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Curiosidades detrás de las letras de George Harrison


El virtuoso músico cumpliría 76 años el día de hoy. Presentamos algunos datos curiosos sobre sus composiciones más emblemáticas junto con The Beatles.


POR Andrea Calderón  



Foto: cortesía Universal Music

Curiosidades detrás de las letras de George Harrison

Reconocer el legado de George Harrison en la música y el impacto de su imagen en la cultura pop es prácticamente imposible de ignorar. El músico inglés no sólo formó parte de una de las bandas más importantes de la historia de la música, sino que compuso algunas de las piezas más emblemáticas dentro de su repertorio.

A pesar de no ser el cantautor más reconocido de la agrupación, George trajo a la vida piezas icónicas, que no sólo asombraban por su complejidad en la composición de la letra y la música, sino que lograban conectar de manera inmediata con la gente e inyectaban de vida a la discografía del grupo.

A lo largo de su carrera, Harrison sorprendió a sus compañeros y a la industria con su talento. El virtuoso músico logró encontrar su esencia como artista e influenció a miles de artistas con una inquietante experimentación con instrumentos y ritmos. También sentó las bases para la inclusión de la música hindú en la escena musical occidental. El talento e impacto de este guitarrista seguirá presente junto a un claro mensaje de unión y paz.

Presentamos cinco de sus composiciones más emblemáticas con The Beatles y algunos datos curiosos sobre ellas.

“Something” (Abbey Road)
“Somewhere in her smile she knows, that I don’t need no other lover”.

— George Harrison grabó el primer demo de “Something” el mismo día que cumplió 26 años, el 25 de febrero de 1969.

— Se estima que se realizaron alrededor de 52 grabaciones de la pieza antes de la versión final incluida en Abbey Road.

— La canción fue escrita entre los descansos de las sesiones de grabación de The White Album.

— La primera línea de la pista (“Something in the way she moves”) viene de una canción de James Taylor, grabada para su álbum debut de 1968 con Apple Records.

— Antes de que el tema formara parte de la discografía de The Beatles, Harrison le otorgó la canción a Jackie Lomax para que la interpretara, pero el músico se negó. Después, el guitarrista buscó a Joe Cocker, quien aceptó y publicó su versión del tema dos meses antes que la de The Beatles.

— Después de un tiempo, John Lennon sugirió que la canción fuera agregada a Abbey Road con Harrison como la voz principal: “Cuando la escuché supe que sería la mejor canción de todo el disco. Era maravillosa”, dijo.

— Durante la sesiones de grabación del sencillo, Harrison se convirtió en el director musical de la banda, dirigiendo a Lennon en el piano y enseñándole a McCartney cómo tocar la línea del bajo. “Fue un gran paso para él. George nunca antes le había dicho cómo hacer las cosas a Paul o ninguno de sus compañeros. Fue cuando finalmente lo tomaron en serio”, dijo el productor George Martin.

— Una vez que “Something” se publicó como sencillo de Abbey Road, el tema logró permanecer diez semanas en el primer lugar del Billboard Hot 100 en los Estados unidos y otras seis en el tercer sitio.

— Después de “Yesterday”, es la pieza con más versiones dentro de toda la discografía de The Beatles. Artistas como Elvis Presley, Frank Sinatra, Tony Bennett y James Brown han grabado su propia versión.

— El video del sencillo muestra a John, George, Ringo y Paul con sus entonces parejas sentimentales, Yoko Ono, Pattie Boyd, Maureen Starkey y Linda McCartney.

“Within You Without You” (Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band)
“With our love we could save the world, if they only knew”.

— La canción está basada en una pieza musical que escribió Ravi Shankar, la cual duraba alrededor de 40 minutos. Harrison decidió crear una versión miniatura utilizando sonidos similares a los que había descubierto en esta canción como un homenaje al hombre que le había enseñado a tocar el sitar.

— “Within You Without You” se compuso después de una cena en la casa de Klaus Voormann, artista y músico alemán.

— George fue el único beatle presente durante la grabación de “Within You Without You”. Él grabó la voz, tocó el sitar y la guitarra acústica. Neil Aspinall, mánager y asistente de la banda, tocó los tambores, mientras que Anna Joshi, Amrit Gajjar, Buddhdev Kansara y Natawar Soni (músicos indios) los acompañaron con instrumentos tradicionales.

— Las risas al final de la pista fue idea de Harrison. Si bien algunos fanáticos creen que se trata de sus compañeros de banda burlándose de su composición, es más bien un esfuerzo de George por aligerar el estado de ánimo de los oyentes después de cinco minutos repletos de una melodía melancólica y repetitiva.

“While My Guitar Gently Weeps” (White Album)
“With every mistake we must sure to be learning”

— George compuso la música de la pieza entre febrero y abril de 1968 durante un viaje con The Beatles a Rishikesh, India, pero terminó de escribir la letra cuando la banda regresó a Inglaterra.

— La inspiración detrás de “While My Guitar Gently Weeps” fue la lectura del libro I Ching, basado en el concepto oriental de que todo está relacionado entre sí.

— El músico comenzó a escribir la letra mientras se encontraba en casa de sus padres. Harrison tomó un libro, lo abrió en una página cualquiera y escribió una letra en torno a las primeras palabras que vio. El resultado fue “gently weeps”.

— La canción sufrió un sinfín de modificaciones hasta llegar a su versión final. En la primera versión se usó una estrofa que no forma parte de la versión final.

“I look at the trouble and see that it’s raging,
While my guitar gently weeps.
As I’m sitting here, doing nothing but aging,
Still, my guitar gently weeps”.

— Tiempo después, esta versión formó parte de la banda sonora del espectáculo The Beatles LOVE de la compañía Cirque du Soleil.

— La pieza contó con la participación de Eric Clapton como músico invitado. “La canción no funcionaba de ninguna manera así que invité a Clapton. Tener su presencia en el estudio ayudó a que John, Paul y Ringo se esforzaran a dar lo mejor. De alguna manera la figura de Eric imponía y querían ganarse su respeto”, mencionó George Harrison.

— La aportación de Clapton consistió en añadir filigranas y un solo de guitarra que se terminó de grabar en tan sólo una noche.

— “While My Guitar Gently Weeps” es considerada por Rolling Stone como la décima mejor canción en la discografía de The Beatles.

“Taxman” (Revolver)
“If you get too cold I’ll tax the heat. If you take a walk, I’ll tax your feet”

— Para la realización de esta pista, McCartney tocó el solo de guitarra y Lennon contribuyó con algunas ideas para la letra.

— La inspiración detrás del tema fue el enojo que Harrison experimentó al ver la cantidad de impuestos que el gobierno le exigía pagar. “’Taxman’ nació cuando me di cuenta que a pesar de ganar dinero, la mayoría de él lo perdía pagando impuestos”.

— Para la melodía de “Taxman”, George se inspiró en la serie de televisión Batman, de la cual Harrison era un gran admirador.

— La pieza es un vínculo crucial hacia los experimentos del grupo en la psicodelia que más tarde aparecerían con peculiar esplendor.

— Para esta pieza, George Harrison utilizó tonos distorsionados en la guitarra principal junto con un ritmo muy apegado al R&B, cortesía del productor Geoff Emerick.

— “Mr. Wilson” y “Mr. Heath” son dos nombres a los cuales se hace referencia en las voces secundarias de la canción. Se trata de los primeros ministros británicos Harold Wilson y Edward Heath, quienes estaban siendo criticados en la composición por contribuir a las leyes fiscales inglesas.

“Here comes the sun” (Abbey Road)
“Here comes the sun, and I say it’s all right”

— La letra detrás de esta icónica pieza se remonta a los inicios de los años setenta cuando la atmósfera que rodeaba a The Beatles se había vuelto tóxica y tensa. En aquellos años, el cuarteto estaba buscando un nuevo mánager que se encargara de las finanzas de la banda.

— Poco a poco, los múltiples compromisos y la presencia de un montón de abogados terminó por crear peleas y distanciamientos entre ellos. “‘Here Comes the Sun’ fue escrita en un momento en que Apple Records se estaba convirtiendo en un lugar donde teníamos que ir y ser hombres de negocios. Era horrible”, mencionó Harrison.

— El músico escribió esta canción mientras trataba de escapar de los conflictos con The Beatles. Para distraerse, visitó el jardín de la casa de Eric Clapton en Surrey, Inglaterra.

— “Here Comes the Sun” se grabó en Abbey Road el 7 de julio de 1969, el día del cumpleaños número 29 de Ringo.

— La primera versión del tema contenía un solo de guitarra que fue eliminado en la mezcla final.

— Ringo y Paul se encargaron de crear una melodía para el tema mientras que la letra corrió a cargo de George Harrison en su totalidad.

— John Lennon no participó en la grabación de la canción porque se estaba recuperando de un accidente automovilístico.

— Para la grabación del tema se utilizó un sintetizador análogo Moog junto con tres guitarras y una armónica.

— “Here comes the Sun” es una clara inspiración de los viajes que George hizo a la India y de la amistad que sostuvo con Ravi Shankar, un músico bengalí.


Una película inédita de Paul McCartney llegará a las salas de cine


‘The Bruce McMouse Show’ contiene imágenes de la gira de Wings por Europa en 1972 que fueron remasterizada en los estudios Abbey Road.


POR Jonathan Matamoros  



Una película inédita de Paul McCartney llegará a las salas de cine

Paul McCartney anunció que The Bruce McMouse Show será proyectada en algunas salas de cine alrededor del mundo el próximo 21 de enero. Se trata de un proyecto audiovisual que mezcla una película animada con un concierto del exbeatle y su otra banda, Wings. 

The Bruce McMouse Show trata sobre cómo Paul y los miembros de Wings conocen a un ratón promotor y su familia, quienes viven justo debajo del escenario donde están dando un concierto. El filme fue dirigido por Barry Chattington, bajo la producción de Roger Cherrill.

Las imágenes en vivo de McCartney y Wings fueron capturadas durante cuatro shows que el colectivo ofreció en los Países Bajos y Alemania en 1972. La idea de incorporar una historia animada se le ocurrió a Paul después de que vio el material que habían grabado durante sus presentaciones, por lo que decidió hacer unos bocetos de cómo luciría la familia de ratones y se los entregó a Eric Wylam, quien creó la apariencia final de los roedores. 

Paul y su entonces esposa, Linda McCartney, prestaron sus voces para los personajes animados, junto con Deryck Guyler, Pat Coombs y Derek Nimmo. La realización de The Bruce McMouse Show tomó cinco años, de 1972 a 1977. Para entonces, la alineación de Wings y la industria musical habían cambiado, por lo que Paul decidió archivar el proyecto. 

Más de 40 años después, la imagen y el audio fueron restaurados en los estudios Abbey Road para poder lanzarla. Por el momento sólo se han programada proyecciones en Estados Unidos, Canadá, Reino Unidos y Australia, pero se espera que en los próximos meses The Bruce McMouse Show llegue a más países y a plataformas de streaming. Mira un adelanto:


Jenny Lewis: en la línea


La artista nos habla sobre trabajar con Beck en su próximo disco, su relación con México y la equidad de género.


