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El secreto de la música de terror


Los compositores han desarrollado recursos para provocar miedo en el espectador, desde el intervalo del diablo hasta instrumentos espeluznantes.


POR Noemí Contreras  



Imagen: Roger Kastel (CC)

El secreto de la música de terror

Haz un pequeño experimento: pon la película o serie de terror que más pesadillas te haya dado y desactiva el sonido. Lo que sucederá es que las imágenes seguirán siendo aterrorizantes, pero ya no tendrán el mismo efecto en ti (y tal vez ahora te parezca aburrida). Esto se debe al gran poder que tiene la combinación de música y efectos de sonido en el cerebro humano. A lo largo del tiempo, los compositores han identificado una serie de elementos en la música que perturban nuestros oídos y los han utilizado como herramientas para hacer que los proyectos audiovisuales de terror te pongan los pelos de punta.

El tritono –un intervalo de tres tonos que equivale a una quinta disminuida o una cuarta aumentada– recibió el nombre de diabolus in musica (el diablo en la música) en la Edad Media porque se consideraba que su sonido era siniestro, disonante e inestable. Su uso llegó a ser prohibido en los cantos eclesiásticos y, a lo largo de la historia, su sonido continuó estando relacionado con emociones negativas. Por esta razón, este intervalo se encuentra dentro de muchas composiciones para películas e incluso algunas bandas como Black Sabbath también han explotado este recurso, de hecho, el inicio de “Purple Haze” de Jimi Hendrix es un tritono.

Entre otros sonidos que “incomodan” al oído humano, se encuentran las tonalidades menores. En la música occidental, las tonalidades mayores están asociadas con emociones positivas como la alegría y la felicidad, mientras que las menores hacen alusión a lo oscuro, pesimista y sombrío. Un buen ejemplo de esto es “Tocata y fuga en re menor” del compositor barroco Johann Sebastian Bach, una de las piezas más famosas escritas para órgano y ha sido ampliamente usada en películas para ilustrar el terror (Dr. Jekyll and Mr. Hyde de 1931, The Black Cat de 1934, El fantasma de la ópera de 1962, entre otras).

Una de las técnicas que crean más tensión en el espectador es probablemente el glissando (un adorno musical que consiste en una rápida transición entre dos notas, permitiendo que se escuchen todas las notas intermedias). “Threnody to the Victims of Hiroshima” de Krzysztof Penderecki es una obra para 52 instrumentos de cuerda frotada que utiliza glissandos y disonancia y está dedicada a los habitantes de Hiroshima que sufrieron el ataque de la bomba atómica. Esta composición ha sido utilizada para el filme Los niños del hombre de Alfonso Cuarón y la serie Twin Peaks de David Lynch.

Además, existen otros recursos como los intervalos de segunda y séptima (¿recuerdas Tiburón?); instrumentos musicales como el violín, el sintetizador, el waterphone y el theremín; y evidentemente los efectos de sonido o foleys.

Intervalo de segunda en el tema principal de la banda sonora de Tiburón:

Y una demostración del waterphone:

Ahora que conoces los secretos de la música de terror, ¿las películas y las series serán menos espantosas? Posiblemente no. Pero la próxima vez que te adentres en este género y estés al borde del asiento, te invito a que identifiques algunas de las técnicas y notes cómo se complementa el sonido con la imagen.


Una celebración a la cultura pop


Para Steven Spielberg, la vida diaria juega un rol preponderante a la hora de la creación artística, incluso si se trata de la más excéntrica ficción como lo es ‘Ready Player One. Comienza el juego’.


POR Óscar Uriel  



Foto: Cortesía de Warner Bros. Pictures

Una celebración a la cultura pop

En una distopía más cercana de lo que creemos, la humanidad puede entrar a un mundo virtual llamado Oasis en el cual prácticamente puedes convertirte en todo lo que deseas y protagonizar las más extravagantes aventuras. Todo esto contrastando con la sombría realidad que padece la sociedad. Cuando el creador de Oasis fallece, decide convocar a sus seguidores a un último desafío difícil de rehuir, el cual tiene como recompensa obtener un tesoro escondido. En términos generales, este es el argumento de Ready Player One. Comienza el juego, la popular novela de Ernest Cline que ahora Steven Spielberg convierte en uno de los títulos cinematográficos más esperados de la temporada.

Como en muchas de las aventuras dirigidas por el realizador, el protagonista es un cándido joven quien decidido a salir del infortunio en el que vive con su tía, resuelve aceptar el gran reto que propone el creador de Oasis, una odisea armada con acertijos y enigmas que tienen que ver con la cultura popular de los años ochenta. Precisamente durante ese periodo, Spielberg dirigió sendos clásicos de la cinematografía contemporánea como lo son E.T., el extraterrestre, Cazadores del arca perdida, El color púrpura y El imperio del sol, entre otros. No sabemos con certeza si esa etapa ha sido la más prolífica en la carrera del director pero definitivamente sí una década de auge y prosperidad.

