Archivo de la etiqueta: Rock

Estrenos de la semana: los nuevos discos que debes escuchar


Sheer Mag, Alan Vega, The Chamanas, Mura Masa y Lucy Rose son algunos de los artistas que lanzaron nuevo material hoy.


POR Héctor Elí Murguía  



Estrenos de la semana: los nuevos discos que debes escuchar

Todos los viernes se estrenan álbumes. Aquí te presentamos los discos más destacados para que los escuches este fin de semana:

Sheer MagNeed to Feel Your Love

Una combinación poderosa de riffs setenteros, espíritu punk y una voz única, transita por las venas del álbum debut de Sheer Mag. “Sentíamos una oportunidad para aventurarnos a tocar algo que sintiéramos más personal” le dijo el guitarrista Kyle Seely a Rolling Stone. “Espero con ansias la reacción de la gente y que no diga ‘esta es otra banda tratando de parecerse a Thin Lizzy‘”. Uno de los mejores descubrimientos del año.

Alan VegaIT

Vega trabajó en este nuevo material con su esposa y su colaborador Liz Lamere, quien lo acompañó desde 2010 hasta su muerte en julio del año pasado. El músico se inspiró en noticieros de todo el mundo y caminatas que tenía cada noche en Nueva York. “DTM” (Death To Me) retrata la perspectiva nihilista de Alan Vega acerca del fin de su vida.

Mura MasaMura Masa

Alex Crossan, mejor conocido como Mura Masa, debuta con un material que incluye temas colaborativos indispensables en las playlists del verano: “All Around the World” con Charli XCX, “Love$ick” con A$AP Rocky y “Blu”, canción en la que colabora Damon Albarn.

The ChamanasNEA

Después de un torbellino emocional provocado por la muerte de su hermano (Nea) y su madre, Héctor Carreón, líder de The Chamanas, decidió darle un giro a su banda con una obra catártica y un cambio en la alineación del grupo con la voz de Paulina, quien sustituyó a Andrea.

WaxahatcheeOut in the Storm

Con apenas cinco años de trayectoria y tres álbumes en su discografía la compositora Katie Crutchfield demuestra su vocación en Out in the Storm, el nuevo álbum de su proyecto, Waxahatchee. Un viaje multisensorial influenciado por sonidos actuales como los de Courtney Barnett, Kurt Vile se reflejan en esta nueva producción.

Lucy RoseSomething’s Changing

La suavidad en la tersa voz de Lucy Rose se encuentra en Something’s Changing, un álbum que reflexiona sobre la música en la actualidad. “La música significa más en estos tiempos para las personas alrededor del mundo”, menciona Rose. “Muchos de mis amigos y familia no tienen tal vez la misma conexión con la música como yo, pero estoy segura que no se toma como algo que se escucha mientras estás cocinando, importa ahora más que nunca”.

Japanese BreakfastSoft Sounds From Another Planet

Michelle Zauner regresa con una obra que imagina sonidos de otros planetas y los encapsula en canciones como “Machinist“, “Boyish” y “Road Head“, tema elegido para aparecer en uno de los nuevos capítulos de Twin Peaks.


Emily Estefan, la heredera que encontró su propio reino


La hija menor de Gloria y Emilio Estefan se aparta de la herencia musical de sus padres para desarrollar su propio estilo.


POR Jovel Álvarez  



Foto: Cortesía Estefan Enterprises

Emily Estefan, la heredera que encontró su propio reino

Su apellido la persigue, pero ella no le huye. Emily Estefan, de 22 años, está orgullosa del legado de sus padres a la música latina, pero ha querido hacerse a un lado del camino que ellos crearon para encontrar una identidad única, irreverente y versátil, cualidades que se reflejan en su primer álbum de estudio Take Whatever You Want , un trabajo musical que se desarrolla en un ambiente sonoro de jazz, R&B, neo soul y funk, acompañado por su voz cálida, fresca y envolvente.

El inicio musical de esta joven se remonta a su infancia, en los escenarios que Gloria Estefan pisaba y conquistaba alrededor del mundo.

“Empecé a tocar con mi mamá como a los 7 u 8 años. Cuando ella se iba a cambiar en un concierto yo salía al escenario y me ponía a tocar la batería, porque era el instrumento que estaba siempre atrás, y significaba que nadie me vería. Era muy tímida”, recuerda Estefan desde Miami.

Su incursión en la música se da, según nos cuenta, por motivos ajenos a la fama.

“Yo no estoy tratando de ser famosa, no estoy tratando de ser mi mamá o mi papá. De verdad te lo digo con mi alma abierta. Si yo me despierto en la mañana y no puedo hacer música, una tristeza vive dentro de mí. Si bien mi familia lo hace, yo lo hago porque es lo que me hace feliz en la vida”, afirma convencida.

