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Hellow Festival 2017: LCD Soundsystem


La banda que revivió la música disco y construyó el camino del dance punk se presentará este 26 de agosto en el Parque Fundidora como parte del Hellow Festival 2017.




Hellow Festival 2017: LCD Soundsystem

El renacimiento de la música disco en los años dosmil se filtró a través de la música de LCD Soundsystem, una de las bandas más revolucionarias de las últimas décadas. La razón, la creatividad de su fundador, James Murphy, para intervenir las estructuras de la música electrónica con un toque de funk e incluso un espíritu punk.

Nacido en 1970, Murphy creció en un suburbio en Nueva Jersey, donde tocó en varios grupos punk como Mystery Meat y Great. Después de obtener un título en lengua inglesa por la New York University, el músico se convirtió en el ingeniero de sonido de una banda de art-punk llamada Dungbeetle y juntos construyeron un estudio en Brooklyn.

La influencia de la música electrónica le llegó cuando en un día común de trabajo, Murphy recibió al veterano británico Goldsworthy, quien le compartió su disgusto por la escena musical de Nueva York. Posteriormente, esto incito que Murphy comenzara a hacer su propia carrera como DJ a pesar de no estar completamente interesado por la música dance, lo que le dio un dote de originalidad entre la escena pues en los clubes tocaba canciones de Can, Liquid Liquid, ESG y rarezas. Unos meses más tarde, Murphy y Goldsworthy formaron la discográfica DFA, en donde firmaron a bandas como The Rapture.

Fue con “Losing My Edge” que James Murphy debutó con LCD Soundsystem en las listas de popularidad. Su experimentación con el rock, el funk y el kraut, se vio reflejado en el álbum debut de la banda. Canciones como “Movement”, “Disco Infiltrator” y el sencillo explosivo “Daft Punk Is Playing At My House”, hicieron del álbum una pieza única de la primera década del siglo XXI.

Con Sound Of Silver, Murphy y companía reafirmaron su capacidad para resucitar las emociones de una pista de baile con temas como “North American Scum”, la melodía disco “Us V Them”, el poema urbano “New York, I Love You But You’re Bringing Me Down” y la clásica “All My Friends”, tema que los colocó en el pensamiento colectivo.

This Is Happening fue el álbum que cerró una trilogía impecable; la energía en los acordes de las guitarras, los sintetizadores, el potencial de la voz de Murphy y la experimentación rítmica con cencerros, se intensificaron en este álbum. El reflejo de estas producciones en vivo, magnifica la calidad de LCD Soundsystem como banda. Murphy fue un pionero que se inspiró en los sonidos antiguos para generar música nueva, una fórmula que sigue vigente.

En septiembre, la banda estrenará su quinto álbum de estudio titulado American Dream, una sátira de lo que se vive actualmente con el sueño americano y la ideología de gobernantes como Trump.

Con apenas 10 años de trayectoria, LCD Soundsystem ha cambiado la escena musical con canciones poco convencionales pero una creatividad inigualable. Bandas como !!! (Chk, Chk, Chk), Hot Chip, Simian Mobile Disco, entre otras, se han convertido en una generación que ha tomado como inspiración a la banda liderada por James Murphy.

A continuación presentamos una playlist con 10 canciones escenciales de LCD Soundsystem:


Patti Smith y U2 interpretaron “Mothers Of The Disappeared” en vivo


La icónica cantante se presentó junto a la banda irlandesa en París.




Patti Smith y U2 interpretaron “Mothers Of The Disappeared” en vivo

Patti Smith se unió a U2 durante una presentación que la banda irlandesa ofreció en París y juntos interpretaron “Mothers Of The Disappeared”, canción que cierra The Joshua Tree, álbum que cumple 30 años.

Mothers Of The Disappeared” está inspirada en la experiencia que tuvo Bono en El Salvador y Nicaragua durante julio de 1986. En esos países, el cantante conoció a un grupo de mujeres a las que la dictadura argentina y chilena, les había arrebatado a sus hijos. Para hacer un homenaje por su valentía, Bono escribió el tema y The Edge compuso la melodía en una guitarra española.

U2 se encuentra en una gira que celebra el trigésimo aniversario de su emblemático álbum The Joshua Tree y en octubre, la banda visitará México para presentarse en el Foro Sol.

Mira a continuación a Patti Smith y a U2 interpretar “Mothers Of The Disappeared”:


Mira el tráiler de ‘American Valhalla’, documental de Iggy Pop y Josh Homme


Esta nueva cinta retrata la colaboración entre el “Padrino del Punk” y el vocalista de Queens Of The Stone Age en ‘Post Pop Depression’.




Mira el tráiler de ‘American Valhalla’, documental de Iggy Pop y Josh Homme

El documental American Valhalla contará la historia de la colaboración entre Iggy Pop y Josh Homme en el álbum Post Pop Depression. En un nuevo adelanto de la cinta, ambos artistas reflejaron lo especial que fue trabajar juntos.

El clip muestra escenas íntimas de las sesiones de grabación del más reciente álbum del ícono del punk. Esta producción fue grabada en el estudio Rancho De La Luna en California. El bajista Dean Fertita (The Dead Weather) y el baterista Matt Helders (Arctic Monkeys) también aparecen en el documental.

“Despertar y ver a Iggy Pop hacer tai chi o lo que sea, es extremadamente reconfortante”, dijo Homme. Por su parte, el baterista de Arctic Monkeys mencionó: “La mayoría de los días grabábamos los tracks cenando: buena comida y un poco de vino o tequila y luego directo a la cama”.

American Valhalla fue dirigido por Homme y el cineasta Andreas Neumann. El documental será estrenado este jueves en cines canadienses y llegará a las salas de Norteamérica el próximo 11 de julio.

Mira el tráiler de este documental a continuación:


Justice, Foxygen y Marky Ramone en el Vive Latino 2017


La nostalgia se hará presente en el festival con 3 actos internacionales de gran prestigio.




Justice, Foxygen y Marky Ramone en el Vive Latino 2017

PresentadoporDoritos

Como cada año, el Vive Latino reúne esencialmente a bandas y artistas de origen hispano pero también presenta actos internacionales. En su decimoctava edición, el dúo de electrónica francesa Justice, el sonido nostálgico de Foxygen y el legado de Marky Ramone (exbaterista de los Ramones) serán algunos de los protagonistas extranjeros que le darán un sabor distinto al festival.

Justice

justice

Con el sonido sacro de los sintetizadores y el sampleo de piezas de música clásica, Gaspard Augé y Xavier de Rosnay comenzaron su carrera musical tras abandonar su travesía como diseñadores. En 2007, sitios web de descarga de música como Napster y LimeWire mostraban a “D.A.N.C.E“, éxito de su álbum debut Cross, como una de sus canciones más populares.

