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Mira a King Crimson interpretar “Heroes” de David Bowie


Robert Fripp, quien grabó la guitarra principal en la canción original, hizo un cover del tema junto con la banda británica.


POR Héctor Elí Murguía  



Mira a King Crimson interpretar “Heroes” de David Bowie

Antes de salir de gira por Norteamérica, King Crimson compartió el video lírico de un cover a “Heroes” de David Bowie. Este clip fue filmado durante una presentación que la banda ofreció en Berlín el año pasado, lugar en el que Bowie grabó la canción.

En esta nueva versión, la guitarra principal fue grabada por Robert Fripp (guitarrista de King Crimson), quien también grabó el riff de este instrumento en tema original de 1977.

“Este concierto se llevó a cabo 39 años y 1 mes después de que se llevaran a cabo las sesiones originales de grabación de Heroes en el Hansa Tonstudio” mencionó Fripp en un comunicado de prensa.

En entrevista con Rolling Stone, el baterista Bill Rifeflin dijo que King Crimson tocará este cover en las fechas de su gira por Norteamérica.

Mira el video lírico de “Heroes“:

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King Crimson | Teatro Metropólitan | 14 de julio


La banda pionera de rock progresivo regresará a México como parte de su gira Radical Action Tour.


POR Staff Rolling Stone México  



King Crimson | Teatro Metropólitan | 14 de julio

Después de 14 años, King Crimson regresará a la Ciudad de México como parte de su gira Radical Action Tour 2017. Robert Fripp, fundador y único miembro original activo de la agrupación, compartió esta información a través del portal web de su disquera independiente Digital Global Mobile. Este concierto se llevará a cabo el próximo 14 de julio en el Teatro Metropolitan.

Fripp también anunció que la banda se encuentra trabajando en el estudio para publicar nuevo material en abril con cambios en la alineación del grupo: Tony Levin en el bajo, Mel Collins en el saxofón, Jakko Jakszyk en la guitarra y cuatro bateristas: Bill Rieflin, Gavin Harrison, Pat Mastelotto y Jeremy Stacey.

Cartel King Crimson

Los boletos estarán disponibles en preventa exclusiva para tarjetahabientes Banamex el 23 y 23 de marzo. La venta general será el 24 de marzo a través del sistema Ticketmaster o en el teléfono 53-25-9000.

Los precios son los siguientes:

• VIP: $2,880
• A: $1,940
• B: $1,420
• BB/C: $980
• D: $740
• E: $480

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The Horrors revela las fuentes de inspiración para su nuevo álbum


La banda se encuentra trabajando en su quinto LP con Paul Epworth.


POR Staff Rolling Stone México  



The Horrors revela las fuentes de inspiración para su nuevo álbum

Foto: Cuenta oficial de Facebook de The Horrors

The Horrors se encuentra actualmente trabajando en su quinto álbum de estudio, por lo que no es poco común que sus integrantes busquen fuentes de inspiración para la composición de los temas que lo integrarán.

En entrevista con Digital Spy tras el concierto de la banda en Hyde Park , Tom Cowan y Joshua Hayward,  quienes revelaron que Paul Epworth se encuentra trabajando con ellos en el sucesor de Luminous, además de hablar sobre sus actuales fuentes de inspiración.

“Siempre me inspiran cosas realmente aleatorias que me llegan y todos creen que son tontas”, dijo Hayward. “Sólo veo imágenes de Robert Fripp en una lancha con motor fuera de borda, en Miami, huyendo. Ese es el horizonte al cual me quiero enfocar”, agregó.

Por su parte, Cowan mencionó que el nuevo álbum sonará como a The Horrors pero con “toques novedosos”. “Creo que será algo reconocible, que todos dirán ‘Eso es The horrors’, pero creo que he estado en un viaje por algunos álbumes y creo que queremos algo más nuevo”, agregó.

“Es como cuando quieres comer cosas diferentes. Es algo parecido. Si eres una persona creativa, permanecer en el mismo lugar demasiado tiempo es incómodo”, concluyó.

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Enjambre al Auditorio Nacional


Enjambre recién editó su nuevo disco, el cuarto en estudio, Huéspedes del Orbe, el segundo hecho en su estancia en México.


POR Staff Rolling Stone México  



Enjambre recién editó su nuevo disco, el cuarto en estudio, Huéspedes del Orbe, el segundo hecho en su estancia en México.

Enjambre al Auditorio Nacional

Por Chava Rock (@Chava_Rock)

Llegaron de Los Ángeles con la intención de comerse al mundo y ya lo están logrando. Enjambre recién editó su nuevo disco, el cuarto en estudio, Huéspedes del Orbe, el segundo hecho en su estancia en México. Digamos que la carrera de Enjambre ya empieza a ser meteórica, pues la presentación oficial de este trabajo será el próximo 30 de noviembre en el Auditorio Nacional.

