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St. Vincent hizo un cover a “London Calling” de The Clash


La cantante interpretó el éxito de The Clash en el programa BBC Radio 1.


POR Álvaro Tamés  



St. Vincent hizo un cover a “London Calling” de The Clash

Annie Clark, mejor conocida por su pseudónimo St. Vincent, se presentó en el programa BBC Radio 1 para promocionar su más reciente álbum, Masseduction.

Durante el show, Clark interpretó versiones acústicas de las canciones de su nuevo LP, así como un cover del clásico de 1979, “London Calling” de The Clash.

St. Vincent se encuentra de gira por diversas parte del mundo promocionando su quinto álbum de estudio.

Escucha a continuación a St. Vincent tocar “London Calling“:


“No hay nadie más exigente con uno que uno mismo”


En 2006, después de sufrir una trombosis, Cerati dejó de fumar –momentáneamente– y durante la gira de ‘Ahí Vamos’, su disco más rockero desde ‘Canción Animal’, nos concedió su última entrevista larga a solas. Éste es un outtake de esas conversaciones, en las que revisó como nunca antes su infancia, los años ochenta y las secuelas de una vida en la ruta. “Hace mucho que me considero un sobreviviente”, dijo.


POR Staff Rolling Stone México  



“No hay nadie más exigente con uno que uno mismo”

Por Óscar Jalil

Cuando Óscar Jalil y Ernesto Martelli entrevistaron a Gustavo Cerati en 2006, el exlíder de Soda Stereo venía de recibir una alarma sobre su salud —una fibrotrombosis le había impedido caminar, dejándolo en terapia intensiva—, el primer indicio de que algo no estaba bien. “Fue un susto suficiente como para decir: ‘¿Quiero que la próxima sea directamente el fin?’”, le dijo Cerati a Rolling Stone en una combi camino a Ezeiza, en el inicio de una serie de entrevistas on the road durante la gira de Ahí vamos, que continuó en Nueva York y el DF.

Después de 25 años de vida en la ruta, de giras interminables al frente de la banda más importante del rock latino, el cuerpo finalmente le había dado una señal y hasta había dejado de fumar. “Pero él no parecía asustado”, recuerda Jalil hoy. “Era como si tuviera una confianza inconsciente de que nada le podía pasar”. En el plano musical, estaba en el mejor momento de su carrera solista, experimentando el éxito individual justo antes de reunir a Soda. Además, se había dado el gusto de armar un grupo sumando antiguos colaboradores (Richard Coleman, Fernando Samalea, Tweety González) a los músicos de su etapa solista (Fernando Nalé, Leandro Fresco) y tenía en Ahí Vamos su respuesta individual a Canción animal. Este outtake es parte de las primeras tres horas de entrevista. “Justo, justo en ese momento”, dice Jalil, “él sabía que tenía algo grande entre manos”.

La etapa pre-Soda Stereo no es algo de lo que se hable generalmente, y antes de Soda tenías un grupo, Vozarrón. Era así, ¿cierto?
Sí, pero no fue precisamente la primera banda. Ni siquiera era una banda mía, era de Marcelo Kaplan, y por ahí desfilaron varios músicos, sobre todo músicos de un extracto más de fusión, de jazz, porque de eso era la banda.

¿Eso era lo que tú escuchabas en ese momento?
Sí. En realidad yo en esa época estaba escuchando mucho reggae, de una manera casual, si bien estaban empezando a sonar las primeras cosas post punk y new wave.

Hablamos de 1979, más o menos…
Sí, lo que vino después del punk, o lo que salía del punk mismo con gente como The Clash, que empezaban a incorporar el reggae. Pero, casualmente, en esa época mi madre estaba estudiando en la Facultad de Filosofía y Letras, una época un poco complicada para estar en eso. Una amiga suya había estado viviendo en Jamaica y le dio una colección enorme de discos, sabiendo que yo era músico y que por ahí me interesaba. Yo recién empezaba a entender de qué cuernos se trataba el reggae, así que me cayeron en las manos un montón de discos de Toots & The Maytals, discos que sacaba una compañía de aviación, por ejemplo; muchos sencillos con sus versiones dub del otro lado. Y en ese momento preciso yo estaba con esa música.

¿Viste el show de The Police en 1980, en Obras?
Sí. Los vi en realidad en el New York City, que estaba a la vuelta de mi casa. Ahí fuimos con Zeta (Bosio). La cuestión es que en ese momento yo estaba tocando con Vozarrón, cantaba un tema que se llamaba “Marítimo”. Yo mentía, decía que tocaba muy rápido, pero en realidad tenía una banda de música disco. Estaba como trabajando de la música. Estudiaba Publicidad, hacía un año que había terminado de hacer el servicio militar, así que había empezado recién. Y lo que pasaba era que yo trataba de meterles ritmos reggae a cuecas, a músicas que hacía Marcelo. Tocamos en La Trastienda. Una vez también tocamos en un Obras chiquito que se hizo, con toda una movida que tenía que ver con la música de jazz, de fusión y folclórica. Eran épocas en donde yo, al mismo tiempo que estaba escuchando los primeros discos de The Police, escuchaba Return to Forever, y que venía toda la locura Mahavishnu. Yo era un absoluto fan de Genesis, de King Crimson, de Yes, y ya en ese momento era como una especie de actualización lo que pasaba con el jazz rock, desde ese disco de Billy Cobham, Spectrum.

¿Y Steely Dan?
Steely Dan, claro. Y bueno, ya después… la locura Jan Hammer. Y todo eso empezaba a mezclarse con el rock, Jeff Beck, mi guitarrista favorito de esa época, tocando con Jan Hammer. Todo se me mezclaba, parecía que todos los héroes estaban juntos. Superhéroes juntos. Todos tocaban a mucha velocidad y, como todas las cosas, la excitación.

¿Y cómo crees que se pasa de todo eso a la simplificación que proponía The Police?
Claro, cuando aparecen grupos como The Police, especialmente The Police, que me llegó de una manera muy… Yo tenía muchas bandas, muchas bandas. Antes de formar Soda Stereo y dedicarme concretamente a una, tenía muchas novias musicales. Vozarrón era una, tenía mi grupo de música disco con dos inglesas, ya desde los 15,16 años me gustaban mucho Commodores, Earth, Wind & Fire, Parliament Funkadelic… Tenía también toda esa parte.

¿Esa era la música que pasaban en las fiestas donde ibas a bailar?
Escuchabas esa música, te la ponían con Led Zeppelin y aparecía Kraftwerk también. Me empecé a hacer como un poco especialista en esa parte negra pop, soulerofunkera de mediados de los años setenta que convivía con el heavy metal. Eso es una cosa que, vista desde hoy, parece una deformidad, porque después esas cosas se pusieron más tribales. Pero en esa época yo tenía una banda que se llamaba Koala y hacíamos música afro. Tenía un trío en Flores con el que tocaba blues, con el baterista de La Máquina, que tocaba con un palo de escoba, y por ahí pasaba de golpe a improvisar Pappo con unas bestias del blues y del rock.

¿Dónde empezó tu gusto por tocar la guitarra rítmica?
Bueno, en el grupo este de música disco tenía que ir sacando temas todos los días y se los pasaba a las chicas que cantaban en inglés. Yo también cantaba y hacíamos versiones. Y a veces se iban mezclando: De golpe, al tecladista que tocaba en Vozarrón lo llamaba Marcelo para que viniera a tocar el teclado en estas fiestas que hacíamos. Porque hacíamos muchas fiestas judías, eran los que hacían las fiestas que podías… ¿Cobrar? Son los que pagaban. De ahí salieron bandas como Nomady Soul, La Torre, nos cruzábamos. En uno de esos shows, me acuerdo de haberme encontrado con Pipo Cipolatti, que tenía una banda que se llamaba Tito y sus Espátulas. Cosas así. Eran trabajos, trabajo de músico. Tenía esa banda, Vozarrón… Con diferencias de tiempo empecé a trabajar con Zeta, con (Andrés) Calamaro, en lo que después —mucho después— iba a ser Soda Stereo. Pero era una banda que también intentaba hacer covers, tocar en fiestas.