Su camino se ha forjado en la disquera Ed Banger Records, lugar de donde provienen otros herederos del french house como Breakbot. El estilo francés de la discoteca muestra una mística a través del crujir de sus teclados taladrantes y una caja de ritmos ensordecedora.

En su álbum Audio, Video, Disco de 2011, Justice incluyó instrumentos de orquesta en la producción. Después del lanzamiento de su último álbum Woman el año pasado, los parisinos regresan a nuestro país con un sonido más cercano a sus influencias como Earth, Wind & Fire, KC and the Sunshine Band y Daft Punk.

Foxygen

Foxygen 1.5

Usar la música de antaño para crear composiciones siempre ha sido una fórmula de éxito. Foxygen representa esa obsesión por la nostalgia, en específico por la música teatral al estilo Lou Reed y la textura sonora que vociferaban Mick Jagger o David Bowie.

A los 15 años, Sam France y Jonathan Rado lanzaron su primer álbum independiente Jurassic Exxplosion Phillipic, un material de 30 tracks con el que crearon una ópera espacial. La disquera Jagjaguwar firmó el primer contrato de Foxygen para lanzar su segundo álbum Take the Kids Off Broadway una obra que imita el sonido de The Brian Jonestown Massacre.

Con su última producción Hang, la agrupación californiana hace un homenaje a los musicales de rock clásico con la participación de más de 40 músicos de orquesta para matizar el sonido del álbum, que remite a la época vanguardista de Nueva York en los setenta.

Marky Ramone

MARKY

El exbaterista de los Ramones regresa a otra edición del Vive Latino como lo hizo en 2009. El dueño de las baquetas pioneras del punk norteamericano sustituyó al percusionista original de la banda en 1978 y mostró su personalidad en “I Wanna Be Sedated” del álbum Road To Ruin.

Previo a tal suceso, Marc Bell (Marky Ramone) vivió en Brooklyn y firmó contrato con Dust, banda que fue reconocida por tocar un estilo que definiría el hard rock y que por esto mismo se encargó de producir los primeros dos discos de Kiss: Kiss (1974) y Hotter Than Hell (1974).

Mientras las huelgas de los trabajadores y los basureros formaban parte del imaginario en el mundo underground de Nueva York en los setenta, Marky grabó Blank Generation con Voidoids, que representaría en sus letras y su sonido, esa zona de Estados Unidos.

Como representante del punk, Marky será uno de los personajes históricos que visitarán el Vive Latino junto con las bandas actuales del género como Chingadazo de Kung Fu, Dolores de Huevos y la mítica banda Rancid.

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20 años de ‘Homework’ de Daft Punk


El dúo francés revolucionó la música electrónica hace dos décadas con un sonido robótico fuera de lo ordinario.




20 años de ‘Homework’ de Daft Punk

La obsesión es bien vista cuando genera nuevas ideas para la evolución humana en cualquiera de sus disciplinas. En el caso de Daft Punk, su afán con la música disco, el pop de los ochenta y los sintetizadores, sumados a la mezcla de canciones de antaño, fueron una simbiosis que a finales de la década de los noventa mostraron al mundo un producto de beats mutantes que definieron la música electrónica.

Después de haber experimentado con punk y rock en su banda Darlin’, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo formaron Daft Punk, un monstruo francés de dos cabezas robóticas, que tomaron la inspiración estética de Kraftwerk para llevar el house y una pizca de techno a las pistas de baile con su álbum debut Homework de 1997.

En la escena electrónica se encontraba The Chemical Brothers y The Prodigy, quienes fueron el preámbulo de lo que las revistas de rock en aquel entonces vaticinarían como la llegada de una nueva era: aliens que invadirían la tierra disfrazados de DJ’s.

Surgía una de las raíces del french house. Comenzaba una nueva era en la música electrónica capitalizada por un par de anónimos que utilizaban cascos futuristas. La narrativa del álbum se basó en una historia que relata la vida de los clubes, contada por un locutor de radio que presenta el album de Daft Punk en el track “WDPK 83.7 FM”.

El primer sencillo del disco, titulado “Da Funk” materializó la obsesión del dúo al obtener un sonido pulsional de aquel híbrido de house, un género que se popularizó en aquella década junto con el techno proveniente de Detroit y de Chicago. Su patrón de ritmos era constante, la repetición de las líneas de bajo en todas las canciones, en específico en “Around The World” —de la cual el sampleo fue tomado de “Good Times” de Chic— fue un elemento esencial para la construcción del álbum que reverenció a figuras de la electrónica francesa como François de Roubaix y Jean-Michel Jarre.

La maquinaria sonora construida pieza por pieza por el dúo fue supervisada por su mánager Pedro Winter, quien los llevó de la mano para tocar en los clubes más populares de Europa. Daft Punk firmó para Virgin Records en 1996, pues fueron el único sello discográfico que les permitió tener el control de lo que querían hacer.

Canciones como “Revolution 909” y “Rollin’ & Scratchin’” se convirtieron en tracks esenciales para los sets de los DJ’s que comenzaron a tocar su música (como los mismos Chemical Brothers).

La invasión alienígena llegó a la televisión a través del medio más importante de los noventa: MTV. El video promocional de “Da Funk” fue dirigido por Spike Jonze, personaje que se convertiría en un referente como director de videos musicales entre los que destacan “The Rockafeller Skank” de Fatboy Slim y recientemente “Afterlife” de Arcade Fire.

El álbum cierra con “Alive” un track de corte minimalista que, además de ser la primera referencia del concepto que popularizaría la comercialización en vivo de la electrónica con su gira homónima, es originalmente el final de la mezcla de su primer canción “New Wave” la carta de introducción con la que se presentaron en el sello discográfico escocés, Soma Quality Recordings, quienes editaron los primeros sencillos de los parisinos antes de firmar el contrato con Virgin, para la grabación completa del disco.

En esta obsesión por mantenerse fieles y buscar innovar en el mundo de la música, Daft Punk siguió reinventándose con sus trabajos posteriores: Discovery (Virgin, 2001) y Human After All (Virgin, 2005). Inclusive, su retorno al sonido que los influyó en el Random Access Memories en 2013, significó una metamorfosis comercial que llego a las estaciones de radio con “Get Lucky” una canción de calidad en medio del pop plástico que permea actualmente.

A 20 años de que unos aliens robóticos aterrizaran en Francia para sabotear nuestros oídos con su hipnótico house, Homework es un deber para el melómano que evoluciona conforme a sus buenas obsesiones.