POR Noemí Contreras  



Crédito de foto: Autumn de Wilde/Warner Bros. Records

Jenny Lewis: en la línea

Jennifer Diane Lewis nació el 8 de enero de 1976 en Las Vegas, Nevada. Poco después, su familia se mudó a San Fernando Valley, California y cuando era niña comenzó una carrera de actuación, apareciendo en algunas series de TV y películas. Sin embargo, poco a poco se acercó más a la música y en 1998 formó la banda de indie rock Rilo Kiley junto con Blake Sennett. Justo cuando Rilo Kiley recibió el apoyo de un sello importante, Conor Oberst invitó a Lewis a grabar un álbum solista para su sello Team Love. Así fue como debutó en solitario en 2006 con Rabbit Fur Coat, seguido de Acid Tongue de 2008 y finalmente The Voyager de 2014.

Platicamos con Jenny Lewis sobre su cuarto LP en solitario, On the Line, el cual estará disponible el día 22 de este mes.

Han pasado cinco años desde tu último disco. ¿Qué has aprendido y aplicado durante este tiempo para tu próximo álbum On the Line?
Bueno, en realidad puse un disco en 2016 con mi banda Nice As Fuck en Nueva York. Así que siempre tiendo a iniciar proyectos alternos entre mis álbumes para mantener el proceso de escritura. Es como un automóvil viejo que dejas en el garaje por mucho tiempo, así que tienes que calentarlo antes de un viaje por carretera. Entonces empiezo estos otros proyectos porque me siento implacable y algunas de estas canciones se convirtieron en canciones de Nice As Fuck. Cinco años es mucho tiempo, la vida pasa y hay muchos eventos que estoy segura que sucedieron para todos nosotros en ese tiempo. Y siempre estoy procesando todo e, inevitablemente, lo transformo en melodías.

¿Cómo se te ocurrió el título? ¿Qué puedes decirme sobre la canción del título?
En mi país, generalmente elegimos el título de una canción para identificar todo el lote de canciones y esa iba a ser originalmente la última canción del disco. Y mi idea es… “On the Line” tiene muchos significados, como si alguien te tuviera en la línea, esperando, para saber si está encendido o apagado. Como mujer, una mujer con una carrera en mis 40, es como una elección entre carrera y familia, creo que te encuentras en una encrucijada. Así que tiene muchos significados para mí. Iba a ser la última canción, pero luego escribí “Rabbit Hole”, la cual yo necesité como un mantra para salir de la línea, para colgar el teléfono. Necesitaba escribir una canción que me recordara a mi misma que nunca volviera a caer en un pozo sin fondo.

De las 11 canciones, ¿por qué elegiste “Red Bull & Hennessy” como el primer sencillo?
Honestamente, yo no lo elegí. Es como si tuvieras 11 hijos, ¿cómo vas a elegir tu favorito? Estoy feliz con todas las canciones y todas cuentan una historia desde el principio hasta el final. Y la gente que trabaja conmigo elige esas cosas, no depende realmente de mí. Y se siente bien, creo que fue buena elección.

Tengo una pregunta en particular sobre esa canción … ¿cómo se generó la idea de la parte final?
Oh, ¿te refieres al solo de guitarra en el glitch? He oído que las personas piensan que algo está mal con el dispositivo en el que están escuchando, pero fue Shawn Everett quien mezcló mi disco (también trabajó con Alabama Shakes, es un gran productor). Grabamos el material en vivo y luego tuvo muchas reencarnaciones, hubo muchas fases más allá de la grabación original. Shawn le puso talento realmente moderno al disco y esa fue una de las sorpresas que descubrí en casa cuando escuchaba la mezcla y dije: “Oh, Dios mío, esto es una locura” y mientras más lo escuchaba, más me gustaba.

Ryan Adams produjo The Voyager de 2014, ¿cómo fue la experiencia de trabajar con él nuevamente en este álbum?
Bueno, la definición de la locura es repetir lo mismo una y otra vez esperando resultados diferentes, así que dejaré que tú lo interpretes.

También reclutaste a Beck, Ringo Starr, Benmont Tench, Don Was y Jim Keltner. ¿Cómo surgieron estas colaboraciones?
Desde que soy solista, una de las partes más emocionantes de trabajar sola ha sido colaborar y aprender de las personas. Así que cada disco en solitario que he hecho tiene otros talentos, empezando por The Watson Twins, Elvis Costello y un grupo de músicos maravillosos. Y en este caso, volví a trabajar con Beck, que se ha convertido en un gran amigo, es un gran mentor y siento que siempre puedo acercarme a él cuando tengo una pregunta o me siento insegura. Es una gran caja de resonancia y los dos somos de Los Ángeles, así que fue algo natural.

En cuanto a The Watson Twins, se conocen desde hace mucho tiempo, ¿puedes recordar un momento especial con ellas?
Cada vez que subimos juntas al escenario es especial. No sé si alguna vez has estado cerca de gemelas idénticas que miden más de 1.80 metros, pero es bastante poderoso entrar a una habitación flanqueada por dos mujeres hermosas. Y, como sabes, participaron mi primer disco en solitario y tenerlas a mi lado me dio el valor para hacer el álbum por mi cuenta. Realmente me apoyaron y nos hicimos muy buenas amigas, soy su hermana de otra madre.

Tus letras siempre han sido personales, incluso diarísticas. ¿Dirías que escribir canciones es un tipo de terapia para ti?
No, no creo que sea bueno pensar que tu poesía es una terapia. Escribo lo que siento, veo y experimento, y luego se pone a través de un filtro psicodélico o poético. Me gustan los detalles en las canciones –aunque no todos los detalles son verdaderos– pero los sentimientos son verdaderos, el sentimiento que obtienes de la canción es absolutamente precisa. Escribo libremente y sin filtro, pero creo que es importante diferenciar la terapia de tu trabajo, se necesita la retroalimentación real de un profesional para lo que estás pasando.

Estarás de gira en Estados Unidos y el Reino Unido después de que se publique tu álbum. ¿Algún plan de venir a México?
Sí, estamos hablando de eso justo ahora. Realmente me la pasé muy bien el año pasado en Corona Capital. Amo México y también soy un gran fan del boxeo, así que me encanta ver algo de boxeo cuando voy a México.

En tu canción “On the Line” incluso mencionas nuestro país…
¡Sí! Y hay algunas canciones de Rilo Kiley en las que también menciono a México. Crecí en Los Ángeles y cuando creces ahí, la cultura mexicana es parte de la cultura del sur de California. Y los primeros shows de Rilo Kiley eran 60% mexicano-americanos, nunca lo habríamos logrado sin nuestros fans mexicanos en el sur de California. Así que siempre estoy agradecida con México. Y es realmente divertido tocar en la Ciudad de México porque se parece a Los Ángeles ¡pero más grande y con más tráfico! [risas] Y hay algo que se siente muy cariñoso y atento en la multitud. Siento que lo entienden, entienden el drama y el romance.

Para terminar, ¿cuáles son los mayores desafíos que enfrentan las mujeres en la industria musical en la actualidad? ¿Qué cambios te gustaría ver?
Las mujeres siempre han enfrentado desafíos en todas las industrias, estoy segura de que lo sabes por tu experiencia. Creo que hay un diálogo muy positivo en este momento y nos esforzamos por alcanzar la igualdad para todas las personas, el objetivo final son la igualdad y el respeto. También he trabajado con otras mujeres, lo cual es muy importante para la inclusión: mujeres que apoyan a otras mujeres, perdonan a otras mujeres y hacen que las relaciones con sus hermanas y madres y amigas continúen siendo saludables. Pero se trata de igualdad, queremos igualdad de derechos y creo que vamos a conseguirla.


Emma Stone protagoniza el nuevo video de Paul McCartney


El visual de “Who Cares” forma parte de una campaña para redes sociales en contra del bullying.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Eric Luc / cortesía de Nasty Little Man

Emma Stone protagoniza el nuevo video de Paul McCartney

Paul McCartney ha estrenado un nuevo video musical para su canción “Who Cares”, protagonizado por Emma Stone. Este tema forma parte de Egypt Station, el décimo séptimo álbum de estudio del icónico músico británico que fue lanzado en septiembre de este año.

El visual fue estrenado este pasado domingo en el Fine Arts Theater de Beverly Hills y estuvo bajo la dirección de Brantley Guitierrez, quien ha fotografiado por varios años al exbeatle durante sus giras, y el coreógrafo Ryan Heffington. En el clip podemos ver a Paul y Emma bailar e interactuar en un diferentes sets en blanco y negro, acompañados por bailarines que están vestidos como mimos y arlequines. Las grabaciones ocurrieron en octubre de este año en Brooklyn.

Este audiovisual fue designado para arrancar una campaña en contra del bullying (#WhoCaresIDo) en redes sociales, que será respaldada por varias organizaciones sin fines de lucro. “Mi esperanza es que si hay niños que son víctimas del bullying, y los hay, quizás al escuchar esta canción y ver este video puedan pensar que no es tan malo”, dijo Paul McCartney.

El día de ayer, Paul McCartney se reunió con su excompañero en The Beatles, Ringo Starr, para interpretar el éxito de 1969, “Get Back”. Ronnie Wood, guitarrista de The Rolling Stones, también acompañó a los músicos británicos en el escenario. Mira su presentación aquí.

Mira “Who Cares”, el nuevo video de Paul McCartney protagonizado por Emma Stone:


Paul McCartney interpretó “Get Back” al lado de Ringo Starr y Ronnie Wood


Esta reunión ocurrió durante la última fecha del Freshen Up Tour en 2018.


POR Jonathan Matamoros  



Fotos: Raph PH (CC), Eva Rinaldi (CC)

Paul McCartney interpretó “Get Back” al lado de Ringo Starr y Ronnie Wood

El día de ayer, Paul McCartney se reunió con su excompañero en The Beatles, Ringo Starr, para interpretar el éxito de 1969, “Get Back”. Ronnie Wood, guitarrista de The Rolling Stones, también acompañó a los músicos británicos en el escenario.


Esto ocurrió como parte del concierto que McCartney ofreció en Londres como parte de su Freshen Up Tour, gira que dio inicio en septiembre de este año para promocionar Egypt Station, su más reciente álbum de estudio.

“Tenemos una pequeña sorpresa para ustedes. En realidad, fue una sorpresa para nosotros también –sucedió apenas hoy”, dijo Paul a la audiencia, mientras Ringo se acomodaba detrás de la batería y Wood tomaba una guitarra eléctrica.

Antes de abandonar el escenario, Starr dijo: “No sé ustedes, pero eso fue muy emocionante para mí. Paz y amor para todos, y feliz Navidad”. Por su parte, McCartney agregó: “Dejaré que asimilen lo que acaba de pasar”.

Esta fue la última fecha del Freshen Up Tour en 2019, el exbeatle continuará su gira en marzo del próximo año por Sudamérica, para seguir por Estados Unidos en julio, siendo el 13 de ese mismo mes su última fecha programada en Los Ángeles. Aún no se tienen noticias sobre una posible visita a México, pero de ser así, es muy probable que sea en el mes de julio o agosto puesto que Paul estará en Norteamérica.

Mira a Paul McCartney tocar en vivo “Get Back” al lado de Ringo Starr y Ronnie Wood:


20 canciones menospreciadas de John Lennon como solista


Presentamos una lista de canciones que merecen más reconocimiento.


POR Álvaro Tamés  



20 canciones menospreciadas de John Lennon como solista

Su carrera en solitario fue tan turbulenta y especial como sus años con The Beatles: un remolino de éxitos, aventuras y crisis emocionales. Presentamos veinte pistas de sus álbumes de estudio que merecen mayor reconocimiento.