Ellos estaban mejor posicionados, la banda de Zeta tocaba en Punta del Este. Morgan, se llamaba. El cantante se fue para hacer un proyecto discográfico y entré yo, y Calamaro también estaba. Venía de Raíces y después se fue a Los Abuelos, directamente. Un Calamaro new wave.

¿Qué te pasó cuando viste a The Police?
Nos volvimos locos. Con Zeta éramos absolutamente fans de The Police, y no podía creer que tocaran a media cuadra de casa, así que desde temprano estábamos ahí. Incluso llegamos a ir hasta el Sheraton. Yo me hice firmar un póster que tenía, que había salido en la revista Pelo; que era terrible, una de las fotos más feas que le pudieron haber sacado a los tipos. Era tan fea que me pusieron como: “¡¿Qué es esto?!”, una cosa así.

¿Los tres te lo firmaron?
Los tres. Los encontramos a los tres, no pudimos ni hablar, yo estaba re… incluso tengo una foto muy ridícula que me sacó Zeta al lado de Sting, pero es imposible. No reconoces a nadie, salió todo movido. Y en realidad, era uno de los tantos que estaban ahí. Era muy, muy fan.

Muchos años después, cuando los conociste, ¿les hablaste de eso?
Sí, les comentaba lo que había pasado aquella vez, nos reíamos. Dos de los The Police terminaron ofreciéndote tocar con ellos.

¿Fue un sueño de infancia hecho realidad para ti?
De alguna manera sí, lo que pasa es que es un sueño a destiempo, en un lugar en donde no parecía corresponder. Un día yo estaba en Chile y sonó el teléfono. Contesté y era una persona, no recuerdo ahora su nombre, pero que hablaba en nombre de Miles Copeland (manager de la banda). Yo no entendía muy bien, era por un disco tributo a The Police. No lo tomé muy en serio, me pareció medio raro todo. Después, directamente el que habló fue Miles Copeland, entonces me cuenta un poco la cosa, me pide que elija un tema, que lo iba a hacer con los dos (Andy Summers y Stewart Copeland), porque Sting no participaba en el proyecto (Outlandos D’Americas, un disco de rock en español tributo a The Police, de 2000); en ese momento, Sting era muy popular y estaba tocando un montón, así que era una cosa que iba a involucrar a Andy Summers y a Stewart Copeland. Yo no lo podía creer, dije: “¡Qué increíble!”. Me puse a buscar: “Carajo, ¿qué tema hago?”. Di mil vueltas, llegué a “Bring on the Night”, sobre todo porque siempre admiré mucho la estructura armónica y melódica, y la onda de guitarra que tenía. Me producía mucho placer, así que me fui por ese tema. Cuando llego allá, me entero de que Stewart Copeland, con el cual había tenido una cena la noche anterior, decidía no participar en la misma grabación con Andy Summers, entonces Stewart Copeland terminó con Jaguares, y yo con Andy. No nos conocíamos y fue genial. Andy Summers y el baterista Vinnie Colaiuta, un animal. Yo fui con la versión y la idea mía. Decía: “Mira, lo que quiero es grabarla como si fuera The Police”. Yo en esa época estaba trabajando más con electrónica y cosas así, pero realmente quería grabarlo como lo hacían ellos, con ese virtuosismo pero tocado con una energía primaria. Entonces me colgué el bajo. A mí me gusta mucho tocar el bajo, tengo como buen feeling para tocarlo. Y ahí estaba Vinnie Colaiuta y yo no lo podía creer. Estaba realmente en el paraíso tocando el tema. Una vez que supimos la estructura, fueron tres minutos y se grabó de una toma. Pero pobre Andy, le cambié la nota, la afinación del tema, el tono, entonces ese riff tan maravilloso de guitarra ya no le funcionaba tan bien desde el punto de vista mecánico, y tuvimos que hacerlo a cuatro manos. Tengo fotos increíbles. Hay una de los dos haciendo el riff.

¿Seguiste en contacto con Andy Summers?
Nos hicimos amigos y fue como una persona de consulta. Yo en esa época recién había terminado el tema Soda Stereo, y era toda una situación muy fuerte para mí, emocionalmente, cómo resolver todo ese tipo de cosas.

¿Cómo quedaban las relaciones así?
Fue alguien con quien charlé mucho de ese tema, además de mi natural admiración por lo que habían hecho ellos y por lo que eran como músicos. Y te invitaron a hacer gira con ese disco de versiones en español, también. Hice la versión, Miles la escuchó y me llenaron de elogios. Pero después la cosa no terminó ahí. Cuando yo vuelvo a Buenos Aires, me llama Miles y me dice: “Voy a ir a Buenos Aires porque quiero hablar contigo”. Y vino a Buenos Aires, específicamente para hablar conmigo, para convencerme de hacer una gira.

¿Y tú ibas a cantar?
Sí, sí. Me dice: “Ellos murieron contigo”. O sea, Stewart se agarró la cabeza, según lo que me contó Miles. Odió no haber podido tocar, le encantó la versión Andy estaba muy contento, así que estaban muy emocionados con esa idea. Una de estas ideas locas de Miles, otro personaje increíble. Para mí, él también era como un libro. Un tipo que venía con el padre de la CIA, toda esa historia, seguía manejando a Sting; tenía que manejar las relaciones con los otros.

Pusiste primero tu decisión artística que tu fanatismo adolescente. Aunque debe haber sido difícil para ti decidirte, ¿no?
Después de The Beatles, no hubo otro grupo en producirme la sensación de querer estar ahí como lo hizo The Police. Esa situación de querer vivir con eso, incluso de teñirte el pelo si es necesario. Después de tanto escuchar rock, y virtuosismo, y yo mismo caer en esa situación de ver qué tan rápido puedo tocar, fue encontrarme un grupo que naturalmente vino de Sex Pistols y cosas que dieron vuelta a la tortilla, pero que lograba tener una sensibilidad pop bastante profunda y conocedora. Porque The Police existe porque existieron The Beatles, está clarísimo eso. Y encontrarme de vuelta con esa sustancia pop y con esa energía, fue como único ese momento, y fue muy instructivo para salir a tocar. Cuando Soda Stereo sale a tocar, salimos tratando de emular esa energía. Esa fue la escuela.

El primer disco que tú te compraste, que fuiste a una tienda y dijiste “quiero éste”, ¿cuál fue?
Los éxitos (del programa) Modart en la noche. Le pedí a mi padre: “Cómpramelo”. Porque yo no recuerdo cuál fue el primero que compré con mi dinero o con el dinero que me dieron. Básicamente, le pedí que me lo comprara por un tema muy pedorro, que se llamaba “Señor Yamamoto”, que era un silbido (la canción, de Hervé Vilard, en realidad es medio tarareada). Un hit, muy pop. Pero en ese disco (se refiere específicamente al segundo volumen de los compilados Más de Modart en la noche) venía con un cargamento pesadísimo; venía “Purple Haze” de Jimi Hendrix; dos temas de Bee Gees, “El desastre minero…” y “To Love Somebody”; y un tema de The Who, “Pictures of Lily”. Y después un montón de otras cosas. Bueno, con esos cuatro temas ya puedes armar un pedazo de la historia del rock. Yo tenía uno de esos clásicos combinados, con la bocina grande al medio y los dos al costado. Si ves el video de “Ella usó mi cabeza como un revólver”, un poco de ahí salió la idea, porque mi placer era poner la oreja en el amplificador grave, escuchar los graves. Cuando escuché “Purple Haze” de Hendrix, sobre todo ese y “Pictures of Lily”, lo que pasaba con el equipo me volvía loco. Me acuerdo la excitación del rock.