El primer tema de su álbum “Ask Me To”, cuenta esa historia de búsqueda del propio camino. “Esa primera canción es una balada que muchos podrían pensar que es para un amante, pero no. Es una canción que yo me escribí a mí misma, porque era un momento de mi vida en el que tenía miedo de saber quién era Emily. Y ahora cuando miro para atrás a esa persona, me doy cuenta que ya es muy pequeñita dentro de mí, pero era un momento en el que estaba empezando a caminar en mis zapatos, porque toda mi vida alguien me decía que iba a ser como mi papá. En ese momento cambió todo”.

En el disco, el tema “Fuck To Be  habla de la lucha que tuvo que lidiar esta joven por ser quien ella anhelaba, y no quien los otros esperaban que fuera.

 

En ese caminar, Estefan descubrió su voz hasta los 18 años, pues antes el miedo la había hecho refugiarse en sus instrumentos, pero sin experimentar en el canto. Hoy ha descubierto que cantar es algo más profundo de lo que muchos pueden apreciar.

“Cantar es el sonido de tu voz, pero es también el poder de lo que puedes decir con tus palabras. Cuando yo cambié fue cuando empecé a escribir música, y en dos meses estaba terminado el álbum”, recuerda.

En Take Whatever You Want, Emily hizo todo. Compuso, cantó, produjo y tocó todos los instrumentos, menos los de viento.

Estefan cuenta con el apoyo de sus padres en todos los sentidos, mismo que ve como un medio para hacer su música en total libertad.

https://instagram.com/p/BOtVAXyg8L8/

 

“Sé que hay muchos jóvenes que intentan vivir de la música y tienen que pagar la renta a fin de mes. En mi caso, tener el apoyo de mi familia me permite trabajar más y ser aún más auténtica, porque no tengo nada qué perder. No te puedo explicar cuánto significa para mí”, comenta.

La libertad es algo que Emily no cambia por nada. De hecho, su primer álbum estaba listo hace cuatro años, sin embargo decidió esperar para lanzarlo debido a que buscaba un espacio en la industria que respetara su esencia. Es por esto que con 22 años Estefan tiene su propio sello discográfico.

“Yo empecé un sello discográfico llamado Alien Shrimp Records, y me tomó mucho tiempo encontrar alguien que quisiera apoyar mi música sin cambiarme. Finalmente encontré esa casa con Sony Red. En estos cuatro años yo estaba estudiando y trabajando en mí misma así que esperamos para lanzar el álbum, pero qué bueno que fue así, porque lo que está pasando ahora es que tengo todo mi tiempo dedicado a tocar con mi banda”, comenta con gran satisfacción.

 

Foto: Rodrigo Varela

Foto: Rodrigo Varela

Estefan tiene listos dos álbumes más, esperando el momento oportuno para salir a la luz, aunque ninguno de ellos en español, pese a ser esta su lengua materna.

“Cuando me siento a escribir no pienso ‘lo haré en español o inglés’, simplemente estoy tratando de expresar lo que siento. Take Whatever You Want tiene un tema en español, y está ahí porque para mí era importante. Sin embargo, por ahora no tengo un disco en español, no lo estoy pensando, pero nunca se sabe”, afirma.

Los referentes de Emily, son tan variados como sus gustos.

“Me encanta escuchar todo lo que puedo. En jazz lo de los años 20, 30, 40, me habla de una manera particular. Estoy muy conectada a ese tiempo. Billy Holiday, Ornette Coleman, Free Jazz. En la música latina, escucho a músicos como Cachao, Celia Cruz, Benny Moré, Paquito y Gloria Estefan (risas)”, asegura.

Uno de los tatuajes de Emily reza la palabra “Alien”, pues es así como le gusta definirse a sí misma. “Yo soy el Alien Shrimp, soy pequeñita y muy rara”, asegura.

Es así que este pequeño extraterrestre con sangre cubana que aterrizó su nave hace más de dos décadas en Miami, seguirá buscando su camino, adonde quiera que este la lleve.

Escucha Take Whatever You Want, el nuevo álbum de Emily Estefan:

 

 

 

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El primer disco como solista de Liam Gallagher ya tiene nombre


“No es Pink Floyd y tampoco es Radiohead. No es música para rascarse la barbilla”, comentó el exvocalista de Oasis.


POR Daniela Vilchis  



Foto: Alexander Frick

El primer disco como solista de Liam Gallagher ya tiene nombre

As You Were es el título del primer disco como solista de Liam Gallagher, exvocalista de Oasis.