El grupo dio a conocer este nuevo material en Terra, el portal de internet en el que se realizó esta entrevista, allí la gente pudo escuchar por primera vez en línea el disco completo. Ahora ya está disponible en formato digital y en forma física.

El grupo afirma que con este disco se escucha de forma más fiel “el sonido que tenemos en vivo, que es más crudo, más espontáneo, se capturó esa esencia y eso es una gran diferencia entre este disco y el anterior”. Consideran también que dieron “un paso adelante, se nota desde la grabación”.

El quinteto, procedente de Los Ángeles y ya avecinado en el DF, recuerda que sí hubo momentos en que empezaban a desesperarse, pues les costaba trabajo partir desde cero, además veían cómo sus ahorros desaparecían paulatinamente; no obstante, poco a poco los conocía más gente, esto fue el oxígeno que los mantuvo unidos, pues veían que su público se acrecentaba y los comentarios de su trabajo eran favorables.

Ven al Vive Latino como un referente, pues a partir “del segundo Vive es que empezaron a voltear más los medios a vernos y se nos abrieron más puertas”.
Huéspedes del Orbe se grabó en Sonic Ranch, en Texas, fue producido por Julián Navejas, el compositor de la banda, y contaron con un personaje de lujo en la mezcla, Stephen Short, quien ha trabajado para Queen, Peter Gabriel, Robert Fripp, entre otros.

Enjambre será de las pocas ofertas de rock en el Festival Cervantino de este año, el 12 de octubre estarán en la explanada de la Alhóndiga de Granaditas, en Guanajuato. La próxima semana se presentarán en Argentina, le abrirán un par de conciertos a No te Va a Gustar en el Estadio del River, y ofrecerán unas fechas más con Banda de Turistas. Previo a este viaje, este viernes 7 de septiembre se despedirán de sus seguidores y ofrecerán una firma de discos, playeras y bustos en la conocida tienda de discos de Plaza Universidad, la cita es a las 17:00 horas.


Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos


51.- Johnny Marr El guitarrista de The Smiths fue un genio de la era post-punk ya que no buscaba apantallar con solos, pero sí podía sonar como una banda completa. Cuando niño, Johnny escuchaba discos Motown y no sólo trataba de reproducir los solos de guitarra, sino también los de piano y cuerdas, con la […]


POR Staff Rolling Stone México  



Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos

Johnny Marr51.- Johnny Marr

El guitarrista de The Smiths fue un genio de la era post-punk ya que no buscaba apantallar con solos, pero sí podía sonar como una banda completa. Cuando niño, Johnny escuchaba discos Motown y no sólo trataba de reproducir los solos de guitarra, sino también los de piano y cuerdas, con la mano derecha. Sus voluptuosos arpegios fueron tan esenciales para el característico sonido de The Smiths como el barítono de Morrissey.

Escucha: “This Charming Man” y “How Soon Is Now?”.

Clarence White52.- Clarence White

Clarence White ayudó a moldear dos géneros: su rasgueo acústico con plumilla, que mostró por primera vez en la adolescencia tiempo en que él y su hermano formaron los Kentucky Colonels, fue clave para convertir a la guitarra en el instrumento líder del bluegrass. Abrió paso al rock country y transfirió su precisión melódica a la guitarra eléctrica. Como renombrado músico de los años sesenta, tocó en el Sweetheart of the Rodeo de The Byrds en 1968.

Escucha: “Time Between”, “This Wheel’s on Fire” y “Chestnut Mare”.

Otis Rush53.- Otis Rush

En el chicago de los años sesenta, “las reglas habían sido marcadas” para bandas de jóvenes blancos, comentó Mike Bloomfield a Rolling Stone en 1968, “tenías que ser tan bueno como Otis Rush” y no era cosa fácil. Rush, nativo de Mississippi que se estableció en Chicago a finales de los años cuarenta, era un temible guitarrista eléctrico –con
un rasposo y agudo tono como las certeras notas de Muddy Waters y B.B. King– así como un aplastante compositor.

Escucha: “I Can’t Quit You Baby”, “Double Trouble” y “Homework”.

Joe Walsh54.- Joe Walsh

Al tocar con The James Gang, trío de Cleveland, Joe Walsh combinó la furia de The Who con los efectos técnicos y el toque R&B de The Yardbirds, como demuestra en “Funk #49” de 1970. La facilidad bluesera de Walsh quedó demostrada con su éxito solista “Rocky Mountain Way”, de 1973. Pero fue cuando se unió a The Eagles en 1975 que en verdad se sumergió en el rock clásico.

Escucha: “Rocky Mountain Way” y “Funk #49”.

John-Lennon55.- John Lennon

Cuando Jann S. Wenner, fundador de Rolling Stone, le preguntó a Lennon cómo se calificaría como guitarrista, Lennon respondió “No soy bueno en la técnica, pero puedo hacer una guitarra aullar y moverse. Yo era la segunda guitarra, lo que es importante. Puedo guiar a una banda”. Y era verdad, Lennon era la bujía y el empuje de The Beatles, agregando crudeza a canciones pop.