¿Cuántos años tenías ahí?
1967, 1968. ¿“Purple Haze” de qué año será?

Es de 1967.
Así que tiene que haber sido ahí, 1967, 1968. Era chico.

¿Cuál fue el primer concierto al que fuiste?
El primer concierto al que fui fue Santana, en (la vieja cancha de) San Lorenzo. Y por mucho tiempo más no fui a ninguno. Fue lo único que vi, fue un flash totalmente increíble: Santana en su momento más glorioso.

¿Cómo fuiste? ¿Te llevaron?
Fui con unos amigos más grandes. Y yo ya estaba escuchando todo lo que había pasado después de Woodstock, y Santana venía con una formación así, matadora. Recuerdo lo último que dijo: “Vamos todos a culear”, o algo así. Pero me quedó marcadísimo (risas). Otro con el que terminé tocando en un concierto: Con Santana toqué en Colombia, prácticamente no hay registro de eso. Es curioso porque tocamos los dos: Soda Stereo y Santana juntos, en un tremendo estadio. Un flash. Después Santana me invitó a tocar con él, solos, imagínate. Charlando le pregunté por gente como Chepito Arias. Me acuerdo que Santana decía: “Ustedes manténganse juntos”. Lo decía como… Nosotros ya estábamos a punto de tronar, estaba todo medio mal.

Todo eso definió tu manera de entender la música.
Habíamos acumulado mucha información. En realidad con Soda Stereo, antes de empezar a tocar, acumulamos información. Música. Teníamos miles de nombres para un grupo, ideas. Pero con Zeta no podíamos hacer mucho nosotros dos, nos faltaba baterista, estábamos buscando cómo armar la cosa. Así que básicamente con los teclados de Calamaro hacíamos música electrónica con un aparato llamado 202: Unos teclados que había dejado Calamaro por ahí (y que después vino a buscar), y con eso grabábamos horas y horas mientras estudiábamos para la facultad. Pero escuchábamos música todo el tiempo. También, como estábamos un poco en el asunto de la publicidad, tratando de meter la nariz ahí, decidimos armar una agencia nosotros, con Zeta y un chico que se llama Ernesto Savaglio (que hoy tiene otra agencia). Entonces Alfredito Lois, Zeta, Savaglio y yo conformábamos nuestra agencia, que en realidad era un proyecto muy ridículo. Era una agencia de Prode que tenía el padre de Savaglio, y arriba nosotros funcionábamos y vendíamos como una especie de semanario para Villa Adelina, para la zona, para conseguirnos un par de cuentas. Una era (la funeraria) Cochería Paraná, imagínate, a ese nivel. En realidad estábamos tratando de ver si podíamos hacer algo con eso, porque a mí las experiencias que había tenido en agencias de publicidad no me habían gustado. En realidad hacíamos esto para escuchar música todo el día. Y estábamos enloquecidos: Desde Ramones a Skatalites, pasaban muchísimos discos, y yo me acuerdo que lo que hacíamos todo el día prácticamente era eso. Savaglio era un tipo que quería realmente meterse en publicidad, así que un día, caminando por la 9 de Julio, me acuerdo que hizo la pregunta que decidió nuestro destino: “¿Qué carajo quieren hacer, se quieren dedicar a la publicidad o quieren seguir escuchando música?”, porque estábamos ya planeando cómo iba a ser nuestro grupo antes de que tuviéramos el grupo en sí mismo. Y ahí tomamos la decisión, dijimos: “No, seguimos con la música”. Y Alfredito, Zeta y yo nos pusimos en campaña para encontrar un baterista para armar el grupo.

¿Cómo calibras tu ego? ¿Cómo manejas la diferencia entre lo que ven los demás de ti y lo que tú ves?
He tenido crisis de no poder enfrentarme con eso, de darme cuenta de que probablemente estoy tratando de manejar algo que es inmanejable. En un punto, hay una necesidad mía de controlar las cosas. Eso que quizás se muestra ante los ojos de los demás: Alguien que parece que está siempre en sus cabales y es verdad que yo hago fuerza en ese aspecto, necesito tener como ese control. Pero muchas veces no lo he conseguido y se me ha complicado la situación, y he perdido el control sobre mí mismo y me han tenido que reconstruir a pedacitos, directamente. Y esos son duros golpes para el ego.

¿Algún ejemplo, para entenderlo mejor?
Por ejemplo, recuerdo haber estado tres meses sin salir de mi casa, con paranoia de salir. Pero no porque me fuera a pasar algo, sino por no poder enfrentarlo. Prácticamente es un ataque de pánico, no del todo declarado; no es que me faltó el aire o algo así. Con la muerte de mi viejo las cosas cambiaron muchísimo. Ahí apareció la debilidad, la posibilidad de la muerte, el arrastre que lleva consigo eso y hubo muchos cambios en mi personalidad en ese aspecto, de creerme así un poco inmune, de caminar un poco en el éxito de las cosas y no darle importancia a los fracasos que están ahí y son patentes, y que tienen que ver con… Fracasos no, errores. Situaciones que no solucionas y que, en algún momento, explotan. La cuestión de las relaciones, el no tener tu casa, el vivir todo el tiempo en una especie de nube, porque realmente en una gira… Es tu vida, pero hasta que empiezas a entender que es tu vida, no
sabes bien si quieres que eso sea tu vida.

Hasta Soda Stereo no había un antecedente en el rock argentino de lo que les pasó a ustedes: Las giras, los hoteles, la histeria, la locura, y esas sensaciones. Sin embargo, es como si a ti no se te midiera con la misma vara que a Charly García o Andrés Calamaro.
Bueno, lo tomo.

¿Tú no lo ves así?
No sé, puede ser. Sí, evidentemente siempre he generado como una especie de cosa, gente que me pone como el anti-esto. He funcionado así. Quizás porque sí, se espera mucho de mí. A veces he tomado caminos que a lo mejor han dejado afuera a un montón de gente que le interesaba una parte de lo que yo podía desarrollar. No sé, digo, por ejemplo, cuando empecé a hacer más música electrónica.

Además, con Soda Stereo armaste el soundtrack de toda una generación. Muchos quieren volver a esa euforia adolescente.
Sí, eso también. Pienso que de alguna manera se transmite como una especie de soberbia mía que no es real, porque no tengo una actitud así. Sí, como todo el mundo, he sido de separar las aguas: “Me gusta esto, pero esto otro no tanto”. Por ahí yo me he animado o he dicho cosas que otros no han dicho, con respecto al panorama musical, o me he ubicado en algún lugar con cierta crítica que ha producido molestias. Pero a mí me pones un blues y te voy a tocar un blues.

Eso no lo sabe tanta gente.
Pero yo creo que la gente lo percibe, se da cuenta. Igual no hay nadie más exigente con uno que uno mismo. Cada vez me pesa me nos lo que dicen, y me parece una empresa imposible tratar de agradar. Porque así como ahora, qué sé yo, este disco (se refiere a Ahí Vamos)… Porque realmente es este disco, ma ñana qué sé yo… Mañana puedo hacer un disco acústico. Haré cualquier cosa que me resulte divertida en ese momento y en la que me parezca que tengo algo que puedo decir.

