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Robert De Niro: 12 personajes que lo convirtieron en una leyenda del cine


Presentamos una lista de las mejores actuaciones del actor para celebrar su cumpleaños número 74.


POR Priscila Núñez  



Foto: Petr Novák

Robert De Niro: 12 personajes que lo convirtieron en una leyenda del cine

Robert De Niro es considerado uno de los mejores actores de todos los tiempos. Desde su participación en The Godfather Part II su nombre se convirtió en sinónimo de prestigio en el mundo del cine.

El actor nació el 17 de agosto de 1943 en Nueva York, ciudad en la que se desarrollan muchas de las grandes historias que protagonizó, como si llevara en la sangre la mirada impasible necesaria para ser gángster.

En sus inicios en el séptimo arte, Robert colaboró en varias ocasiones con Brian de Palma, quien lo dirigió en 1968 en su debut, Greetings. Más tarde, la mancuerna que hizo con Martin Scorsese fue la que nos dejó algunas de las mejores entregas cinematográficas.

Con motivo de su cumpleaños número 74, realizamos un recuento de las mejores interpretaciones del actor:

Vito Corleone
The Godfather Part II
(1974)
Dir. Francis Ford Coppola

Vito es calmado y calculador. Su rostro es tan impasible que incluso cuando asesina parece que trae puesta una máscara que oculta al gángster. En esta segunda entrega del clásico de Ford Coppola, parece que interpreta a Marlon Brando interpretando a Don Corleone, lo que añade otra capa y mayor mérito a su actuación.

Travis Bickle
Taxi Driver
(1976)
Dir. Martin Scorsese

Probablemente este sea el personaje más emblemático en la trayectoria de De Niro. Todo el mundo ha escuchado la frase “¿Me estás hablando a mí?”, pero pocos saben que el actor la improvisó demostrando su gran capacidad para dar vida a un personaje más allá del papel y la simple representación. Hoy en día, Travis Bickle es sinónimo de un hombre perturbado que se convirtió en un héroe.

Michael
The Deer Hunter
(1978)
Dir. Michael Cimino

The Deer Hunter cuenta la historia de un grupo de amigos que van a luchar en la guerra de Vietnam. Mientras que en Taxi Driver interpreta a un hombre solitario con cierto grado de psicosis y en The Godfather Part II da vida a un hombre que va escalando en los peldaños del poder, en esta cinta se puede decir que interpreta a dos personajes diferentes: a Michael antes de la guerra y a Michael después de la guerra.

Jake La Motta
Raging Bull
(1980)
Dir. Martin Scorsese

De alguna manera, el trastornado boxeador que De Niro interpreta en esta película es un resumen de todo lo que el actor ha personificado en la pantalla grande: es una alma solitaria llena de contradicciones que no puede comprender a las mujeres. La Motta podrá ser un personaje monstruoso, pero no es un monstruo en sí.

Rupert Pupkin
The King of Comedy
(1982)
Dir. Martin Scorsese

Rupert Pupkin es uno de los personajes más “extraños” que De Niro ha interpretado gracias a su inaudita normalidad y su banal aspiración a ser famoso, aspiración que lo lleva a secuestrar a su celebridad favorita. Lo complejo de este personaje es precisamente el hecho de que aunque es fácil de odiar, también le agrada al espectador, algo que pocos han podido conseguir.

David ‘Noodles’ Aaronson
Once Upon a Time in America
(1984)
Dir. Sergio Leone

Noodles es un personaje complejo y lleno de contradicciones. Conforme llegas a conocerlo en la película, también te das cuenta de todas las dificultades que ha tenido que enfrentar a lo largo de su vida, y aún así, De Niro consigue que el personaje sea simpático. El actor se encuentra en su zona más vulnerable en esta película y gracias a la guía que significó el director Sergio Leone, podemos asegurar que se trata de una obra maestra del séptimo arte.

Rodrigo Mendoza
The Mission
(1986)
Dir. Roland Joffé

Lejos de todas las películas de Nueva York se encuentra la cinta de Roland Joffé, The Mission, ubicada en la selva latinoamericana en 1700. De Niro interpreta a un esclavista en busca de redención que decide seguir a un misionero para lograr un bien mayor.

James Conway
Goodfellas
(1990)
Dir. Martin Scorsese

Considerada por muchos la mejor película de Martin Scorsese. En Goodfellas, De Niro trabaja junto a grandes actores como Paul Sorvino y Joe Pesci para encarnar al gángster más flemático de los tres. Es en Goodfellas más que en cualquier otra cinta en donde nos queda claro lo aterradora que puede ser una simple mirada de De Niro.

