
Charles:
No pensamos en eso. Cuando escribimos una canción la hacemos pensando en cómo debería sonar bien para nosotros, más no en cómo David Bowie lo hubiera hecho. Lo producimos de tal forma que proyecte nuestra energía.
Brandon: Al tocar en vivo pensamos en las bandas que nos gusta ver, en donde sudan todo y se la pasan bien. Prefiero ver algo en vivo que no suene perfecto, pero que sea emocionante para ver.

¿Cómo han cambiado en sus actuaciones en vivo?
Charles:
No hemos cambiado mucho. La banda actual lleva tres años junta por lo que estamos más amarrados y podemos manejar mejor las dificultades que se presenten. Somos como hermanos y hermanas en el escenario.

crocodiles
¿Qué canción de este último disco creen que es lo más distinto que han hecho dentro de su discografía?
Brandon:
Creo que “No Black Clouds for Dee Dee”. Es más como el sountrack de un capítulo de Archie.
Charles: “Bubblegum Trash” es una canción robusta por su estructura. Normalmente en una canción mostramos dos o tres acordes, pero en esa canción hay como 15. Entre más nos alejemos de nuestra zona de confort nos volveremos más experimentales dentro de nuestro estilo.
Brandon: Muchos podrían pensar que tratamos de ser otra banda, pero si escuchas las bandas de donde provenimos son muy ruidosas y poco escuchables. Para nosotros hacer música más pop es un reto divertido, porque siempre hemos odiado ese género.
Charles:
No nos cuestionamos lo que hacemos, sólo lo hacemos en nuestras entrevistas, son terapéuticas para nosotros porque nos dicen mucho de lo que estamos haciendo.

crocodiles


P&R: The Dresden Dolls


Amanda Palmer, voz de The Dresden Dolls, habla de su música, su participación en Occupy Wall Street y sus siguientes planes.


POR Staff Rolling Stone México  



Amanda Palmer, voz de The Dresden Dolls, habla de su música, su participación en Occupy Wall Street y sus siguientes planes.

P&R: The Dresden Dolls

Amanda Palmer, su pasión por el performance callejero y cómo la cambió su participación en el Occupy Wall Street

Por Verónica Galicia
Fotos: @Sofía Felguérez
Coordinación de moda: @Miguel Ángel Ángeles

Definir el sonido de una banda no es sencillo, mucho menos cuando se trata de un grupo como The Dresden Dolls: tragedia, poderosos golpes de piano, una vocalista de cejas tatuadas con medias rasgadas y una playera de The Who, al lado de un brillante baterista maquillado de mimo, que puntualiza cada golpe emocional.

Se autodenominan brechtian punk cabaret, que según ellos combina la dureza del punk con el drama del cabaret, sin embargo, si algo puede definir concretamente a la banda es la fuerte personalidad de Amanda Palmer (piano y voz del dueto), su ímpetu por mantener real la experiencia de ser un “performer”, su pasión y visceralidad.

Amanda Palmer y Brian Viglione – a quien Palmer considera uno de los mejores bateristas de su generación- decidieron reunirse en 2010 para celebrar el décimo aniversario de The Dresden Dolls. Desde entonces han agendado muy selectas fechas en vivo, acoplándose ahora con la gira solista de Amanda Palmer y su esposo, el escritor, novelista y guionista, Neil Gaiman.

En entrevista exclusiva para Rolling Stone, Amanda Palmer platicó sobre su música, su participación en Occupy Wall Street y sus siguientes planes.

The Dresden Dolls

Hemos escuchado en Internet algunas canciones nuevas como Ukulele Anthem o The Bed Song. ¿En qué estás trabajando actualmente?
Estoy trabajando en un nuevo disco solista para la primavera. No he decidido dónde grabarlo, pero sé que será en marzo. Va a ser mi próxima gran colección de canciones que he estado haciendo en estos años, contendrá muchas cosas que no se han escuchado, lo cual es el “especial de Amanda Palmer”; todos creen que tiendo a compartir todo (en línea) pero de hecho mantengo muchas cosas en la caja.

Tu música se puede escuchar en amandapalmer.net y también se venden a un precio muy bajo. ¿Cómo llevas a cabo el managment de tu música y media? ¿Trabajarías de nuevo con una disquera?
Trabajo con un set de managers, quienes también hacen mi publicidad desde hace cuatro años. Claramente me manejo sola, pero es como un partnership donde nos sentamos diariamente a definir qué es lo que vamos a hacer. Necesito estar disponible mundialmente y trabajar con diferentes distribuidores, pero no me interesa en lo absoluto trabajar con una disquera.