Federico Moura fue el productor del primer disco de Soda Stereo (Soda Stereo, de 1984) ¿Cómo fue tu relación con él? ¿Llegaron a tener una amistad?
Federico fue probablemente el músico con el que más cercanía y amistad tuve en toda esa época. Era una especie de hermano mayor, por decirlo de alguna manera, porque él ya era más grande y tenía más experiencia. Pero teníamos una sintonía de quedarnos a charlar muchísimo con Federico, y de ir a su casa y pasar mucho tiempo juntos. Sobre todo a partir de lo que pasó con Soda Stereo. En realidad él conoció a Soda Stereo por (el empresario Carlos Rodríguez) Ares, estábamos en la misma agencia, le gustó el grupo y quiso producirlo; pero no nos conocíamos mucho todavía. Y después de eso entablamos una relación, particularmente mía con Federico, aunque también con Julio, Marcelo, los chicos. Entre Soda Stereo y Virus fuimos como muy compinches. Daniel Melero me contó que, una vez, Tweety González le pegó una calcomanía en el teclado, mientras los dos tocaban con Soda, que decía: “De tocar ni hablemos”, y que él lo tomó como un halago porque a él no le interesaba tocar. Pero que en el grupo había como ese tipo de competencias. Sí. Daniel estaba, como te imaginas, adelantado a su tiempo, y además también hacía gala un poco de esa escuela Eno. Alguna vez definí a Daniel como “Sandreno”, una mezcla de Sandro con Eno. Él pregonaba la cosa del no-músico, pero nosotros ya desde ese aspecto vimos su capacidad. Daniel iba a ser uno de los integrantes de Soda Stereo, como fue Richard (Coleman), como fue Ulises Butrón en su momento, antes de que decidiéramos seguir como trío. Daniel también fue una de esas personas que venía y con sólo un dedito hacía maravillas. Se notaba claramente cuánta música tenía adentro. Era resistido dentro de Soda, había resistencia. Pero como una resistencia sarcástica, tampoco era una resistencia real.

¿Cuáles serían tus clichés?
Y… de golpe hay ciertos lugares por los que de alguna manera he pasado, y que me doy cuenta en las formas de las estructuras GUSTAVO CERATI 1959-2014 de las canciones, en algunos sonidos. Me relajé mucho no teniendo el prejuicio de repetirme cosas, aunque no hay repeticiones concretas, sino citas. Y no hay una cita, o sea… a este disco se lo ve como más cercano a Soda Stereo. Parecería como más “englobador” que el resto de mis discos so listas. Yo digo que sería como una especie de reconciliación con muchos momentos míos. Sin haber estado peleado y sin haber estado en otra postura. Cuando hice Bocanada, quería hacer electrónica. En realidad, Soda Stereo de alguna manera era una prisión artística para mí. Llegó a serlo porque además nuestras relaciones estaban estancadas y la cosa se endurece y se quiebra, por no tener la elasticidad del movimiento. La sensación que yo tuve después de Soda fue: “Ahora puedo hacer cualquier cosa, puedo tocar con quien yo quiera”. De hecho, Bocanada es una especie de collage de muchas músicas que me gustan, y de lo que se me iba ocurriendo, y de músicos que venían y desfilaban, y de mi casa, y de la cosa íntima. Y al mismo tiempo era el proyecto después de Soda Stereo. Siempre es hoy ya empieza a ser una búsqueda más de instantaneidad, una cosa más grupal, más social, que en Ahí vamos se expresa todavía más.

¿Cómo te hacen sentir los hitos de tu carrera, las 250 mil personas en el Obelisco? No muchos artistas de Latinoamérica han logrado algo así.
Por eso siento que uno va construyendo su propio camino, y es difícil mirar hacia los costados y pensar qué relación tiene esto con otra cosa. Sin duda tengo relaciones con muchos músicos, incluso con solistas, qué sé yo, con Charly (García), con gente así, que tengo mucha cercanía. Pero las experiencias son intransferibles, son caminos diferentes. Tanto Soda Stereo como yo, no he pertenecido a ninguna camarilla o grupito dentro del rock. Quizá por cierto prejuicio a ser encasillado, ¿no? Nunca pertenecí a una escena. Creo que una de las cosas que también funcionó, cuando yo siento que en la prensa se instala la idea del artista cool, parecía que era el dueño del midtempo yo acá. Ahí me asusto, digo: “Yo no soy así. Yo toco la guitarra”. Tampoco es que mi música sea una reacción, pero cuando se pone en el contexto del mundo alrededor, sí. Y también de lo que yo mismo espero de mí. Hubo una época en donde me puse en esa situación también, me sentí más afectado, sentí como que se estaba dibujando un perfil mío con el cual me parece que no tenía tanto que ver. Yo no creo que Spinetta sea inmune, debe tener un nivel de paranoia. Pero lo profesan de otra manera. Yo estoy más en el aquí y ahora, ¿eso es lo que dices? Eso puede ser, sí. No lo había pensado así.

¿Cómo hiciste para mantener tu personalidad a lo largo del tiempo?
No, la fui construyendo, no es que la mantuve. Hubo seguramente alguna línea más o menos coherente.

¿No hay una convicción inicial que mantienes?
Hay ciertas convicciones que son iniciales y que mantengo totalmente, desde el momento que yo decidí hacer la música que yo quería y nadie iba a proponerme. La intención de tener éxito la teníamos. Una banda necesita juntar su gente, tener discos y que todo eso funcione. Pero hay costos que yo no estaba dispuesto a pagar de ninguna manera. Y eso son convicciones. Eres chico, firmas contratos leoninos, pero jamás dejé que intervinieran en la parte artística. Tuve suerte.

Cuando miro hacia atrás, es verdad que he mantenido ciertas formas porque es mi característica personal. En realidad he descarrilado muchas veces y a lo mejor no han coincidido necesariamente con situaciones públicas. En el caso mío han sido más que situaciones así, realmente explosivas, acumulaciones, ¿no? Acumulaciones. Y no estoy hablando solamente de drogas.

Pero hay una especie de sabiduría pop que has construido a lo largo del tiempo, ¿no la percibes?
Hay una sabiduría pop, y sí, con el tiempo van cayendo fichas. Pienso que yo he ido mejorando la forma en la que puedo componer. Yo siento que eso ha mejorado. De qué manera te afectó esa doble vida, de tener como muchos antecedentes rock y al mismo tiempo manejar ese conocimiento pop, una combinación bastante inusual. La verdad es que no sé, supongo que te pasará igual: Vivimos la década de los años setenta y hablamos de qué era lo que bailábamos. Yo iba a los bailes, a las fiestas, y sonaba Led Zeppelin, sonaba Kraftwerk; y Led Zeppelin, más allá de un tema, nunca tuvo hits, y sin embargo era pop. Para mí, el pop es lo que logra el rock cuando se sensibiliza y adquiere esa especie de… yo le llamo “doradez”. Y en ese aspecto, todas esas grandes bandas con esos increíbles discos, eran pop. Y vinieron de la cultura del rock, que es donde yo me siento más cómodo. Yo participo mucho de esa cultura. A mí el rock sin el pop no me sirve mucho, no me interesa tanto. Es una demostración de energía, es un sonido. Se me cae. A mí me gusta el rock cuando tiene esa parte pop, cuando te sale de la radio, te explota en la cabeza. Y cuando se conjugan esas dos cosas, realmente se produce algo que ha sido lo que me ha motivado a mí para estar donde estoy.


Marvel creará portadas de cómics en honor a Nirvana, The Clash y Blondie


Previamente, la empresa de historietas publicó portadas de artistas hip-hop.


POR Julio Cruz Montoya  



Marvel creará portadas de cómics en honor a Nirvana, The Clash y Blondie

Desde 2015, Marvel ha publicado una serie de portadas inspiradas en artistas de géneros como el hip-hop y el R&B. Músicos como Frank Ocean, Beyoncé, Kanye West y más han visto una recreación de las portadas de sus álbumes.

Ahora, la icónica empresa de historietas lanzará una versión rock, la cual será protagonizada por Nirvana, The Clash, Guns N’ Roses y Blondie. Los discos que verán su portada modificada son: Nevermind, London Calling, Appetite for Destruction y Parallel Lines.

