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Live Aid, el festival que hizo historia


Si bien no fue ni remotamente el primero, es indudablemente el más famoso.


POR Benjamín Salcedo  



Live Aid, el festival que hizo historia

La historia nos remonta hasta los años sesenta cuando se comenzó a popularizar este tipo de eventos, en donde se reunían diversos grupos para conformar un espectáculo atractivo. El más conocido, sin duda, fue Woodstock en 1969 antecedido por el Monterey Pop Festival con similares participantes pero en distintas proporciones.

Sin embargo, Live Aid fue único e irrepetible.

Pensado con el objetivo de recaudar fondos para apoyar la lucha contra el hambre en Etiopía, Bob Geldof concibió este concierto uniendo las previas acciones materializadas en bandas y discos de Band Aid en Europa con el tema “Do They Know It’s Christmas?” y en Estados Unidos con USA for Africa y la canción “We Are The World”.

Nunca antes se había realizado un festival musical simultáneamente en dos continentes; en dos ciudades y convertirse en uno solo. Además de ser transmitido completo por televisión al resto del mundo.

En Londres inició el festejo en el legendario estadio de Wembley —a reventar— con la presencia de los príncipes Carlos y la bella Lady D. En la parte superior del escenario destacaba la fecha, julio 13 de 1985 junto con el nombre de Pepsi, uno de los patrocinadores que hicieron posible gran parte de la logística del evento.

Hubo momentos sublimes, desde reuniones de bandas que estaban separadas y se juntaron ese día por el noble fin como por ejemplo Led Zeppelin, Black Sabbath con Ozzy Osbourne y Duran Duran, hasta participaciones fuera de serie como la que hizo Queen.

La banda liderada por Freddie Mercury se desenvolvió como en su casa ya que el estadio había sido sede de sus múltiples conciertos históricos. Mercury y su arrasadora personalidad se adueñaron de inmediato del escenario; sentado al piano inició con la primera parte de su obra maestra, “Bohemian Rhapsody”, sobre ese piano se aprecian unos vasos de Pepsi y una cerveza. Pudiera parecer intrascendente, pero cuando veas la escena en la película del mismo nombre, Bohemian Rhapsody —que se estrena el 2 de noviembre— notarás que ese instante fue fielmente reproducido. Su actuación fue apoteósica e inolvidable, ver a todo el estadio levantar y bajar el puño al ritmo que él marcaba en “Radio Ga Ga” quedará en el recuerdo de quienes lo vieron en vivo.

Cuando comenzaba a caer la tarde en Londres, se unió Estados Unidos y dio inicio el evento y transmisión desde el estadio JFK de Filadelfia, donde comenzaron a desfilar los demás artistas participantes. Algunos se dieron el lujo, como Phil Collins, de tomar un vuelo en el Concorde para participar en ambos estadios el mismo día.

El cierre fue espectacular; el de Wembley a las 10 de la noche (5 de la tarde en Filadelfia) con artistas como Paul McCartney, David Bowie, The Who, Elton John, U2, George Michael y muchos más. Mientras que el cierre en Estados Unidos fue poco antes de la media noche con la mayor parte de los participantes como Lionel Ritchie, The Rolling Stones, Tina Turner, Duran Duran y varios más.

Por la importancia y trascendencia del Live Aid, el 13 de julio anualmente se conmemora el Día Mundial del Rock.


Revelan la causa de muerte de Dolores O’Riordan


La exvocalista de The Cranberries murió repentinamente el pasado 15 de enero a los 46 años.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Alterna2 (Creative Commons)

Revelan la causa de muerte de Dolores O’Riordan

Dolores O’Riordan murió repentinamente el pasado 15 de enero a los 46 años. La exvocalista de The Cranberries fue hallada sumergida en una bañera y sin vida dentro de un cuarto de hotel en Londres donde se hospedaba.

Las autoridades de la ciudad calificaron a su muerte como un “trágico accidente” e indicaron que la cantante irlandesa no presentaba evidencias de autolesiones pero sí un alto grado de alcohol en su sistema. O’Riordan

“Yo vi a la señorita O’Riordan sumergida en la bañera con su nariz y su boca completamente bajo el agua”, dijo Natalie Smart —uno de los elementos policíacos que acudieron al llamado de auxilio. También se reportó que dentro del cuarto se encontraron cinco botellas pequeñas de licor y una de champagne (todas ellas vacías), así como algunas píldoras de prescripción médica.

El examen toxicológico mostró que los niveles de medicamento en la sangre de Dolores eran los normales de una persona que está bajo un tratamiento terapéutico, sin embargo, sí fueron hallados altos niveles de alcohol —330 mg. por cada 100 ml. de sangre, lo que significa que estaba más de cuatro veces por encima del límite legal de 80 mg para conducir.

Dolores O’Riordan ingresó al hotel el 14 de enero y se mantuvo en contacto con el personal del room service hasta alrededor de media noche y aproximadamente a las tres de la mañana llamó a su madre. Más tarde, la cantante fue hallada inconsciente en el baño de la habitación y fue declarada sin vida a las 9:16 (hora de Londres).


Diez cosas que quizás no sabes sobre ‘Ten’ de Pearl Jam


Un día como hoy, pero de 1991, se estrenó el álbum debut de la banda liderada por Eddie Vedder.


POR Staff Rolling Stone  



Diez cosas que quizás no sabes sobre ‘Ten’ de Pearl Jam

Por Dan Epstein

Pearl Jam, una de las bandas de rock más exitosas del último cuarto de siglo, ha lanzado 10 álbumes de estudio, numerosos discos en vivo y bootlegs oficiales en el transcurso de su carrera, vendiendo aproximadamente 60 millones de copias en todo el mundo. Pero si hubieran lanzado sólo un LP, Ten (su debut de 1991), su lugar en la historia del rock aún estaría asegurado. Ten, que cumple 27 años el día de hoy, nos trajo los clásicos de rock moderno “Alive”, “Jeremy” y “Even Flow”, estableció al previamente desconocido Eddie Vedder como líder superestrella y vendió más de 13 millones de copias tan sólo en los Estados Unidos.