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Dave Lombardo se une a los Misfits


El exbaterista de Slayer acompañará a la banda de punk en el Riot Fest.


POR Staff Rolling Stone México  



Dave Lombardo se une a los Misfits

Los Misfits confirmaron que Dave Lombardo, exbaterista de Slayer se unirá a sus presentaciones en el Riot Festival después de estar fuera de los escenarios por 33 años.

“Fue una decisión fácil para mí el unirme a estos shows tan monumentales, estoy honrado de haber sido considerado y estoy muy emocionado por tocar con la banda” dijo Lombardo al ser anunciada la noticia. “Los Misfits crearon la actitud del horror punk y tuvieron una influencia masiva en el rock moderno, punk y metal”, finalizó Lombardo.

La banda se presentará el 2 y 16 de septiembre en Chicago, con una alineación compuesta por el cantante Glenn Danzig, el bajista Jerry Only y el guitarrista Doyle, formación que no se veía desde 1983.

Dave es uno de los mejores bateristas y no puedo esperar a que los demás lo vean tocar las canciones de Misfits en vivo para estos shows especiales” dijo Danzig sobre el músico que fue incluido en la lista de los 100 mejores bateristas de todos los tiempos de Rolling Stone.

Después de las batallas legales entre Danzing y Doyle, la reunión del cuarteto de New Jersey se tornó aún más sorprendente al anunciar la colaboración de Lombardo, “Él es uno de mis bateristas favoritos, es una locura” concluyó el cantante de Misfits.

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Iggy Pop cumple 69 años


El padrino del punk sigue siendo imparable.


POR Anel Lazcano  



Iggy Pop cumple 69 años

Uno de los músicos más versátiles en la escena del rock, Iggy Pop, se ha convertido en una leyenda viviente. Su nombre real es James Newell Osterberg. Jr y se inició en el mundo de la música como baterista en la banda escolar The Iguanas. Poco a poco fue descubriendo nuevos géneros, los que intentó tocar con distintas bandas, siempre regresando inevitablemente a sus raíces: el rock n´roll. Después de la universidad formó otra banda de rock, pero ahora fungiendo como vocalista y haciéndose llamar “Iggy” por primera vez.

El estilo tan salvaje que caracteriza al cantante en el escenario surgió cuando vio en vivo por primera vez a The Doors. La energía que Pop brindaba a su banda The Stooges se vio reflejada en su primer álbum Fun House que grabaron con Elektra Records. En su momento no fue un disco exitoso pero hoy en día se le considera como un clásico del rock que además ayudó a gestar lo que actualmente es el punk rock.

Tras un desastroso período en que las drogas gobernaban, la agrupación se separó. Iggy Pop regresó para reconstruir su carrera musical y con la ayuda de David Bowie, quien era un amigo muy cercano, logró producir The Idiot y Lust For Life, los dos álbumes más reconocidos del cantante.

Continuó con su carrera siempre de la mano protectora de Bowie y con el tiempo comenzó a incursionar en el mundo del cine. Con la cinta Trainspotting resurgió su fama cuando la canción “Lust For Life” apareció en la cinta. La trayectoria del cantante se extiende hasta la fecha tanto en el cine como en la música. Su influencia va desde la música hasta los videojuegos e incontables bandas han realizado covers de sus canciones, si no fuera por él la esencia del punk rock no sería lo que es hoy.

¡Feliz cumpleaños, Iggy Pop!

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El poder crudo está de regreso


James Williamson, de Iggy & The Stooges, presenta ‘Ready to Die’.


POR Staff Rolling Stone México  



James Williamson, de Iggy & The Stooges, presenta 'Ready to Die'.

El poder crudo está de regreso

Por @Verónica Galicia

Como leyendas del punk se pueden citar muchas bandas; esa sola palabra, punk, nos remite inmediatamente a un sinfín de personajes y lugares emblemáticos: The Ramones, Patti Smith, Nueva York, Malcolm McLaren, Joe Strummer, Londres. Pero en este caso, como en muchos otros géneros, quienes siembran camino y marcan pauta, no suelen gozar inmediatamente de protagonismo ni de días de gloria (si es que los llegan a tener).

Hay grandes bandas con poco material de estudio, con una precipitada carrera que coquetea por igual con las drogas que con la fama, con un sonido que se balancea entre lo poco valorado y lo diferente. Bandas llenas de actitud, cuyas increíbles presentaciones se vuelven de culto cuando el público corre la voz. Bandas que se juegan el 100 por 100 en cada decisión con tal de cambiarlo todo, bandas que entran de lleno como un tren bala, trazando el camino a su paso; bandas sin miedo, que con su ejemplo, reescriben la historia de la música aún sin tener la intención de hacerlo. Ese es el caso de The Stooges, una de las bandas más rudas y fundamentales del punk estadounidense.

Hace más de 40 años, James Newell Osterberg tenía la fiel vocación de ser un baterista de blues en el poco favorecedor entorno musical de Detroit. Ni él mismo imaginaba, que unos años después estaría sobre un escenario untando crema de cacahuate sobre su pecho, lanzándose desde las tarimas para que el público lo cargara, cambiando su nombre a Iggy Pop y convirtiéndose en una leyenda, en una piedra angular de la música contemporánea.

Si bien uno de los aciertos más grandes de Iggy fue hacerse amigo de David Bowie (quien le ayudó a reconstruir la banda y conseguir un nuevo contrato discográfico en 1971), no podemos dejar de lado otra de las mejores decisiones de la carrera de The Stooges, un cambio en la alineación que llevó su sonido a un nuevo nivel: Ese segundo acierto se llama James Williamson; quien junto con Iggy Pop, es autor del tercer álbum de estudio de la banda, Raw Power (1973). Su sonido de guitarra rápido y agresivo lo ha llevado a ser considerado por la crítica como uno de los guitarristas pioneros del punk.

“Mi guitarra favorita es una Gibson Les Paul Custom de 1969”, confiesa Williamson en una charla donde la discusión se centra en cómo su primer guitarra (una Fender Jaguar) no era el instrumento para el sonido que estaba buscando. “La manera en que logro mi sonido en particular se debe a las pastillas de la guitarra; en esos días, el hilo de cobre que las recubría era bobinado a mano, así era como cada quien lograba su propio sonido, algo único y característico. Combino esto con un amplificador Vox AC30, que es lo que técnicamente define mi

Pero no fue únicamente la muerte de Ron lo que trajo de vuelta al último de The Stooges: “Este período coincide con mi decisión de jubilarme antes de tiempo en Sony. Fue ahí, cuando Iggy me ofreció regresar con The Stooges. En un principio me negué, pues no tenía ningún interés en regresar a la escena musical, pero después lo pensé con más detenimiento. Pensé en Iggy, Ron y yo, como éramos cuando teníamos 20 años. En ese momento entendí que de alguna forma yo le debía una a mis amigos y que ellos, me necesitaban. Lo que más admiro de Iggy Pop, es cómo nunca se dio por vencido y logró reunir a The Stooges”.