A continuación puedes ver las portadas de rock que prepara Marvel:


The Good the Bad & the Queen prepara nuevo material


La agrupación formada por Damon Albarn e integrantes de The Clash, The Verve y Afrobeat lanzará su segundo álbum.


POR Julio Cruz Montoya  



The Good the Bad & the Queen prepara nuevo material

The Good the Bad & the Queen es una superbanda formada por Damon Albarn (Blur, Gorillaz), Paul Simonon (bajista de The Clash), Simon Tong (guitarrista de The Verve) y Tony Allen (baterista de Afrobeat). La agrupación liderada por Albarn no estrena material desde hace 10 años (cuando lanzaron su álbum homónimo) y la última vez que tocaron juntos fue en 2011.

“El Brexit obviamente nos ha dado un punto de inicio”, comentó Damon Albarn para Q magazine sobre la inspiración del segundo álbum de la banda, el primero en una década.

En 2014, la mente maestra de Gorillaz y Blur mencionó que había terminado de escribir el nuevo disco de The Good the Bad & the Queen y que sólo faltaba grabarlo, pero al parecer los nuevos acontecimientos mundiales modificaron las intenciones del músico.

Más información sobre The Good the Bad & the Queen próximamente.

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La historia de Rolling Stone México: marzo


En los meses de Marzo.


POR Staff Rolling Stone México  



La historia de Rolling Stone México: marzo

Nuestra revista ha sido engalanada con varios personajes de la cultura popular para que a través de sus palabras, conozcamos más sobre sus proyectos. En esta ocasión, y para seguir celebrando estos 15 años junto a ti, desempolvamos nuestro baúl y te recordamos algunos artículos que publicamos en los meses de marzo. Hay para todos los gustos con declaraciones que han sido memorables.

2003
En ese año, Shania Twain seguía recogiendo el gran éxito de su álbum Up!, una producción que se alejaba del country para cantarle al pop. Su talento y belleza fueron la imagen de nuestra portada. Además, tuvimos una exclusiva con Ben Affleck, protagonista de Daredevil.

“Cuando estaba consierado tomar este papel, alguien me dijo que de hacerlo, siempre iba a ser percibido como Daredevil, que nunca más podría interpretar exitosamente a otro personaje de cómic”.
Ben Affleck

shania

dare

2004
Además de nuestro gusto por el azúcar morena, entrevistamos a uno de los mejores cómicos de México: Andrés Bustamante. Nos hizo reflexionar y reír en el encuentro que tuvimos.

“Creo que todos estamos buscando tener un estadista en la Presidencia de la República y no hay escuelas para ser Presidente. Lamentablemente todos van teniendo un aprendizaje; ya que están arriba se empiezan a dar cuenta de cómo está la onda, caen en la realidad”.
Andrés Bustamante

beyonce

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2006
Este mes viene Placebo a México y hace varios años los tuvimos en portada. Una entrevista con Brian Molko y Stefan Olsdal sobre su álbum Meds. Y en cine, sostuvimos una conversación con Luis Estrada, director de La ley de Herodes.

“Aún sigo usando maquillaje y sigo muy interesado en la moda, pero yo no me pongo vestidos, porque, a mi edad, parecería drag queen“.
Brian Molko

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2007
Unas colegiales que además de portarse mal, también querían divertirse. Camila Sodi y Martha Higareda fueron protagonistas de la película Niñas mal. Por otro lado, publicamos entrevistas con el elenco de Lost, una serie que marcó historia en la televisión.

“Pese a lo que la gente cree, yo crecí tan libre… Pero tan, tan libre. Puedo ser lo que quiera ser. Ahorita puedo retirarme y hacer yoga en un monte por 40 horas. Tengo tantas posibilidades… Y eso se lo agradesco a mi educación”.
Camila Sodi

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2009
Unos beatles coloreados para recordar que su fin era eminente. Tuvimos acceso a nuestro archivo para reproducir las palabras de John Lennon. Además, todo lo que pasaba en 1969 desde Vietnam hasta Woodstock y con 25 discos de esa época.

“El trabajo con The Beatles ya no me resultaba tan interesante aunque en cierto sentido, me parece que todos estábamos aburridos”.
John Lennon

beatles

lennon

2011
Una portada que en su momento fue polémica entre nuestros lectores. Pero Justin Bieber ha sido un fenómeno del pop y aquí le hicimos una interesante entrevista. En esa edición contábamos con la colaboración del Dr. Ozzy Osbourne quien con picardía, respondía las preguntas de los lectores. Además, entrevistas exclusivas con deadmou5, R.E.M., Ke$ha y recordamos a The Clash.

Michael Jackson es mi inspiración. Cuando murió, no lo podía creer. Pensaba: ‘Se ha ido y ni siquiera pude conocerlo’”.
Justin Bieber

justin

2015
El talento de Carlos Santana ha sido reconocido durante su carrera. Platicamos con él sobre su visita a México y nos dio la primicia de que estaba grabando el esperado álbum Santana IV.

“Los consejos de mi madre me han guiado a ser un hombre de honor”.
Carlos Santana

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carlos

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Algunos de los conciertos que cubrimos:
Haggard ★★★ Circo volador (2003)
Travis ★★★ 1⁄2 Palacio de los Deportes (2004)
U2 ★★★★ Estadio Azteca (2006)
DJ Tiësto ★★★★ Foro Sol (2008)

conciertos

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40 años de ‘Rumours’ de Fleetwood Mac


4 décadas de la novela musical más importante de los años setenta.


POR Héctor Elí Murguía  



40 años de ‘Rumours’ de Fleetwood Mac

El arquetipo del fracaso amoroso en el ser humano se inscribió en las letras de la novela musical más importante de la década de los setenta: Rumours de Fleetwod Mac.

Los autores de la obra, Stevie Nicks (voz), Lindsey Buckingham (guitarra), John McVie (bajo), Christie McVie (teclados) y Mick Fleetwood (bateria), musicalizaron la dramatización de la melancolía al reflejar sus propias historias de vida en cada una de las canciones del álbum.

La historia de la banda se remonta a 1967, cuando el guitarrista gurú, Peter Green, formó un proyecto de blues en Londres junto con Mick Fleetwood. Un año después de su creación, su éxito instrumental “Albatross” serviría como inspiración sonora para guitarristas de una época posterior como David Gilmour de Pink Floyd.

A partir de 1970, Fleetwood Mac cambió totalmente de alineación y decantó su sonido al pop y al soft rock de ensueño con la integración del dúo Buckingham Nicks. Su estética rústica, tanto en el aspecto musical como en la vestimenta, fueron elementos clave para conformar un producto cultural que mostró todo lo que en aquella época era tangible: la cocaína de uso lúdico, el quiebre de las relaciones personales y un sector muy amplio de gente que nunca fue influenciada por el movimiento punk que se gestaba en las calles británicas a finales de esa década.

Para esa época, Stevie y Lindsey, quienes fueron pareja ocho años, sublimaron su desamor a través de la composición musical. La separación de John y Christie McVie, fue otro factor que se sumó a la maquinaria de emociones que formaron la columna vertebral de su nuevo álbum y el divorcio de Mick.

Rumours, el segundo álbum del quinteto, emergió a los oídos de todos un 4 de febrero de 1977. Fue un fenómeno cultural jamás visto. Se convirtió en la ruptura sentimental más afortunada después de vender su historia en 45 millones de copias alrededor del mundo.

El disco fue creado desde las entrañas. La ira y el desapego fueron los ingredientes que sazonaron cada capítulo de aquella novela familiar de cinco neuróticos.

Second Hand News”, el irónico prefacio de la obra y uno de los tracks escritos por Buckingham, fue inspirado por “Jive Talkin’” tema de los hermanos Gibbs (Bee Gees) quienes se pronunciaron como iconos de la pista de baile con el soundtrack de la película Saturday Night Fever en diciembre de ese mismo año.