Para bien o para mal, el éxito de Ten también ayudó a impulsar a la escena rockera de Seattle que lo engendró (y a la cultura “grunge” en general), e inspiró a una serie de bandas inferiores que descaradamente imitaron el estruendoso y denso poder de Pearl Jam y el distintivo rugido de la voz de barítono de Vedder. También difuminó las líneas entre el rock alternativo y el rock popular, encendiendo un acalorado debate entre los críticos del colectivo, fanáticos y músicos contemporáneos sobre si Pearl Jam era un grupo vendido o artistas comprometidos cuya visión musical resultó ser lo suficientemente amplia como para llenar arenas.

Ahora que los debates se han terminado y que las cosas se calmaron, Ten se mantiene como uno de los discos más emblemáticos de su época. Para celebrar el 27 aniversario del lanzamiento del álbum, aquí hay diez datos curiosos sobre Ten.

1. Ten fue grabado con un presupuesto modesto.

Formado a partir de las cenizas de Mother Love Bone —cuyo líder Andrew Wood murió de una sobredosis de heroína en marzo de 1990, poco antes del lanzamiento de Apple, su único material de larga duración— Pearl Jam estaba decidido a evitar los costosos excesos y errores de MLB. “Creo que gastamos unos $25 mil en Ten y unas tres veces más que eso para mezclarlo”, dijo el bajista Jeff Ament a Classic Rock. “Pero aún así, sólo era un tercio del dinero que gastamos haciendo el disco de Mother Love Bone. No esperábamos que fuera gran cosa, pero supongo que sí lo fue”.

2. “Alive” es en realidad un demo (con un poco de mejoras).

En enero de 1991, Pearl Jam (aún conocido en ese momento como Mookie Blaylock) grabó varias canciones en el estudio London Bridge de Seattle, como parte de una sesión de demostración con el futuro productor de Ten, Rick Parashar. Una de esas canciones era “Alive”, que se convertiría en uno de los himnos más perdurables de Pearl Jam. Cuando el grupo fue incapaz de duplicar el poder y la intensidad del demo de “Alive” durante las sesiones oficiales de grabación de Ten que ocurrieron en marzo y abril, decidieron utilizar la grabación original (demo) para el disco y como su primer sencillo —aunque con un nuevo solo de guitarra de Mike McCready que se agregó en el desenlace de la pieza durante la mezcla final del LP. “Capturamos esa canción en ese momento”, dijo el baterista Dave Krusen, cuyos problemas con el alcohol lo obligaron a abandonar la banda antes del lanzamiento de Ten. “Y fue realmente bueno”, recordó en el libro Pearl Jam Twenty.

3. El solo de Mike McCready en “Alive” fue inspirado por Ace Frehley.

Para el épico solo de dos minutos que cierra “Alive”, el guitarrista principal Mike McCready intentó canalizar a uno de sus héroes de la infancia: Ace Frehley. “Ace fue su petardo, su dinamita”, escribió McCready en Rolling Stone en 2014. “Él es lo que los llevó a la cima con el sentimiento que puso en sus partes principales. Realmente me llamaba la atención su vibrato. Mi parte para ‘Alive’ está basada en ‘She’, y en ‘Five to One’ de The Doors. Recuerdo que estábamos (haciendo la mezcla final para Ten) en Surrey, Inglaterra. Pensé en ello así, lo abordaré como Ace lo hizo en ‘She’. Y recuerdo que el patrón de acordes que Stone escribió le daba un aire de patrón descendente. Me dejé llevar por ello y luego improvisé desde allí”.

4. Eddie Vedder escribió la letra de “Oceans” mientras se quedó afuera del lugar donde ensayaba la banda.

A lo largo de la creación de Ten, Eddie Vedder impresionó repetidamente a sus compañeros con su habilidad para crear la letra de una canción en un instante y de la nada. “Oceans” es un ejemplo perfecto; escrita mientras el cantante se quedó fuera de donde ensayaban durante una tormenta. “Alguien me pidió que le pusiera monedas al parquímetro por ellos”, recordó Vedder para Seattle Sound en 2009. “Fui e hice eso y luego volví y estaba cerrado. Lloviznaba y no estaba vestido para estar bajo la lluvia. Tenía un trozo de papel y un bolígrafo en el bolsillo, y ellos estaban tocando esta canción [adentro]. Todo lo que podía escuchar era el bajo que entraba por la pared, la ventaba estaba bloqueada. Entonces escribí la canción basándome en el bajo. Ni siquiera estaba intentando oír la canción al principio. Cuando escuché que tomaron un descanso, comencé a golpear la puerta… intentando salvarme de la lluvia. Así que mientras hacía eso, pensé, ¡A la mierda!, podría escribir algo”.

5. La mezcla final de “Oceans” incluye algunos instrumentos de percusión muy inusuales.

En junio de 1991, habiendo terminado las sesiones de grabación para Ten en Seattle, Pearl Jam voló a Inglaterra para mezclar las pistas con Tim Palmer en Ridge Farm Studio, un complejo residencial de grabación ubicado en un pequeño pueblo cerca de la frontera entre Sussex y Surrey. Tan remoto era el estudio que, cuando Palmer decidió de último minuto que algunos overdubs de percusión eran necesarios para “Oceans”, terminó usando un molinillo de pimienta y un extintor de incendios para lograr el efecto deseado. “La razón por la que utilicé esos artículos fue simplemente porque estábamos lejos de una tienda de alquiler de música”, dijo Palmer a Guitar World en 2002. “La necesidad se convirtió en la madre de la invención”.

6. “Even Flow” tomó mucho tiempo para ser grabada, y la agrupación no quedó satisfecha con el resultado final.