Hold On” – John Lennon/Plastic Ono Band

Aunque juró alejarse del estilo de The Beatles en su debut como solista, Lennon utilizó su brillante trabajo con el cuarteto como un puente para confesarse abiertamente en este álbum.

Remember” – John Lennon/Plastic Ono Band

En esta canción, Lennon toma las memorias más tristes de su infancia, como el abandono de su padre y las sintetiza en una melodía acompañada de un piano parecido al de Little Richard y al fuerte ritmo de Ringo Starr.

Isolation” – John Lennon/Plastic Ono Band

Después de una terapia, John Lennon se vio envuelto en polémicas declaraciones acerca de su necesidad maternal, su fe y amor eterno por su esposa y compañera creativa Yoko Ono. “Isolation” es Lennon aterrado, confrontando su libertad postbeatle con inseguirdad y paranoia.

Crippled Inside” – Imagine

Lennon siguió al himno de paz de su segundo álbum con esta granada envuelta en ritmo rockabilly, acompañada de un saltarín solo de country proporciondo por la guitarra de su excompañero de banda, George Harrison.

It’s So Hard” – Imagine

Esta marcha funky es parecida a “Yer Blues” de los Beatles, pero Lennon buscó darle un giro al darle con un ritmo un poco más aplanado y acompañarla con el saxofón del legendario King Curtis.

I Don’t Wanna Be a Soldier, Mama, I Don’t Wanna Die” – Imagine

La colaboración con George Harrison y King Curtis pareciera no pertenecer a un álbum, si no a una declaración en una revista o un documental, pero el ritmo de los dos otros astros le dan vida y candor a este monólogo donde Lennon confiesa sus sentimientos acerca de la guerra.

Woman Is the Nigger of the World” – Sometime in New York City

Antes de que Patti Smith escribiera “Rock ‘n’ Roll Nigger” y los raperos negros se adueñaran del término racista como un significante de hermandad en el ghetto, Lennon se arriesgó con el coro de este manifiesto feminista escrito junto a Ono La cinta sería el primer sencillo del álbum “Sometime in New York City“.

New York City” – Sometime in New York City

Un alegre cambio a las rimas de protesta y rebeldía del álbum, “New York City” combina el boogie soleado de la autobiográfica “The Ballad of John and Yoko” de The Beatles con el entusiasmo y pasión de Lennon por su nueva casa.

Tight A$” – Mind Games

Para un disco que se elaboraría casi al par de la crisis personal más grande de Lennon -su separación de Ono y el llamado “fin de semana perdido”- Mind Games tiene unos sorpresivos toques de diversión ligera como esta alocada pieza country.

Aisumasen (I’m Sorry)” – Mind Games

Mucho de la carrera de solista de Lennon fue una retrospectiva de su relación con Ono -un ciclo constante de afecto, pasión, culpa y reconciliación- y muy seguido le escribía directamente a ella, como es el caso de esta emotiva canción, parcialmente interpretada en japonés.

Out the Blue” – Mind Games

Los primeros segundos -solo la voz de Lennon y la guitarra acústica – son como un respiro hondo con la dramática exhalación de ésta extraña balada. Era una canción para Yoko y la desesperación de Lennon por mantener su realción martital feliz era cada vez más palpable.

Scared” – Walls and Bridges

El doloroso exilio de Lennon por parte de Ono seguía en efecto cuando grabó esta auténtica reflexión acerca de cuán bajo había caído. Era como si hubiera tomado la ira R&B de “How Do You Sleep?” y la hubiese aplicado en sí mismo.

Bless You” – Walls and Bridges

En esta olvidada canción de Walls and Bridges, Lennon comparte su obstinada anticipación por regresar a casa.

Steel and Glass” – Walls and Bridges

Steel and Glass” no se trataba completamente de Allen Klein, el ejecutivo neoyorquino que se encargaba de la imagen pública de The Beatles, sino de el odio acumulado que sentía Lennon por los hombres de negocios y estafadores que se alimentaban de él y su viejo grupo desde sus días en el cuarteto de Liverpool.

Cleanup Time” – Double Fantasy

Esta juguetona canción describe su rutina diaria en sus años de amo de casa: “La reina está trabajando/contando el dinero/el rey en la cocina, haciendo pan y miel”.

I’m Losing You” – Double Fantasy

La vida doméstica no vino sin sus complicaciones: “Ni siquiera te puedo marcar por teléfono,” cantaba Lennon en sus preocupados blues escritos mientras vacacionaba con Sean en Bermuda y Ono se encontraba en Nueva York, atendiendo sus negocios.

Dear Yoko” – Double Fantasy

Lennon amaba cantar el nombre de su esposa. Lo diferente aquí es el efecto Buddy Holly que puso en su voz mientras interpretaba esta canción de amor -una alegre caminata acompañada del zumbido de guitarras – y la emoción que demuestra al pensar en el placer y seguridad que sentía al lado de su esposa.

Borrowed Time” – Milk and Honey

“No cambiaría ni un solo día o año,” cantaba Lennon en este outtake pop-reggae de sus sesiones para Double Fantasy, escrita en Bermuda por Lennon y con un título inpirado en “Hallelujah Time” de Bob Marley.

I’m Stepping Out” – Milk and Honey

Si bien Lennon nunca acabaría por completo esta canción, la actitud está ahí: el principio hablado, el tema de un esposo que quiere salir de su vida diaria y el punzante canto de Lennon, llegando hasta un falsete en el coro.

Grow Old With Me” – Milk and Honey

Esta canción era la mitad de un par de composiciones que Ono y Lennon escribieron durante el final de las sesiones para Double Fantasy, inspiradas por los poemas de Robert y Elizabeth Barret Browning. El poco tiempo que tuvieron para terminar el álbum forzó al matrimonio a quedarse con ambas para un disco más adelante, pero la muerte de Lennon se asguró de que el demo en cassette fuera la única versión de la canción que grabaría.


Coalición de artes: Cuando lo visual y lo sonoro se encuentran


Debido a la relevancia de las portadas de los LPs, el artista gráfico debe rescatar la esencia de un músico para plasmarla en una carátula. Aquí 10 portadas de discos que fueron ilustrados por artistas sobresalientes.


POR Andrea Calderón  



Imagen: Claudia Meza

Coalición de artes: Cuando lo visual y lo sonoro se encuentran

El éxito de una material discográfico depende de muchos aspectos más allá de la música, uno de ellos es la portada, su diseño puede llegar a tener tal popularidad que su impacto se mantiene en la memoria colectiva a través de los años. Debido a la relevancia de las portadas de los LPs, el artista gráfico debe rescatar la esencia de un músico para plasmarla en una carátula. Es así como ambos se unen para crear un diseño que resulta irrepetible y memorable. Aquí 10 portadas de discos que fueron ilustrados por artistas sobresalientes.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
The Beatles (1967)
Peter Blake y Jann Haworth

Era el 30 de marzo de 1967 y Paul McCartney, Ringo Starr, John Lennon y George Harrison se encontraban listos para realizar la portada de su próximo álbum. El cuarteto quería algo diferente y que pudiera expresar la evolución musical por la cual estaba atravesando como banda. Para simbolizarlo, quisieron crear una portada que pareciera su propio funeral, metaforizando la muerte del sonido inicial de The Beatles. Con bigotes largos y vestidos con coloridos trajes de sargentos, el grupo llamó a Michael Cooper para realizar la sesión fotográfica sin imaginarse que se convertiría en una de las carátulas más recordadas de todos los tiempos.

El diseño fue obra del artista Peter Blake, quien días antes recibió un boceto del arte que Paul McCartney había dibujado en una servilleta. Con la colaboración de su esposa Jann Haworth, la también artista pop, crearon el arte de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Esta portada del mítico grupo reúne a numerosas personalidades como Edgar Allan Poe, Marilyn Monroe, James Dean, Karl Marx y Bob Dylan. Su realización costó tres mil libras, una suma bastante alta para la época ya que en aquel entonces hacer una portada costaba tan sólo 50. El precio se excedió debido a que The Beatles tuvo que pagarle a las distintas personalidades que aparecían en el arte para poder utilizar su imagen. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band revolucionó la industria de los discos ya que fue el primer material de estudio en presentar letras impresas en su empaque.

Sticky Fingers
The Rolling Stones (1971)
Andy Warhol

En 1971, The Rolling Stones publicó Sticky Fingers, un disco que con el paso del tiempo se convertiría en uno de los más icónicos de la historia. Parte de este éxito se debe a su arte, el cual fue obra del artista plástico Andy Warhol.

Fue en 1969 cuando Mick Jagger escribió una carta a Warhol pidiéndole que creara una carátula para un nuevo LP. El estadounidense accedió e ilustró el disco creando una de las portadas discográficas más populares de la música. En ella se muestra la fotografía en blanco y negro de una cremallera (real, que al bajarla, mostraba la ropa interior) de un pantalón de mezclilla. Contrario a lo que varios creen, el hombre que aparece en la portada no es Mick Jagger, muchos creen que fue el actor Joe Dallesandro.

La portada fue censurada en España durante la dictadura de Franco y se cambió por una que presentaba unos dedos saliendo de una lata de mermelada. Sticky Fingers fue el primer álbum en contener el mítico logo que identifica a la banda, el cual fue realizado por Jagger y el diseñador John Pasche.

Think Tank
Blur (2003)
Banksy

En 2003, Blur contactó al artista de street art Banksy para crear la portada de Think Tank. Permaneciendo fiel a su estilo, el cual se caracteriza por retratar en su arte las consecuencias de la guerra, la desigualdad social y los prejuicios impuestos por la sociedad moderna, Banksy realizó un graffiti en blanco y negro para motivos del séptimo material discográfico del colectivo. En él se ilustra a una pareja que intenta besarse, mientras utilizan enormes cascos de buzo.

A pesar de que Banksy no se presta para crear arte comercial, tomó la decisión de aceptar la invitación de Blur porque se consideraba un gran admirador del grupo. “He hecho algunas cosas para pagar las cuentas y una de ellas fue el álbum de Blur. Era un buen disco e incluía bastante dinero como parte de la comisión”, mencionó. El folleto desplegable del álbum presenta el texto “Celebrity Harvest”, que era el nombre de una película propuesta para Gorillaz pero que fue rechazada. En 2007, la pieza original fue vendida en casi dos millones de pesos.

The Number of the Beast
Iron Maiden (1982)
Derek Riggs

La importancia del personaje de Eddie the Head en el diseño, es quizá tan grande como el impacto que tiene Iron Maiden en la historia de la música. Esta criatura zombi con melena blanca y siempre sonriendo de manera malévola, fue creación del artista visual Derek Riggs. El personaje ha protagonizado cada una de las carátulas de los discos y sencillos publicados por el colectivo desde los inicios del grupo y hasta 1992.

Uno de sus trazos más famosos y recordados es el que ilustra la portada de The Number of the Beast, el tercer álbum de estudio de Iron Maiden. El diseñador mencionó en una entrevista para Classic Rock en 2012 que en 1981, Rod Smallwood, el manager del grupo lo contactó para que creara la portada del sencillo “Purgatory” del álbum Killers (1981). La inspiración detrás del arte fue un cómic que Riggs solía leer de chico llamado Dr. Strange, en donde un villano gigante tenía colgado como marioneta al protagonista de la historia. Es así como Riggs trazó a Eddie controlando a Satanás, sobre un fondo inspirado en el arte cristiano medieval. El resultado fue tan bueno que el grupo decidió retener el dibujo y presentarlo como la portada oficial de su próximo álbum.