Con la melodía de una guitarra acústica tocada con arpegios en “Never Going Back Again”, Lindsey se consolidó como un guitarrista multifacético, que podía tocar tanto las escalas de blues, como un country endulzado, colocándolo como un compositor entrañable, noble y reflexivo.

Por su parte, Stevie Nicks representó la feminidad arcaica bajo la figura de una bruja seductora, embelsante. El primer single y el primer hit del disco fue una de sus composiciones, “Dreams” canción que compuso sentada en la cama de Sly Stone —de Sly and the Family Stone— en los estudios Record Plant en California, un año antes de su lanzamiento en 1976.

El hilo narrativo del álbum pendió del sentimiento más intrínseco en “Go Your Own Way”, la canción que une todas las voces de la banda en un coro que diginifica la separación emocional.

La grabación de este track será recordado por la dislexia de Mick en la batería, quien en su método inexacto pero potente, magnificó junto con una línea de bajo y guitarra despechadas, el reclamo de Lindsey hacia Stevie por aquel amor que había terminado; la punta del torbellino, el clímax de la novela, la canción de aceptación más simbólica del rock.

Como en toda historia dramática, existen pasajes donde la líbido todavía vive: “You Make Loving Fun” de Chirstine McVie dedicada a su novio, el director de luces del show, y “Don’t Stop” llamaradas de una alegría perversa con acordes que remiten a una felicidad hipócrita, esa que viene precisamente después de aceptar el quebranto.

Gold Dust Woman” fue la reafirmación de Stevie Nicks para concretar su personalidad imponente que mostraría posteriormente en su álbum solista Bella Donna en 1981. Este sería el postludio de una obra marcada por la tinta de la hipocresía, pero también por la sinceridad. Los músicos se encerraron a grabar un disco a pesar de que no se soportaban. Crearon un manifiesto humano de los sentimientos más apegados al salvajismo emocional. La guia perfecta para la cura de un corazón roto.

Más allá de ser un producto comercial infalibe, Rumours se ha convertido en uno de los álbumes que han influenciado a bandas como Beach House y The Goo Goo Dolls.

Se han cumplido 40 años de la novela musical que se posiciona debajo de obras como The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd y London Calling de The Clash, como uno de los álbumes más importantes de la década de los setenta.

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Mira a Metallica tocar “Hero Of The Day” por primera vez en 17 años


El cuarteto se presentó en el Bridge School Benefit Concert, donde tocaron “Clampdown” de The Clash.


POR Staff Rolling Stone México  



Mira a Metallica tocar “Hero Of The Day” por primera vez en 17 años

Con un show extrañamente acústico, Metallica se presentó en el Bridge School Benefit Concert, evento caritativo organizado por Neil Young que tuvo lugar el día de ayer en en el Anfiteatro de Shoreline en Mountain View, California.

El cuarteto sorprendió a los fanáticos tocando el tema “Hero Of The Day” perteneciente al álbum Load (minuto 5:50), sencillo que no ejecutaban en 17 años. Metallica también interpretó el tema “Mr. Soul” junto con Neil Young (41:26).

Y si no fuera suficiente, la agrupación integrada por James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo tocó un cover de la canción “Clampdown” de The Clash (17:19).

Mira el show de Metallica en el Bridge School Benefit Concert aquí:

Te dejamos la lista de canciones que interpretó Metallica aquí:

0:00 Whiskey In The Jar
1:34 When A Blind Man Cries
6:18 Hero Of The Day
11:07 Bleeding Me
17:19 Clampdown
21:31 Enter Sandman
28:08 Hardwired
33:23 Seek and Destroy
41:26 Mr. Soul (Neil Young)

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The Strokes interpretan en vivo “Clampdown” de The Clash


Julian Casablancas y compañía rindieron tributo a la icónica banda durante el Festival Governors Ball.


POR Staff Rolling Stone México  



The Strokes interpretan en vivo “Clampdown” de The Clash

El pasado viernes 3 de junio, The Strokes se presentaron en el Governors Ball, festival en el que hicieron su regreso oficial a los escenarios. Además de interpretar temas de su nuevo y sorpresivo EP Future Present Past, la banda incluyó un cover a “Clampdown”, tema original de The Clash y que no interpretaban desde el 2004.

Mira a continuación a The Strokes presentar en vivo el track del álbum London Calling:

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Seattle proclama el día internacional de The Clash


La celebración tendrá lugar este domingo 7 de febrero.


POR Staff Rolling Stone México  



Seattle proclama el día internacional de The Clash

Seattle se convertirá en el tercer lugar en rendir tributo a The Clash al reconocer oficialmente el ‘día internacional de The Clash’, con el alcalde uniendo la celebración con la la popularidad de la banda originaria de ese lugar, Pearl Jam, según un informe de NME.

Ed Murray, alcalde de la ciudad, anunció que la celebración se llevará a cabo el domingo 7 de febrero, confirmando la declaración que un presentador de la estación de radio KEXP, con sede en Settle, había hecho anteriormente.

“La legendaria banda de punk de Reino Unido The Clash se formó en 1976, estableciendo su sonido único que combinó el punk con el reggae, dub, funk y ska, detrás de letras con conciencia social. La banda tocó en el Kingdome en 1982, opacando la presentación del acto principal The Who e inspirando a un miembro de la joven audiencia, Jeff Ament, a madurar y convertirse en el bajista de Pearl Jam”, comentó y agregó, “Una mañana de febrero de 2013, el locutor de KEXP John Richards arbitrariamente declaró el ‘día internacional de The Clash’, no por otra razón sino porque simplemente pudo”.

En tanto, la estación se encuentra en este momento celebrando con 12 horas de música y entrevistas de la banda, incluyendo rarezas, tan sólo días antes de que el evento se lleve a cabo.

Foto: vía Rolling Stone.

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Integrantes de Roxy Music y The Clash formarán una nueva banda


Phil Manzanera y Paul Simonon unirán fuerzas con Tony Allen y otros reconocidos músicos.


POR Staff Rolling Stone México  



Integrantes de Roxy Music y The Clash formarán una nueva banda

Foto: vía Twitter oficial de Phil Manzanera.

Phil Manzanera, guitarrista de Roxy Music, y Paul Simonon, bajista de The Clash, unirán fuerzas con Tony Allen, Luciano Ligabue y otros músicos, para formar una nueva banda cargada de influencias provenientes de diferentes puntos geográficos.

De acuerdo con un informe de Consequence of Sound, el novedoso súper grupo que también contará con la colaboración de Andrea Echeverri de Aterciopelados, además de Anna Phoebe, hará su debut en La Notte della Taranta, un festival musical que tendrá lugar en Salento, Italia, el próximo 22 de agosto.

En tanto, también se confirmó que Manzanera fungirá como maestro de ceremonias del festival.

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Jonathan Rhys Meyers interpretará a Joe Strummer, líder de The Clash, en una nueva película


El protagonista de ‘The Tudors’ encabezará el elenco del drama titulado ‘London Town’.


POR Staff Rolling Stone México  



Jonathan Rhys Meyers interpretará a Joe Strummer, líder de The Clash, en una nueva película

Jonathan Rhys Meyers, actor reconocido por su interpretación de Enrique VIII en The Tudors, se unirá al elenco de London Town, drama en el que interpretará a Joe Strummer, guitarrista y líder de The Clash, según reportó Screen Daily.

El filme ambientado en 1970, seguirá los pasos de un joven de 14 años interpretado por Daniel Huttlesonte, cuya vida cambia dramáticamente cuando su madre le presenta la música de The Clash.

Recordemos que Jonathan Rhys Meyers dio vida al vocalista de una banda de rock en August Rush, cinta en la que compartió créditos con Robin Williams y Freddie Highmore y en la que interpretó tres temas de la banda sonora.

Así mismo, Rhys Meyers también interpretó a Elvis Presley en el filme Elvis.

