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El secreto de la música de terror


Los compositores han desarrollado recursos para provocar miedo en el espectador, desde el intervalo del diablo hasta instrumentos espeluznantes.


POR Noemí Contreras  



Imagen: Roger Kastel (CC)

El secreto de la música de terror

Haz un pequeño experimento: pon la película o serie de terror que más pesadillas te haya dado y desactiva el sonido. Lo que sucederá es que las imágenes seguirán siendo aterrorizantes, pero ya no tendrán el mismo efecto en ti (y tal vez ahora te parezca aburrida). Esto se debe al gran poder que tiene la combinación de música y efectos de sonido en el cerebro humano. A lo largo del tiempo, los compositores han identificado una serie de elementos en la música que perturban nuestros oídos y los han utilizado como herramientas para hacer que los proyectos audiovisuales de terror te pongan los pelos de punta.

El tritono –un intervalo de tres tonos que equivale a una quinta disminuida o una cuarta aumentada– recibió el nombre de diabolus in musica (el diablo en la música) en la Edad Media porque se consideraba que su sonido era siniestro, disonante e inestable. Su uso llegó a ser prohibido en los cantos eclesiásticos y, a lo largo de la historia, su sonido continuó estando relacionado con emociones negativas. Por esta razón, este intervalo se encuentra dentro de muchas composiciones para películas e incluso algunas bandas como Black Sabbath también han explotado este recurso, de hecho, el inicio de “Purple Haze” de Jimi Hendrix es un tritono.

Entre otros sonidos que “incomodan” al oído humano, se encuentran las tonalidades menores. En la música occidental, las tonalidades mayores están asociadas con emociones positivas como la alegría y la felicidad, mientras que las menores hacen alusión a lo oscuro, pesimista y sombrío. Un buen ejemplo de esto es “Tocata y fuga en re menor” del compositor barroco Johann Sebastian Bach, una de las piezas más famosas escritas para órgano y ha sido ampliamente usada en películas para ilustrar el terror (Dr. Jekyll and Mr. Hyde de 1931, The Black Cat de 1934, El fantasma de la ópera de 1962, entre otras).

Una de las técnicas que crean más tensión en el espectador es probablemente el glissando (un adorno musical que consiste en una rápida transición entre dos notas, permitiendo que se escuchen todas las notas intermedias). “Threnody to the Victims of Hiroshima” de Krzysztof Penderecki es una obra para 52 instrumentos de cuerda frotada que utiliza glissandos y disonancia y está dedicada a los habitantes de Hiroshima que sufrieron el ataque de la bomba atómica. Esta composición ha sido utilizada para el filme Los niños del hombre de Alfonso Cuarón y la serie Twin Peaks de David Lynch.

Además, existen otros recursos como los intervalos de segunda y séptima (¿recuerdas Tiburón?); instrumentos musicales como el violín, el sintetizador, el waterphone y el theremín; y evidentemente los efectos de sonido o foleys.

Intervalo de segunda en el tema principal de la banda sonora de Tiburón:

Y una demostración del waterphone:

Ahora que conoces los secretos de la música de terror, ¿las películas y las series serán menos espantosas? Posiblemente no. Pero la próxima vez que te adentres en este género y estés al borde del asiento, te invito a que identifiques algunas de las técnicas y notes cómo se complementa el sonido con la imagen.


Un inventor, un genio y un loco


Conoce tres instrumentos que revolucionaron la forma de hacer música.


POR Noemí Contreras  



Foto: Rick Otten / Pexels

Un inventor, un genio y un loco

El primer instrumento musical de todos los tiempos no tuvo que ser inventado porque ya era parte del ser humano: la voz. Sin embargo, esta no fue suficiente para expresarse a través de la música. Así, poco a poco, se desarrollaron instrumentos de percusión, como los tambores de piel y de arcilla. También se crearon los instrumentos de viento, como las flautas de hueso y las trompetas de caracol. Tiempo después, los instrumentos de cuerda se crearon, surgiendo probablemente del arco. De este modo, alrededor del mundo se crearon distintos instrumentos que dependían de los rituales, habilidades tecnológicas y materiales disponibles en cada civilización.

Debido al desarrollo tecnológico y a la búsqueda de nuevos sonidos, en el siglo XX se inventaron una serie de instrumentos musicales que revolucionaron e innovaron lo convencional. Estos tres instrumentos fueron seleccionados por su singularidad y porque marcaron una importante transición hacia la música experimental.

El theremín
Inventor: Léon Theremin, el inventor y chelista ruso.
“Un instrumento que produjera sonido sin usar energía mecánica, como el director de orquesta”.