La controversia se generó después del lanzamiento cuando el diseño ganó una mala reputación por parte de la sociedad conservadora de Estados Unidos y el Reino Unido, tachando a la banda de satánica e inmoral. El impacto de la imagen fue tan fuerte que incluso se organizaron quemas públicas del catálogo del grupo en varias ciudades. Es así como Eddie the Head se ha convertido, con el paso de los años, en un símbolo del heavy metal con trazos que definen perfectamente la esencia de Iron Maiden, cuya música y letras expresan un estilo feroz, provocativo y rebelde.

Artpop
Lady Gaga (2013)
Jeff Koons

El reconocido artista plástico Jeff Koons, recordado por su más famosa obra “Balloon Dog”, fue el encargado de crear la carátula de Artpop, el cuarto álbum de estudio de Lady Gaga.

Para la portada, ambos artistas decidieron reunir varias corrientes artísticas en una sola imagen. Influenciado por las pinturas del Renacimiento, Koons personificó a Gaga como una diosa griega que acababa de parir una figura circular azul. El artista incluyó en el fondo de la portada un collage que contiene partes de la escultura de “Apolo y Dafne” de Gian Lorenzo Bernini y la pintura de “El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli.

Graduation
Kanye West (2007)
Takashi Murakami

En 2006, Kanye West realizó un viaje a Tokio y visitó el estudio del artista visual Takashi Murakami. Fascinado por la técnica de superflat (la cual está inspirada en el manga y el animé), el rapero le pidió que ilustrara la portada de su próximo álbum, Graduation.

El músico se encontraba en una nueva fase musical con la cual quería experimentar, incluyendo su estética. En la portada se ilustra un oso, mientras una metrópolis conceptual (bautizada como Universe City) lo acompaña. La inspiración es una historia creada por Takashi, en donde el personaje lucha por llegar a tiempo a su ceremonia de graduación.

Este 2018, Murakami volvió a trabajar con Kanye para la carátula de Kids See Ghosts, álbum junto a Kid Cudi.

The Dark Side of the Moon
Pink Floyd (1973)
Storm Thorgerson y Aubrey Powell

El diseño detrás de esta portada es el resultado de la unión entre Aubrey Powell y Storm Thorgerson. En 1967, ambos artistas fundaron un colectivo de diseño y fotografía llamado Hipgnosis, responsable de crear algunas de las portadas de discos más memorables del rock, como Houses of the Holy (1973) de Led Zeppelin y Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976) de AC/DC.

Para el arte de Pink Floyd, el equipo creativo mencionó en una entrevista para Rolling Stone que el tecladista Richard Wright los presionó para crear algo simple y elegante. La idea surgió cuando Powell estaba mirando un libro de física y observó una fotografía de un pisapapeles de cristal con la luz del sol brillando a través de la ventana, la cual creó un prisma de arcoíris.

“Lo trazamos en un pedazo de papel y lo llevamos a Abbey Road con muchas otras ideas. Pusimos el diseño en el piso y todos dijeron: ‘Ese es. Es increíble. Es exactamente lo que queremos. Eso es Pink Floyd’”.

El arcoíris es una metáfora a Floyd y sus primeras presentaciones, cuando el grupo aún no era famoso y utilizaba una gran cantidad de luces en sus shows. Para el diseño de la carpeta desplegable del LP, ambos artistas viajaron a Egipto y fotografiaron las pirámides de Giza. La relación entre los diseñadores y el grupo comenzó en la infancia cuando Thorgerson fue compañero de clase de Syd Barrett y Roger Waters. Más tarde, el diseñador fue el padrino de boda de David Gilmour.

Goo
Sonic Youth (1990)
Raymond Pettibon

La portada de Goo de Sonic Youth es una de las más representativas en la música, convirtiéndose en una pieza fácilmente recordada por cualquier amante del género punk. Raymond Pettibon fue el autor del diseño, quien se basó en una fotografía en blanco y negro tomada en 1966.

La imagen muestra a Maureen Hindley y su marido David Smith, cuando manejaban para declarar como testigos en el juicio de su hermana Myra Hindley y su novio Ian Brady. Ambos acabaron con la vida de cinco niños tras abusar de ellos sexualmente, convirtiéndose en una de las parejas de asesinos seriales más odiadas de Inglaterra. El texto que se observa al costado derecho del arte narra la historia de dos amantes que huyen para llevar a cabo un crimen. “Le robé el novio a mi hermana. Todo fue un torbellino, calor y resplandor. En una semana, matamos a mis padres y nos lanzamos a la carretera”, se lee en letras negras sobre un fondo blanco.

La versión en vinyl tiene una particularidad, ya que muestra marcas visibles de cinta adhesiva, como si todos los elementos de la obra simularan estar recortados y pegados. El álbum es uno de los más recordados en la carrera del colectivo y marcó un parteaguas para el género en aquella época.

Unknown Pleasures
Joy Division (1979)
Peter Saville

La historia detrás de esta portada une la música, el diseño y la astronomía. El creador de la misma, Peter Saville, dijo que el grupo le dio una imagen incluida en la Enciclopedia de Astronomía de Cambridge para que se inspirara en el diseño de la nueva carátula. La página contenía una visualización en blanco y negro de la primera vez que se registraba la frecuencia de una señal de pulsar.

Al observar la imagen y ver la similitud que tenía con unos picos montañosos, Saville supo de inmediato que ese sería el diseño definitivo. “Es la infinita posibilidad de interpretar este diseño lo que lo hace tan poderoso”, contó en el documental Data Visualization Reinterpreted: The Story of Joy Division’s Unknown Pleasures. El interior del arte de la versión en vinyl contiene una fotografía titulada Hand Through a Doorway tomada por el fotógrafo Ralph Gibson.

Desde entonces, Seville ha diseñado otras portadas memorables como Power, Corruption & Lies (1983) de New Order y Sci-Fi Lullabies (1997) de Suede, convirtiéndose en el diseñador de cabecera de Factory Records, compañía discográfica que él mismo fundó en 1978.

OK Computer
Radiohead (1997)
Stanley Donwood

Tal vez no haya una relación más fiel y estrecha entre algún diseñador y una banda como la que existe entre Stanley Donwood y Radiohead. El artista (cuyo nombre real es Dan Rickwood) ha sido el más fiel admirador de la agrupación y por lo mismo, ha sido el responsable de cada una de las carátulas que el grupo ha incluido en todos sus álbumes de estudio desde 1993.

El arte de OK Computer, el tercer LP del colectivo, es un collage que mezcla imágenes hechas a computadora por el vocalista Thom Yorke y una ilustración del artista inglés. El diseñador creó su trabajo al principio de su carrera, cuando se encontraba en la casa de Yorke. Ahí, el entonces adolescente, comenzó a pintar sobre un lienzo en blanco, teniendo en la mente una escena postnuclear. Donwood mencionó que Thom lo invitó a cada una de las sesiones de grabación de OK Computer para que llevará un diario y así pudiera inspirarse para la realización de la portada. El resultado fue una de las carátulas más recordadas de los últimos años.


Los 15 mejores momentos de ‘The White Album’


El nuevo box set de la pieza maestra de The Beatles de 1968 está lleno de joyas nunca escuchadas. Un primer vistazo exclusivo de esta obra inaudita.


POR Staff Rolling Stone  



Foto: cortesía de Universal Music

Los 15 mejores momentos de ‘The White Album’

Por Rob Sheffield

Todo lo que sabemos sobre ‘The White Album’ está a punto de cambiar. La obra maestra de The Beatles de 1968 siempre ha sido el misterio más profundo en su historia –su música más alocada, extraña, experimental y brillante.

Pero resulta que The White Album es incluso aún más extraño de lo que creíamos. Especialmente cuando lo escuchas en Abbey Road, el legendario estudio en Londres donde la banda pasó cinco largos meses creándolo. Durante un par de días soleados (y largas noches) en Abbey Road, Rolling Stone realizó un tour exclusivo y privado por las gemas inauditas de la nueva edición de súper lujo de The Beatles, por siempre conocido como The White Album. El productor Giles Martin, hijo de George Martin, fue un guía valiente, reproduciendo tomas desde lo profundo de las bóvedas, y a menudo usando una guitarra para demostrar un cambio de acorde. “Era una banda en llamas”, dice. “Es el doble o triple de Sgt. Pepper –las cuatro paredes de este estudio ya no podían contenerlos”.

Parte de la mística de The White Album es todo el drama que se produjo en él –los argumentos y malas vibras son materia de leyenda. Así que lo sorprendente es todo el humor, emoción y compañerismo que se muestra en la nueva colección. Un buen ejemplo: una versión previamente desconocida de “Good Night” donde John, Paul, George y Ringo armonizan sobre una guitarra folk. Como Martin admite, “Los escuchas cantar a todos juntos y te preguntas: ‘¿Esto es The White Album?’”.

Sí, este es The White Album, y el impresionante box set profundiza en el frenesí creativo que The Beatles logró en 1968. Hay una nueva mezcla del productor Giles Martin y el ingeniero Sam Okell, además de cuatro discos de tomas alternas. El material extra está lleno de revelaciones, especialmente la joya de la corona de los tesoros enterrados de The Beatles: los demos acústicos de Esher. Aunque continúa la aclamada edición de aniversario del año pasado de Sgt. Pepper, esta es una inmersión más profunda, ya que el álbum cubre mucho terreno. Con las baterías recargadas de su retiro en India, los cuatro estaban alcanzando nuevas etapas como compositores, incluso Ringo, quien contribuyó con “Don’t Pass Me By”. No podían esperar para volver al estudio. No tenían idea de cuánto trauma vivirían. “Not Guilty” de George pasó por 102 tomas, y aun así no entró en el álbum. Su sufrido productor los abandonó después de unos meses. Ringo no sólo renunció al grupo por un par de semanas, sino que huyó del país. Se obligaron mutuamente a llegar al límite, pero así fue como se les ocurrió la música más audaz de sus vidas. Lo que aparece en todo el nuevo material es la osadía, la espontaneidad, la toma colectiva de riesgos, el espíritu de equipo. Mientras las cintas ruedan, los chicos suenan sorprendentemente juguetones. Al final de una toma, Paul bromea: “Quédate con esa. Márcala como fabulosa”. No tenían miedo de dar sus ideas más locas. Como Giles Martin lo expresa diplomáticamente: “La línea entre un máster final y hacer idioteces se está haciendo más delgada”.

Las tomas alternativas desafían la sabiduría convencional de que aquí es donde la banda se divide en cuatro artistas solistas. “¿Creen que la percepción de la historia de The Beatles se ha visto afectada por sus propios comentarios a principios de los años setenta?”, pregunta Martin. “Eso es lo que me pasa. Creo que después de The Beatles, cuando el corcho del champán salió volando de la botella y se fueron por caminos separados, reaccionaron en contra de ellos mismos. ‘Para ser honesto, no trabajamos bien como grupo’ y ese tipo de cosas. Sin embargo, nunca se desaceleraron creativamente. Me gusta bastante la idea de que se tiren tazas de té en el estudio. Estoy un poco decepcionado por no encontrarlo [en estas grabaciones]. Pero lo que están haciendo es crear un disco”.