London Town será dirigida por Derrick Borte y contará con las actuaciones de Dougray Scott, Natascha McElhone y Daniel Huttlestone.

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BBC estrena un nuevo documental sobre The Clash


El filme, dirigido por Julien Temple documenta el legendario concierto de la banda británica de enero de 1977.


POR Staff Rolling Stone México  



El filme, dirigido por Julien Temple documenta el legendario concierto de la banda británica de enero de 1977.

BBC estrena un nuevo documental sobre The Clash

Un 1 de enero, pero de 1977, The Clash, banda liderada por Joe Strummer, dio un legendario concierto en el Roxy de Londres, el cual fue inmortalizado por el cineasta Julien Temple.

Casi 37 años después de que ocurrió, la BBC transmitirá el icónico evento a manera de un documental, el cual ya está disponible en el canal de YouTube de la cadena televisiva y presentamos a continuación.

En el evento, Rob Harper suplió a Terry Chimes en la batería y The Clash aprovechó para estrenarl el tema “I’m So Bored With the U.S.A.”.

Revive el mítico concierto de The Clash en el Roxy de Londres a continuación.




Científicos nombran a una nueva especie de caracoles marinos en honor a Joe Strummer de The Clash


El Alviniconcha strummeri fue descubierto por un grupo de investigadores en California.


POR Staff Rolling Stone México  



El Alviniconcha strummeri fue descubierto por un grupo de investigadores en California.

Científicos nombran a una nueva especie de caracoles marinos en honor a Joe Strummer de The Clash

Una especie recién descubierta de caracoles marinos fue nombrada en honor a Joe Strummer, vocalista y cofundador de The Clash.

El Alviniconcha strummeri fue descubierto por científicos del Monterey Bay Aquarium Research Institute en California y recibió el nombre del músico debido a que se parece a los primeros fans de The Clash.

“Porque parecen rockeros punk en los ‘70 y ’80, tienen sangre morada y viven en un ambiente tan extremo, decidimos nombrar una de las cinco nuevas especies que descubrimos en honor a un ícono punk”, explicó Shannon Johnson al diario The Guardian.

“El nombre hace referencia a la naturaleza ‘hardcore’ de los caracoles alviniconcha, los cuales habitan el micro hábitat más caliente, ácido y sulfuroso del Océano Pacífico. También hace referencia a la superficie de las conchas del molusco, la cual está adornada con púas que recuerdan la moda de las bandas de punk rock”, agregó.

Cabe mencionar que tan sólo en este año, se ha nombrado a diversas especies en honor a músicos, como una nueva especie de murciélago en tributo a Ozzy Osbourne, la tarántula John Lennon y un puerco acuático con “labios táctiles” nombrado en honor de Mick Jagger.




‘Songs of Innocence’ de U2 será elegible para los Grammy


El disco saldrá a la venta en una edición limitada en vinil este martes.


POR Staff Rolling Stone México  



El disco saldrá a la venta en una edición limitada en vinil este martes.

‘Songs of Innocence’ de U2 será elegible para los Grammy

Después de que U2, Interscope Records y Apple estrenaron de manera gratuita Songs of Innocence para 500 millones de usuarios de iTunes, un vocero de los Premios Grammy declaró que la banda no podía ser elegible para la siguiente entrega debido a que el álbum no estará disponible a la venta antes de la fecha límite del 30 de septiembre.

Según informó un vocero cercano a la situación a Rolling Stone, con dicha fecha pesando sobre sus cabezas, U2 envió una edición limitada de copias de Songs of Innocence en vinil para que salieran a la venta el martes.

RS11 U2 iniciará su gira por arenas techadas en 2015.

Un vocero de los Grammy reveló en entrevista con Rolling Stone, que una vez que el disco esté disponible este martes,  la banda será elegible para la 57 entrega de los Premios Grammy el próximo 8 de febrero de 2015. “Siempre y cuando el álbum, esté disponible comercialmente a la venta en CD, vinil o formato digital, previo a la fecha límite y en una tienda o sitio web nacionalmente reconocido, será elegible para ser considerado”, apuntó el vocero.

La banda irlandesa estrenará una versión de lujod de Songs of Innocence, con cuatro canciones adicionales el próximo 14 de octubre, dos semanas después de la fecha límite para el Grammy. No está del todo claro si la disquera de U2 pensaba distribuir la edición limitada en vinil del disco al inicio de la campaña o si es una reacción a la decisión original del Grammy de considerarlo no elegible para los premios.

U2 trabajó en Songs of Innocence por dos años con Danger Mouse antes de traer a su colaborador Flood y a Paul Epworth y Ryan Tedder. Para iniciar, la banda regresó a sus raíces musicales, sumergiéndose en el punk, el glam y en íconos como David Bowie, Joy Division, The Clash y Ramones antes de grabar más de 100 tracks.

“Queríamos hacer un álbum muy personal”, dijo Bono al momento del estreno, en entrevista exclusiva con Rolling Stone. “Trataremos de descubrir por qué queríamos estar en una banda, las relaciones entre nosotros, nuestras amistades, nuestros amantes, nuestra familia. El álbum completo habla sobre primeras veces, viajes geográficos, espirituales, sexuales. Y eso es difícil. Pero lo hicimos”.

Bono y compañía planea estrenar un nuevo disco, titulado Songs of Experience, sin embargo, aún no tienen una fecha de lanzamiento concreta para el material. Por ahora, la banda está concentrada en trasladar Songs of Innocence a una gira.




London Grammar, Katy B y Chvrches participan en la banda sonora de ‘Forza Horizon 2’


El videojuego contará con 150 tracks distribuidos en siete estaciones de radio.


POR Staff Rolling Stone México  



El videojuego contará con 150 tracks distribuidos en siete estaciones de radio.

London Grammar, Katy B y Chvrches participan en la banda sonora de ‘Forza Horizon 2’

Microsoft dio a conocer la banda sonora de Forza Horizon 2, su videojuego de carreras de autos, en el que participarán artistas como London Grammar, Katy B y Chvrches, por mencionar algunos.

El videojuego contará con 150 tracks, distribuidos en siete estaciones de radio.

Otros artistas que formarán parte de la música de Forza Horizon 2 son: The Clash, Nero, Jane”s Addiction, Architecture in Helsinki, The Heavy, Bombay Bicycle Club, Holy Ghost!, Pixies, Little Dragon, The War on Drugs, Kelis, Miles Kane y Band of Skulls.

Forza Horizon 2 se estrenará el 30 de septiembre para las consolas Xbox One y Xbox 360.

Aquí la lista completa de estaciones de radio y canciones que podrás escuchar en Forza Horizon 2.
Horizon Pulse
“I Might Survive (Goldroom Remix)” de Architecture in Helsinki
“Busy Earnin”” de Jungle
“The Heat” de Jungle
“Luna” de Bombay Bicycle Club
“The Mother We Share” de Chvrches
“Free Your Mind” de Cut Copy
“Love Sublime” de Tensnake junto con Nile Rodgers & Fiora
“Bridge & Tunnel” de Holy Ghost!
“Never” de Phonat
“Can”t Beat the Old School” de Bo Saris junto con Jasper Wilde
“Come Alive” de Chromeo junto con Toro y Moi
“Jealous (I Ain”t With It)” de Chromeo
“Operators” de Jetta
“Always (Classixx remix)” de Panama
“Brighter Days” de Saint Raymond
“Pica Disco” de Lazyboy
“Klapp Klapp” de Little Dragon
“With You Forever” de Pnau
“Wolves (RAC remix)” de Digitalism junto con Youngblood Hawke
“Nitrous” de Nick Mulvey
“Sea” de Roosevelt
“The Phoenix” de Pyramids