El segundo sencillo de Ten, “Even Flow”, se convertiría en una de las canciones más populares de Pearl Jam, pero obtener una versión satisfactoria de la misma en el estudio, resultó ser uno de los mayores dolores de cabeza durante las sesiones de Ten. “Grabamos ‘Even Flow’ unas 50 o 70 veces”, dijo McCready a The Daily Record en 2009. “Juro por Dios que fue una pesadilla. Tocamos esa cosa una y otra vez hasta que terminamos odiándonos. No creo que Stone esté satisfecho con cómo salió”. El grupo subsecuentemente volvería a grabar la canción para la banda sonora de la película de 1992 Singles, con el nuevo baterista, Dave Abbruzzese, detrás del kit.

7. La tipografía que dice “Pearl Jam” en la portada del álbum era en realidad una pieza gigante (de madera) hecha por Jeff Ament.

Aunque la portada de Ten hace que parezca que los miembros de la banda están sobrepuestos encima de las letras que deletrean “Pearl Jam”, en realidad estaban haciendo su pose “todos para uno” para el fotógrafo Lance Mercer frente a un “Pearl Jam” gigante de madera. Recortado diseñado y construido por Jeff Ament, que se desempeñó como director de arte para el empaquetado del disco. “¡Esa cosa que está enfrente de nosotros era de tamaño real!”, recordó Dave Krusen en 2009. “Jeff es un artista increíble de principio a fin”.

8. La disquera quería lanzar “Black” como sencillo, pero ellos se negaron.

En 1992, con Ten en la cima de las listas de éxitos y “Alive”, “Even Flow” y “Jeremy” con estatus de hits, Epic Records comenzó a presionar para lanzar la balada “Black” como sencillo. Ellos, sintiendo que la canción era demasiado personal para ser sometida a una gran promoción de radio (sin mencionar el inevitable tratamiento de video), se negaron a otorgar el permiso. “Algunas canciones no están pensadas para ser tocadas entre el primer éxito y el segundo”, le dijo Vedder a Cameron Crowe y Rolling Stone en 1993. “Si comienzas a hacer esas cosas, lo arruinarás. Esa no es la razón por la que escribimos canciones. No escribimos para conseguir éxitos”. Anticipando la demanda de los oyentes, los programadores de radio de todo el país tomaron el asunto en sus propias manos y la reprodujeron de todos modos, enviando el tema al Número Tres en la lista Mainstream Rock Tracks de Billboard en 1993.

9. Ten no fue lanzado en vinilo en los Estados Unidos sino hasta más de tres años después de que fuera publicado en disco compacto.

Para agosto de 1991, cuando Ten se estrenó, las principales discográficas estadounidenses ya estaban eliminando rápidamente la producción de vinilos para favorecer al disco compacto que era más rentable. Los lanzamientos en vinilo ahora se limitaban principalmente a materiales nuevos de figuras que vendían muchísimo; y como nadie en Epic esperaba que Ten consiguiera certificación de oro en Estados Unidos, mucho menos de 13 veces platino, la compañía ni siquiera consideró realizar una edición en vinilo para el mercado estadounidense. (Sin embargo, el disco fue lanzado en este formato en otros países). “No nos dejaron ponerlo en vinilo”, dijo Jeff Ament a The Daily Record en 2009, “y eso fue un duro golpe para nosotros en ese momento, porque creo que yo ni siquiera tenía un reproductor de CDs”. Aunque el empaque del vinilo de Ten dice que fue impreso en 1991, este no fue lanzado en dicho formato sino hasta el 22 de noviembre de 1994, el mismo día en que el tercer disco de Pearl Jam, Vitalogy (que incluye el himno a favor del vinilo, “Spin the Black Circle”) también hizo su debut en acetato.

10. Ten habría encabezado la lista de popularidad de álbumes en 1992, de no haber sido por Billy Ray Cyrus.

Después de un recorrido lento pero constante —impulsado en gran medida por los legendarios shows en vivo de Pearl Jam en el Lollapalooza de 1992—, Ten finalmente alcanzó el segundo escalón más alto del Billboard 200 en agosto de 1992, casi un año después de su lanzamiento. Desafortunadamente, el camino de Pearl Jam a la cima de las listas de éxitos fue bloqueado por Billy Ray Cyrus, cuyo LP debut, Some Gave All, pasó 17 semanas consecutivas en el Número Uno durante la primavera, verano y otoño de 1992. Aunque Ten llegó al Número Dos cuatro veces en agosto, septiembre y octubre, nunca vendió suficientes copias para destronar al padre de Miley.


Pearl Jam tocó “Evil Little Goat” en vivo por primera vez


Este tema forma parte de las canciones extras que fueron incluidas en la reedición de ‘Ten’ en 2009.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Raph PH

Pearl Jam tocó “Evil Little Goat” en vivo por primera vez

Pearl Jam tocó “Evil Little Goat” en vivo por primera vez. Esta canción formó parte de los temas que el colectivo originario de Seattle escribió para su álbum debut Ten pero que no fueron incluidos en la edición final.

En 2009, Eddie Vedder y compañía lanzaron una reedición del exitoso LP con los once temas originales remasterizados por el productor Brendan O’Brien, acompañados por seis canciones extras: “Brother”, “Just a Girl”, “Breath and a Scream”, “State of Love and Trust”, “2,000 Mile Blues” y “Evil Little Goat”.

Esta interpretación ocurrió durante el segundo concierto que Pearl Jam ofreció hace unos días en el estadio de beisból Wrigley Field, la casa de los Cachorros de Chicago —equipo del que Vedder se declaró fanático. Otra de las sorpresas de la noche fue la inclusión de “U” en el setlist, pieza que no había formado parte de sus shows en vivo desde 2014.

Como ya es costumbre en sus conciertos, el grupo realizó algunos covers, incluyendo “Rain” de The Beatles, “Throw Your Hatred Down” de Neil Young, “Baba O’Riley” de The Who y “We Are Gonna Be Friends” una vez más.