Las ediciones de lujo y súper lujo finalmente presentan los demos de Esher, que los beatlemaníacos han estado pidiendo escuchar durante años. En mayo de 1968, recién de regreso de India, el grupo se reunió en el búngalo de George en Esher (pronunciado “Isher”) para grabar versiones acústicas de las nuevas canciones que ya habían acumulado para el nuevo álbum. Durante los siguientes días, trabajando juntos o en solitario, hicieron 27 canciones. Las cintas estuvieron en una maleta en la casa de George durante años. Siete pistas salieron en Anthology 3; otras nunca se han lanzado en ninguna versión Beatle, incluyendo “Child of Nature” de John y “Sour Milk Sea” de George. Las cintas de Esher por sí solas hacen que esta colección sea esencial, con una nueva intimidad casera que es única. Martin dice: “Son maquetas, pero espiritualmente, las actuaciones tienen su propio valor”.

Esta edición tiene nuevas versiones de otras canciones del mismo período: “Hey Jude”, “Lady Madonna”, “The Inner Light”, “Across the Universe” (pero no el lado B “Hey Bulldog”, porque no hay segundas tomas –la hicieron sólo una vez). También intentaron clásicos como “Blue Moon” y “You’re So Square (Baby I Don’t Care)”. Muestra lo que debería haber sido evidente del disco original: suenan como una verdadera banda, cuatro tipos que no pueden dejar de presumir, demasiado apasionados por sus canciones para considerar dar marcha atrás. (O para notar que todos a su alrededor se quebraban bajo la presión, incluso el estoico Sr. Martin. Su hijo explica: “No había horario, y le encantaban los horarios”).

Por supuesto, la esencia de The White Album es que todos lo escuchan de manera diferente –incluidos ellos mismos. Se pelearon sobre qué incluir, qué excluir, si debería haberse editado en un solo disco. (Años más tarde, en el documental Anthology, todavía discutían sobre eso). Esta edición reavivará esos argumentos. Pero incluso para los fanáticos que conocen el álbum original de pies a cabeza, es una nueva experiencia por completo –una que permanentemente cambiará cómo pensamos y hablamos sobre The Beatles.

Aquí hay 15 de sus momentos más reveladores:

1. “Revolution 1”

La legendaria Toma 18, una improvisación de casi 11 minutos del primer día de las sesiones de The White Album. Los otros integrantes de The Beatles estaban sorprendidos de ver a una persona nueva al lado de John: Yoko Ono, quien se volvió una presencia constante en el estudio. Comienza como la versión que conoces del disco: la torpe intro de guitarra de John, el “toma dos” del ingeniero Geoff Emerick, el “okaaay” de John. Pero donde la original se desvanece, esta apenas está empezando. El ritmo aumenta mientras John continúa cantando “all right, all right”, de un suave suspiro hasta un grito agudo. Yoko se une a la banda para añadir retroalimentación distorsionada de sintetizador, mientras Paul se aferraba al piano. Ella recita poesía en prosa y algunos fragmentos terminaron en “Revolution 9”: “It’s like being naked… if you become naked”.

La historia de esta sesión se ha contado muchas veces, usualmente presentada como una escena complicada donde Yoko se entromete, sembrando las semillas de la discordia, de principio a fin. Entonces es una sorpresa escuchar lo divertidos que están. Termina en un ataque de risa –ella pregunta nerviosamente: “¿Fue demasiado?”. John le dice que suena genial y Paul coincide: “¡Sí, es increíble!”.

2. “Sexy Sadie”

Mientras la banda entra en calor, George canta juguetonamente un gancho de Sgt. Pepper: “It’s getting better all the tiiiiime!”. John resopla: “Lo es, ¿cierto?”. La Toma 3 es una versión mordaz de “Sexy Sadie”, con Paul garabateando en el órgano. Sin embargo, a pesar del mal humor, la banda suena totalmente sincronizada. Cuando George pregunta: “¿Qué tan rápido, John?”, él responde: “Como lo sientas”.

3. “Long, Long, Long”

El tranquilo himno de George siempre ha sido subestimado, en parte porque está masterizado demasiado bajo. En la fantástica Toma 44, “Long, Long, Long” cobra vida como un dueto entre George y Ringo, con la batería estrellándose en un diálogo con las voces susurrantes. Giles Martin explica: “Supongo, como está documentado aquí, que George era el mejor amigo de Ringo, como él dice. Esa canción es una especie de los dos”. George comienza a improvisar al final: “Gathering, gesturing, glimmering, glittering, happening, hove- ring, humoring, hammering, laquering, lecturing, laboring, lumbering, mirroring…” Termina con el escalofriante y agónico acorde, originalmente el sonido de una botella de vino vibrando en el amplificador de Paul. “Todavía te da miedo cuando se aproxima”.

4. “Good Night”

De todas las tomas alternas, “Good Night” es la que dejará a la mayoría de los oyentes desconcertados de por qué esta no fue la versión que llegó al álbum. En lugar de las cuerdas exuberantes, tiene el punteo de la guitarra de John y el grupo completo armoniza en el coro de “good night, sleep tight”. Es raro escuchar a los cuatro cantando juntos en esta etapa, y su calidez es impresionante. “Sí prefiero esta versión a la del disco”, admite Martin. (No será el último en decir esto).

John toca el mismo patrón de guitarra que en “Dear Prudence” y “Julia”. Ese es una de las características sónicas distintivas de The White AlbumThe Beatles tenía su habilidad acústica en condición óptima, pues no había nada más qué hacer para divertirse en Rishikesh. En India, su compañero peregrino Donovan les enseñó el estilo de punteo de los folkies de Londres como Davey Graham. “Donovan le enseñó esta parte de guitarra. John pensó: ‘¡Genial!’, y después en el clásico estilo de The Beatles, escribió tres canciones usando la misma parte de guitarra”. Las demás tomas de “Good Night” son más cercanas al espíritu cursi de canción de cuna de la original. En una, Ringo canta suavemente sobre el piano de George Martin; en otra, hace una introducción a palabra hablada. “Vamos, guarda todos esos juguetes, es tiempo de ir a la cama. Ve a la tierra de los sueños. Sí, papá cantará una canción para ti”. Al final, bromea: “Ringo se ha vuelto un poco loco”.

5. “Helter Skelter”

Esta canción de Paul inspiró un sinfín de sesiones de estudio, tambaleándose hacia el primer headbanging –lo comenzaron el día después de la premier de Yellow Submarine, entonces tal vez simplemente tenían ganas del extremo opuesto. Esta toma tiene 13 minutos de un prístino ruido pesado, notablemente cerca de Black Sabbath, en la época en que Sabbath todavía estaba en Birmingham inventando su sonido.

6. “Blackbird”

Paul toca la canción –“Dark black, dark black, dark black night”– intentando descubrir la vibra. Todavía no lo logra. Le dice a George Martin: “Si alguna vez la alcanzamos, podré decirte cuando lo haya hecho. Sólo necesitamos olvidarlo. Es una decisión sobre qué voz usar”. Piensa su camino por la canción, su novia de entonces, Francie, se escucha en el fondo. “Todo está en el tiempo”, dice Martin. “Hay dos cosas separadas, un gran guitarrista y un gran cantante –él ha logrado desconectarlas y ponerlas juntas otra vez. Está tratando de averiguar dónde se unen”.

7. “Dear Prudence”

De todos los demos de Esher, “Dear Prudence” es probablemente la que mejor muestra su humor ruidoso. John termina su ensoñación infantil haciendo reír a sus compañeros de banda, contando la historia de Prudence Farrow que inspiró la canción. “Un curso de meditación en Rishikesh, India”, declara. “Enloqueció bajo el cuidado de Maharishi Mahesh Yogi. Todos estaban muy preocupados por la chica, porque se estaba volviendo demeeeente. Entonces le cantamos”.

8. “While My Guitar Gently Weeps”

Hay un demo acústico, pero la Toma 27, grabada un mes más tarde, es mucho mejor que la versión del álbum –John en el órgano, Paul en el piano, la guitarra principal del invitado especial Eric Clapton. (George invitó a su amigo a que viniera a tocar, en parte porque sabía que los otros se comportarían con Clapton). El ritmo sólo se cae cuando George intenta alcanzar una nota alta al estilo de Smokey Robinson y falla. “Está bien”, dice. “Intenté hacer un Smokey y yo no soy Smokey”.

9. “Hey Jude”

Grabada en medio de las sesiones, pero planeada para un sencillo aislado, la balada de Paul todavía está en bruto, pero incluso en esta primera toma, ya está diseñada como una epopeya de siete minutos, con Paul cantando el na-na-na del final. Otra gema en este box set: un primer intento de “Let It Be”, con la letra original de Paul mostrando su conexión explícita con el R&B estadounidense: “When I find myself in times of trouble/ Brother Malcolm comes to me”.

10. “Child of Nature”

Otro tesoro de Esher. “Child of Nature” es una balada gentil que John escribió sobre su retiro a India: “On the road to Rishikesh/ I was dreaming more or less”. La descartó del álbum pero la rescató algunos años más tarde, escribió nuevas letras y la convirtió en una de sus más famosas canciones como solista: “Jealous Guy”.

11. “Julia”

Una de las confesiones más íntimas de John –la única canción de The Beatles donde él está tocando solo. Puedes escuchar su nerviosismo mientras se sienta con su guitarra y le pregunta a George Martin, en un acento scouse burlón: “Es mejor parado, ¿no lo crees? Es muy difícil cantar esto, sabes”. El productor lo tranquiliza. “Es una canción muy difícil, John”. “’Julia’ era una de las favoritas de mi papá”, dice Giles. “Cuando comencé a tocar la guitarra en mi adolescencia, me dijo que me la aprendiera”.

12. “Can You Take Me Back?”

Otro fragmento del Lado Cuatro que sirve como una transición misteriosa hacia el caos abstracto del collage de sonido de “Revolution 9”. Paul juega con ella por unos minutos, tratando de hacerla más sustanciosa con un poco de country blues –“I ain’t happy here, my honey, are you happy here?”.

13. “Ob-La-Di, Ob-La-Da”

Paul se pasó una semana llevando a la banda por esta tonada, hasta que John finalmente salió furioso del estudio. Regresó unas horas después, muy drogado, y golpeó el piano con rabia, creando la introducción tintineante que pone el riff en marcha. Esta versión inicial es agradable pero demasiado suave –muestra por qué la canción realmente necesitaba esa agudeza cruel. Un ejemplo perfecto del espíritu colaborativo de The Beatles: John tal vez odiaba la canción, Paul tal vez resentía el sabotaje de John, pero a ambos les importaba profundamente la música como para no hacerla bien.

14. “Sour Milk Sea”

Una destacada de George de las grabaciones de Esher, “Sour Milk Sea” no entró en el álbum, pero se la dio a su amigo de Liverpool, Jackie Lomax, quien logró un éxito con ella. (Definitivamente merecía ser clasificada por encima de “Piggies”, la cual continúa como la más débil de cualquier versión de este álbum). “Not Guilty” y “Circles” son otros demos de George que se quedaron en el limbo. “Not Guilty” suena terminada en las cintas de Esher, pero en el estudio, estaba condenada al fracaso con más de 100 tomas en vano.

15. “Happiness Is a Warm Gun”

Un complicado experimento que aprendieron juntos en el estudio, con John jugando con la estructura y su falsete de parodia de doo wop. “¿A alguien se le hace más fácil?”, pregunta. “Parece un poco más fácil –ya no es divertido, pero es más fácil”. George dice con voz aguda: “Más fácil y divertido”. John responde: “Oh, está bien, si insistes”. Es un momento que resume todos los descubrimientos sorprendentes en esta edición de The White Album: un momento donde The Beatles está al borde de lo desconocido, con nadie con quien contar excepto ellos mismos. Pero ahí es cuando se inspiran para avanzar a toda marcha y saludar el nuevo día.