El cantante publicó un tuit desde su cuenta personal en donde compartía el nombre de su próximo álbum y aprovechó la oportunidad para mandarle un mensaje a su hermano Noel Gallagher: “para todos ustedes que me odian, y sé que sólo hay uno, el nombre de mi fabuloso nuevo álbum es As You Were“.

Acerca de la música que podemos esperar, el vocalista comentó que será “talentosa, con actitud, con melodías enfermas y letras graciosas”. “No te estarás rascando la barbilla. No es Pink Floyd ni tampoco Radiohead. Es música de la cual me siento orgulloso”, comentó para Q Magazine.

El nacido en Manchester todavía no ha compartido adelantos de la música que vendrá incluida en As You Were, material que tampoco tiene fecha de estreno.

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El primer álbum de Roger Waters en 25 años ya tiene fecha de estreno


El exintegrante de Pink Floyd tiene varios proyectos en puerta, entre ellos un LP y una gira que se anunciará próximamente.


POR Staff Rolling Stone México  



El primer álbum de Roger Waters en 25 años ya tiene fecha de estreno

En las pasadas semanas, Roger Waters anunció que se encontraba trabajando en Is This the Life We Really Want?, su primer álbum en 25 años.

El exintegrante de Pink Floyd compartió un clip donde se escuchan viejas grabaciones y se puede leer que el nuevo trabajo de Waters se estrenará pronto.

Hace unas horas, el músico inglés compartió un adelanto de la música que aparecerá en su nuevo LP. Este nuevo teaser muestra un poco más de lo que podemos esperar de Is This the Life We Really Want? y reveló que el álbum se estrenará el 19 de mayo de este año.

Waters platicó con Rolling Stone el año pasado acerca de grabar un nuevo álbum, y afirmó “tenemos un muy buen trabajo en camino”.

Además de trabajar en Is This the Life We Really Want?, Waters está preparándose para un nuevo tour, llamado Us + Them en honor a la canción del disco The Dark Side of the Moon. “Va a ser una mezcla de composiciones de mi larga carrera, piezas de mis años con Pink Floyd y algunas novedades más”, aclaró. “Probablemente 75% de ello va a ser material viejo y 25% va a ser nuevo, pero todo va a estar conectado. Va a ser espectacular, como lo han sido todos mis shows”.

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Spoon presenta el surreal video de “Can I Sit Next To You”


El sencillo formará parte ‘Hot Thoughts’, el nuevo material discográfico de la banda que se estrenará el próximo mes.


POR Daniela Vilchis  



Spoon presenta el surreal video de “Can I Sit Next To You”

Spoon estrenó el sencillo “Can I Sit Next To You” (segundo extracto de su nuevo álbum Hot Thoughts) y acompañó el tema con un hipnotizante video con imágenes en blanco y negro. En el videoclip aparecen diversos personajes con estilo retro, personas encapuchadas, maquilladas o disfrazadas de lobos bailan con esta nueva canción.

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El video de “Can I Sit Next To You” estuvo a cargo del director Marcel Dzama que ha trabajado con Beck y Bob Dylan anteriormente.

Hot Thoughts saldrá a la venta a mediados de marzo.

Mira el videoclip de “Can I Sit Next To You” a continuación:

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Gana un ejemplar de ‘Letras Completas’ de Bob Dylan


Esta publicación de Malpaso Ediciones reúne todas las canciones del Nobel de literatura en edición bilingüe.


POR Staff Rolling Stone México  



Gana un ejemplar de ‘Letras Completas’ de Bob Dylan

Rolling Stone y Malpaso te regalan un ejemplar de uno de los mejores libros de 2016: Letras completas del Nobel de Literatura Bob Dylan.

Para ganar uno de estos ejemplares sólo tienes que contestar correctamente las siguientes preguntas:

1. ¿Quién escribió el prólogo de Letras Completas?
2. ¿En qué año se publicó Letras Completas?
3. Menciona otro libro que haya escrito Bob Dylan.

Manda tus respuestas a [email protected]. Si eres uno de los primeros en contestar correctamente, te llevarás uno de los ejemplares de Letras Completas.

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La Vida Bohéme protesta con su nuevo video “Você”


La banda revela la primera canción de su próximo disco


POR Camila de la Fuente  



La Vida Bohéme protesta con su nuevo video “Você”

El día de hoy, La Vida Bohéme publicó su nuevo videoclip de la canción “Você”, tema que estará incluido en su próximo disco por estrenar en marzo del presente año. El video dirigido por Johan Verhook, fue grabado en Venezuela y cuenta la historia de la muerte de un joven causada por el disparo de otra persona, uno de los millones de casos que ocurren en el día a día del violento país sudamericano.