“No me gusta el punk”, reveló Iggy Pop


El cantante encuentra tedioso ser nombrado como el padrino del género.


POR Staff Rolling Stone México  



El cantante encuentra tedioso ser nombrado como el padrino del género.

“No me gusta el punk”, reveló Iggy Pop

Iggy Pop, vocalista y líder de The Stooges, casi siempre ha sido conocido como “el padrino del punk”. Sin embargo, de acuerdo con un reporte de NME, el cantante mencionó que no es fan del título y que lo encuentra “tedioso”.

“Tienen que tener un lugar donde ponerme en referencia en todo esto”, mencionó sobre las figuras de la industria que usan el apelativo. “Y creen que tienen que explicarlo a un público al que igualmente le falta educación o inteligencia. Así que eso es lo que obtienes. Está bien, pero es tedioso”.

Iggy Pop continuó explicando que se le pidió que promoviera un concierto dando una entrevista en radio, cuando el tema del punk salió a colación. “No habíamos vendido ninguno de los conciertos, así que el promotor quiso que apareciera en radio. Así que le dije ‘Está bien, daré una entrevista’. Bueno, al parecer no fue suficiente. Querían que hablara sobre cinco canciones punk y de plano les dije ‘No me gusta el punk’”, apuntó Iggy Pop.

El vocalista también respondió a los rumores de que había amenazado con mostrar sus genitales al público durante la presentación de su banda durante el festival SXSW en Austin, Texas. “No los amenacé”, declaró. “Quiero decir que nunca habría expuesto mi miembro. Es como… una leyenda urbana. De vez en cuando se sale por aquí o por acá, o mis pantalones se caen mucho”.

Iggy and the Stooges estrenaron su quinto álbum de estudio, Ready To Die el pasado mes de abril, sucesor de The Weirdness, álbum estrenado en 2007.


Por que los libros y la música se llevan muy bien


Te recomendamos libros de música para que veas que libros, hay de todo tipo.


POR Staff Rolling Stone México  



Te recomendamos libros de música para que veas que libros, hay de todo tipo.

Por que los libros y la música se llevan muy bien

Por: Romina Pons

Hoy, 23 de abril, se celebra el día mundial del libro, en una iniciativa creada por la UNESCO para fomentar la lectura. En Rolling Stone pensamos que no existen personas a quienes no les guste leer, sino que más bien no han encontrado un libro que les guste. A continuación te recomendamos una selección de libros sobre el tema que más nos gusta: la música.

Vida – Keith Richards (escrito por James Fox)

El famoso guitarrista de los Rolling Stones le platicó su vida a James Fox, dando como resultado uno de los libros más divertidos y anecdóticos de la música. Es impresionante como, a pesar de estar drogado todo el tiempo, Keith Richards puede recordar tantos momentos de su vida. El libro es tan sincero que le generó problemas con Mick Jagger, y no sólo nos cuenta sobre sus grandes fiestas, sino que es también una pieza invaluable de la cultura de la música de los últimos 50 años.

I Am Ozzy (Confieso que he bebido) – Ozzy Osbourne

Este libro es una crónica de la vida del líder y vocalista de Black Sabbath, empezando con su niñez y relatando mucho de los conocidos incidentes – y otros no tanto- que vivió como parte de Black Sabbath. El libro ha sido aclamado por la crítica por la cantidad de detalles que tiene, y por retratar a la perfección el humor del cantante.

Peter Grant: The Man Who Led Zeppelin – Chris Welch

Este libro revela la interesante vida de Peter Grant, el boxeador que cambió el ring para volverse manager de Led Zeppelin. Además de momentos memorables con la banda, este libro da una mirada de cerca de la importancia de tener alguien que organice a los grupos, que responda por ellos y que sea de su entera confianza.

Can’t Stop Won’t Stop: La Generación del Hip Hop- Jeff Chang

Creado en el Bronx y en Kingston, Jamaica, el hip-hop prontó se convirtió en un moviemiento mundial. Este libro habla de su surgimiento, cuando la pobreza y la globalización orilló a los jóvenes a expresar los cambios, analizarlos y criticarlos, e iniciar una revolución musical. Le da un sentido de identidad a sus seguidores y transformó tanto la cultura como la política.

Porfavor mátame: La historia hablada el Punk, sin censura – Legs McNeil

Este libro es el primer compilado de la historia oral de el movimiento nihilista por excelencia. En el libro hay citas de personajes como Iggy Pop, Dee Dee y Joey Ramone, o Danny Fields, además de punks no famosos de la época, dándonos una imagen general de esa explosiva era. Desde sus orígenes hasta su fin, el punk ha sido criticado, idealizado, descrito y explicado por las personas que stuvieron ahí y lo hicieron posible.


Carta de Sid Vicious a Nancy Spungen


Tras la reedición de ‘Never Mind The Bollocks’ de The Sex Pistols, ha surgido material inédito sobre la banda.


POR Staff Rolling Stone México  



Tras la reedición de 'Never Mind The Bollocks' de The Sex Pistols, ha surgido material inédito sobre la banda.

Carta de Sid Vicious a Nancy Spungen

Tras la reedición de Never Mind The Bollocks de The Sex Pistols, ha surgido material inédito sobre la banda. Ahora les compartimos una carta – o más bien lista- que le escribió Sid Vicious a su novia Nancy Spungen en 1978, justo unos meses antes de que Nancy muriera acuchillada de manera misteriosa en el Chelsea Hotel de Nueva York.

Lo que hace a Nancy tan maravillosa. Por Sidney
1. Guapa
2. Sexy
3. Bonito cuerpo
4. Gran sentido del humor
5. Conversaciones extremadamente interesantes
6. Ingeniosa
7. Ojos hermosos
8. Se viste increíble
9. Tiene la mejor vagina húmeda del mundo
10. Incluso sus pies son sexys
11. Es muy inteligente
12. Tiene colmillo


La mañana del 12 de octubre de 1978, Sid se despertó tras una noche de drogas y alcohol para encontrar el cadáver de su novia en el baño. Tenía una puñalada en el abdomen y había muerto desangrada. El bajista fue arrestado por ser el principal sospechoso del asesinato, pero él siempre alegó que no recordaba haberlo hecho.