Foto: Cortesía de Warner Bros. Pictures.

Nos trasladamos a la ciudad de Los Ángeles, California para platicar largo y tendido con Steven Spielberg. Para ser más precisos, fueron los estudios de Warner Brothers el lugar estipulado para celebrar la entrevista. Cordial y directo, como es su costumbre, Spielberg contestó cada uno de nuestros cuestionamientos.


Gana boletos para asistir a la proyección de ‘Harry Potter y la Piedra Filosofal’ con orquesta en vivo


La Orquesta Internacional de las Artes interpretará en el Auditorio Nacional la música de la primera cinta del famoso mago.


POR Staff Rolling Stone México  



Gana boletos para asistir a la proyección de ‘Harry Potter y la Piedra Filosofal’ con orquesta en vivo

El próximo 9 y 10 de junio se presentará la Orquesta Internacional de las Artes en el Auditorio Nacional para interpretar la música de Harry Potter y la Piedra Filosofal.

Esta nueva experiencia mágica de J.K. Rowling’s Wizarding World ofrecerá al público la oportunidad de revivir la magia de la película en alta definición en una pantalla de 18 metros mientras escucha simultáneamente a la orquesta interpretar las galardonadas partituras compuestas por John Williams, quien también compuso la música de cintas como Parque Jurásico, Tiburón, E.T., Superman y Star Wars.

Para ganar un pase doble cortesía de Genera Música, lo único que tienes que hacer es contestar las siguientes preguntas y compartir esta publicación en Facebook o Twitter.

1. ¿En qué año se estrenó Harry Potter y la Piedra Filosofal?
2. ¿Cuántos premios Óscar ha ganado John Williams a lo largo de su trayectoria?
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John Williams en ‘Tiburón’


La música de Tiburón fue tan responsable como la imaginación del director Steven Spielberg de ahuyentar a la gente del agua en el verano de 1975.


POR Staff Rolling Stone México  



La música de Tiburón fue tan responsable como la imaginación del director Steven Spielberg de ahuyentar a la gente del agua en el verano de 1975.

John Williams en ‘Tiburón’

John Williams hizo nuestra película más intrépida y más emocionante de lo que jamás pude imaginar”. Steven Spielberg, escribiendo sobre Tiburón.

Por Jon Burlingame

Raramente seis bajos, ocho chelos, cuatro trombones y una tuba tienen tanto poder sobre los escuchas. Especialmente en un cine. La música de John Williams para Tiburón está catalogada como una de las más terroríficas jamás escritas para el cine (y, de acuerdo con una encuesta hecha en el 2005 por el Instituto Americano Cinematográfico, está en el Top 10 de las más memorables en la historia del cine).

La música de Tiburón fue tan responsable como la imaginación del director Steven Spielberg de ahuyentar a la gente del agua en el verano de 1975. Su intensidad pura y poder visceral ayudaron a que la película se convirtiera en un fenómeno mundial; Spielberg la comparó a la igualmente aterradora e indeleble música de Bernard Herrmann para Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock.

Era la segunda película en la que Spielberg hacía de director, como lo señaló el compositor en una reciente conversación en su estudio dentro del grupo Universal. El par había trabajado por primera vez en la cinta debut de Spielberg, The Sugarland Express (Loca Evasión, 1974).

“Ya sabía de la novela”, recuerda Williams. “Creo que no la había leído, pero el libro de Peter Benchley fue mucho, muy popular. Recuerdo haber visto la película en una sala de proyección aquí en Universal, Estaba solo; Steve estaba en Japón en ese momento.”

“Salí de la proyección muy emocionado”, dice Williams. “Había trabajado en Hollywood por cerca de 25 años pero nunca había tenido la oportunidad de hacer un filme que fuera absolutamente brillante. Ya había dirigido El Violinista en el Tejado (1971) y había trabajado con directores como William Wyler y Robert Altman entre otros. Pero Tiburón me noqueó.”

Williams vio el thriller de Spielberg sobre un tiburón blanco gigante que aterrorizaba a los bañistas de las playas de Nueva Inglaterra, como una oportunidad para realizar una gran contribución. No solo podía caracterizar al pez predador en términos obscuros y poderosos, si no que también, como recuerda haberle dicho a Spielberg, “Realmente imaginé esto como una persecución marítima, algo que también tuviera humor, así la orquesta también podría tomar su capa y espada algunas veces”.