La banda liderada por Henry D’ Arthenay se caracteriza por mantener una postura de protesta ante la situación de su nación. Entre sus tres previos álbumes, las canciones denuncian las injusticias políticas que afectan a los pueblos oprimidos. En este caso, la letra de “Você” está completamente dirigida a la protesta.

La canción que suena en el video también fue publicada hoy, en el que se escucha al principio una batería pesada que abre a la voz de D’ Arthenay “¿te molesta si canto?”. Al final del track, la melodía se suaviza y la letra recita fragmentos del Monólogo de Segismundo de Pedro Calderón de la Barca, que se preguntan sobre la vida y su suerte.

Actualmente, La Vida Bohéme de origen caraqueño reside en la Ciudad de México, donde continúan su carrera artística abriendo su voz de protesta a más panoramas latinoamericanos. Los músicos hicieron el arte del álbum en los exóticos paisajes de Xilitla, San Luis Potosí, sobre la obra del artista surrealista Edward James.

Ve el nuevo video de La Vida Bohéme aquí:

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Los Músicos de José | El Imperial | 10 de febrero


La presentación de la banda contará con un invitado especial.


POR Staff Rolling Stone México  



Los Músicos de José | El Imperial | 10 de febrero

Este viernes 10 de febrero hay fiesta en el El Imperial con el funk de Los Músicos de José.

La banda capitalina fundada en 1996 se caracteriza por lograr que sus espectadores muevan los pies durante todo su espectáculo. Al mezclar el funk, el groove, el jazz y el rock, Los Músicos de José ya se han hecho de un nombre respetado en México. Hasta la fecha han publicado tres discos de estudio y uno doble de remezclas, siendo su homenaje a Damaso Pérez Prado, Dilo!, su más reciente trabajo.

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La presentación de Los Músicos de José contará con un invitado especial sorpresa.

Entrada:

$100

Sólo para mayores de 18 años.

Horario:

22:00 horas

Dirección:

Álvaro Obregón 293 Esq. Oaxaca Col. Roma Norte.

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At The Drive-In | Pepsi Center WTC | 17 de mayo


La preventa para los boletos se llevará a cabo a partir del 13 y 14 de febrero para clientes de Scotiabank.


POR Staff Rolling Stone México  



At The Drive-In | Pepsi Center WTC | 17 de mayo

At The Drive-In visitará México por primera vez para ofrecer un concierto el próximo 17 de mayo en el Pepsi Center WTC de la Ciudad de México.

La preventa de los boletos se llevará a cabo a partir del 13 y 14 de febrero para clientes de Scotiabank y la venta general comenzará a partir del día 15 de febrero por medio de Ticketmaster.

Los costos son los siguientes:
General: $800
Box Sup: $1,000
Sección C: $750
VIP: $1,500
Disc: $750

Le Butcherettes será la banda encargada de abrir este espectáculo.

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At The Drive-In anunció a finales del año pasado su regreso a los escenarios. La publicación de su reunión vino acompañada de la noticia del reemplazo del vocalista Jim Ward por Keeley Davis de Sparta.

Así mismo, el 8 de diciembre, el grupo estrenó el sencillo “Governed by Contagions“, el cual puedes escuchar a continuación:

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Rompiendo las reglas


Jimmy Eat World y sus nuevas direcciones.


POR Michelle Angell  



Rompiendo las reglas

“No te preocupes, tengo café”, me tranquiliza Jim Adkins a imperdonables horas de la mañana.
Jimmy Eat World, banda que musicalizó la adolescencia de varias generaciones, se preparaba para estrenar su noveno álbum de estudio, Integrity Blues.
Crecimiento, profundidad y cambio son algunos de los adjetivos que escoge el vocalista, describiendo con emoción palpable lo que depara su futuro musical.
“Solía escribir desde un lugar mucho más oscuro, más ambiguo. Creo que Damage encerró todas aquellas inquietudes y arrojó la llave a otro lugar muy lejos de aquí. Ahora escribo sobre salir adelante, exploro lo que ocurre después de que decides solucionar el problema”.
Para Adkins tener una disquera fija es algo irrelevante, “te vuelves una marca personal, de pronto ya no eres músico, sino un producto”, por lo que a través de los años la banda ha ido escogiendo distintos representantes para comercializar su música.
En este mundo hay un deseo palpitante que revolotea en nuestras cabezas, unas profundas ganas de tener la razón. “Integrity Blues es sobre no tener la razón. Imagina que estás en la mitad de una discusión, ¿en verdad tienes ganas de poseer la verdad absoluta? ¡No! En realidad sólo quieres tener paz contigo mismo, lo demás es puro instinto”.