Horizon Bass Arena
“I Got U” de Duke Dumont junto con Jax Jones
“Still (Richy Ahmed remix)” de Katy B
“Hey Now (Arty remix)” de London Grammar
“Only for You” de Mat Zo
“Touch (Grum remix)” de Shift K3Y
“NRG” de Duck Sauce
“Changes” de Faul & Wad Ad vs Pnau
“Crisis” de Turtle
“Thinking About It” de Just Kiddin
“Running (Disclosure remix)” de Jessie Ware
“Satisfy” de Nero
“F.A.T. (original mix)” de Pryda
“36” de Redlight
“Hyperparadise (GANZ Flip)” de Hermitude x Flume
“Survive” de Kidnap Kid
“Pushing On” de Oliver $ & Jimi Jules
“Delorean Dynamite” de Todd Terje
“Liberate” de Eric Prydz
“Here For You (extended mix)” de Gorgon City junto con Laura Welsh
“Gecko (Overdrive)” de Oliver Heldens X Becky Hill
“Aeropolis” de BeatauCue
“Astral” de Pyramids

Horizon XS
“Hoochie Coochie” de Band of Skulls
“Peace Keeper” de Bear Hands
“Teenage Rhythm” de GRMLN
“Debaser” de Pixies
“XXX” de The Bohicas
“Just Because” de Jane”s Addiction
“Come Closer” de Miles Kane
“Put Me to Work” de Papa
“Train in Vain” de The Clash
“Red Eyes” de The War on Drugs
“Out of the Black” de Royal Blood
“Solemn Skies” de Childhood
“This Much I Care” de Skaters
“Mesmerise” de Temples
“I Come from the Mountain” de Thee Oh Sees
“It”s Been So Long” de TOY
“Take It or Leave It” de Cage The Elephant
“Get Away” de Circa Waves
“All Day” de Tom Williams & The Boat
“Fool for You” de Wild Smiles

Hospital Records Radio
“Move Around” de Camo & Krooked junto con Ian Shaw
“Like a Derd” de Danny Derd
“Spoken (S.P.Y. remix)” de Etherwood
“Hydra” de Fred V & Grafix
“Recognise” de Fred V & Grafix
“The Road Goes On Forever” de High Contrast
“Nocturne” de Keeno
“Out of Nowhere” de Keeno
“Seasons” de Logistics junto con Lifford
“Somersaults” de Logistics
“Yikes!” de London Elektricity
“Believe” de Metrik
“Slipstream” de Metrik
“Roundabout” de NuTone
“Valence” de NuTone
“Photone Recruits (Phace remix)” de Rawtekk
“Break Em” de Reso
“Lunar” de Royalston
“Cold Harsh Air” de S.P.Y. junto con Total Science & Grimm
“Love Life” de Netsky

Ninja Tune Radio
“Better Days to Come” de Andreya Triana
“True Skool” de Coldcut junto con Roots Manuva
“Spinnaker” de John Matthias
“Friday Fish Fry” de Kelis
“After Dawn” de Letherette
“Champion Nibble” de Mr Scruff
“Wannamama” de Pop Levi
“Krunk Guide” de Roots Manuva
“Rick Rubin (radio version)” de Spank Rock
“We Can Make It Out (Yppah remix)” de Spokes
“Can You Seen Straight” de The Death Set
“How You Like Me Now” de The Heavy
“Wings” de The Invisible
“Renegade” de The Qemists
“Take It Back” de Toddla T
“That Girl” de Two Fingers
“F.I. (instrumental mix)” de Wiley
“Again With Subtitles” de Yppah
“Luxelife” de Kid A
“Sun Models” de ODESZA junto con Madelyn Grant

Innovative Leisure Radio
“Crawling After You” de Bass Drum of Death
“Electric” de Bass Drum of Death
“Everything”s the Same” de Bass Drum of Death
“Lose My Mind” de Bass Drum of Death
“All You”re Waiting For” de Classixx
“Dominoes” de Classixx
“Stranger Love (RAC remix)” de Classixx
“Better at Making Time” de De Lux
“It All Works All the Time” de De Lux
“Moments” de De Lux
“Other Side” de Feeding People
“Build, Destroy, Rebuild” de Hanni El Khatib
“Family” de Hanni El Khatib
“Pay No Mind” de Hanni El Khatib
“Reassuring” de Jim-E Stack
“Some Place” de Nick Waterhouse
“Eclipse Blue” de Nosaj Thing junto con Kazu Makino
“Geri” de Superhumanoids
“So Strange” de Superhumanoids
“Cherry Street” de Tijuana Panthers

Radio Levante
“Lohengrin – Prelude” de Richard Wagner
“Overture, The Marriage of Figaro” de Wolfgang Amadeus Mozart
“Symphony No. 41, Allegro Vivace” de Wolfgang Amadeus Mozart
“Symphony No. 8 in G major, Allegro con brio” de Antonin Dvorak
“Concerto for 4 Violins, I. Allegro” de Antonio Vivaldi
“Flute Concerto in F Major” de Antonio Vivaldi
“Symphony No. 9, Andante Allegro” de Franz Schubert
“Carmen Suite No. 1: V. Les Toreadors” de Georges Bizet
“Overture, La Cenerentola” de Gioachino Antonio Rossini
“Overture, The Barber of Seville” de Gioachino Antonio Rossini
“Symphony No. 2, Finale, Allegro con spirito” de Johannes Brahms
“The Flower Duet (Lakme)” de Leo Delibes
“Pictures at an Exhibition – The Great Gate Of Kiev” de Modest Petrovich Mussorgsky
“Ride of the Valkyries” de Richard Wagner
“Symphony No. 35, Finale (Presto)” de Wolfgang Amadeus Mozart
“William Tell Overture” de Gioachino Antonio Rossini
“L”Estate, Summer, Le Quattro Stagioni” de Antonio Vivaldi
“Symphony No. 3 in E flat major, Allegro con brio” de Ludwig van Beethoven
“Symphony No. 5 in C minor, Allegro presto” de Ludwig van Beethoven
“1812 Overture” de Pyotr Illich Tchaikovsky


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The Clash, Frank Ocean y Diplo crean el tema “Hero” para Converse


Diplo y Frank Ocean se unieron a los veteranos Mick Jones y Paul Simonon de The Clash en el tema “Hero”.


POR Staff Rolling Stone México  



Diplo y Frank Ocean se unieron a los veteranos Mick Jones y Paul Simonon de The Clash en el tema “Hero”.

The Clash, Frank Ocean y Diplo crean el tema “Hero” para Converse

Foto: Benjamín Salcedo

Como parte de la serie Three Artists, One Song de Converse, Diplo y Frank Ocean se unieron a los veteranos Mick Jones y Paul Simonon de The Clash en el tema “Hero”.

Este track forma parte del proyecto de Converse en el que anteriormente ha presentado brillantes mancuernas musicales como las de André 3000, Gorillaz y James Murphy en el tema “DoYaThing”, o bien, la memorable “My Drive Thru” a cargo de Pharrell Williams, Santigold y Julian Casablancas.

Descarga el tema “DoYaThing” con André 3000, Gorillaz y James Murphy

La nueva colaboración presentada por Converse marca la primera vez, en cuatro años, en que Jones y Simonon trabajan juntos desde su pasada colaboración y tour al lado de Gorillaz como parte de la promoción del disco Plastic Beach.

The Clash siempre fueron mis maestros, incluso antes de compartir el estudio con Paul y Mick,” comentó Diplo al respecto. “Su anarquía musical y la constante actitud de romper reglas y forjar su propio camino fueron mi inspiración. Frank vive bajo el mismo credo de estar casado con su visión a través de cualquier precio. Tuvimos que retarnos los unos a los otros para hacer algo que nadie podría esperar y valoramos la libertad artística que Converse nos dio a lo largo de los últimos meses para hacer que esto suceda.”

Escucha y descarga “Hero” de The Clash, Frank Ocean y Diplo.

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