El 2 de febrero de 1979 la madre de Sid le inyectó una sobredosis de heroína a petición suya: no podía soportar la vida sin Nancy. Poco después encontraron en su chamarra una nota que pedía que lo enterraran junto a ella.


CD: The Gaslight Anthem


El cuarteto aumenta su poder y se encuentra un lugar dulce entre sincerdidad cursi e intensidad punk


POR Staff Rolling Stone México  



El cuarteto aumenta su poder y se encuentra un lugar dulce entre sincerdidad cursi e intensidad punk

CD: The Gaslight Anthem

The Gaslight Anthem
Handwritten
Calificación:
Mercury

Gaslight no es tan majestuoso como Coldplay o Arcade Fire, y en su debut con una disquera grande permanecen como punks de Nueva Jersey orgullosamente provinciales, que cantan acerca de sentimientos profundos con una sinceridad que haría sonrojar a Bono. Handwritten es su disco más directo y con mayor sonoridad. Los guiños a Motown y al dub se han ido, pero el súper productor Brendan O’Brien les da mordacidad y brillo.

Con sus boinas, tatuajes e intensidad, Fallon puede parecer un barista drogándose con sus propias provisiones. Pero es un vocalista feroz, y tiene estilo en los estribillos, además de un sentido del drama a la Springsteen, lo que hace que estas canciones sean más catárticas que cursis.

Escuchen “Handwritten”, en donde gruñe con unas guitarras agresivas: “What’s your favorite song?/That’s mine, I’ve been crying to it since I was young”. También está “Too Much Blood”, una importante power ballad. “Are you scared this sounds familiar?”, grita. Fallon no tiene miedo de nada: De ningún sonido conocido, ni de parecer como un tirano. Esa valentía le sienta bien.



1977 el año en que llegó el Punk a salvar al rock para siempre


Hace 35 años, este género desgarró las melodías para encrudecer el ritmo…


POR Staff Rolling Stone México  



Hace 35 años, este género desgarró las melodías para encrudecer el ritmo...

1977 el año en que llegó el Punk a salvar al rock para siempre

Hace 35 años, este género desgarró las melodías para encrudecer el ritmo

Por @Benjamín Salcedo

La industria musical, y el rock en lo particular, vivía uno de los momentos más difíciles y áridos. Se habían generado mega estrellas millonarias y estrafalarias que representaban un estilo de vida que no se identificaba con los jóvenes de la época, los grandes grupos comenzaban a desaparecer: Led Zeppelin hacía su último concierto en Estados Unidos; después de la película The Song Remains the Same, nunca volvieron hacer música sublime similar a la que nos acostumbraron.

Black Sabbath vivía los peores años de la alineación estelar, sus discos Technical Ecstasy y Never Say Die! fueron discretos y grises epitafios a uno de los momentos más brillantes de su historia. Deep Purple había cambiado a su cantante Ian Gillan y el reemplazo David Coverdale también abandonó al grupo, dejándolos en una era de incertidumbre que duraría hasta 1984. En el rock progresivo también las cosas no pintaban bien: Yes había sufrido grandes cambios y lo ostentoso de sus presentaciones no llamaba más la atención; Genesis había perdido a Peter Gabriel, los cuatro restantes habían logrado mantener cierta dignidad, pero la salida del guitarrista Steve Hackett hundió al grupo en un periodo experimental más pop y simple. Kiss, dueños del showbiz con espectaculares conciertos, lanzaban discos a granel y su calidad demeritó considerablemente con cada lanzamiento. De igual manera, la mayoría de los grupos de rock en ese momento vivían realidades similares a los ojos de una juventud inconforme.

La situación económica mundial pasaba por un momento complicado de desempleo que impactaba más al viejo continente; aumentaba la pobreza, la nueva generación se vio atrapada en un remolino de incertidumbre, dando como origen a un movimiento emergente ante la marginación. Al termino de sus estudios, los jóvenes salían en busca de una oportunidad laboral que no existía, aunque contaban con un miserable ingreso de desempleados.

El público se empezaba a cansar de la banalidad del rock, sus letras no aportaban nada a la nueva generación. Los grupos pasaban meses (e invertían miles de dólares) en el estudio perfeccionando perfeccionando el sonido de sus discos. El rock pop vivía buenos momentos y comenzaban a surgir los primeros exponentes de lo que se denominaría AOR (Adult Oriented Rock). Bandas como Journey y Kansas (con algo más de experiencia), Foreigner, Cheap Trick y Meat Loaf aparecían para llenar un hueco en esas preferencias. Por otro lado, la música disco iniciaba su reinado y la película Saturday Night Fever servía como estandarte a un movimiento más elitista y despreocupado que sólo buscaba diversión, aunado al auge de figuras como Bee Gees, Abba y Donna Summer, entre otros.

El movimiento punk satanizaba a los hippies, culpándolos de la realidad que se vivía en la música y el arte en esos momentos, pero con la influencia de bandas principalmente americanas como Velvet Underground (cambiando el concepto y estilo literario), MC5 (con su potencia y distorsión), los estrafalarios New York Dolls y principalmente Iggy & The Stooges, canalizando todo esto en conciertos y discos, influyeron a la primera generación de grupos punk.

Mientras tanto, en las cloacas de Nueva York, el cuarteto de Queens llamado Ramones –ataviados con jeans rotos, camisetas y chamarras de cuero– digerían la influencia de bandas sesenteras para manifestar su inconformidad con el mundo entero a través de un retorno a los tres acordes básicos y una melodía simple con mensajes cáusticos. Tuvieron que ir a Inglaterra para que el mundo se fijara en ellos pero, además de exponerse masivamente, influenciaron en los británicos esa rebeldía en forma musical. Grabaron su disco debut con tan sólo $6 mil dólares, en dos días de estudio, logrando un álbum clásico. Poco tiempo después, los británicos invadieron al mundo con los Sex Pistols. Esta banda no tardó en ser considerada como un peligro para su país por los mensajes en rolas como “God Save the Queen” o “Anarchy in the UK”. Aunque su duración fue efímera, lograron impregnar esa inconformidad en muchas otras agrupaciones de la época. De esta forma, se formó en el Reino Unido un movimiento musical masivo, creativo y original, que revolucionaría la música como la conocíamos hasta ese momento. Estaban prohibidos en la radio y televisión, sus conciertos se transmitían de boca en boca, sólo tocaban en pequeños bares y bodegas.