The Beatles celebrará el 50 aniversario de ‘The White Album’ con una reedición especial


Esta nueva versión incluirá demos, versiones acústicas, tomas hechas durante las sesiones de grabación y más material inédito.


POR Jonathan Matamoros  



The Beatles celebrará el 50 aniversario de ‘The White Album’ con una reedición especial

Esta mañana, se anunció el lanzamiento de una reedición especial de The White Album para conmemorar el 50 aniversario del noveno álbum de estudio de The Beatles, el cual fue lanzado el 22 de noviembre de 1968. Esta nueva versión contendrá nuevas mezclas, demos inéditos y algunas grabaciones que formaron parte de las sesiones de estudio. Este nuevo material estará disponible a partir del próximo 9 de noviembre.

Esta es la primera vez que el disco homónimo de The Beatles ha sido reeditado. Las 30 pistas que conforman el LP han sido remezcladas en formato estéreo y 5.1 por el productor Giles Martin y el ingeniero de mezcla Sam Okell a partir de las cintas originales de cuatro y ocho tracks.

“Al volver a mezclar The White Album, intentamos acercarlos lo más posible a The Beatles en el estudio”, escribió Giles Martin. “Hemos vuelto a poner las capas con la esperanza de sumergir a los antiguos y nuevos oyentes en uno de los álbumes más diversos e inspiradores que se hayan hecho”, agregó.

El material extra que ha sido agregado a esta reedición incluye 27 demos acústicos y 50 tomas realizadas durante las sesiones de grabación, la mayoría de ellas son piezas inéditas. Paul McCartney escribió una introducción para esta reedición: “Habíamos dejado la banda de Sgt. Pepper para tocar en sus soleados Campos Elíseos, y avanzábamos a grandes pasos hacia nuevas direcciones sin un mapa”.

El arte de esta reedición fue realizado por Richard Hamilton, una de las principales figuras del pop art británico. Las versiones de superlujo están numeradas en el frente del LP, tal y como lo estaban las primeras copias del álbum en 1968. También se incluyó un libro de pasta dura de 164 páginas con fotografías de John, Paul, George y Ringo, así como un póster y las letras impresas de las canciones. Además de capítulos que detallan cada una de las pistas, acompañados por notas originales de las sesiones de grabación que acercan a sus fanáticos al tiempo que vivió The Beatles entre el lanzamiento de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y las grabaciones de The White Album.

El álbum homónimo de The Beatles fue el primero que lanzaron a través de su propia disquera Apple Records y fue publicado en formato estéreo y mono. Rápidamente, esta producción se convirtió en uno de sus más emblemáticos y exitosos lanzamientos. The White Album está incluido en la posición Número Diez dentro de la lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según Rolling Stone.

Esta es la lista de canciones que estarán incluidas en la reedición de The White Album:

CD 1: 2018 Stereo Mix
“Back in the U.S.S.R.”
“Dear Prudence”
“Glass Onion”
“Ob-La-Di, Ob-La-Da”
“Wild Honey Pie”
“The Continuing Story of Bungalow Bill”
“While My Guitar Gently Weeps”
“Happiness is a Warm Gun”
“Martha My Dear”
“I’m So Tired”
“Blackbird”
“Piggies”
“Rocky Raccoon”
“Don’t Pass Me By”
“Why Don’t We Do It In the Road?”
“I Will”
“Julia”

CD 2: 2018 Stereo Mix
“Birthday”
“Yer Blues”
“Mother Nature’s Son”
“Everybody’s Got Something to Hide”
“Except Me and My Monkey”
“Sexy Sadie”
“Helter Skelter”
“Long, Long, Long”
“Revolution I”
“Honey Pie”
“Savoy Truffle”
“Cry Baby Cry”
“Revolution 9”
“Good Night”

CD 3: Esher Demos
“Back in the U.S.S.R.”
“Dear Prudence”
“Glass Onion”
“Ob-La-Di, Ob-La-Da”
“The Continuing Story of Bungalow Bill”
“While My Guitar Gently Weeps”
“Happiness is a Warm Gun”
“I’m So Tired”
“Blackbird”
“Piggies”
“Rocky Raccoon”
“Julia”
“Yer Blues”
“Mother Nature’s Son”
“Everybody’s Got Something to Hide”
“Except Me and My Monkey”
“Sexy Sadie”
“Revolution”
“Honey Pie”
“Cry Baby Cry”
“Sour Milk Sea”
“Junk”
“Child of Nature”
“Circles”
“Mean Mr. Mustard”
“Polythene Pam”
“Not Guilty”
“What’s the New Mary Jane”

CD 4: Sessions
“Revolution I” (Toma 18)
“A Beginning” (Toma 4) / “Don’t Pass Me By” (Toma 7)
“Blackbird” (Toma 28)
“Everybody’s Got Something to Hide”
“Except Me and My Monkey” (Ensayo no numerado)
“Good Night” (Ensayo no numerado)
“Good Night” (Toma 10 con una parte de guitarra de la toma 5)
“Good Night” (Toma 22)
“Ob-La-Di, Ob-La-Da” (Toma 3)
“Revolution” (Ensayo no numerado)
“Revolution” (Toma 14 – Instrumental de fondo)
“Cry Baby Cry” (Ensayo no numerado)
“Helter Skelter” (Primera versión – Toma 2)

CD 5: Sessions
“Sexy Sadie” (Toma 3)
“While My Guitar Gently Weeps” (Versión Acústica – Toma 2)
“Hey Jude” (Toma 1)
“St. Louis Blues” (Sesión de improvisación)
“Not Guilty” (Toma 102)
“Mother Nature’s Son” (Toma 15)
“Yer Blues” (Toma 5 con voz de guía)
“What’s the New Mary Jane” (Toma 1)
“Rocky Raccoon” (Toma 8)
“Back in the U.S.S.R.” (Toma 5 – Instrumental de fondo)
“Dear Prudence” (Voz, guitarra y batería)
“Let It Be” (Ensayo no numerado)
“While My Guitar Gently Weeps” (Tercera versión – Toma 27)
“(You’re so Square) Baby, I Don’t Care” (Sesión de improvisación)
“Helter Skelter” (Segunda versión – Toma 17)
“Glass Onion” (Toma 10)

CD 6: Sessions
“I Will” (Toma 13)
“Blue Moon” (Sesión de improvisación)
“I Will” (Toma 29)
“Step Inside Love” (Sesión de improvisación)
“Los Paranoias” (Sesión de improvisación)
“Can You Toma Me Back? (Toma 1)
“Birthday” (Toma 2 – Instrumental de fondo)
“Piggies” (Toma 12 – Instrumental de fondo)
“Happiness is a Warm Gun” (Toma 19)
“Honey Pie” (Instrumental de fondo)
“Savoy Truffle” (Instrumental de fondo)
“Martha My Dear” (Sin metales y cuerdas)
“Long, Long, Long” (Toma 44)
“I’m So Tired” (Toma 7)
“I’m So Tired” (Toma 14)
“The Continuing Story of Bungalow Bill” (Toma 2)
“Why don’t we do it in the road?” (Toma 5)
“Julia” (Two rehearsals)
“The Inner Light” (Toma 6 – Instrumental de fondo)
“Lady Madonna” (Toma 2 – Piano y batería)
“Lady Madonna” (Backing vocals from Toma 3)
“Across the Universe” (Toma 6)

Blu-ray:
PCM Stereo (2018 Stereo Mix)
DTS-HD Master Audio 5.1 (2018)
Dolby True HD 5.1 (2018)
Mono (2018 Direct Transfer)

Mira un clip donde se puede ver todo lo que contendrá la reedición de The White Album:


“Hey Jude” a 50 años: celebrando la obra maestra más honesta de The Beatles


El mayor éxito del cuarteto de Liverpool fue un tributo a todo lo que amaban y respetaban más el uno del otro.


POR Staff Rolling Stone  



“Hey Jude” a 50 años: celebrando la obra maestra más honesta de The Beatles

Por Rob Sheffield

“Hey Jude” resume el turbulento verano de 1968 para The Beatles –un tributo a su amistad, justo en el momento en que esta comenzaba a fracturarse. El sencillo fue un gran éxito tan pronto como lo lanzaron el 26 de agosto, hace 50 años —su mayor éxito, encabezando las listas de popularidad de Estados Unidos durante nueve semanas. Son The Beatles en su faceta más cálida, amable y honesta. John, Paul, George y Ringo suenan completamente sincronizados mientras avanzan hacia ese poderoso cántico de “na na na na”. Sin embargo, es una canción nacida del conflicto. Nadie sabía que se estaban desmoronando —de hecho, “Hey Jude” fue lanzada cuatro días después de que Ringo dejara oficialmente la banda, abandonando las sesiones de White Album. Paul la escribió durante el divorcio de John, para animar al hijo de cinco años de su amigo. “Él sólo estaba tratando de consolarnos a mí y a mamá”, recordó Julian Lennon. Desde entonces, el mundo se ha consolado con “Hey Jude”.

Es una de las pocas canciones de The Beatles sobre una conversación entre hombres —y como “She Loves You”, es una charla en la que un amigo le pide al otro que haga lo correcto por una mujer. (Ni a Paul, ni a John realmente les importaba lo que los hombres tuvieran que decir sobre cualquier cosa —esa era una de sus conexiones espirituales más profundas). A George Martin le preocupaba que la radio no tocara un sencillo de siete minutos. La respuesta de John: “Lo harán si somos nosotros”. Una declaración clásica de la fabulosa arrogancia de The Beatles —sin embargo, la palabra “nosotros” sobresale de esa oración. “Hey Jude” es el sonido de los chicos trabajando duro para capturar esa sensación de “nosotros”, después de que dejó de ser fácil.

En mayo, John y Paul realizaron una aparición sorpresa en The Tonight Show, durante una breve excursión por Nueva York. La entrevista fue un fiasco: el presentador invitado Joe Garagiola apenas tenía idea de quiénes eran. Pero hubo un momento revelador, alrededor del minuto cuatro de una conversación realmente dolorosa. Garagiola pregunta: “Los cuatro de ustedes, socialmente, ¿son ceranos?” Paul y John dicen “sí” simultáneamente. Paul lo dice dos veces, mientras que John agrega: “Somos buenos amigos, ¿sabes?”. Están totalmente indiferentes al respecto, simplemente dando información básica y algunos antecedentes a este despistado patán estadounidense, como si le dijeran dónde está Liverpool o cuántas películas han hecho. Para ellos, es obvio. Nada de qué preocuparse.

Pero sólo un par de semanas después, John había hecho estallar su matrimonio, su familia, cada detalle de su vida. Nunca más tendrían una respuesta simple a esa pregunta.