Este fue el setlist completo de la noche:

1. “Given to Fly”
2. “Why Go”
3. “Go”
4. “Last Exit”
5. “Mind Your Manners”
6. “Do the Evolution”
7. “Rain (The Beatles)”
8. “Throw Your Hatred Down” (Neil Young)
9. “Even Flow”
10. “U”
11. “In My Tree”
12. “Immortality”
13. “Daughter”
14. “Unthought Known”
15. “Jeremy”
16. “I Am A Patriot” (Little Steven)
17. “Lukin”
18. “Porch”
Encore:
19. “We Are Gonna Be Friends (The White Stripes cover)
20. “Come Back”
21. “Corduroy”
22. “Black”
23. “Lightning Bolt”
24. “Rearviewmirrror”
25. “Smile”
26. “Evil Little Goat”
27. “Leash”
28. “Alive”
29. “Baba O’Riley” (The Who)

Pearl Jam ofrecerá las últimas dos fechas de su gira de 2018 a inicios de septiembre en Boston. Eddie Vedder tiene programadas dos presentaciones en solitario; comenzando el 29 de septiembre en California como parte del lineup del Chana Festival y el 2 de diciembre en Sudáfrica.

Mira a Pearl Jam tocar “Evil Little Goat” en vivo:


Jack White hizo un cover a “Daughter” de Pearl Jam


Esta presentación ocurrió en respuesta a la interpretación de “We’re Going to Be Friends” que Eddie Vedder realizó días atrás.


POR Jonathan Matamoros  



Fotos: William Haula y Raph PH (Creative Commons)

Jack White hizo un cover a “Daughter” de Pearl Jam

Jack White interpretó en vivo “Daughter” de Pearl Jam durante el concierto que el cantautor originario de Detroit ofreció en el teatro WaMu de Seattle como parte de su gira para promocionar Boarding Reach House, su más reciente álbum de estudio.

Esto ocurrió en respuesta al reciente cover que Eddie Vedder realizó a “We’re Going to Be Friends”, tema que se desprende del tercer álbum de estudio de The White Stripes. El líder de Pearl Jam compartió unas palabras en reconocimiento a los profesores y su labor con los niños antes de interpretar la canción, acompañado sólo por su guitarra.

El pasado julio, Jack White tocó junto a Pearl Jam durante la más reciente edición del festival NOS Alive en Portugal. Los músicos compartieron en el escenario para interpretar “Rockin’ in the Free World” de Neil Young.

Durante su visita a Seattle, White tocó en vivo varias canciones de la discografía de The White Stripes, así como piezas de su trabajo como solista. Este fue el setlist de la noche:

Over and Over and Over
When I Hear My Name
Corporation
Cannon
Astro
Lazaretto
Hotel Yorba
Dead Leaves and the Dirty Ground
Respect Commander
Just One Drink
Love Interruption
Daughter (Pearl Jam cover)
I Cut Like a Buffalo
The Hardest Button to Button
I Fought Piranhas (with Olivia Jean)
Broken Boy Soldier
I’m Slowly Turning Into You
Encore:
Steady, as She Goes
Freedom at 21
Missing Pieces
Connected by Love
Seven Nation Army

Recientemente, Jack anunció que continuará su gira con una nueva serie de conciertos por Canadá, después de terminar con las fechas que tiene programadas por Europa en el mes de octubre. Por su parte, el colectivo de Seattle aún tiene programadas cuatro fechas más en Estados Unidos.

Jack White decidió prohibir los celulares en sus conciertos desde hace algunos meses. “La forma en la que (las personas del público) reaccionan me indica qué hacer. Y si no están realmente ahí, no sé qué hacer después”, dijo el músico estadounidense. Es por ello que no existe un video de esta presentación, pero sí un audio.

Escucha el cover que White hizo a “Daughter” de Pearl Jam:


Eddie Vedder hizo un cover a “We’re Going to Be Friends” de The White Stripes en vivo


Durante su concierto en Seattle, Pearl Jam tocó en vivo varios temas de The Beatles, Pink Floyd y Neil Young.


POR Jonathan Matamoros  



Foto: Raph PH (Creative Commons)

Eddie Vedder hizo un cover a “We’re Going to Be Friends” de The White Stripes en vivo

Pearl Jam dio inicio a la serie de siete conciertos que tiene programados por varias ciudades de Estados Unidos como parte de su gira mundial que dio inicio en marzo de este año.

El colectivo liderado por Eddie Vedder comenzó en su natal Seattle, donde ofreció dos shows en el estadio Safeco Field ante miles de fanáticos que emocionados corearon las 33 canciones que conformaron el setlist, incluyendo algunos covers de The Beatles, Pink Floyd, Neil Young y más.

“Long Road”
“Release”
“Low Light”
“Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town”
“Corduroy”
“Go”
“Do the Evolution”
“Throw Your Hatred Down” (Neil Young)
“Mind Your Manners”
“Lightning Bolt”
“Given to Fly”
“All Those Yesterdays”
“Even Flow”
“Help!” (The Beatles)
“Black”
“Setting Forth”
“I Am a Patriot” (Little Steven)
“Porch”
Primer encore:
“We’re Going to Be Friends” (The White Stripes)
“Nothing as It Seems”
“Let Me Sleep”
“Breath”
“Again Today” (Brandi Carlile)
“State of Love and Trust”
“Rearviewmirror”
Segundo encore:
“Wasted Reprise”
“Better Man”
“Comfortably Numb” (Pink Floyd)
“Alive”
“I’ve Got a Feeling” (The Beatles)
“Rockin’ in the Free World” (Neil Young)
“Yellow Ledbetter”/”Little Wing” (Jimi Hendrix)

Pearl Jam sorprendió a los asistentes al versionar “Help” de The Beatles para dar paso a su propia canción “Help Help”, la cual se desprende de su sexto álbum Riot Act de 2002. Casi al final del concierto, el grupo también interpretó “I’ve Got a Feeling” del cuarteto de Liverpool.