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P&R: Steven Tyler


El vocalista de Aerosmith habla de dinero y por qué la fama es como “ser atacado por pollos hasta morir”


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Facebook Steven Tyler Oficial

P&R: Steven Tyler

Por Andy Greene

Tyler asegura que es una de las pocas personas a las que les gusta la fama. “Me encanta que la gente me ame, que adoren las canciones que mi banda amó. Ahora todo mundo tiene una cámara en su teléfono, así que no puedes escapar sin que te tomen una foto. Tengo una camiseta que dice “Go Fuck Your Selfie“, siempre me la pongo para ir al aeropuerto”.

Parece que algunas veces detestas la fama.
Depende de cómo te sientas al despertar. Algunas veces estás en el gimnasio a eso de las 7:30 am, ni siquiera te has tomado la primera taza de café del día y todo mundo se emociona contigo. Es como si un pollo te atacara hasta morir. Pero hay otros momentos en los que me siento absolutamente agradecido de que algún niño de nueve años se me acerque para decirme que amó el comercial de Skittles que hice para el medio tiempo del Super Bowl o que algún hombre en sus cuarentas me diga que bailó “I Don’t Want to Miss a Thing” en su boda.

Durante 45 años has estado al frente de una banda cuyos miembros tienen personalidades fuertes. ¿Qué has aprendido sobre el liderazgo con esa experiencia?
A menos de que seas un general al frente de un ejército, sólo puedes guiar a otros con tu ejemplo. En un inicio, [Aerosmith] se trataba de fumar cuanta mota pudiéramos y tratar de despertar a alguien [con nuestra música], hubieron muchas peleas entre nosotros. Pero eso me hizo aprender mucho. Estar juntos durante más de 40 años ha sido una de mis más grandes alegrías.

Pareciera que ustedes cinco se han dado cuenta de que la fuerza que los mantiene juntos es más poderosa que aquella que los mantiene separados.
Bien dicho. Una de las lecciones más grandes es que no podemos hacer las cosas solos. No sería el mismo si los cinco no nos hubiéramos sentado a platicar en la cocina de un granero en Lake Sunapee durante el verano de 1971, ese momento en que decidimos mudarnos a Boston. No importa lo que haya dicho sobre los celos, yo no podría estar aquí si no fuera por Joe Perry. Es una paradoja, pero si te tomas el tiempo de analizarlo, puedes darte cuenta.

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La salvación del rock & roll


Sting posee una vida encantadora, además de un nuevo álbum. Entonces, ¿por qué no puede dejar de pensar en la muerte?


POR Staff Rolling Stone México  



Foto: Yancho Sabev

La salvación del rock & roll

Por Stephen Rodrick

Sting se sienta en un banquillo en el cuarto de ensayos situado en Sunset Boulevard de Los Ángeles. Abraza a su bajo en lo que espera a Vinnie Colaiuta, el baterista que le ayudará a ensayar “50,000”, un lamento dirigido a Bowie, Prince, Lemmy y otras pérdidas que ha sufrido el mundo de la música recientemente. El tema figura en 57th & 9th, su primer álbum de rock en 13 años. Sus bíceps estilo Springsteen se asoman por debajo de una playera gris [esos músculos por los que las mujeres fingen echarse aire en la cara cuando lo miran]. Otros sonidos se cuelan por las paredes. Es Kiss del otro lado de la puerta. “¿Conoces a Gene Simmons?”, me pregunta Sting minutos después. “Un tipo interesante”.

En los tres días que pasé a su lado, Sting jugó con la percepción que normalmente se tiene de él, la de un austero dios del rock con un gran ego. En algunas ocasiones falló: Humildemente presumió que acaba de recibir un premio de Broadcast Music Inc. pues el tema “Every Breath You Take” ha sido escuchado 13 millones de veces en Estados Unidos. “Eso es bastante”.

Sting ahora parece disfrutar de la broma que representan sus conocidas prácticas de sexo tántrico y su afán por ser un ego maníaco. Durante un descanso en el ensayo, hace un riff extendido en su laúd que tiene más de 10 años. “La gente se enojó conmigo”, recuerda. “Decían: ‘No quiero escuchar un pinche laúd’. Y contestaba: ‘¿Qué tiene de malo el laúd?’. Es como el Monty Python de los instrumentos”.

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Ve la extraña entrevista que le realizaron a Kim Gordon


En el video para la revista Huck, la artista responde interesantes preguntas sobre el arte, John Cage y otros temas.


POR Staff Rolling Stone México  



Ve la extraña entrevista que le realizaron a Kim Gordon

El video inicia con la afirmación de que a Kim Gordon no le gusta ser entrevistada. Después, en una sala vacía, aparece la artista con los ojos vendados y se le pregunta cuántos dedos le muestra el entrevistador, a lo cual Gordon responde “muchos”. Es entonces cuando la entrevista comienza.