De ahí viene “Hey Jude”. Es un momento de compañerismo que The Beatles tuvieron que ganar, después de una década de que ese vínculo fuera la constante más confiable en sus vidas. Hasta la primavera de 1968, John, Paul, George y Ringo eran cuatro amigos que querían pasar juntos el mayor tiempo posible, incluso cuando no estaban trabajando. (Acababan de ir a la India en retirada con el Maharishi). John era el que más dependía emocionalmente de los otros tres. Rara vez hablaba con alguien fuera de la banda. Como dijo en 1967, “Nosotros nos entendemos. No importa el resto”. Pero justo después de esa visita a Nueva York, John hizo algunos cambios drásticos, como dejar a su esposa e hijo, la mañana después de su primera noche con Yoko Ono. (Cynthia entró a la cocina y los encontró desayunando. Buenos días, buenos días). Los otros ya no lo vieron más sin Yoko, ni siquiera en el estudio. Su consumo de drogas se intensificó. Este pájaro había volado.

Como todos los demás, Paul fue sorprendido por los cambios repentinos en John, y “Hey Jude” fue su respuesta directa. La compuso en su cabeza mientras conducía su Aston Martin para visitar a Cynthia y Julian, en la casa de Weybridge donde solía reunirse con su compañero para sesiones de escritura por las tardes. Le trajo a Cynthia una rosa roja. Nadie más del círculo de The Beatles estaba hablando con ella. Pero como Paul razonó, “Hemos sido muy buenos amigos durante millones de años y pensé que era demasiado que ellos de repente fueran personas no gratas y estuvieran fuera de mi vida”. También llegó con una canción para Julian, que sólo tenía cinco años. Esa es sólo una de las innumerables cosas raras de este tema —es imposible imaginar a otra estrella de rock de los años sesenta eligiendo pasar su día libre de esta manera, visitando a la esposa y el hijo abandonados de su compañero de banda. Pero eso es sólo una prueba más de que solamente hay un Paul McCartney.

Paul solía inventar canciones en el camino a Weybridge (Como “Eight Days a Week”, “Drive My Car” y “Paperback Writer” también), pero esta ocasión fue diferente. Como recordó en su biografía de 1997 Many Years From Now, “Empecé con la idea ‘Hey Jules’, que era Julian, no lo hagas mal, toma una canción triste y mejórala. Intenta y lidia con esta cosa terrible. Sabía que no iba a ser fácil para él. Siempre siento pena por los niños en medio de divorcios”. Él conocía el dolor de perder a un padre cuando se es un niño pequeño. “Él había sido como un tío para él (Julian), Paul siempre fue bueno con los niños”, recordó John años más tarde.

De vuelta en Londres, en su departamento de soltero de la avenida Cavendish, la tocó en piano para John y Yoko. Cuando llegó a la línea “The movement you need is on your shoulder” (“El movimiento que necesitas está sobre tu hombro”), les dijo, “Cambiaré eso, es un poco inútil”. John respondió: “¡Esa es la mejor línea!” John percibió la pieza como si Paul estuviera apoyando su romance con Yoko. “Lo tomé muy personal”, dijo John a Rolling Stone en 1968. “Ah, soy yo”, le dije. “Soy yo”. Él responde: “No, soy yo”. Le dije: “Compruébalo. Estamos pasando por lo mismo. Así que somos todos nosotros”.

A través de los años, en todas sus críticas sobre Paul, John nunca ocultó su admiración por “Hey Jude”. “Siempre la escuché como una canción para mí”, le dijo a David Sheff de Playboy en 1980, poco antes de su muerte. “Las palabras ‘go out and get her (‘sal y ve por ella’) —inconscientemente él estaba diciendo: ‘Adelante, abandóname’. En un nivel consciente, él no quería que siguiera adelante. El ángel en él decía, ‘Bendito seas’. Al diablo en él no le gustaba en absoluto porque no quería perder a su compañero”. Paul estaba pasando por su propia crisis, separándose de su prometida Jane Asher. No podía dejar de pensar en la mujer que conoció durante su visita a Nueva York en mayo —una fotógrafa estadounidense llamada Linda Eastman. En septiembre, la llamó y la invitó a Londres. Permanecieron inseparables durante los siguientes 30 años, hasta que ella murió de cáncer en 1998. Él y John habían encontrado a su “alguien con quien actuar”, mujeres artistas con las que no sólo se casaron sino que colaboraron musicalmente.

“Hey Jude” no fue fácil de grabar, la primera vez que lo intentaron, Paul y George tuvieron una discusión furiosa sobre la parte de la guitarra. Cuando grabaron la versión final el 31 de julio, Paul comenzó sin mirar hacia atrás para darse cuenta de que no había nadie en la batería. Ringo estaba en el baño. “‘Hey Jude’ continúa durante horas antes de que la batería entre y mientras tocaba, de repente sentí que Ringo pasaba de puntillas detrás de mí con bastante rapidez, tratando de llegar a su batería. Y justo cuando llegó a su batería, boom boom boom, su sincronización fue absolutamente impecable”. (Ringo entra a los 50 segundos). Paul tomó este contratiempo como un buen augurio. “Cuando suceden esas cosas, te ríes un poco y se prende un foco en tu cabeza y piensas, ‘¡esta es la toma!’ Y te esfuerzas un poco más”.

Paul tenía razón —esa era la toma, la versión que escuchas en el disco terminado. El mayor éxito de The Beatles es el que comenzaron a tocar mientras Ringo estaba en el lavabo.

Hay algo más que se oye en “Hey Jude”, si escuchas de cerca, cuando comienza el último verso, en la línea “The minute you let her under your skin”, Paul entra a destiempo y murmura: “Woah, fucking hell!” (¡Caramba, maldita sea!). Hicieron todo lo posible por esconderlo, mezclándolo lo más bajo que pudieron, pero puedes oírlo en el punto de los 2:58 minutos. Sin embargo, sólo parece ser excitante cotorreo de The Beatles, los chicos se hablan entre sí en el calor del momento. Paul toca el piano más sagrado en la historia del rock & roll: el Bechstein de los Estudios Trident de Londres. Has escuchado este mismo piano en innumerables canciones —es el que toca Freddy Mercury en “Bohemian Rhapsody”, el que Elton John utiliza en “Levon”, el que Rick Wakeman toca en “Life on Mars?” de David Bowie, pero Paul crea su propio sonido en esta canción.

Hicieron un video el 4 de septiembre, el famoso clip donde la audiencia se reúne alrededor del piano para cantar. Fue una especie de reunión: el regreso de Ringo. Después de que renunció el 22 de agosto, escapó al Mediterráneo, ocultándose con su familia en el yate de Peter Sellers, hasta que los chicos lo rastrearon y lo bombardearon con telegramas que decían: “Eres el mejor baterista del mundo”. Se reincorporó al grupo justo a tiempo para grabar el video; al día siguiente, volvió a trabajar en White Album en Abbey Road.

Si estás buscando demostrar que Ringo realmente era “el mejor baterista del mundo”, no podrías remplazar a “Hey Jude” como tu primer y mejor ejemplo. Sus fills son el latido de la canción, golpeando en comunión con el vocalista, justo como lo hace en “A Dy in the Life”, “God” o “Long, Long, Long”. Como Ringo dijo una vez: “Sólo tengo una regla y esa es siempre tocar con el cantante”. Paul, John y George se expresaron libre y elocuentemente, con Ringo aportando el pulso. “Hey Jude” no tendría espíritu sin él, esta es una de las principales razones por la que los covers parecen sosos. La gran excepción es la interpretación de Wilson Pickett, con Duane Allman a la guitarra —el maestro del ritmo de Muscle Shoals, Roger Hawkins, lo cementa, demostrando que “Hey Jude” es la canción de un baterista tanto como lo es de un cantante.

Cynthia y Julian pensaron que “Hey Jude” era para ellos. John la percibió como la balada de John y Yoko. Pero ninguno de los dos bandos estaba equivocado —innumerables personas en todo el mundo han escuchado a esta homilía hablándoles. “El movimiento que necesitas está sobre tu hombro”. John estaba tan en lo cierto con respecto a esa línea, y como dice Paul, él piensa en John cada vez que canta esa parte.

“Hey Jude” es un tributo a todo lo que The Beatles amaban y respetaban más el uno del otro. Incluso George, quien interpreta el papel más discreto en esta canción, mostró su admiración y respeto con el na-na-na-na al final de “Is not That a Pity” —que se puede interpretar como una brutal y descarada parodia, un cariñoso tributo o (lo más probable) ambos. El dolor en “Hey Jude” resonó en 1968, en un mundo tambaleante por las guerras, los disturbios y los asesinatos. Y es por eso que es oportuna en el verano de 2018, a medida que nuestro mundo se vuelve cada vez más frío. Después de 50 años, “Hey Jude” sigue siendo una fuente de sustento en tiempos difíciles —un momento en el que cuatro camaradas de toda la vida, lúcidos adultos ahora, echan un vistazo a todo lo que está roto a su alrededor. Y aún así se unen para tomar una canción triste y mejorarla.


Niegan libertad condicional a Mark Chapman, asesino de John Lennon


El prisionero tendrá que esperar hasta 2020 para solicitar una vez más a las autoridades de la ciudad que sean reconsideradas las condiciones de su sentencia.


POR Jonathan Matamoros  



Niegan libertad condicional a Mark Chapman, asesino de John Lennon

Mark David Chapman, hombre que asesinó a John Lennon, recibió una respuesta negativa a su solicitud de libertad condicional. Esta es la décima vez que el hombre de 63 años pide a las autoridades de la ciudad que sean reconsideradas las condiciones de su sentencia.

“El panel ha determinado que su liberación sería incompatible con el bienestar y la seguridad de la sociedad”, escribió la Junta de Libertad Condicional del estado en una carta dirigida hacia el recluso. “Usted planeó y ejecutó cuidadosamente el asesinato de una persona mundialmente famosa por ninguna razón además de ganar notoriedad”, añadieron.

“Mientras ninguna vida es más valiosa que la de alguien más, el hecho de que usted haya escogido a alguien que no sólo era una renombrada persona amada por millones, sin importarle el dolor y el sufrimiento que causaría a su familia, amigos y muchos otros más, demuestra una cruel indiferencia hacia el valor de la vida humana y el dolor y sufrimiento de los demás”, concluyeron.

Chapman fue sentenciado a una vida en prisión con la posibilidad de solicitar libertad bajo palabra después de servir 20 años en la cárcel. Es así como cada dos años desde el 2000, Mark Chapman ha aspirado a recibir un fallo a su favor. Se cree que la viuda de Lennon, Yoko Ono, envío una carta a la Junta de Libertad Condicional como lo ha hecho en ocasiones anteriores, citando que su liberación significaría una amenaza directa hacia el bienestar de ella y sus hijos Julian y Sean.

Mark Chapman arrebató la vida del exbeatle el 8 de diciembre de 1980 a las afueras de su departamento en Nueva York cuando disparó en cuatro ocasiones a Lennon, quien fue declarado muerto a su llegada al hospital de Roosevelt. El asesino esperó en el lugar a ser arrestado, se declaró culpable y aseguró que lo hizo para conseguir fama.

Será hasta 2020 cuando Chapman tenga la oportunidad de iniciar el trámite una vez más.


¿Quién es quién en la portada de ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’?


Un breve recuento de quién aparece en la icónica portada del octavo disco de la banda británica.


POR Staff Rolling Stone México  



¿Quién es quién en la portada de ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’?

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club fue lanzado un día como hoy, pero de 1967. Este álbum es uno de los más celebrados en la historia de la música. Además de su gran valor musical, su portada se ha envuelto en una oleada de misticismo y significados, pero lo cierto es que se ha convertido en un icono de la historia del rock.