Minutos más tarde, Eddie interpretó “We’re Going to Be Friends” de The White Stripes. Antes de tocar en vivo esta pieza, Vedder dedicó algunas palabras de agradecimiento a los maestros. En medio de su presentación, sus hijas subieron al escenario acompañadas por sus profesoras.

Mira a Eddie Vedder interpretar en vivo “We’re Going to Be Friends” de The White Stripes:


Los secretos del ‘setlist’ de U2


Para su gira de verano, la banda se olvidó de los trucos e inventó un nuevo tipo de show: el más tranquilo y reflexivo en años.


POR Andy Greene  



Foto: Salvador Bonilla

Los secretos del ‘setlist’ de U2

1. “Love Is All We Have Left” (2017)
Casi cada concierto de U2 de los últimos 40 años iniciaba con una explosiva canción con la banda completa. Esta vez, quisieron subvertir las expectativas –entonces el show empieza con Bono parado solo en medio de la arena, cantando el melancólico inicio de Songs of Experience. “Muy calmado, muy meditativo”, dice The Edge.

2. “Gloria” (1981)
La parte inicial del set está cuidadosamente ordenada para evocar eventos recientes en
la vida de Bono, particularmente su “acercamiento con la muerte” que inspiró mucho de Songs of Experience de 2017. “Las primeras tres canciones lidian con la muerte”, cuenta The Edge. “Después nos sentimos como: ‘Ahora tenemos que regresar al inicio muy rápido, para empezar la historia desde donde realmente empieza, los primeros días’”.

3. “Beautiful Day” (2000)
Cuando la gira abrió en Oklahoma, U2 tocó su éxito de reaparición en 2000 como la cuarta canción de la noche. “No aterrizó del modo que queríamos”, dice The Edge. “Necesita un mejor preámbulo. Ahora, cuando llegamos a ella después de ‘I Will Follow’ y ‘Gloria’, sentimos que nos lo merecemos”.

4. “Until the End of the World” (1991)
“Realmente resalta todo lo que la banda hace mejor”, explica The Edge sobre este himno emotivo, el cual han tocado en casi cada presentación desde 1991. Con letras que aluden a la traición de Judas a Jesucristo, añade, la canción va de acuerdo con esta gira, particularmente por su tono de reflexión: “Tiene referencias a la mortalidad y todas las preguntas importantes”.

5. “Acrobat” (1991)
Hasta este año, cada canción de Achtung Baby había sido interpretada en los conciertos al menos una vez –excepto este intenso tema de desarrollo lento. “Fue un proyecto de regresar y entender cómo funcionaba”, dice The Edge. “Afortunadamente, como con la mayoría de mis partes de guitarra, es bastante simple”.

6. “You’re the Best Thing About Me” (2017)
“With or Without You” de 1987 ha sido una parte crucial del show en vivo de U2 por décadas, pero la desecharon junto con otros de sus queridos éxitos tras la gira del 30 aniversario de The Joshua Tree del año pasado. Ahora incluyeron esta canción de amor, la cual, según el bajista Adam Clayton, transmite “la versión actual” del sentimiento de “With or Without You”.

7. “Staring at the Sun” (1997)
U2 toca esta canción poco popular con material perturbador de neonazis marchando el año pasado en Charlottesville, Virginia. “Las fuerzas de la oscuridad se están reuniendo”, dice Clayton. “Mirar fijamente al sol sin tomar una postura no parece ser una buena opción”.

8. “Pride (In the Name of Love)” (1984)
Originalmente, U2 planeaba omitir su oda de 1984 a Martin Luther King Jr., ya que la ha tocado muchas veces antes. Pero durante los ensayos en Montreal, la banda se dio cuenta que era la salida perfecta de “Staring at the Sun”. “Muchas ideas poderosas vienen durante el proceso, cuando comienzas a armar todo junto”, declara The Edge.

9. “City of Blinding Lights” (2004)
Un sinfín de shows de U2 han ascendido a un clímax eufórico con “Where the Streets Have No Name” de 1987. Con esa distintiva canción fuera de escena, tuvieron que encontrar otra similar. “Decidimos hacer que ‘City of Blinding Lights’ fuera el final”, cuenta Clayton. “Bono siempre dice: ‘Empezó como una canción inocente pero ahora tiene peso’”.

10. “Women of the World”
Antes del encore, una grabación de esta canción por el poeta escocés Ivor Cutler se reproduce mientras la pantalla muestra slogans como: “La pobreza es sexista”. El video también incluye a la hija de The Edge, Sian de 21 años, parada solemnemente de negro. “Sian no es una artista por naturaleza”, dice The Edge. “Esa calidad en ella ha hecho que la imagen sea muy poderosa”.

11. “13 (There Is a Light)” (2017)
“Terminar con esta canción no es algo que U2 haría”, reconoce The Edge. “Tradicionalmente, terminaríamos con un gran crescendo. Este es un lugar muy contemplativo para las personas. Y eso está bien”.


Hoy se celebra el Día Mundial del Rock


Hace 33 años se llevó a cabo el primer ‘Live Aid’ que contó con las presentaciones de Queen, Paul McCartney, Mick Jagger, David Bowie, Bob Dylan, Eric Clapton y muchos más.


POR Staff Rolling Stone México  



Hoy se celebra el Día Mundial del Rock

Hace 33 años se llevó a cabo el primero de los conciertos altruistas ‘Live Aid’, realizados simultáneamente en los estadios de Wembley y en el John F. Kennedy de Londres y Filadelfia, respectivamente.

Organizado por el músico Bob Geldof, el magno evento se planeó con el propósito de apoyar la situación en Etiopía, que en aquellos momentos sufrió una de las peores sequías en la historia del país dejando a miles de habitantes sin alimentos y agua.