Foto: Hutschi/Wikimedia Commons

La intención de Léon fue crear un instrumento electrónico que se controlara sin contacto físico directo pero que tuviera un registro similar al del violonchelo. Los humanos somos energía y tenemos la capacidad de alterar el campo electromagnético. Siguiendo este principio, el theremín (de 1920) es básicamente una caja con dos antenas –una de tono y otra de volumen. Así, acercando, alejando, subiendo y bajando las manos, el campo se modifica y se producen sonidos interesantes.

Canciones cool que usan el theremín:

“Good Vibrations” – The Beach Boys

“Velouria” – Pixies

Y aquí dejamos un video del mismísimo Léon interpretando una canción:

El piano preparado
Inventor: John Cage, el pionero de la música moderna.
“No tengo nada qué decir y lo estoy diciendo”.

Foto: Danny Gromfin/Wikimedia Commons

Al abrir la caja de resonancia de un piano, te encuentras con cuerdas que son percutidas al presionar cada tecla, generando así las notas. En 1938, John Cage trabajaba para un bailarín que se presentaría en un teatro muy pequeño donde sólo cabía un piano de cola. Se le ocurrió entonces poner objetos en las cuerdas (como tornillos o piezas de plástico) para que el mismo piano incluyera el sonido de las percusiones.

Algunas canciones con piano preparado:

“Sonata núm. 5” – John Cage

“All Tomorrow’s Parties” – The Velvet Underground & Nico

Si quieres aprender más sobre este divertido genio, puedes ver su documental:

El sintentizador Moog
Inventor: Robert Arthur Moog (Bob Moog para los amigos).

“Nunca estuve preocupado porque los sintetizadores fueran a reemplazar a los músicos. Antes que nada, necesitas ser músico para poder hacer música con un sintetizador”.

Pixabay

Un sintetizador genera y modifica señales de forma electrónica. Puede emular una gran cantidad de sonidos que ocurren en el mundo natural (instrumentos, voces…) y también crear nuevos, únicos de un sintetizador. Los hay análogos, digitales y análogos virtuales. Bob Moog fue uno de los pioneros de este instrumento al combinar un oscilador controlado por voltaje con un teclado en 1964. Posteriormente, industrializó el sintetizador y hoy en día, Moog es una marca reconocida en la industria del audio y la lista de los músicos que lo utilizan es muy larga.

Una de las primeras canciones en usar un Minimoog:

“Sweet Song of Summer”Bee Gees

Un disco repleto de sintetizadores:

RetroRick Wakeman

Para más información:


Azar Musical


Random: Sesiones Aleatorias en el Multiforo Alicia, consiste en un performance de música experimental que invoca el azar como una actualización de la rebeldía


POR Staff Rolling Stone México  



Random: Sesiones Aleatorias en el Multiforo Alicia, consiste en un performance de música experimental que invoca el azar como una actualización de la rebeldía

Azar Musical

Por Miguel Ángel Angeles

@mangelangeles

La definición que la RAE da a la palabra azar es “casualidad, caso fortuito”. Maria Moliner, en su diccionario lo define como “supuesta causa de los sucesos no debidos a una necesidad natural ni una intervención intencionada, humana o divina”.

Teniendo tal idea como pretexto para lograr “actualizar la rebeldía”, los artistas Erick Diego, Álvaro Ruiz y Alexandra Cárdenas, se preparan para hacer del tradicional foro Alicia un espacio de experimentación sonora.

Diálogos con la última zanahoria’ es un performance interactivo de improvisación con Theremin (instrumento musical electrónico cuyo control no depende del contacto físico directo sino de otros elementos ambientales), voces y procesos electrónicos; inspirado en el poema ‘Get the Nose’ del legendario Charles Bukowski. Lo que eso puede generar como resultado será producto de circunstancias no controladas y por ende, una situación poco común, al menos en el circuito artístico de la ciudad.

Al menos de momento, varias preguntas pueden plantearse: ¿qué se puede apreciar de un proceso así? ¿Qué espacios abre? ¿Qué tan importante es la espacialidad y la temporalidad para el condicionamiento de una pieza? ¿Cuáles son los nuevos caminos trazados por el llamado arte sonoro?

Seguro que muchas más seguirán surgiendo y para eso, nada mejor que vivir de cerca la experiencia de someter un lugar poco habituado a espectáculos de este tipo a una noche de azar donde el arte es el vehículo principal de conocimiento y disfrute.

Random: Sesiones Aleatorias

Música Experimental

Multiforo Alicia

Avenida Cuauhtémoc 91

Colonia Roma Norte

$50 MXN