Kim Gordon fue interrogada para la revista Huck y en esta corta sesión, la exbajista de Sonic Youth aborda varios temas relacionados con los procesos artísticos. A pesar de resistirse al principio, la entrevista prosiguió y durante 6 minutos, Gordon tocó temas interesantes, como el momento en el que supo que quería ser artista, su primer reconocimiento artístico, de dónde nació su “inspiración” para escribir “Murdered Out” y otros temas.

Ve la entrevista completa con Kim Gordon aquí:

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10 datos curiosos sobre el disco debut de The Doors


Cómo no le dieron crédito a un bajista, la vez que Jim Morrison colapsó después de ingerir un ácido y el anuncio de Buick que nunca salió.


POR Staff Rolling Stone México  



10 datos curiosos sobre el disco debut de The Doors

Por Jordan Runtagh

The Doors no sólo marcó el inicio de esta banda con el mismo nombre, sino que los definió como artistas que unos años después se convertirían en leyendas. Gracias a canciones como “Break on Through (to the Other Side)“, “The End” y el inmortal “Light My Fire“, el disco homónimo capturó el crudo, vital e hipnótico entusiasmo de cuatro audaces artistas. Aquí te dejamos 10 datos que probablemente no sabías:

1. “Light My Fire” fue la primera canción que Robby Krieger escribió.

Jim Morrison le sugirió a Krieger que escribiera algo, a lo cual Krieger le preguntó sobre qué, y Jim le contestó “escribe sobre algo universal”.

2. Antes de grabar su disco debut, The Doors escribieron música de fondo para Ford Motor Company.

Debido a su situación económica, el grupo compuso musica para la compañía, de los cuales usaron algunos fragmentos que después se convertirían en “I Looked At You“, “Buid Me A Woman” y “The Soft Parade“. Recibieron $200 dólares por su trabajo.

3. “Break on Through (to the Other Side)” le debe un gran crédito a Paul Butterfield Blues Band y a Ray Charles.

Robby Krieger admitió en el documental Classic Albums que “Shake Your Money-Maker” de Paul Butterfield Blues Band influenció en gran parte a la creación de “Break on Through (to the Other Side)“; de la misma forma, Ray Manzarek confesó cómo copió el sonido del teclado de Ray Charles.

4. Las primeras dos canciones que grabaron fueron guardadas, pero versiones alternativas resurgieron en futuros discos de The Doors.

En 1965, Morrison y Manzarek, antiguos compañeros de la escuela de cine de UCLA, se reencontraron y en la reunión surgieron las primeras letras de lo que sería “Moonlight Drive“. La canción fue la primera que tocaron en un ensayo que tuvieron en el garaje de un amigo y fue ahí cuando The Doors se formó. En 1966, cuando grabaron la canción, decidieron dejarla para su segundo disco. La segunda canción que grabaron ese día fue “India Summer“, sin embargo, pensaron que no era tan buena como para aparecer en el disco debut del grupo. La canción sería regrabada para incluirla en el Morrison Hotel de 1970.

5. Después de grabar “The End“, Jim Morrison regresó al estudio después de haber consumido LSD y llenó todo el estudio con espuma de extintor. Terminando de grabar “The End” todos se fueron a dormir, excepto Jim, quien regresó al estudio después de haber consumido ácido, para usar el extintor y arruinar el equipo de estudio.

6. The Doors usó a un bajista secreto en el estudio: un famoso músico de sesión del Wrecking Crew, quien después sería miembro de Bread, Larry Knetchel.

El trabajo de Knetchel no fue reconocido en ese entonces, sería hasta años después cuando su contribución fue conocida. Densmore aclaró la situación diciendo que Knetchel no fue reconocido debido a a que él sólo duplicó las líneas del bajo de Manzarek.

7. Para promocionar el disco, Elektra Records compró el primer “billboard de rock” en la historia.

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EL grupo terminó de grabar el disco en verano, pero decidieron atrasar el lanzamiento del álbum para que no pasara desapercibido en las fiestas navideñas. Y para que el grupo no se desilusionara, Jac Holzman (importante empresario y cabeza de Elektra Records) pensó en una ingeniosa idea: colocar el anuncio en el camino hacia el trabajo de los DJ’s de Los Ángeles. De esta forma dio a luz a una nueva forma de promoción de los artistas y los anuncios de rock pronto estarían en todo el Strip.

8. Jim Morrison mintió sobre la muerte de sus padres en los créditos del álbum.

Jim nunca tuvo una buena relación con su padre y cuando le comentó a este que quería ser cantante, el mayor de los Morrison no reaccionó con mucho entusiasmo, por lo que cortó contacto con su padre y no volvieron a verse.