Ese día, Geldof logró juntar a grandes nombres del rock como Led Zeppelin, Mick Jagger, Duran Duran, Black Sabbath, Bob Dylan, U2, Paul McCartney, Eric Clapton, Queen y Phil Collins, entre muchos otros, quienes aceptaron participar con el motivo de mejorar la difícil situación que se vivía Etiopía en ese momento.

Live Aid recaudó cerca de 40 millones de dólares, demostrando el poder de la música y de una industria que empujaba hacia la misma dirección. El concierto fue transmitido en un total de 72 países con aproximadamente 1,900 millones de espectadores alrededor del mundo en directo por televisón, según los reportes de CNN.

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Uno de los momentos más memorables de ese día fue cuando Queen subió al escenario a dar uno de los mejores shows en la historia, acompañado por un público de 74 mil personas en el estadio de Wembley, más todas las personas que siguieron el evento desde su hogar. El concierto se convirtió en uno de los eventos musicales más vistos y pasó a la historia como el Día Mundial del Rock.

Y así, el 13 de julio fue declarado como el Día Mundial del Rock.


La reinvención radical de U2 en vivo


La banda ha descartado sus más grandes éxitos a favor de canciones menos conocidas. Detrás de un espectáculo en estadio para fans incondicionales.


POR Andy Greene  



Foto: cortesía de U2star.com

La reinvención radical de U2 en vivo

Antes de empezar los ensayos para su gira de 2018, Experience + Innocence, U2 tomó una audaz decisión: su nuevo show no podía incluir ni una sola canción de The Joshua Tree, el clásico de 1987 que ha sido la columna vertebral de sus conciertos por tres décadas. La banda se había pasado tocando el álbum durante 2017 –el cual incluye “Where the Streets Have No Name” y “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”– sin parar en estadios. “Hasta aquí hemos llegado”, dice el bajista Adam Clayton. “Si realmente querían esas canciones, lo hicimos. Se acabó. Ya lo superamos”.

El reinicio ha ayudado a U2 a lanzar una de las giras más radicales de todos los tiempos –especializada en tecnología y que recorre las esquinas desconocidas de su catálogo, junto con la mayor parte de Songs of Experience del año pasado. “Esta gira es para fans de nuestro más reciente trabajo”, dice el guitarrista The Edge, “los fans más comprometidos que realmente escuchan todo y se dirigen hacia los nuevos álbumes –y eso está bien”.

El show es una secuela de su gira Innocence + Experience de 2015, utilizando la misma pared masiva de video que divide una arena a la mitad. Pero mientras el tema de la gira estaba centrado en los primeros días de la banda en Dublín a mediados de los años setenta, el nuevo espectáculo es una travesía más oscura a través de la segunda mitad de la vida de Bono. Eso está claro en la primera canción “Love Is All We Have Left”. Bono canta solo la nueva canción, caminando por una pantalla mientras una voz incorpórea emite órdenes como “inhala” y “exhala” –instrucciones dadas a los pacientes ingresando a una máquina de tomografía por resonancia magnética.

Es aparentemente una alusión al misterioso encuentro con la muerte que le inspiró algunas letras en el nuevo álbum. Es un comienzo diferente al de la gira de 2015, donde la banda tocaba un mini set de sus primeras canciones en el escenario principal. “La última vez salimos como una banda de punk y tocamos 25 minutos de rock & roll”, dice The Edge. “Esto es lo opuesto a eso. Es un inicio muy tranquilo y meditativo”.


U2 interpretó “Love Is Bigger Than Anything In Its Way” en los estudios de White


El tema fue grabado en Third Man Records, disquera fundada por White en 2001.


POR Andrea Calderón  



U2 interpretó “Love Is Bigger Than Anything In Its Way” en los estudios de White

Después de realizar un concierto en Nashville, la agrupación liderada por Bono aprovechó su estancia en la ciudad para visitar las instalaciones de Third Man Records (disquera de Jack White) y realizar un pequeño concierto acústico.

Como parte del íntimo show, la banda irlandesa interpretó “Love Is Bigger Than Anything In Its Way” y “Red Flag Day”, temas incluidos en Songs of Experience, su más reciente material discográfico publicado en 2017.

El video de la presentación muestra a Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. tocando en vivo dentro de una pequeña habitación estrecha, rodeados de instrumentos, vinilos y una rocola. Se realizó una transmisión en vivo a través de Facebook, utilizando un equipo generalmente reservado únicamente para actuaciones que se realizan en el Blue Room, el único estudio en el mundo en donde se puede realizar la grabación de un show en vivo directamente en formato de acetato, produciendo un máster de vinilo en tiempo real.

“Es realmente genial estar en Nashville. La gente es muy amable y buena con nosotros, además Third Man Records es un templo a la música”, dijo Bono al terminar su presentación en la discográfica fundada por White en 2001. U2 continuará su gira por Norteamérica y Europa en los próximos meses, el grupo de Dublín aún no ha anunciado fechas para Asia, Oceanía y Latinoamérica, pero se espera que visiten estos territorios en 2019.

Mira a U2 interpretar “Love Is Bigger Than Anything In Its Way” en la disquera de Jack White:


15 grandes artistas que han compartido escenario con The Rolling Stones


AC/DC, Bruce Springsteen, Tina Turner, Axl Rose, U2, Eddie Vedder, Christina Aguilera, Jack White y Amy Winehouse son algunos de los actos que se han presentado con la icónica banda británica.


POR Jonathan Matamoros  



15 grandes artistas que han compartido escenario con The Rolling Stones

The Rolling Stones son —sin lugar a dudas— uno de los actos más espectaculares en vivo y una de las bandas que debes disfrutar en vivo por lo menos una vez en tu vida. Estas leyendas de la música se han adueñado de los escenarios de todo el mundo por más de 56 años y no muestran señales de querer detenerse.

Desde 1962, los Stones han realizado más de dos mil conciertos como parte de 48 giras mundiales, visitando ciudades en los cinco continentes y convirtiéndose en uno de los actos más exitosos en taquillas, llegando a tener tres de sus giras dentro de la lista de los 20 tours que han generado más ganancias, siendo A Bigger Bang Tour el número dos con $558.2 millones de dólares recaudados, sólo superado por el U2 360° Tour.