Recientemente hiciste un video, y para ello le pediste a la gente vía twitter que te prestaran un auto. ¿Cómo fue esta experiencia?
Fue genial. Fue un video con muy bajo presupuesto, había un equipo de tres personas donde uno fue voluntario, hubo un par de actores a quienes sí les pagamos, pero todos los demás fueron voluntarios. No rentamos equipo, gastamos muy poco en utilería y quizá el costo final del video fue de $1,000 dólares. No tuvimos una razón real para hacerlo excepto que realmente queríamos hacerlo. Y es así como termino haciendo muchas cosas de bajo presupuesto; no existen los recursos, pero existe el deseo, lo cual es muy frecuente.

Lo genial de esto es que ahora doy por hecho que vamos a conseguir los recursos. Todos se preguntan cómo vamos a hacer eso, y yo alzo la mano y les digo que no se preocupen pues no necesitamos comprarlo, que voy a preguntar y seguramente alguien tendrá lo que necesitamos para usar en la grabación. Y por lo general todo lo que necesitamos termina apareciendo en el set. También es mucho más divertido de ésta manera, porque se convierte un proyecto colectivo donde muchas personas contribuyen. Y al mismo tiempo, es mucho más sustentable porque al final de la grabación las cosas son prestadas. Si las tuviéramos que comprar ¿qué hacemos con ellas?. Tendríamos que ser extra creativos para evitar tirar todo a la basura.

The Dresden Dolls

Estuviste trabajando muy de cerca en el movimiento Occupy Wall Street y en otras ciudades de Estados Unidos. ¿Cómo te cambió esta experiencia?
Hablé con un par de amigos que también apoyan el movimiento y, puede que esto suene raro, pero cada día que fui a tocar a los campamentos y a conocer a la gente -me fui dos horas después a dar un show- regresaba a la casa de mis amigos, al hotel o a donde sea que me estaba quedando, y al acurrucarme en la tibieza de la cama en un cuarto con calefacción, no podía dejar de pensar en toda esa gente que estaba durmiendo afuera, especialmente cuando hacía frío. Y en lo fuerte que es eso, y cómo mi contribución era muchísimo más fácil.

Intento fuertemente todos los días no dar por hecho todo lo que tengo, tengo mucha puta suerte; yo quería ser músico y vivir de eso, y no sólo lo hice, sino que estoy rodeada de gente maravillosa que me apoya y me ayuda, tengo un marido maravilloso… Tengo mis problemas, pero tengo una vida genial.

Pienso en lo que puede pasar cuando estás muy cómodo, empiezas a cerrarte de todo lo que sucede en un intento de mantener lo que tienes. No tienes que ir muy lejos para darte cuenta que muchísima gente no tiene lo suficiente y eso es fundamentalmente injusto, al igual que el sistema de asistencia social de mi país.

Una de las cosas que también aprendí es que está generación está muy hastiada y difícilmente reacciona por estar acostumbrada que alguien más se encargue de todo. Se sienten alienados y poco efectivos. Aún con este movimiento, mucha gente que no esperaba que fuera cínica y se hartara, se dio la media vuelta y pensó que no debían molestarse pues era una gran pérdida de tiempo. Eso me rompe el corazón porque no es cierto; los seres humanos pueden cambiar cualquier cosa que quieran. Ha sucedido durante la historia y siempre será cierto, pero se tiene que tener la creencia que un grupo de personas puede levantarse y cambiar el sistema.

La prueba está ahí, ha pasado cientos de miles de veces en el transcurso de la historia de la humanidad, pero tienes que juntar un grupo de personas que crean que pueden hacerlo y lo harán. Estados Unidos se puede sentir muy grande e incambiable, pero pienso que aún hay individuos con poder suficiente para cambiarlo.

Cuando tocaste en el movimiento utilizabas el termino “ninja gig” (concierto ninja) ¿Nos puedes definir exactamente que es eso?
Yo llamo “ninja gig” a cuando estoy en alguna ciudad y anuncio vía twitter y en el blog dónde voy a dar un concierto gratis. Elijo el lugar, la hora y la gente aparece. Se hace sin amplificadores ni micrófono, sólo me paro en un bote de basura con mi ukulele y cumplo las peticiones de la gente. Es como una excusa para una fiesta: trato de hacerlo especialmente en ciudades donde el show no es para todas las edades, para que los menores de edad también tengan oportunidad de verme tocar, conocerme y pasar tiempo juntos.

¿Qué disfrutas más, el ninja gig o el concierto en sí?
En el ninja gig estoy en control total. Me gusta estar bajo mi propia agenda, me gusta estar bajo control de lo que estoy haciendo, cómo lo estoy haciendo, la duración del concierto. Es fácil de entender si recuerdas que yo soy una artista callejera; yo amo serlo y amo tocar en la calle.