El impacto cultural fue inmediato y directo. Se unieron The Damned y The Clash, la energía que despedían no tenía comparación, no había antecedentes, pues el mensaje implícito en su música era abrasivo, simple pero ruidoso, al grado que no tardaron las discográficas en buscarlos para firmarlos sin saber el lío en el que se estaban metiendo. Eran grupos que no daban concesiones ni estaban dispuestos a convertirse en “estrellitas faranduleras” como las disqueras acostumbraban tratarlos.

Del otro lado del Atlántico, Ramones reinaban. Su propuesta musical, aunque denunciante, era mucho más divertida y menos dramática que en Inglaterra. En los bares neoyorkinos como el CBGB, se forjaron algunos de los más interesantes representantes del movimiento americano. Grupos como Television, The Boomtown Rats, Patti Smith, Blondie y Talking Heads, entre otros grupos que con el tiempo tendieron hacia otra rama del punk conocida como new wave, más musical y elaborada, menos tendenciosa y contestataria. También en Los Ángeles se gestó un estilo punk inclinado al hardcore, con exponentes como Black Flag, Circle Jerks, Fear o Dead Kennedys, de San Francisco.

En Estados Unidos se manejó el tema de otra forma. A diferencia de la Gran Bretaña, los americanos rápidamente ven en ellos más que una amenaza, un negocio lucrativo. Florecieron inmediatamente gran cantidad de grupos y las disqueras los firmaban a destajo, generando una nueva escena artística incluyendo a discográficas alternativas e independientes.


RS 111. Agosto 2012


Green Day, Patti Smith, Matchbox Twenty, Rodrigo y Gabriela, True Blood, ACTA, Punk, James Murphy, Yes, Batman y más…


POR Staff Rolling Stone México  



Green Day, Patti Smith, Matchbox Twenty, Rodrigo y Gabriela, True Blood, ACTA, Punk, James Murphy, Yes, Batman y más...

RS 111. Agosto 2012

Rock & Roll
Green Day cambia la ópera rock por LPs de punk crudo

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Las numerosas vidas de Adam Yauch


Adam Yauch: De cómo el Beastie Boy más salvaje tomó un sendero que lo llevó de las calles de Nueva York a la Iluminación


POR Staff Rolling Stone México  



Adam Yauch: De cómo el Beastie Boy más salvaje tomó un sendero que lo llevó de las calles de Nueva York a la Iluminación

Las numerosas vidas de Adam Yauch

De cómo el Beastie Boy más salvaje tomó un sendero que lo llevó de las calles de Nueva York a la Iluminación

Por Brian Hiatt

Había llegado tan lejos, hizo tantas cosas, desempeñó tantos papeles a lo largo del camino, pero incluso durante los últimos meses de su muy corta vida, Adam Yauch siguió moviéndose con el ímpetu de una locomotora. Punk adolescente, bromista un tanto malicioso; bajista poco valorado; el primer rapero blanco legítimo; borracho desmadroso; budista; feminista vociferante; activista a favor del Tíbet; director de videos. “La palabra para describir a Adam es ‘evolucionado’”, dice Matthew Allison, uno de sus amigos más antiguos. “Siempre le gustó llevar las cosas más lejos, a niveles nunca antes imaginados”.

Podría bastar con ser MCA, el más propositivo y musicalmente hábil de Beastie Boys –el trío de Nueva York que alteró la marcha de la música popular y definió lo realmente cool para una o incluso dos generaciones de jóvenes. “Yauch era el director”, dice su antiguo compañero de banda Adam “Ad-Rock” Horovitz, tal vez por primera vez en su vida. “Gozaba de un ímpetu extra que le permitía ver el fondo de las cosas”.

A lo largo de los últimos dos años, entre tratamientos para el cáncer en las glándulas salivales –que tras un gran despliegue acabó con su vida el 4 de mayo– Yauch decidió que quería ser jinete. Si estás buscando una imagen final de Adam Yauch, ésta podría servir más que otras: Delgado, de barba blanca, un sombrero de vaquero sobre su nívea cabellera, sus botas tejanas en las espuelas, las riendas en las manos y el caballo con Yauch encima atravesando los campos verdes, apacibles y vastísimos de Tennessee. La propiedad era de Sheryl Crow, una sobreviviente del cáncer que logró entablar una incongruente amistad con Yauch cuando él comenzó a llamarle para pedirle consejos para su enfermedad (se conocieron durante la gira realizada en 2008 a fin de impulsar el voto). Él encontró en Nashville un centro para el tratamiento de cáncer avanzado. En esa clínica pudieron apuntalar genéticamente su cáncer y, mientras tanto, él le preguntó a Crow dónde podía hospedarse. Con su esposa Dechen y su hija Losel, siempre a su lado, Yauch utilizó el rancho de Crow como un refugio.

En noviembre del año pasado, Yauch comenzó a sentirse débil: Tenía tiempo de no actualizar a sus fans en lo referente a los avances de su enfermedad, y algunos amigos no sabían nada de él. Pero llamó a Horovitz y Diamond, a quienes pidió que lo acompañaran en el estudio para grabar las últimas sesiones de Beastie Boys. “Fue algo muy bueno para él”, dice Mike D. “Seguramente su tratamiento le hacía sentirse del carajo, y el hecho de poder involucrarse en algo le mejoró el ánimo; pudo rodearse de gente con la que no le apenaba verse o sentirse realmente mal”. “Lo único que anhelaba era pasar un buen rato”, dijo Horovitz (quien dice que sólo grabaron “cosas estúpidas, algunas canciones de rap, un poco de hardcore”). Licensed to Ill, lanzado en noviembre de 1986, fue el primer disco de hip hop en llegar al primer lugar de las listas, vendiendo cuatro millones de copias en un año, mucho más de lo que cualquier disco de punk o rap había logrado hasta entonces. Sus videos eran inescapables, sobre todo “(You Gotta) Fight for Your Right (To Party)”.

Tras la gira, el éxito hizo que Yauch comenzara a sentirse como si estuviese atrapado en una jaula. Un video oficial con escenas en el backstage, capturadas durante esa gira, muestra la clase de comportamiento que Yauch tardaría años en olvidar: Estrella latas de cerveza contra las paredes del camerino y se pone a toquetear a una fan que le ha pedido una firma en el torso. No es su mejor momento. Pero para 1987, los Beastie Boys se sentían tan perdidos en sus nuevas caretas que su decisión consistió en inmortalizar el incidente –junto con las imágenes de decenas de chicas cubiertas de miel, crema batida o cerveza. “Todo mundo atraviesa esas fases como de universitario, y todo mundo actúa como un estúpido borracho”, declaró Yauch en 1997. “Pero dio la casualidad de que nuestras estupideces podías conseguirlas en las tiendas de video”. Yauch sólo disfrutó de todo esto al principio. “Puede que en cinco años tenga que vender autos usados”, le dijo a un entrevistador. “En realidad me importa un carajo, porque en este momento me estoy divirtiendo como nunca”. Pero no por mucho tiempo. “Lo que la sociedad occidental nos enseña”, dijo Yauch en entrevista con Rolling Stone, en 1998, “es que si logras generar una cantidad suficiente de dinero y de poder, y si puedes tener sexo con la gente más hermosa, la felicidad es tuya. Esto es lo que cada comercial, cada revista, cada película nos enseña. Pero es una falacia. Y creo que nos dimos cuenta de ello durante el periodo de Licensed to Ill”.