Max Cady
Cape Fear
(1991)
Dir. Martin Scorsese

Este filme es uno de los mejores ejemplos de como se debe hacer un remake. De Niro se las arregla para entregar a un Max Cady más aterrador que Robert Mitchum en la cinta original de 1962, puesto que da vida a un asesino que podría pasar desapercibido aunque el odio siempre estuviera presente en su mirada.

Sam ‘Ace’ Rothstein
Casino
(1995)
Dir. Martin Scorsese

Casino contiene una de las actuaciones más sutiles y humanas de Robert De Niro. En esta cinta se abstiene de todas las necesidades sociópatas que estuvieron presentes en papeles anteriores y entrega un personaje mucho más calculador, un personaje que sabe cómo tratar con políticos, hombre de negocios y con la ley.

Louis Gara
Jackie Brown
(1997)
Dir. Quentin Tarantino

Está película es uno de los trabajos más finos, bien logrados y más infravaloradas tanto del actor como de Tarantino. Aunque la película es protagonizada por Pam Grier y Robert Forster (quien entrega una de las mejores actuaciones de reparto de 1997), es De Niro quien interpreta al criminal perfecto.

Pat Solatano Sr.
Silver Linings Playbook
(2012)
Dir. David O. Russell

La gran mayoría de los personajes a los que dio vida De Niro son personas problemáticas, con pasados obscuros que los han dejado marcados. Pat Solatano parece ser una guiño tardío a los años dorados del actor. Después de una década de malas comedias (a las que tristemente ha decidido regresar), Robert despierta en Silver Linings Playbook todas las habilidades que lo convirtieron en un gran actor en primer lugar.


La Otra Cartelera: Desde el Festival Internacional de Cine en Guadalajara 2014


La edición 29 del FICG ya dió inicio, aquí algunos breves comentarios a algunos de los filmes vistos durante el primer fin de semana del festival.


POR Staff Rolling Stone México  



La edición 29 del FICG ya dió inicio, aquí algunos breves comentarios a algunos de los filmes vistos durante el primer fin de semana del festival.

La Otra Cartelera: Desde el Festival Internacional de Cine en Guadalajara 2014

Por @Arturo Aguilar

Inició la edición 29 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, uno de los eventos cinematográficos más importantes de México y de América Latina.

Durante los próximos días, les estaremos compartiendo lo que se va presentando en las diferentes secciones, concentrándonos un poco en las secciones mexicana e iberoamericana en competencia, sin dejar de lado algunas galas, las películas del invitado de este año, la provincia canadiense de Quebec, algunas presentaciones y más.

Aquí algunos breves comentarios a algunos de los filmes vistos durante el primer fin de semana del festival.

Las Horas Contigo
Dir. Catalina Aguilar Mastretta

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Protagonizada por Cassandra Ciangherotti, Isela Vega y María Rojo, la ópera prima de Catalina Aguilar se sumerge en un mundo femenino donde las relaciones madre-hija se encuentran, por decir lo menos, tensas y complicadas.

La deteriorada salud de la abuela provocará que estas 3 mujeres (complementadas con otros perfiles femeninos a través de personajes secundarios) convivan y se vean obligadas a replantear su sentimiento hacia sus respectivas madres o hijas.

Se trata de una historia de catársis femenina, de identificación personal y de adaptación a nuevos escenarios y etapas de vida. A través del redescubrimiento y re acercamiento entre ellas, Ema (Cassandra Ciangherotti) verá con nuevos ojos a su madre Julieta (María Rojo), lo que le servirá para asimilar mejor la noticia de que está embarazada. También deberá enfrentar la incertidumbre emocional de la casi inminente muerte de su abuela –con quien tiene una cercana relación-, dinámica que la llevará a re plantearse su propia identidad como mujer y su relación hacia el concepto de maternidad.

Un buen debut cinematográfico de Catalina Aguilar, con una película bien llevada, en tonos emocionales y situaciones, que sabe observar los detalles que acercan y alejan a estas 3 mujeres tanto en el presente, como en lo que descubrimos de su pasado. De destacar también la adecuada fotografía, íntima y natural en los espacios en los que se mueve, con cierta elegancia y siempre sabiendo colocarnos en la intimidad de los momentos.

Hoje eu quero voltar sozinho (The way he looks)
Dir. Daniel Ribeiro

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Leonardo es un adolescente en busca de independencia. La tiene un poco más difícil que la mayoría ya que Leonardo es ciego y su familia, lógicamente, ha sido un poco más protector hacia él por ello.