9. La palabra “drogado” (“high”) causó muchas problemas para la banda.

En septiembre de 1967, el grupo hizo una presentación en The Ed Sullivan Show, en la cual el grupo quedó vetado porque Morrison desobedeció las ordenes que se le habían dado previamente al show. Debido a la ambigüedad de la palabra “higher” que en inglés puede ser “drogado” o “más arriba”, en la letra de la canción “Light My Fire“, decidieron cambiarla de “Girl we couldn’t get much higher” a “Girl, we couldn’t get much better”, pero Jim cantó la canción tal y como es. Lo mismo hicieron con “Break on Through (to the Other Side)“.

10. Los miembros de The Doors —menos Jim— firmaron un permiso para que “Light My Fire” apareciera en un anuncio de Buick. Cuando Morrison se enteró, amenazó con destrozar un Buick en cada concierto.

A pesar de que la banda había acordado no dar permisos para el uso comercial de su música, no pudieron rechazar la oferta que les hizo Buick. Cuando Jim se enteró de lo ocurrido, los acusó de haber firmado con el diablo y amenazó con destruir un Buick en cada concierto con un mazo. Al final, Buick descartó el concepto y no utilizaron música de The Doors.

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Cuando la muerte de Fidel terminó con el debut de Aterciopelados en Cuba


La primera presentación del dúo colombiano se vio frustrada por el fallecimiento del mandatario cubano.


POR Natalia Cano  



Cuando la muerte de Fidel terminó con el debut de Aterciopelados en Cuba

Hasta antes de la muerte de Fidel Castro, la oportunidad de realizar un concierto en Cuba podía ser tan sólo una. Andrea Echeverri y Héctor Buitrago, la dupla que da vida a Aterciopelados, esperaron durante años la invitación de las instancias culturales de la isla, y cuando por fin llegó, los colombianos quisieron cumplir su anhelo y aceptaron participar en la tercera edición del Patria Grande, el único festival musical con alcance internacional que se celebra en ese país.

Con el dinero del patrocinio apenas lograron pagar los pasajes de la agrupación y su staff. Completar el resto de los gastos y organizar su intervención en el festín cultural les tomó más de un año. Andrea Echeverri había visitado La Habana 22 años antes en su faceta de ceramista, y aunque había leído algunas cosas sobre el socialismo, siempre prefirió mantener al margen su opinión sobre el sistema político cubano.

Entre la ola de comentarios a favor y en contra del régimen castrista, la cantautora encontró un elemento estético en ese lugar que le pareció seductor. “Allá está todo un poco vuelto mierda, pero es muy lindo. Encuentras unos colores, y notas que ha pasado el tiempo, pero que ahí están, ahí viven, vi unas calles increíbles, impresionantes”, contó Echeverri a Rolling Stone México, previo a su actuación en el Festival Almax Colombia.

Otra cosa que llamó la atención de la artista fue la seguridad que sentía al caminar por las calles de esa ciudad. “Me atrevería a decir que Cuba es el lugar más seguro de Latinoamérica, eso es para uno es una sensación de otro mundo, pues porque acá (en Colombia) sabes por dónde sí y por dónde no ir, y ya una se acostumbró a que la cosa es así”, dijo la artista. “Sentir esa otra propuesta, incluso por donde caminas, es bien impresionante”.

Por fin, la noche del pasado 25 de noviembre, Aterciopelados vio materializado su sueño de tocar en Cuba. Montados sobre el escenario del Centro Cultural El Sauce, el grupo de rock más importante de Colombia interpretaba “Maligno”, cuando de repente irrumpió uno de los organizadores para comunicarles que daría un aviso muy importante, y que el show debía terminar.

“Tenemos que dar un anuncio”, dijo el hombre a Andrea Echeverri. “¿Qué anuncio?”, preguntó la cantante. “Es que se murió Fidel”, respondió él. Todos en la sala quedaron estupefactos. “Lo que sentí en ese momento es que yo no podía entender la profundidad del asunto, pero nos quedamos unos días más, empezamos a ver televisión cubana, hablar con gente y ahí comenzó a cobrar dimensión la cosa”, dijo la vocalista.