La primera en llegar – y la única parte de la música que Williams le mostró a Spielberg previo a las sesiones de grabación – fue el tema del tiburón. Encontró un sello que no solo le quedaba perfecto a la creatura, si no que también probó ser lo suficientemente flexible para funcionar de distintas formas tal como el mismo tiburón: Sonidos de lo profundo de la orquesta (cuerdas e instrumentos de viento bajos) que a su vez eran rítmicos: “tan simple, insistente y con dirección, que parecían imparables, tal como el ataque del tiburón”, explicó Williams. La música podía ser fuerte y rápida si el tiburón estaba atacando, suave y lenta si estaba acechando, pero siempre en un tono amenazador.

Sorprendentemente, tomo un poco convencer al director. “Solamente toqué para él la simple E-F-E-F línea del bajo que todos sabemos en el piano”, y Spielberg se rió al principio. Pero mientras como Williams explica, “Simplemente empecé a jugar con diferentes tonadas que podían ser distribuidas en la orquesta, y me instalé en lo que creí era lo más poderoso, lo que a decir verdad es lo más simple. Como la mayoría de las ideas, siempre son las más atractivas”.

De acuerdo con Williams, la respuesta de Spielberg fue: “Vamos a intentarlo”. Williams pasó dos meses escribiendo más de 50 minutos de música para la cinta. La grabaron a principios de marzo de 1975 con una orquesta de 73 miembros. “Fue muy divertido, como un gran patio de juegos”, recuerda el compositor. “Realmente nos la pasamos muy bien, y Steven lo amó”. De hecho lo amó tanto, que decidió involucrarse. Al principio de la película, una banda de preparatoria toca una marcha de Sousa en un desfile callejero, y Williams tenía que grabar una interpretación verdaderamente desastrosa con su orquesta, que incluía a muchos de los más finos músicos de Hollywood. “Es realmente difícil pedirle a estos grandes músicos que toquen mal”, señaló. Pero Spielberg, quién tocó el clarinete en la banda de su preparatoria, decidió unirse a la orquesta en ese número. Y, dice Williams, “agregó justo la calidad amateur necesaria a la pieza. Algunos de esos compases todavía sobreviven en la película”.

Mientras que el tema del tiburón se mantiene como la parte más popular de la música de la cinta, la aportación completa de Williams es mucho más diversa. Escribió una encantadora pieza (graciosamente titulada “Turistas en el Menú” en el soundtrack original del álbum) para la concurrencia de la Playa Amity el Cuatro de Julio, y un espeluznante paisaje sonoro para Quint (Robert Shaw) relatando su horrible experiencia como sobreviviente del hundimiento del USS Indianapolis.

Una de las partes favoritas de Williams es la “fuga de la jaula para tiburones”, mientras Hooper (Richard Dreyfuss) ensambla el aparato bajo el agua que le permitirá observar al predador de las profundidades de cerca. Inspirado en su entrenamiento clásico, Williams compuso una pieza al estilo Bach que indicaba la complejidad del trabajo y la urgencia del momento al mismo tiempo.

Había una danza alegre (un baile tradicional de marineros) que se escuchó mientras la orca dejaba el muelle de Amity hacia mar abierto, y fanfarrias para el bote que perseguía al tiburón hacia el mar. “Sonaba muy al estilo Korgoldian”, comenta Williams, refiriéndose a Erich Wolfgang Korngold, el famoso compositor Austriaco que orquestó muchas películas de piratas entre los años de 1930 y los ‘40s; “esperarías ver a Errol Flynn al timón de esta cosa. Nos hizo reír”.

Williams no estaba en América cuando Tiburón se estrenó el 20 de junio de 1975 e inmediatamente tomó a los fanáticos del cine por sorpresa. Se encontraba trabajando en la puesta en escena de un musical. Recuerda a uno de sus colaboradores entrando al teatro un día diciéndole “el tiburón ese es el último grito en los Estados Unidos”.

Tiburón no solo se convirtió en la película más taquillera de su tiempo, también impulsó a John Williams a la delantera de los compositores para cine modernos. Ganó su segundo Premio de la Academia por la composición (uno de los cinco que tiene ahora) así como un Globo de Oro, un Grammy y un Premio BAFTA Anthony Asquith por la música de la cinta. Junto con Star Wars – que Williams compondría dos años después para el amigo de Spielberg, George Lucas – el fenomenal éxito de Tiburón hizo resurgir el interés en la orquestación sinfónica de las cintas y cimentó el camino para futuras Spielberg-Williams piezas maestras como E.T., El Extraterrestre (1982) y La Lista de Schindler (1993).

Más que otra cosa, la música de Williams para Tiburón ayudó al director a alcanzar su meta: meterles un buen susto a los cinéfilos. Como después lo pondría Spielberg: “Creo que la orquestación fue responsable por la mitad del éxito de la película”.

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Jon Burlingame escribe acerca de la música de las películas para Variety y es el autor de Sound and Vision: 60 Years of Motion Picture Soundtracks.


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