Escucha: “Help!”, “Day Tripper” y “Yer Blues”.

Albert Collins56.- Albert Collins

En 1968, Jimi Hendrix habló sobre su admiración por una luminaria bluesera de Houston, desconocida fuera de esa área, “hay un chico que quiero que la gente lo conozca. Es muy bueno, uno de los mejores guitarristas del mundo”. Albert Collins, quien falleció de cáncer pulmonar en 1993, tocaba con el pulgar y el dedo índice en lugar de usar una plumilla, para agregar un chasquido a sus penetrantes y agudos solos. Su fluido y creativo estilo influenció a Hendrix, en ocasiones de modo evidente.

Escucha: “Frosty” y “Sno-Cone Part 1”.

Rory Gallagher57.- Rory Gallagher

“Trabajar por años me parece un desperdicio”, comentó Rory Gallagher a Rolling Stone en 1972, “para sólo convertirse en una especie de estrella”. En lugar de eso, el guitarrista irlandés, quien entonces tenía sólo 23 años, se volvió legendario debido a sus giras que no tenían fin.

Escucha: “Bullfrog Blues”, “Laundromat” y “Walk on Hot Coals”.

Peter Green58.- Peter Green

A finales de 1966, Green reemplazó a Eric Clapton en The Bluesbreakers de John Mayall, éste le dijo a su productor: “Puede que no sea mejor [que Clapton]. Espera… él será el mejor”. Junto con el original Fleetwood Mac, se convirtió en el guitarrista de blues más progresista de Gran Bretaña, con una agresividad al estilo blues de Chicago exaltada por el espíritu aventurero de discos como Then Play On, de 1969. Green entró después en una oscura etapa de problemas de salud mental y física, para volver en los años noventa.

Escucha: “Albatross” y “Rattlesnake Shake”.

Robbie Robertson59.- Robbie Robertson

Cuando Bob Dylan describió el “salvaje sonido metálico” de The Band, en realidad se refería a la guitarra de Robertson, como su solo en “Just Like Tom Thumb’s Blues”, de su gira en 1966. Pero para cuando The Band grabó sus propios LPs, Robertson redujo su enfoque y evolucionó en un intérprete rítmico consumado.

Escucha: “The Shape I’m In” y “Like a Rolling Stone (Live 1966)”.

Ron Asheton60.- Ron Asheton

“La parte que yo canto son sólo unas cuantas notas una y otra vez”, comentó alguna vez Iggy Pop al referirse a “TV Eye” de The Stooges, “pero Ron creó un mundo entero alrededor”. En manos de Asheton –tal como en himnos proto-punk como “I Wanna Be Your Dog” y “No Fun”– el clásico acorde de tres notas se convertía en una embestida súper poderosa, zumbando, implacable, casi mística. Puedes escuchar el salvaje estilo de Asheton presente en el estilo de Kurt Cobain, Thurston Moore y Jack White.

Escucha: “No Fun”, “TV Eye” y “I Wanna Be Your Dog”.

Dickey Betts61 .-Dickey Betts
“Yo soy el guitarrista famoso”, comentó el fallecido Duane Allman, “pero Dickey es el bueno”. Los dos pasaron menos de tres años juntos en The Allman Brothers Band, pero establecieron una conexión épica, improvisando, intercambiando solos y tocando sus famosas secuencias a doble guitarra. Tras la muerte de Allman en 1971, el grupo continuó con Betts.

Escucha: “In Memory of Elizabeth Reed” y “Jessica”.

Robert Fripp62.- Robert Fripp

Desde el primer ensayo de King Crimson, en 1969, Fripp ha sido la voz instrumental que distingue a la banda, una singular mezcla de distorsionada complejidad y magistral técnica. Dicha dualidad se puede escuchar en el álbum de rock progresivo más avanzado que jamás se haya hecho: Larks’ Tongues in Aspic, de 1973. La línea guitarrística más famosa de Fripp es el gancho que construye con un pedal fuzz en “Heroes”, tema que le dio nombre al disco de Bowie. Fripp “empezaba sin siquiera saberse la secuencia de acordes”, cuenta el productor Brian Eno.

Escucha: “21st Century Schizoid Man” y “Heroes”.

Johnny Winter63.- Johnny Winter

Entre todos los viajados caucásicos que impulsaron el blues de finales de los años sesenta, Winter era el más blanco y rápido de todos. Canciones como su cover de 1961 a “Highway 61 Revisited” son sorprendentes piezas que muestran sus rasgueos eléctricos a la velocidad de la luz. Jimi Hendrix lo llamó para acompañamiento y Muddy Waters reconoció su talento a primera vista, convirtiéndose en su amigo y colaborador: “Ese tipo ahí en el escenario, que tengo que verlo de cerca”, dijo Waters más tarde, “¡Toca ocho notas en lo que yo toco una!”.

Escucha: “I’m Yours and I’m Hers” y “Fast Life Rider”.