Si quieres tener contacto directo con tus fans, esto es lo más directo que puedes llegar. Eres sólo tú y ellos, no hay nadie más involucrado, nadie más siquiera sabe que estás ahí. Puedes dar un magnífico concierto en una locación, pero siempre habrá sentimientos mezclados; la gente que está esperando para ir a su casa, gente preocupada si juntó el dinero suficiente con las entradas, la gente del bar que está trabajando… Hay toda este gente extra que no tiene nada que ver contigo ni con tu música, así que cuando tocas en medio de un campo no tienes que preocuparte por nada de eso, únicamente por lo que estás haciendo.

CONTINÚA LEYENDO LA ENTREVISTA CON AMANDA PALMER EN EL SIGUIENTE NÚMERO DE LA REVISTA…

The Dresden Dolls

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The Dresden Dolls por Sofía Felguérez

Reseña y fotos del concierto de The Dresden Dolls en el teatro Fru Fru

Ninja Gig de The Dresden Dolls en el Parque España


V for Volume, potencia y energía colombiana


V for Volume es un grupo de música alternativa cuyas influencias rondan desde el metal hasta el punk. Son cinco músicos que rondan cerca de los treinta años, llenos de tatuajes y de estilo sobrio, pero rudo.


POR Staff Rolling Stone México  



V for Volume es un grupo de música alternativa cuyas influencias rondan desde el metal hasta el punk. Son cinco músicos que rondan cerca de los treinta años, llenos de tatuajes y de estilo sobrio, pero rudo.

V for Volume, potencia y energía colombiana

Por Jorge Ramis

En ocasiones es difícil conocer nuevas propuestas de rock colombiano, pues gran parte de la música que llega a nuestro país viene proviene de exponentes de otros géneros. Sin embargo, cuando una propuesta logra salir a flote, vale la pena detenerse a escuchar un poco.

V for Volume es un grupo de música alternativa cuyas influencias rondan desde el metal hasta el punk. Son cinco músicos que rondan cerca de los treinta años, llenos de tatuajes y de estilo sobrio, pero rudo.

Han estado de gira por Estados Unidos y, hasta ahora, les ha ido bastante bien. Actualmente están promocionando su primer trabajo de estudio titulado Providence, en el que figuran temas tanto en español como en inglés. Rolling Stone tuvo la oportunidad de platicar con ellos y conocer más de su propuesta.

¿Cómo describirían lo que es V for Volume?
María José: V for Volume es una banda que nació de la escena punk y del metal de Bogotá, pero que les encanta el rock, aunque suenan pop. Entonces somos como un rock electrónico.

Tienen influencia de bandas hardcore…
Juan Camilo: A mí me tocó un poco más de lo que fue el new wave del hardcore de los noventa: Victory Records, algo de Bad Brains, Shelter, etc.
María José: Yo crecí en una escena algo diferente, empecé cantando black metal, me gustaba mucho Samael, Etherion, Burzum, Darkthrone y muchas más bandas.

Jonathan: Aquí lo que cabe destacar es que tenemos diferentes influencias y eso se ve reflejado en nuestra música, finalmente somos una banda de rock/pop/ indie, pero puedes ver que en espíritu V for Volume es muy punk; hay elementos electrónicos, es lo que nosotros destacamos, y eso se traduce en la puesta en escena de la banda, ahí es donde sale a relucir esa sangre y ese espíritu.


Tomando en cuenta que existe una novela gráfica llamada V for Vendetta ¿Por qué el nombre: V for Volume?
María José:
Tiene que ver en el fondo, por lo menos en mi corazón,V for Vendetta es un gran cómic que nace en un momento muy particular de la política norteamericana, y tiene que ver con ese no control y aquella anarquía implícita en el personaje central es algo con lo que nos podemos identificar. Nuestro disco Providence se basa en la accidentalidad, entonces puede ser un punto de unión. Pero la letra V también es el número romano para el cinco y nosotros somos cinco; además en semiología es el símbolo de la mujer, el útero, entonces para mí es como la fuerza de la mujer.
Jonathan: además llegó el punto en el que estábamos obsesionados con la letra V, aparte de que como personas somos muy visuales, nos parecía muy icónica y sentíamos que podíamos jugar con ellas de muchas maneras, entonces ahí surgió el juego que cuenta María José; pegamos eso con Volumen, que es lo que más nos gusta hacer.

¿Cómo es crecer, musicalmente, en Colombia?
Juan Camilo: Yo siento que en nuestra generación nos tocó inventar la escena colombiana; éramos niños en los noventas y ahí nos dimos cuenta que no había lugares para tocar, no había sitios para ensayar o buenas tiendas de música. No existía una escena. Creo que estamos generando un buen movimiento de verdadero rock alternativo y que tiene todo para unirse a la arena mundial. Ese es nuestro fin: sin olvidar de que somos colombianos, que nos escuchen en todo el mundo.

Más sobre V For Volume en: vforvolume.com