Pero esa característica no es lo único que define a Leonardo, quien como todo adolescente se encuentra en una etapa de auto descubrimiento y auto definición que se dispara cuando conoce a Gabriel, nuevo estudiante de su escuela, y que pondrá las cosas tensas con su mejor amiga de siempre.

Esta película brasileña de Daniel Ribeiro se aleja de los escenarios de denuncia social para centrarse en esta dinámica juvenil y en los sentimientos de sus protagonistas en un lugar entre la comedia romántica y la película de adolescentes y la propuesta independiente y seria del tema de la homosexualidad en nuestra sociedad, visto sin exageraciones, ni falsos pudores. Es una típica historia de amor adolescente, casi meloso, pero entre dos chicos, que lo más que los vemos hacer, es darse un beso.

La naturalidad con la que Ribeiro lleva su filme, permite al espectador desarrollar una empatía clara hacia los personajes, atrapados entre el bullying adolescente, sus personales circunstancias familiares, sus curiosidades de la edad y un par de factores más.

Sin llegar a ser un retrato demasiado profundo, este filme ha logrado al final de sus exhibiciones en las pasadas semanas en los festivales de cine de Cartagena y de Guadalajara, una muy buena respuesta del público a una cinta honesta y sencilla. En ambas funciones, en las que pude estar, los créditos estuvieron acompañados por aplausos de los espectadores.

Maravilla, un luchador
Dir. Juan Pablo Cadaveira

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Quizás recuerden que hace un par de años, un boxeador argentino derrotó a Julio César Chávez Jr. en una pelea de la que mucho se habló antes de la mera noche de los trancazos.

Este documental se asoma a la vida de este boxeador, el argentino Sergio ‘Maravilla’ Martínez, su ascenso desde juvenil, su deseo de destacar, las circunstancias de su familia (sin caer en exceso en el lugar común de la historia de superación del deportista de estrato bajo que sale a través de este esfuerzo) y los increíbles obstáculos que ha debido sortear para cumplir su sueño de ser campeón del mundo tras años de ser usado como peón sacrificable en el ajedrez de intereses que es el Consejo Mundial de Boxeo y la industria misma detrás de este, incluyendo a los promotores y el manejo de televisoras de todo lo que sucede en este deporte.

La rivalidad con Chávez Jr. y las circunstancias en las que este duelo subió de temperatura hasta su desenlace una noche en un ring en Las Vegas, permite tener un panorama más amplio de lo que sucede detrás del deporte, y nos ofrece una mirada muy distinta a lo que la mayoría de los medios en México hablaban de la pelea, de ‘Maravilla’ y del propio Chávez Jr. y de su padre, el mítico Julio César Chávez.

La fabulosa y patética historia de un montaje llamado I Love Romeo y Julieta
Dir. Manolo Caro, Rodrigo Mendoza

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Es innegable que Manolo Caro es un director (de teatro y cine) con talento, y sobre todo, con una curiosidad que lo ha llevado a experimentar en conceptos y proyectos que juegan en las fronteras de lo establecido. Sus obras de teatro pueden convertirse en una película o sus películas pueden dar pie a una posible puesta en escena. En esos terrenos híbridos, se propuso crear un musical con música de Juan Gabriel y otros referentes actuales de cultura pop nacional con la historia de Romeo y Julieta de William Shakespeare. Paralelamente, un equipo de filmación se encargaba de documentar el proceso necesaria para llevar a cabo esta obra (desde la pre-producción y el casting hasta el estreno y las reacciones de público y prensa) que finalmente no funcionó (al no atraer público).

Lamentablemente, a pesar de lo interesante de la idea, al documental le pasa lo mismo, no funciona. Se convierte en una suerte de explicación o argumentación personal de por qué no funcionó el proyecto, de lo que no se ve y se debería (según él) considerar en relación al esfuerzo y dificultad de echar a andar ideas así.

Sin duda las ideas son interesantes, hay ahí algo único, pero en ambos casos, la ejecución deja que desear y no permite conectar con la película, que se siente como una terapia catártica que le permita decir lo que traía por dentro respecto a su proyecto teatral.

En varios momentos el documental se siente forzado y las participaciones de los involucrados en la obra, incluido el propio Caro, se sienten demasiado conscientes de que están siendo grabados para explicar algo más adelante.

Al final, se siente como si hubiéramos asistido a la terapia de Caro donde deja salir lo que quería decir para hacer una catársis sobre el difícil proceso de la obra. Sin duda interesante por lo que expone – por encima- de la realidad teatral y de proyectos de este tipo en nuestro país, pero que no llega a mucho más.

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