Duane Eddy64.- Duane Eddy

Si acaso había alguna duda a finales de los años cincuenta que la guitarra era el instrumento esencial del rock & roll, Duane Eddy dio fin a la discusión, basta escuchar su sencillo de 1958, “Rebel Rouser”, con un timbre country y vibrante trémolo. “Chet Atkins usaba el vibrato de modo selectivo mientras que Duane Eddy lo usaba para golpear la música”, comentó Dave Davies de The Kinks. El impacto de los éxitos de Eddy, como “Forty Miles of Bad Road” y “Peter Gunn” pronto se escucharía en la música surf y en guitarristas como Jeff Beck y George Harrison.

Escucha: “Rebel Rouser” y “Peter Gunn”.

Slash65.- Slash

Puede que haya pasado mucho de su tiempo en Guns N’ Roses sin camisa y ebrio, pero Slash trajo el buen gusto y la moderación de regreso a la guitarra de rock pesado. “Era un sonido simple de rock & roll a comparación de lo que todos los demás tocaban”, comenta Slash. Podía tocar riffs como Joe Perry y entrelazar el estilo de los Stones con Izzy Stradlin. Solos líricos como la épica gloria de “November Rain” permanecieron en la esencia de la canción. “Es difícil tocar solos de otra manera”, afirma Slash, “se escucharía mal”.

Escucha: “Sweet Child O’Mine” y “Welcome to the Jungle”.

Leslie West66.- Leslie West

Marcó por primera vez el rock garage de mediados de los años sesenta con el cover que The Vagrants hizo a “Respect”, de Otis Redding. Para 1969, West era el imponente vengador en Mountain. En temas como “Mississippi Queen”, West tocó severas líneas de blues con aparente facilidad y aptitud de R&B en medio de un bosque oscuro de distorsión de amplificadores. “Los riffs eran increíbles”, comentó Dave Davies, “podía tocar piezas lucidas e intrincadas, pero no buscaba atención. Tocaba con sentimiento”.

Escucha: “Mississippi Queen” y “Nantucket Sleighride (To Owen Coffin)”.

T-Bone Walker67.- T-Bone Walker

Cuando B.B. King escuchó a T-Bone Walker, pensó: “El mismo Jesucristo ha regresado a la tierra para tocar la guitarra eléctrica”. Walker inventó el solo de guitarra como lo conocemos, construyendo un nuevo estilo de fraseo fluido, cambios blueseros y vibratos. Sus tonos claros y la invención melódica estuvieron presentes en su sencillo de 1942 “Mean Old World” impactaron a todos, mientras Walker refinaba su enfoque con hits como “Call It Stormy Monday”. “Llegué a este mundo muy pronto”, afirmó Walker, “yo diría que me adelanté 30 años”.

Escucha: “Call It Stormy Monday”, “T-Bone Shuffle” y “Mean Old World”.

John McLaughlin68.- John McLaughlin

Cuando John McLaughlin tenía 20 años, lo invitaron a tocar con Miles Davis, co-creando el jazz fusión en Bitches Brew y otros LPs de Davis. Pero obtuvo el título de Dios de la guitarra con su propia Mahavishnu Orchestra, donde hizo que su Gibson escupiera fuego como un dragón de múltiples cabezas. Como prodigioso artista, McLaughlin era único, mezclando rock psicodélico, R&B, gypsy jazz, flamenco y técnicas raga hindúes. Fue su maestría políglota lo que le valió gran respeto tanto de jazzistas como de rockeros, Jeff Beck lo llamó “el mejor guitarrista vivo”.

Escucha: “Right Off” y “The Noonward Race”.

Richard Thompson69.- Richard Thompson

Richard Thompson ha sido uno de los más deslumbrantes talentos del rock desde sus tiempos con Fairport Convention, una banda británica de folk rock que se orientaba a la música inglesa tradicional. Lanzando increíbles riffs, combinó la técnica de tocar con plumilla con veloces arpegios de rock. Sus solos de guitarra eléctrica, cuyo origen se orientaba más a la música celta que al blues, son asombrosos, pero su estilo acústico es aún mejor; nadie sabe cuántas lágrimas han sido derramadas por intérpretes que intentan tocar “1952 Vincent Black Lightning”.

Escucha: “Shoot Out the Lights” y “1952 Vincent Black Lightning”.

jack white70.- Jack White

Para finales del siglo pasado, el new metal y el post-grunge le habían dado mala reputación a los guitarras pesados, después Jack White apretó el botón de reinicio. Con cada riff salvaje, reconectó el rock pesado mostrando que una banda con base de blues podía librarse de lo que él denomina “mierda de blues blanco tocada con Stratocaster”. Y no permitió que sus tendencias análogas le impidieran darle un uso ingenioso al pedal DigiTech Whammy, el secreto de “Seven Nation Army” y las guías en “Ball and Biscuit”.