A lo largo de cinco décadas, Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ronnie Wood han compartido el escenario con otros actos musicales muy variados en género y estilo. Te traemos una lista de 15 presentaciones junto a The Rolling Stones que han cautivado a más de uno.

“Baby Please Don’t Go” con Muddy Waters (1981)

“Rock Me Baby” con AC/DC (2003)

“Like a Rolling Stone” con Bob Dylan (1997)

“Boogie Chillen” con John Lee Hooker y Eric Clapton (1989)

“It’s Only Rock ‘n’ Roll” con Tina Turner (1985)

“Tumbling Dice” con Bruce Springsteen (2012)

“Salt of the Earth” con Axl Rose e Izzy Stradlin (1989)

“Live With Me” con Christina Aguilera (2006)

“Stuck in a Moment You Can’t Get Out Of” con U2 (2009)

“Loving Cup” con Jack White (2006)

“Bitch” con Dave Grohl (2013)

“Wild Horses” con Eddie Vedder (2005)

“Miss You” con Justin Timberlake (2003)

“Ain’t Too Proud to Beg” con Amy Winehouse (2007)

“Wild Horses” con Florence Welch (2018)


Supersticiones y cábalas del rock


Magia y deidades: los secretos que se esconden detrás del escenario.


POR Brenda Arriaga  



Foto: Wikimedia Commons

Supersticiones y cábalas del rock

La historia de la humanidad está permeada de cábalas o creencias que se han arraigado a la cultura popular desde hace cientos de años. En el mundo de la música no hay excepción. Los ídolos del escenario se han envuelto en una serie de supersticiones que van desde evitar los encendedores blancos porque fueron hallados en la ropa que vistieron Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison cuando murieron [miembros del famoso Club de los 27] hasta viajar el 3 de febrero para prevenir algún accidente como el ocurrido durante 1959, año en el que Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper perdieron la vida en un trágico episodio conocido como “El día en que la música murió”. Volar el viernes 13 y ofrecer el show número 13 son otras actividades que los músicos descartan.

En relación a estos y otros mitos que rondan el rock, la práctica de los rituales es muy popular entre el gremio. Con el fin de ahuyentar las tragedias, alcanzar la fama y firmar contratos millonarios, los astros de la música se han involucrado en la magia, hechicería, brujería y ocultismo, doctrinas de las cuales retoman ceremonias para consagrar su legado. Independientemente de que estos cultos conecten o no con alguna deidad, la historia enmarca algunos pasajes que tambalean el escepticismo en torno a esta costumbre.

Durante los años setenta, el rock estuvo influenciado por una serie de simbolismos que le otorgaron un sentido místico. No hay una razón específica pero gran parte de la música escrita en este periodo estuvo inspirada en El libro de la ley de Aleister Crowley (1904), una de las figuras más oscuras y enigmáticas del ocultismo. Este personaje dedicó su vida al estudio de la magia sexual, magia negra y filosofía Thelema. En su obra se proclama a la voluntad como un acto verdadero de amor que vuelve a los individuos “únicos como las estrellas”, a través de invocaciones y ceremonias coitales.

Con la premisa de “el amor bajo la voluntad”, Crowley alcanzó a gran número de seguidores entre los cuales había personalidades de la música. Todos ellos se encomendaron al mago negro e hicieron realidad su utopía. Establecieron sus propias reglas y navegaron bajo el siguiente lema: “Hacer tu voluntad será la ley”. Desde luego esta forma de pensamiento se reflejó en el desenfreno sexual, irreverencia lírica y potencia escénica que inmortalizó al rock de los años setenta.

John Lennon fue un admirador de Aleister, a quien incluyó en la controversial portada del disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. La relación entre The Beatles y el mago iría más allá, pues Crowley radicó una parte de su vida en el edificio Dakota, recinto que supuestamente hechizó al marcharse. En este mismo inmueble vivió y fue asesinado Lennon a finales de 1980.

Se dice también que Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, adquirió Boleskine House, la residencia que le perteneció a Crowley, con la esperanza de invocar al brujo para encomendar el futuro de la banda. Iniciaron los rumores sobre santería tras la publicación del cuarto álbum del grupo, donde destaca la simbología impresa en su contraportada. Al respecto, Robert Plant explicó a la prensa que cada miembro eligió un símbolo metafísico que los representara individualmente, “decidimos que el álbum no podía llamarse Led Zeppelin IV”, contó.

La serie de tragedias que envolvieron al grupo evitaron que su relación con la magia se descartara del todo. En 1975, Robert Plant sufrió un accidente automovilístico en Grecia. Este suceso lo inmovilizó por un tiempo por lo que dejó de cantar “In My Time of Dying”. En 1977, mientras Led Zeppelin se encontraba de gira por Estados Unidos, Plant perdió a su hijo de 6 años debido a una extraña infección estomacal. En septiembre de 1980, el baterista del grupo, John Bonham, murió a causa de broncoaspiración en la mansión que Jimmy Page tenía en Windsor, Inglaterra. La especulación sobre el mal karma de los músicos debido a la devoción satánica de su guitarrista terminó por desaparecer a la banda un par de meses después.

The Doors, David Bowie y Ozzy Osbourne son otros que encomendaron su destino al mago negro aunque los rituales oscuros no siempre fueron la clave para atraer a la buena suerte. Un ejercicio básico que ha prevenido infinidad de percances es el soundcheck. Las cosas sencillas son idóneas para conectar la energía positiva. Por ejemplo, Keith Richards come pastel de ternera antes de subir al escenario. Esta ceremonia ha traído buena suerte a los Stones desde 1989, año en el que el guitarrista del grupo comenzó con el ritual durante el Steel Wheels Tour. Una cuestión similar ocurría con Lemmy Kilmister quien tomaba Jack Daniel’s y Coca-Cola en el backstage. Esta combinación acompañó durante mucho tiempo al líder de Motörhead, hasta que reemplazó el coctel por problemas de salud. “Me gustaba más con jugo de naranja”, manifestó Lemmy a The Guardian. Este ritual fue tan icónico que la firma de whiskey lanzó una botella conmemorativa luego de su muerte en 2015.