“Entonces te deja pensando seriamente que Fidel fue un hombre que ganó tres guerras en el Siglo XX; 11 presidentes estadounidenses pasaron por el poder y no pudieron con él, quisieron matarlo muchísimas veces”, indicó la intérprete de “Florecita rockera”. Recordó que tras la muerte del líder de la Revolución Cubana, leyó algunos textos publicados en diversos medios, pero fue una nota la que especialmente le llamó la atención. “Gabriel García Márquez fue un personaje muy cercano a Fidel, y entonces contaba que el mandatario tenía problemas de voz, yo me quedé fría. Que comenzaba a hablar, se le quebraba y luego duraba seis horas, y que entonces lo escuchaban hablar y pensaban: ‘Ese hombre se va a quedar sin voz en seis años’”, contó. “Entre más lees sobre su vida, empiezas a entender el figurón de personaje que es, es increíble”. Héctor Buitrago ve en el deceso de Castro la oportunidad de que las jóvenes generaciones cubanas retomen lo mejor de su ideología y puedan adaptarlo al contexto actual. “Ojalá que retomen lo mejor, que lo logren aterrizar a este contexto porque esas ideas ya no funcionan, pero que retomen ese espíritu revolucionario. No sabemos qué va a pasar, algo tiene que arrancar, y para bien”, dijo el músico.

A casi dos décadas de su lanzamiento, el Unplugged que el dúo colombiano grabó para la famosa cadena de videos MTV será relanzado a través de la app MTV Play.

Aterciopelados también confirmó que en breve comenzará la composición de las canciones que darán vida a su nuevo álbum en estudio.

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Demente y alma


Un espacio íntimo para compartir paranoias


POR Álex Carranco  



Demente y alma

@AlexCarranco

Ansiedad y un ritmo cardiaco acelerado.

La respiración se agita y algunas gotas de sudor enfrían la mente. Una caja de resonancia es abrazada por flujos y piel. Ese duro beat es como si Infected Mushroom apretara el pecho y justo cuando el conteo regresivo llegue a su fin, un par de comprimidos químicos son arrastrados por un río a lo largo de la garganta con destino al corazón. A tiempo para sobrevivir y alzar los brazos en esta montaña rusa diaria. Hay mucha música dentro de nosotros, tal vez thrash, metal, rock, electro o progre. Ojalá fuera un pop para no sentir dolor, pero a veces es necesario tener esas llamadas de atención para disfrutar cada momento. El dolor es otra de las fuentes de inspiración para componer o proyectar alguna obra artística, ¿quién está sano?… Te felicito. Sin embargo, hay muertes silenciosas que sin ser invitadas, tocan el timbre de tu casa y vienen acompañadas por el hermano de un primo. Ojalá haya la suficiente botana y tragos para esa fiesta inesperada para que esos “invitados” estén a gusto y no hagan desmanes. Esa reunión debe tener música diferente a lo que escuchan, una labor difícil para que quedes como un buen anfitrión.

Mientras sirves unos tequilas y mezcales para marear intenciones, Diluvia –desde Querétaro– suena con su producción Planet Swamp. Un viaje onírico que transporta esos dolores en armoniosos espacios llenos de ágiles guitarras, batería con latidos a lado de un resonante bajo, teclado que crea ambientes y la distinguida voz de Klang Rêverie rebotando en este mundo. Este álbum tiene cortes instrumentales, otros cantados en inglés y obviamente en español. En “Leech Therapy“, “Orbitar” o “Ensueños” hay sonidos alternativos que tocan el cielo del trip hop, post rock y alternativo con texturas mágicas.

Un par de botellas vacías, pan, jamón serrano y queso de cabra. Instante para que María Robot se presente con su disco homónimo. El dulce mareo inicia con “Schwarze Spiegel” y después de un minuto y nueve segundos, la velada continúa con “Fate Control“. Su estilo va de oscuros pasajes con escenas electrónicas a una encantadora voz con sombras eclécticas que se mueven sensualmente al ritmo de las programaciones. Hay recuerdos a lo industrial con ligeras guitarras rasposas en delicados temas en español e inglés. María Robot hace un equilibrio entre lo orgánico y el encantador sonido generado por sus instrumentos.

Ya en ese momento cuando los demonios abren la puerta del infierno hacia nuestro mundo, aparece Astrolab-iO para estabilizar el ambiente con un interesante experimento sonoro. Electrónica, noise y ejercicios de composición inusuales retumban las cuatro esquinas de la sala. Los responsables de este viaje son Álex Otaola y Javier Lara, que con su disco homónimo hacen repensar las armonías en un juego que explota en nuestra mente. Electrónica conceptual que enriquece el alma. Lo ideal es disfrutar “Ornitóptero“, “206 huesos“, “A Wilbur Wright/Polisílabos” o “Nautilus” aislado, es decir, con audífonos para percibir su estructura cuadrofónica a binaural. Hipnotiza a tus singulares visitantes con esta grabación que fascina.

La madrugada cae y los primeros rayos del sol se asoman. Los inesperados asistentes se despiden alegres y satisfechos. La presión desaparece y todo es tranquilidad hasta que uno de ellos, antes de irse, te dice: “¡Muchas gracias, pronto nos volveremos a ver!”.

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