Escucha: “Seven Nation Army” y “Ball and Biscuit”.

robert Johnson71.- Robert Johnson

Por décadas, él era apenas conocido después de su muerte en 1938. Sin embargo, las 29 canciones que Robert Johnson grabó en 1936 y 1937 se convirtieron en las Sagradas Escrituras para los guitarristas del rock. Se asombraron por la forma en que hizo sonar la guitarra , como si fuera un ensamble, con slide y riffs que salen de la niebla. Dylan lo recuerda tocando en “King of the Delta Blues Singers”, que rescató a Johnson de la oscuridad: “Las vibraciones de las bocinas hicieron que se me enchinara la piel”.

Escucha: “Ramblin ‘On My Mind” y “Traveling Riverside Blues”.

john frusciante72.- John Frusciante

Los Red Hot Chili Peppers siempre supieron cómo hacer la fiesta; a John Frusciante le tocó convertirlos en una banda consolidada con un sonido que pudieran llamar propio. Frusciante es un estilista muy elástico y un arreglista dotado que empujó a los Chilis a explorar nuevos mundos; sino que reforzó su sonido con una llama encendida en el lugar exacto, el volcánico estilo de Hendrix se escucha en “Dani California” y con una notable elegancia como en los primeros acordes de “Under the Bridge”.

Escucha: “Dani California” y “Under the Bridge”.

kurt cobain73.- Kurt Cobain

No era un virtuoso, y ese es el punto: tomó la guitarra eléctrica a través de técnicas de trituración de notas y se las dio a los artistas, poetas y locos, Kurt Cobain se convirtió en uno de los interpretes más importantes de la historia. Cobain no inventó el rock alternativo. Pero con su amor a Cheap Trick, los Melvins y Kiss, le dio el poder metálico necesarios para conquistar el mundo. Su forma de tocar no era del todo ignorante: checa la progresión de acordes no convencionales de “Lithium” y casi todas las otras canciones de Nirvana.

Escucha: “Smells Like Teen Spirit” y “Scentless Apprentice”.

Dick Dale74.- Dick Dale

“Quería que mi guitarra sonará como los tambores de Gene Krupa”, dijo Dick Dale, y el estilo hiperpercusivo que inventó para sus maravillosas melodías, fue pionero en el sonido del rock surf. Dale tocaba lo más rápido posible, al volumen máximo; Leo Fender, una vez que intentó diseñar un amplificador que no fuera destruido por el volumen máximo de Dale. “Sus arreglos eran muy complejos, muy rebeldes”, dijo Alex Lifeson de Rush. “Todo eran reverberaciones y rasgueos staccato, pero con una reverberación que sonaba genial”.

Escucha: “Misirlou” y “The Peter Gunn Theme”.

joni mitchell75.- Joni Mitchell

Por David Crosby

Lo más fuerte que hice por Joni como productor en Song to Seagull,
de 1968, fue mantener a todos los demás fuera del disco. Ella era una folkie que había aprendido a tocar lo que ellos llaman un acuerdo indicado, donde eres como una banda en la forma de enfocar un acorde y una cuerda a lo largo de la melodía. Ella era tan nueva y fresca en la forma en que lo hacía. Es la razón por la que me enamoré de su música. Ella era un fantástica ejecutante de ritmo y crecía tan rápido. Había dominado la idea de que podía entonar la guitarra de la manera que ella quería, para obtener otras inversiones de los acordes.

Escucha: “I Had a King”, “Nathan La Franeer”, “Night in the City”, “Coyote” y “A Case of You”.


Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos


Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos


POR Staff Rolling Stone México  



Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos

Especial: Los 100 Grandes guitarristas de todos los tiempos

Jimi Hendrix1.- Jimi Hendrix
Por Tom Morello

Jimi Hendrix detonó nuestra concepción de lo que el rock podía ser: manipuló la guitarra, el trémolo, el estudio y el escenario. En temas como “Machine Gun” o “Voodoo Chile”, su instrumento es como una vara de percepción de los turbulentos años sesenta, puedes escuchar los disturbios callejeros y las bombas de Napalm que caen desde los cielos de su “Star-Spangled Banner”. Tocaba sin esfuerzo. La canción más bella del canon de Jimi Hendrix es “Little Wing”. Si eres guitarrista, podrías pasarte la vida entera estudiando los detalles, pero jamás descubrirás los secretos de lo que él tenía. Hendrix entreteje perfectamente los acordes con las notas sueltas y luego utiliza progresiones que no aparecen en ningún libro de teoría musical. Sus riffs son como una aplanadora funk y pre-metalera, y las líneas de sus solos una especie de viaje de ácido y electricidad que te conduce a una bifurcación en el camino.

Escucha: “Purple Haze”, “Foxey Lady”, “The Star-Spangled Banner” y “Hey Joe”.