Poco después de mudarse a Los Ángeles, Yauch consiguió una cantidad apreciable de ácido líquido. Se puso a consumirlo, sobre todo cuando salía a esquiar, y lo combinaba con marihuana. Durante un tiempo, los viajes intergalácticos de Yauch trabajaban a favor del músico. Para empezar, su expansión mental lo mantuvo atento a la potencialidad psicodélica de las múltiples capas de sampleos y esto definió el sonido de su sorprendente segundo álbum, Paul’s Boutique. En palabras de Mike D: “La experiencia con el ácido le confirió la capacidad de decirse: ‘Increíble, puedo oprimir todos los botones de play al mismo tiempo’. El cambio mental le permitió ver esa clase de cosas y eso fue una influencia muy fuerte durante la grabación del álbum, sin duda”. Asimismo comenzó a leer la Biblia y a tomarse en serio la espiritualidad. Yauch impulsó a la banda hacia un costado mucho más positivo. “Ni Adam Horovitz ni yo nos sentíamos muy cómodos con todo esto”, dice Mike D acerca de la nueva misión de Yauch. “Tardamos un poco en acostumbrarnos”, añade Mike. “Pero nosotros también sentíamos algo parecido. Jamás lo dejamos solo”.

Cuando Beastie Boys se convirtieron en uno de los dos platos principales Lollapalooza, Yauch decidió hacerse acompañar a lo largo de los dos meses por un grupo de monjes tibetanos. Según Billy Corgan, líder de The Smashing Pumpkins, el grupo coestelar de la gira, “la vibra inicial iba por el lado de, ya sabes, ‘esos son los monjes de Yauch, ¿qué pretende?’. Pero en verdad los veneraba”.

Corgan fue de los pocos que se atrevieron a charlar con los monjes y, según su versión, las conversaciones le condujeron a un despertar espiritual que tiempo después le salvaría de la zozobra suicida.

Yauch había sampleado las voces de otros monjes tibetanos a fin de incluir los resultados en Ill Communication y las regalías de las canciones en cuestión fueron destinadas a la causa tibetana, pero todo esto se transformó en algo mucho más significativo. Poco después, Yauch organizó una serie de Conciertos para la Libertad Tibetana, con lo que pretendía informar a las masas acerca de la represiva ocupación china de esta nación. Yauch realizó las llamadas personalmente a fin de reclutar a una cierta cantidad de artistas, y las alineaciones a lo largo de siete años son, de alguna manera, una especie de tributo a su influencia, con cabezas de cartel de la talla de U2, Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers, Radiohead y The Smashing Pumpkins.

Beastie Boys dieron su último concierto el 12 de junio de 2009, frente a decenas de miles de fans en Bonnaroo. Su último tema fue una versión alegre y descuidada de “Sabotage”. De camino al festival, la garganta le molestaba a Yauch, pero todo mundo pensó que se debía al polvoso terreno del festival. Un mes después, durante una junta telefónica con Diamond y Horovitz, les dijo que le habían diagnosticado cáncer en las glándulas salivales. “Pero estaré bien”, les aseguró.

Horovitz y Diamond no tienen ni idea de lo que harán musicalmente en el futuro. “Estoy muy confundido”, dice Horovitz. “Estoy como en un trance, dormido. Cuando paseo a mi perro me pongo a llorar. No sé qué hacer. Esta situación es una mierda”.

Pero Mike D puede imaginar a su viejo amigo espoleándoles una última vez. “Creo de verdad que Yauch quiere que intentemos una cosa muy loca que desde hace tiempo deseábamos hacer”, dice sentado en su casa en Brooklyn, a seis cuadras de la casa de los padres de Yauch. La cara se le ilumina, como si estuviese escuchando esa voz tan familiar: “Él nos diría: ‘Eso es exactamente en lo que ustedes deben ponerse a trabajar en este momento’”.


P&R: YACHT


En entrevista con Rolling Stone, Jona y Claire hablan sobre sus principales influencias, sus conceptos ideológicos y las diferentes ramas del arte en que se han ido involucrando con el paso de los años.


POR Staff Rolling Stone México  



En entrevista con Rolling Stone, Jona y Claire hablan sobre sus principales influencias, sus conceptos ideológicos y las diferentes ramas del arte en que se han ido involucrando con el paso de los años.

P&R: YACHT

De la utopía a la anarquía…
Fotos y texto por @Vero Galicia

YACHT no es sólo una banda de electro pop independiente. En sus propias palabras, la pareja de casados, Jona Bechtolt y Claire L. Evans, dice que YACHT es también un sistema de creencias. Ellos no encuentran límite en la expresión de sus ideas, lo que los ha llevado a lograr uno de los actos en vivo más interesantes, interactivos y divertidos de la escena musical actual, además de que los ha hecho involucrarse en diferentes disciplinas artísticas.

Recientemente aparecieron en un capítulo de la serie estadounidense “A Day In The Life” donde viajaron desde Los Ángeles a su ciudad natal Portland. En él podemos ver la grabación de un video musical en un salón de juegos láser, seguido de una presentación en los famosos estudios Mississipi.

En entrevista con Rolling Stone, Jona y Claire hablan sobre sus principales influencias, sus conceptos ideológicos y las diferentes ramas del arte en que se han ido involucrando con el paso de los años.

YACHT
Una de las cosas más representativas de YACHT es el acto en vivo ¿Cuál es su principal influencia en el escenario?
Jona: Empecemos por decir que Nirvana es de nuestras principales influencias. Tenemos la energía del punk crudo que quizás no se aprecia definidamente como punk; no traemos chamarras de piel con estoperoles o el cabello con picos, pero definitivamente tenemos energía punk. Calvin Johnson es una gran influencia para nosotros. Él comenzó K Records y toda la escena musical del noroeste del Pacífico explotó debido a él, al menos eso me gusta pensar. La manera en la que baila inspira al arte. Nuestro amor por el movimiento y también por muchas cosas que no son directamente musicales, como Merce Cunningham. Claire, ¿lo vimos cuando fuimos a México?