Peter Blake fue el artista que combinó figuras históricas y de la cultura popular con John Lennon, Ringo Starr, Paul McCartney y George Harrison. Todos estos personajes llamaron la atención del cuarteto para plasmarlos en esta joya musical. Una portada que rompió los estereotipos de aquella época y que sigue sorprendiéndonos. La fotografía de Michael Cooper ha inspirado a múltiples obras de arte.

Un dato curioso es que al momento de crear esta legendaria portada, Ringo Starr consideró al actor mexicano Germán Valdez “Tin Tan”, para participar. Aunque los motivos de su ausencia no son del todo claros, se dice que se encontraba grabando la voz del oso Baloo para la cinta El libro de la selva, por lo que jamás se concretó. De igual forma, existen rumores de una llamada que “Tin Tan” realizó a Starr para explicar que no podría asistir, como también se asegura que el actor mexicano les hizo llegar un árbol de Metepec, mismo que supuestamente es el que aparece debajo de la ilustración de la actriz Diana Dors.

Un breve recuento de quién aparece en la icónica portada del disco. Los cuatro miembros de la banda propusieron personalidades que consideraban importantes en su momento:

1. Sri Yukteswar Gigi (gurú proveniente de la filosofía india).
2. Aleister Crowley (ocultista, poeta y novelista).
3. Mae West (actriz).
4. Lenny Bruce (comediante).
5. Karlheinz Stockhausen (compositor).
6. W.C. Fields (comediante).
7. Carl Jung (psicólogo).
8. Edgar Allen Poe (escritor).
9. Fred Astaire (actor).
10. Richard Merkin (pintor e ilustrador).
11. La Chica de Varga (pintura hecha por Alberto Vargas).
12. Leo Gorcey (actor: fue removido del dibujo ya que solicitó se le pagara por aparecer en la portada).
13. Huntz Hall (actor).
14. Simon Rodia (creador de las Watts Towers).
15. Bob Dylan (músico).
16. Aubrey Beardsley (ilustrador).
17. Sir Robert Peel (político).
18. Aldous Huxley (escritor).
19. Dylan Thomas (poeta).
20. Terry Southern (escritor).
21. Dion (di Mucci)(cantante).
22. Tony Curtiss (actor).
23. Wallace Berman (pintor).
24. Tommy Handley (comediante).
25. Marilyn Monroe (actriz).
26. William Burroughs (escritor).
27. Sri Mahavatara Babaji (gurú proveniente de la filosofía india).
28. Stan Laurel (comediante).
29. Richard Lindner (comediante).
30. Oliver Hardy (comediante).
31. Karl Marx (rilósofo, padre del socialismo).
32. H.G. Wells (escritor).
33. Sri Paramahansa Yogananda (gurú proveniente de la filosofía india).
34. Figura de cera de estilista/ peluquera.
35. Stuart Sutcliffe (pintor/ ex integrante de The Beatles).
36. Figura de cera de estilista/peluquera.
37. Max Miller (comediante).
38. The Pretty Girl (pintada por George Petty).
39. Marlon Brando (actor).
40. Tom Mix (actor).
41. Oscar Wilde (escritor).
42. Tyrone Power (actor).
43. Larry Bell (pintor).
44. Dr. David Livingston (explorador y misionero).
45. Johnny Weissmuller (nadador/ actor).
46. Stephen Crane (escritor).
47. Issy Bonn (comediante).
48. George Bernard Shaw (escritor).
49. H.C. Westermann (escultor).
50. Albert Stubbins (futbolista).
51. Sri Lahiri Mahasaya (gurú proveniente de la filosofía india).
52. Lewis Carrol (escritor).
53. T.E. Lawrence (soldado).
54. Sonny Liston (boxeador).
55. The Pretty Girl (pintada por George Petty).
56. Figura de cera de George Harrison.
57. Figura de cera de John Lennon.
58. Shirley Temple (actriz y cantante).
59. Figura de cera de Ringo Starr.
60. Figura de cera de Paul McCartney.
61. Albert Einstein (científico).
62. John Lennon.
63. Ringo Starr.
64. Paul McCartney.
65. George Harrison.
66. Bobby Breen (cantante).
67. Marlene Dietrich (actriz).
68. Mahatma Ghandi (pensador, filósofo, EMI pidió que se quitara de la portada).
69. Representante de la Royal Antediluvian Order of Buffaloes (Asociación fraternal y caritativa).
70. Diana Dors (actriz).
71. Shirley Temple.
72. Figura de tela hecha por Jann Haworth.
73. Figura de tela de Shirley Temple hecha por Jann Haworth con un suéter que dice “Welcome The Rolling Stones, good guys”.
74. Veladora mexicana.
75. Set de televisión.
76. Figura de piedra de una niña.
77. Figura de piedra.
78. Estatua proveniente de casa de John Lennon.
79. Trofeo.
80. Muñeca india.
81. Decoración diseñada por Joe Ephgrave.
82. Una hookah.
83. Serpiente de terciopelo.
84. Figura japonesa de piedra.
85. Figura de piedra de Blanca Nieves.
86. Gnomo comúnmente usado para adornar los jardines.
87. Una tuba.


‘Yellow Submarine’ de The Beatles volverá a las salas de cines


La icónica cinta será nuevamente proyectada en cines para celebrar su 50 aniversario.


POR Andrea Calderón  



‘Yellow Submarine’ de The Beatles volverá a las salas de cines

A finales de la década de los sesenta, específicamente en el año de 1968, The Beatles estrenó una cinta que reflejaba de manera completa el espíritu hippie que inundaba a los jóvenes de aquella generación. Yellow Submarine fue el título del filme animado que con toques de psicodelia ilustraba una historia ficticia del cuarteto de Liverpool, tomando como referencia e inspiración el mítico tema de la agrupación “Yellow Submarine”.

Dirigida por el animador canadiense George Dunning, Yellow Submarine se convirtió en una cinta de culto para cualquier fanático de la agrupación y representó un nuevo comienzo para el cine de animación en aquella época.

Para conmemorar el 50 aniversario de su estreno, The Beatles ha anunciado que Yellow Submarine volverá a exhibirse en salas de cine el próximo 8 de julio.

El filme fue mejorado a nivel visual y sonoro, restaurando la resolución. De igual manera algunos elementos fueron cuidadosamente restaurados a mano, cuadro por cuadro. La famosa banda sonora del filme fue también remezclada por el ingeniero de sonido Peter Cobbin en los estudios Abbey Road.

Por el momento, Yellow Submarine se exhibirá únicamente en los cines de Inglaterra e Irlanda pero se espera que la cinta llegue a nuestro país próximamente.

Mira el tráiler de Yellow Submarine a continuación:


Ringo Starr recibe el título de Caballero del Imperio Británico


El exbaterista de The Beatles fue reconocido por su contribución a la música.


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Variety

Ringo Starr recibe el título de Caballero del Imperio Británico

Richard Starkey, mejor conocido como Ringo Starr, fue nombrado Caballero del Imperio Británico el día de ayer durante una breve ceremonia llevada a cabo en el Palacio de Buckingham. El Príncipe William fue el encargado de honrar al exintegrante del cuarteto de Liverpool por su trayectoria musical y su trabajo benéfico.

El músico de 77 años fue distinguido como miembro del imperio británico en 1965 como parte de The Beatles, misma insignia que John Lennon regresaría a modo de protesta contra el gobierno británico por las decisiones tomadas con respecto al conflicto en Vietnam.

Ringo recibió esta insignia individual 53 años después; es el segundo miembro del cuarteto en tener el reconocimiento individual después de que Paul McCartney lo obtuviera en 1997.

Starr subió una foto a sus redes sociales con la leyenda “Otro día ocupado para Sir Ringo. Amor y paz”; en la imagen está con su esposa, Barbara Bach.

Además de Ringo, en la ceremonia se condecoró a personalidades como Barry Gibb de Bee Gees, el actor Hugh Laurie, el escritor Michael Morpurgo, entre otros, siendo un total de 1,123 personas en ser condecoradas en diferentes rangos.


Se lanzará una colección especial de Concert for George, concierto en honor a George Harrison


Esta compilación incluirá material audiovisual inédito, un libro de 60 páginas, entre otras rarezas.


POR Andrea Calderón  



Se lanzará una colección especial de Concert for George, concierto en honor a George Harrison

El próximo 25 de febrero hubiera sido el cumpleaños número 75 de George Harrison y para conmemorarlo se ha anunciado a través de las redes sociales del fallecido músico que se reeditó una versión de lujo de la grabación de Concert for George, llevado a cabo en 2002.

Concert for George fue un concierto en homenaje a Harrison, organizado por su viuda Olivia y su hijo Dhani Harrison. La producción musical recayó el manos de su amigo Eric Clapton y contó con la participación de artistas como Jeff Lynne, Tom Petty y por supuesto sus excompañeros de banda, Ringo Starr y Paul McCartney. Concert for George se llevó a cabo en el Royal Albert Hall de Londres el 29 de noviembre de 2002, a un año de la muerte del virtuoso músico.

Presentado en una caja de tapa dura (limitados a 1,000 piezas en todo el mundo), esta colección incluye 4 LPs, 2 CDs, 2 DVDs y 2 Blu-rays. Además del material audiovisual, esta edición especial contiene un libro de 60 páginas y un corte del tapiz original que fue utilizado como fondo del escenario.

La colección especial será relanzada el próximo 23 de febrero y ya puede ser preordenada a través de su página oficial.


Ringo Starr y Barry Gibb de los Bee Gees son nombrados Caballeros del Imperio Británico


Los dos músicos serán reconocidos por La Reina Isabel II debido a sus contribuciones musicales.


POR Andrea Calderón  



Ringo Starr y Barry Gibb de los Bee Gees son nombrados Caballeros del Imperio Británico

Ringo Starr y Barry Gibb se encuentran entre las luminarias británicas que recibirán este año el título de Caballero del Imperio Británico.

El exbaterista de The Beatles que en 1965 fue nombrado caballero junto con sus excompañeros de banda, recibirá nuevamente el título pero ahora en solitario. Richard Starkey (nombre real del baterista), será reconocido por su contribución a la música y sus aportaciones a causas sociales como la lucha contra la pobreza y el VIH/SIDA.

“¡Es grandioso! Es un honor y un gran placer ser considerado y reconocido por mi música y mi trabajo de caridad, los cuales me encantan y me hacen tan feliz”, mencionó Starr.

Recordemos que el título de Sir llega 20 años después de que su excompañero, Paul McCartney fuera nombrado caballero en 1997. McCartney es el único beatle en tener dicho reconocimiento. Desde ese entonces, la prensa y los fanáticos de la banda han presionado para que Starr se convierta en un Caballero del Imperio Británico.

Esta mañana y a través de redes sociales, Paul McCartney publicó una fotografía junto a Ringo Starr en donde emite un mensaje de felicitación para su amigo.

Por otro lado, Barry Gibb cantante de los Bee Gees, también fue reconocido con el mismo título, gracias a sus atribuciones a la música. El músico de 71 años fundó a los Bee Gees junto sus hermanos Robin y Maurice, con los cuales logró éxitos como “Stayin’ Alive” y “Night Fever”.

“Este es un momento para atesorar y nunca olvidar. Quiero reconocer cuán responsables son mis hermanos por este honor. Es tanto suyo como mío”, mencionó Gibb.

La Reina Isabel II le otorgará el título a los dos músicos en una ceremonia especial que se efectuará el próximo 1 de enero en el Palacio de Buckingham.