2.- Eric Clapton
Por Eddie Van Halen

En realidad, Eric Clapton es el único guitarrista que ha sido una verdadera y única influencia en mí, a pesar que mi estilo no se parece en nada al suyo. Su manera de tocar ostenta una simplicidad primordial y su estilo, vibra y esto no es más que un eco de este hecho. Conectaba su guitarra Gibson a un Marshall y eso era todo. Lo más básico. El blues. Sus solos eran melódicos y memorables, justamente así deben ser los solos de guitarra: sólo una parte de la canción. Podría tarareártelos.

Escucha: “Bell Bottom Blues”, “Crossroads” y “White Room”.

3.- Jimmy Page
Por Joe Perry

Lo que Jimmy Page hace en la guitarra puede transportarte. El solo de “Heartbreaker” es increíble por su inmediatez; como si estuviera en la orilla del desfiladero de su propia técnica y la gente sigue volviéndose loca cuando lo toca en vivo. Jimmy edificó un catálogo increíble de experiencia con The Yardbirds y su trabajo como músico de sesión, así que durante la grabación del primer disco de Led Zeppelin él ya sabía exactamente cuáles eran los sonidos que necesitaba.

Escucha: “Dazed and Confused”, “Heartbreaker” y “Kashmir”.

4.- Keith Richards
Por Nils Lofgren de The E Street Band

Recuerdo cuando escuché “Satisfaction” por primera vez; estaba en la secundaria, pero sobre todo recuerdo lo que dicho tema me hizo sentir: me asustó. Keith escribió muchos temas con dos o tres notas y todos ellos han demostrado ser mucho más poderosos que cualquier solo de guitarra. Recuerdo cuando se me ocurrió practicar la parte del coro de “Beast of Burden”, pensé: “Los acordes son correctos, pero nada de esto suena a Keith”, la afinación era lo máximo: un acorde hermoso que parece una voz que canta. Así es la médula de todas las partes grandiosas de guitarra de cualquier disco de The Rolling Stones. Keith siempre encuentra la afinación perfecta para impedir que el trabajo –me refiero al trasteo, al muting en las cuerdas– se interponga u obstaculice la expresión de sus sentimientos.

Escucha: “(I Can’t Get No) Satisfaction” y “Gimme Shelter”.

5.- Jeff Beck
Por Mike Campbell de The Heartbreakers

Jeff beck sabe combinar brillantemente la técnica con la personalidad como si nos estuviera diciendo: “Soy Jeff Beck y aquí estoy, será imposible ignorarme”. Incluso en The Yardbirds su tono era melódico así como directo y golpeador, luminoso, apremiante y filoso, pero al mismo tiempo dulce. Uno podía caer en cuenta de que se trataba de un ejecutante serio y que ninguna otra cosa le interesaba. No se guardaba nada. Jeff no se entromete, pero tampoco cede terreno, dominando la maestría en poder tocar junto y alrededor de un vocalista, respondiéndole, presionándolo, ahí radica la belleza del par de discos que grabó con Rod Stewart.

Escucha: “Beck’s Bolero”, “Freeway Jam”, “A Day in the Life”, “I Ain’t Superstitious” y “Heart Full of Soul”.

6.- B.B. King
Por Billy Gibbons

Las influencias de B.B. quedaron establecidas a muy temprana edad. Como nativo de Indianola, Mississippi, él puede retroceder lo suficiente para regresar el sonido de los campesinos y de las figuras del blues, entre ellos Charlie Patton y Robert Johnson aunque el fraseo de una sola nota de T Bone Walker es otra cosa. Podemos escuchar estas influencias en la selección de melodías que no sólo canta con la boca sino que también permite que su guitarra lo haga instrumentalmente.

Escucha: “3 O’Clock Blues”, “The Thrill is Gone” y “Sweet Little Angel”.

7.- Chuck Berry
Por Keith Richards

Cuando vi a Chuck Berry en el festival “Jazz On A Summer’s Day”, yo era un adolescente y lo que me dejó impresionado fue su manera de ir a contracorriente, tocando algo que no tenía nada que ver con el resto de los jazzistas. Todos eran buenísimos pero su actitud era la típica del jazzista: “Eso que llaman rock & roll…”. Con “Sweet Little Sixteen”, Chuck tomó el escenario por asalto a pesar de la antipatía de todos los presentes, en mi opinión eso es el blues, esa es la actitud y esas son las agallas que se requieren. Yo quería ser así, pero mi piel era blanca.

Escucha: “Johnny B. Goode”, “Maybellene” y “Roll Over Beethoven”.

8.- Eddie Van Halen
Por Mike McCready de Pearl Jam

Tenía 11 años y estaba en casa de mi maestro de guitarra, cuando de pronto se escuchó “Eruption” en el estéreo, sonaba como si viniera de otro planeta, yo comenzaba a aprender los acordes básicos y cosas como AC/DC y Deep Purple, y no le encontraba el sentido a “Eruption”, pero me pareció gloriosa. Eddie es un maestro del riff: “Unchained”, “Take Your Whisky Home”, el comienzo de “Ain’t Talking ‘Bout Love”, los sonidos que saca no siempre suenan como de guitarra, muchas armonías y texturas brotan gracias a su estilo de plumilleo.