Claire: Sí, en el Palacio de Bellas Artes, fue una función parte de su último tour. Un gran espectáculo y un gran lugar también. Amamos el baile y la danza moderna. Nos interesa la manera en la que diferentes personalidades interpretan el poner cuerpos en el espacio de manera radical.

Jona: También las instalaciones de arte y video. Nos interesa mucho crear algo visualmente complicado, no sólo con la ropa que usamos, sino con video, presentaciones, luces, preguntas y respuestas, banners. Nos gusta confundir y complicar el escenario lo más posible.

Claire: La idea es sumergirnos en una experiencia que esté separada completamente del resto del mundo. No queremos generar una experiencia estándar del rock & roll, sino algo dentro de lo que se puede estar en algún momento.

Jona: Así como los momentos de utopía, buscamos crear un momento especial que sea solamente nuestro.

Claire: A esto se le llama “Zona Autónoma Temporal” (Temporary Autonomus Zone).

¿Cuáles son los límites de sus presentaciones?
Claire: Tratamos de hacer cada show diferente y depende mucho del público. Las presentaciones son diferentes una de otra simplemente por la forma en la que la gente nos recibe. A veces es un desafío romper el límite entre nosotros y la audiencia, a veces es muy sencillo y se puede ir directo a interactuar. Como seres humanos tenemos la virtud de no ser iguales de un momento a otro, somos diferentes cada vez que subimos a un escenario simplemente por que somos personas y es imposible repetirnos exactamente, no somos máquinas. Siempre somos diferentes.

Jona: Siempre escuchamos nuestros sentimientos; nos escuchamos nosotros mismos y a nuestros cuerpos, navegamos en eso y dejamos que así se decida como vamos a ejecutar una presentación.

Si eso es YACHT en vivo ¿qué es YACHT en un álbum?
Claire: Para nosotros cada álbum es un documento exacto de nuestro punto de vista acerca de algo en un momento en el tiempo. Tendemos a hacer discos cuando nuestra manera personal de ver la vida y nuestra filosofía han cambiado de una manera significativa.

Jona: Y es una forma de esparcir esa forma de pensar.

Claire: Nos gusta congelar en el tiempo esa idea y explorarla, haciendo un documento de ese momento. De nuestro último disco no escribimos ninguna canción antes, todo se escribió mientras estabamos en el proceso de grabación pues es un documento de las ideas que surgieron en nuestras conversaciones mientras lo estabamos haciendo. Hasta que esa conversación se deje de sentir verdadera, cuando sintamos que esas ideas son viejas o que necesitamos explorar nuevas ideas, entonces haremos otro disco. El disco es un punto de partida, es un lugar de referencia donde la gente puede entender de qué se trata y venir a vernos y experimentarlo en la vida real, en tercera dimensión.

¿Estas ideas tienen caducidad, o las pueden retomar fácilmente?
Jona: No creo que tengan fecha de caducidad. Nos gusta movernos hacia delante y explorar nuevos conceptos, pero no necesariamente dejamos atrás lo viejo.

Claire: Yo veo con mucho cariño por dónde hemos pasado y lo que estaba pasando en nuestras vidas, es como hacerte un tatuaje: te recuerda esos momentos y lo mucho que te gustaron.

YACHT
¿Cuáles son las ideas detrás de Sangri-La?

Claire: Nuestro álbum anterior (See Mystery Lights) es sobre espiritualidad, misticismo, religión, esoterismo y todo tipo de misterio. Vivíamos en el desierto en Texas y nos parece que es un documento muy fiel sobre del viaje personal que tuvimos para entender todas estas ideas. Estuvimos de gira tres años con él y durante este tiempo terminó siendo un punto de partida de muchas conversaciones sobre estos temas; así que decidimos que el siguiente paso era encontrar una manera de llevar estas ideas a la práctica; vivirlas y que fueran reales. Utopía fue un buen punto de partida pues son ideas físicas, es vivir dentro de la idea. Investigamos tanto en la historia como en la ciencia ficción, leímos mucho, hablamos con mucha gente y después intentamos crear nuestra propia utopía.

Jona: Pórtland (Oregón), Los Ángeles (California) y Marfa (Texas) son tres lugares que consideramos fueron utopías personales en diferentes momentos de nuestras vidas. Queríamos hacer un documento de espectro completo sobre la luz y la oscuridad, sobre utopía y distopia.

Claire: Al final descubrimos que es imposible llevarlo a cabo una utopía en la vida real; todas las veces que alguien ha querido intentarlo ha terminado mal.

Jona: Suicidios colectivos, Jonestown…

Claire: Cualquier ejemplo que pienses de una comunidad utópica termina por desintegrarse. Supongo que cuando te aíslas tanto de otras personas, te vuelves ciego al cambio, ya no tienes retos y este distanciamiento termina por desintegrarse.

¿Cuál es su concepto de utopía ahora que han estado de gira con Sangri-La?
Claire: Cuando comenzamos a trabajar en el álbum utopía era sobre cambiar las leyes. Ahora es un concepto más flexible; es más sobre tiempo, no de lugar. Utopía son ciertos momentos en el tiempo: puede ser un momento hermoso muy breve, un concierto, un encuentro con un amigo.

Si utopía es no-lugar ¿qué es distopia?
Claire: Distopia es lugar. Distopia es cuando alguien trata de implementar ideología en un lugar, de una forma que no permite que haya diversidad, cambios y respeto hacía otras personas. Al final se vuelve fascismo, lo que es distopia. La utopia es quizás más real y más práctica.

¿En qué han estado trabajando últimamente?
Claire: Tenemos muchas cosas actualmente en las que hemos estado trabajando que no son directamente musicales. Hicimos un perfume, Jona lo usa todo el tiempo. Mucha gente piensa que huele raro pero en realidad se requiere un gusto particular para entenderlo, es más como un aceite, es un olor como a humo y es bastante pesado y serio. Estamos interesados en explorar muchas cosas diferentes que podemos hacer, no queremos limitarnos a ser sólo una banda o sólo un acto en vivo. Esta fragancia fue el expresar una idea en una forma diferente, sin escribirla o convertirla en canción, si no encapsularla en un olor.

Jona: Lo próximo que haremos será probablemente un libro sobre los conceptos de Shangri La; utopía, distopía, será la versión escrita del disco.

Claire: Nos gusta mucho diseñar cosas impresas como posters o diseñar ropa. Por ahora estamos fascinados con eso, estoy segura que eventualmente haremos nueva música.

Jona: Tarde o temprano, quizás para finales de este año tengamos nueva música.