Escucha: “Eruption”, “Ain’t Talking ‘Bout Love” y “Hot for Teacher”.

9.- Duane Allman
Por Robert Randolph

Crecí tocando la guitarra en una iglesia y la idea consistía en imitar la voz humana. Tan sólo en esos términos, Duane Allman fue quien llevó todo al siguiente nivel, él solía ser mucho más preciso que todos sus predecesores. La primera vez que escuché todos los discos viejos de The Allman Brothers, me pareció muy extraño porque los sonidos eran realmente similares a la música con la que crecí.

Escucha “Layla”, sobre todo cuando pasa a la parte final, Duane se desliza con su slide a lo largo y ancho de la melodía; yo repetía esta canción una y otra vez mientras intentaba dormir.

Escucha: “Statesboro Blues”, “Whipping Post” y “Blue Sky”.

10.- Pete Townshend
Por Andy Summers

Pete Townshend no acostumbra tocar muchos solos, por lo cual mucha gente no sabe lo bueno que realmente es. Pero para el rock es uno de los más importantes. Su guitarra rítmica es agresiva y extremadamente emocionante, tiene una conexión fluida y maravillosa, no es algo que puedas ver todos los días y su forma de tocar es como un reflejo de su personalidad. Es intenso, es el primer punk, el primero que destruyó una guitarra sobre el escenario, una auténtica declaración que dejó a todos sin aliento; pero a la vez, estamos hablando de una persona culta y articulada, le encanta el jazz y alguna vez me dijo que eso era lo que en realidad se le antojaba tocar.

Escucha: “My Generation”, “I Can See For Miles” y “Summertime Blues”.

11. George Harrison
Por Tom Petty

George Harrison y yo estábamos en el auto, cuando de pronto empezó a sonar la canción “You Can’t Do That” de The Beatles, el principio era hermoso, un riff de una guitarra de 12 cuerdas, él me dijo: “Eso fue idea mía”, “¿En serio?”, exclamé yo, a lo que George contestó y explicó: “Estaba parado y de la nada pensé: ‘¡Tengo que hacer algo!’”; eso dice mucho de su forma de ser, siempre que se le metía algo en la cabeza no paraba hasta lograrlo y eso fue parte primordial de la magia de The Beatles, nunca paraban hasta lograr lo que se proponían. George se sabía de memoria los solos más raros de Elvis; el rockabilly fue su influencia más importante pero siempre le gustó añadir detalles.

Escucha: “I Saw Her Standing There” y “Something”.

12.- Stevie Ray Vaughan

A principios de los años ochenta, MTV comenzaba su ascenso y la guitarra de blues estaba a años luz del centro neurálgico de la música comercial, pero Stevie Ray Vaughan te obligaba a prestar atención. Había absorbido los estilos de los grandes del blues y su tono bestial, su virtuosismo casual y su impecable manera de mecerse podía convertir un blues arrastrado como “Pride and Joy” en un tema duro y casi metalero.

Escucha: “Love Struck Baby”, “Cold Shot” y “Look at Little Sister”.

13.- Albert King

Cuando Jon Landau, reportero de Rolling Stone, le preguntó a Albert King en 1968 quiénes eran sus influencias, King respondió: “Nadie. Todo lo que hago está mal”. Pionero del blues eléctrico, King (quien era zurdo) tocaba al revés una Gibson Flying V modelo 1959 para diestros, con las cuerdas graves en la parte inferior, su manera de afinar fue siempre secreta e indescifrable, tocando las notas con el pulgar. King podía tocar las notas mucho más fuertes y en una forma más poderosa que cualquier otro guitarrista y sus discos influyeron a toda una generación.

Escucha: “Born Under a Bad Sign” y “As the Years Go Passing By”.

14.- David Gilmour

Como productor y compositor, David Gilmour, de Pink Floyd, se siente atraído por texturas flotantes y oníricas, pero cuando se pone la Stratocaster con el fin de tocar un solo, una sensibilidad opuesta toma las riendas y lo posee. Él era un solista feroz, con una sólida base de blues, en un grupo que en realidad no tocaba nada de blues, sus solos elegantes, expansivos e implacablemente melódicos eran sorprendentes y vigorizantes.

Escucha: “Comfortably Numb” y “Shine on You Crazy Diamond”.

15.- Freddy King

Entrevistado en 1985, Eric Clapton dijo que el lado B del sencillo para “I Love the Woman”, lanzado por Freddy King en 1961, “representa la primera vez que yo escuché una guitarra eléctrica líder, con todo y las notas retorcidas… Fue una especie de iniciación”. Clapton compartió el amor que sentía por King con sus compañeros británicos, héroes de la guitarra como Peter Green, Jeff Beck y Mick Taylor.

Escucha: “Hide Away”, “Have You Ever Loved a Woman” y “The Stumble”.

16.- Derek Trucks

Literalmente creció en la familia de The Allman Brothers, Derek Trucks (sobrino del baterista de la banda, Butch Trucks) empezó a tocar la guitarra cuando tenía nueve años y empezó a salir de gira a los 12. Tenía 20 años cuando tomó la guitarra del difunto Duane Allman en 1999, sus solos explotaban y tomaban diferentes direcciones, incorporando el delta blues, hard-bop jazz y el éxtasis del gospel sureño así como influencias de la India con ritmos raga.

Escucha: “Joyful Noise” y “Whipping Post”.

Neil Young17.- Neil Young
Por Trey Anastasio

Si tuviera que dar una clase de guitarra a jóvenes, lo que haría en la primera clase sería poner el solo de un minuto de la canción de Neil Young, “Down by the River”; eso sólo una nota pero es tan melódica que simplemente ruge con gran actitud y enojo. Es como si intentara en una forma muy desesperada conectar, Neil toca como si una arteria de su corazón tocara directamente al público.

Escucha: “Down by the River” y “Mr. Soul”.

Les Paul18.- Les Paul

Les Paul quien es mejor conocido como el genio que inventó la guitarra con un cuerpo sólido y que lleva su nombre, era tan imaginativo como guitarrista, “él producía los mejores sonidos de guitarra en los años cincuenta y no hay nadie que se le acerque”, dijo Brian Wilson.

Escucha: “How High the Moon”, “Vaya con Dios” y “Tiger Rag”.

James Burton19.- James Burton

Su estilo es brillante, conciso y fresco, es uno de los sonidos únicos en la música country que tiene influencias en los guitarrazos rockeros. “Nunca compré un disco de Ricky Nelson”, dijo Keith Richards, “pero sí compré los de James Burton”.

Escucha: “Hello Mary Lou”, “Susie Q” y “Believe What You Say”.

Carlos Santana20.- Carlos Santana

Nuestro compatriota, Carlos Santana, terminó sus estudios de preparatoria en San Francisco en 1965, cuando la escena música era explotada, exponiéndolo a un mundo de revelaciones que se convertirían en la llave de los estándares de la psicodelia de los ritmos latinos –blues eléctrico, ritmos africanos y jazz moderno, con sus mentores como Jerry Garcia y Peter Green de Fleetwood Mac.

Escucha: “Black Magic Woman”, “Oye Como Va” y “Soul Sacrifice”.

Chet Atkins21.- Chet Atkins

Como productor ejecutivo en los años sesenta, Chet Atkins inventó el pop inteligente con un toque del sonido de Nashville que rescataron el country de su depresión comercial. Como guitarrista, era más creativo, dominando el country, jazz y los estilos clásicos, también perfeccionó la habilidad de tocar acordes y melodías al mismo tiempo gracias a su distintivo estilo de tocar con el dedo gordo y tres dedos.

Escucha: “Your Cheatin’ Heart” y “Wake Up Little Susie”.

Frank Zappa22.- Frank Zappa

“Cuando estaba aprendiendo a tocar la guitarra, estaba obsesionado con ese álbum”, Trey Anastasio de Phish dijo esto en 2005 sobre el disco de Zappa de 1981, una colección de solos abrasadores y complicados, Shut Up ‘n’ Play Yer Guitar.

Escucha: “Willie the Pimp” y “In-a-Gadda-Stravinsky”.

23.- Buddy GuyBuddy Guy

Buddy Guy se acostumbró a que le llamaran a su estilo “puro ruido”, desde su familia en la parte rural de Louisiana, hasta las cabecillas de Chess Records, Phil y Leonard Chess. No me dejaban explayarme como yo quería”, dijo el músico. Guy se convirtió en la principal influencia para los titanes desde Jimi Hendrix hasta Jimmy Page.

Escucha: “Stone Crazy” y “First Time I Met the Blues”.

Angus Young24.- Angus Young

“Yo no me veo como un solista” es lo que dijo el guitarrista principal de AC/DC sobre su estilo maniático. “Es como un color que añado a la emoción”. Jerry Cantrell de Alice in Chains lo llamó “El único Dios de la guitarra del blues y del rock”.

Escucha: “Highway to Hell” y “Bad Boy Boogie”.

Tony Iommi25.- Tony Iommi
Por Brent Hinds de Mastodon

Recuerdo la primera vez que escuché a Black Sabbath, el vecino le prestó a mi hermano mayor el disco Masters of Reality, no dejábamos de ponerlo. Lo escuchábamos con las luces apagadas, con velas prendidas y cuando mi padre entró al cuarto se asombró y gritó, “¿Qué es todo esto?”, lo rompió en nuestras caras; pero la música me había llegado como si fuera un rayo. En verdad entro como a la zona Iommi cada vez que me cuelgo una guitarra. Tony es un pionera metalero, a pesar de la finura que tiene al tocar, no es tan rápido; su fraseo tiene una vibra tan clásica y toda mi inspiración se la debo a la emoción que me dio Tony.

Escucha: “Iron Man”, “Sabbra Cadabra” y “Children of the Grave”.