En febrero de 2018, Paul McCartney reveló durante una entrevista con The Mirror que se toma un tiempo antes de salir al escenario para ver el programa Family Fortunes. De forma particular, Jack White dio a conocer a la revista The New Yorker el ritual que practica antes de un concierto. “Bebo Red Bull, un caballito de whisky y rompo cosas con un bate de béisbol detrás del escenario”. Por su parte, convivir con familiares y amigos cercanos es el ritual de buena suerte que no puede faltar en las giras de U2, Green Day y Depeche Mode; inclusive, se puede observar a Dave Gahan arrullando a su hijo minutos antes de presentarse en el Rose Bowl durante el documental 101, grabado en 1988.

Las supersticiones y rituales endulzan el rock. La razón radica en que la combinación entre la magia y lo sobrenatural genera buenas historias para las chicas, quienes “se fascinan por el lado oscuro de una banda”, como lo determinó Richard Cole, respecto a los rumores cabalísticos de Led Zeppelin.


U2 compartió el video de “Love Is Bigger Than Anything in Its Way”, su nuevo sencillo


“El objetivo es celebrar el amor, celebrar la individualidad, celebrar a todos”, comentó el director David Mushegain.


POR Bárbara Romo  



U2 compartió el video de “Love Is Bigger Than Anything in Its Way”, su nuevo sencillo

U2 compartió el nuevo video de “Love Is Bigger Than Anything in Its Way”, canción incluida en Songs of Experience, su más reciente álbum de estudio lanzado a finales de 2017.

La dirección del visual corrió a cargo del fotógrafo David Mushegain, quien ha trabajado con los Red Hot Chili Peppers. El clip se centra en la juventud de Dublin. Mushegain ha retratado a jóvenes por las calles de Dublin desde hace 7 años. “Tomé la letra de “Love Is Bigger Than Anything in Its Way” literalmente”, comentó. “El mensaje de la canción es extremadamente poderoso, especialmente ahora que el mundo es un lugar caótico. El punto es ser tú mismo, divertirte y expresarte sin preocuparte por lo que pueda decir la gente”.

La idea original era centrarse en miembros jóvenes de la comunidad LGBT, pero decidió incluir a gente joven de todos los espectros para ser mucho más inclusivos. “Dentro de la comunidad LGBT también están los familiares y los amigos de aquellos que forman parte del colectivo, todos son bienvenidos”, explicó el fotógrafo. “Se trata de ser joven y expresarte. Todos tenemos algún conocido, amigo o familiar que se viste o se ve diferente, pero como dice la canción ‘el amor es más grande que cualquier cosa que se interponga en su camino’. Siempre he sentido amor por la comunidad LGBT, asisto a las marchas del orgullo por todo el mundo, no hay mejores fiestas. El objetivo es celebrar el amor, celebrar la individualidad, celebrar a todos”.

Mira “Love Is Bigger Than Anything in Its Way”, el nuevo video de U2:

Beck compartió un remix de “Lights of Home”, canción original de U2 que forma parte de Songs of Experience. El músico angelino fue el encargado de abrir algunos shows durante The Joshua Tree Tour 2017, gira realizada para celebrar el 30 aniversario de The Joshua Tree.

Escucha el remix de Beck a “Lights of Home” de U2:


Eddie Vedder hizo covers de U2 y John Lennon


Durante sus presentaciones como solista, el músico interpretó “Bad” e “Imagine” con su característico estilo.


POR Andrea Calderón  



Foto: Instagram Pearl Jam

Eddie Vedder hizo covers de U2 y John Lennon

Eddie Vedder se presentó como solista en São Paulo hace algunos días. Durante tres noches, el también vocalista de Pearl Jam realizó un par de covers a U2 y John Lennon.

Durante uno de los conciertos, Vedder interpretó 27 canciones, entre las cuales sobresalió “Bad”, el clásico de U2 incluido en The Unforgettable Fire de 1984.

Vedder aprovechó también para tocar “Imagine”, canción original de John Lennon.

La gira actual del músico de 53 años se caracteriza por incluir varios covers de temas populares en su setlist, como “You’ve Got to Hide Your Love Away”, canción original de The Beatles y “Hurt”, icónico tema de Nine Inch Nails.

Escucha a Eddie Vedder interpretar “Bad”, tema original de U2:


Tributo a Dolores O’Riordan


Recordamos a una de las voces más representativas de los últimos años.


POR Michelle Angell  



Tributo a Dolores O’Riordan

Desde Irlanda, casi al final de la década de los años ochenta, se exportó una banda que situaría los ojos del mundo en aquel pequeño país europeo (siendo U2 el primer grupo en alcanzar algo de esta dimensión).

The Cranberries, liderados por el inolvidable timbre de voz de Dolores O’Riordan, mostraron su talento y particular estilo, mismo que fue bien recibido por el público y la industria desde el inicio. Con éxitos como “Zombie”, “Linger” y “Dreams” poco a poco fueron ganando terreno en el mundo del rock de los años noventa, logrando que su álbum debut, Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?, vendiera millones de copias internacionalmente.

Siempre reconocidos por la fuerza de las notas de Dolores, y claro, el clásico falsete que la caracterizaba. Su voz se apagó súbitamente el 15 de enero de este año, a los 46 años de edad, mientras la agrupación se preparaba para algunas sesiones de grabación en Londres. La información se dio a conocer por medio de un comunicado de prensa a través de las redes sociales de la banda, haciendo énfasis en el profundo dolor que la familia se encontraba viviendo y su necesidad por obtener privacidad por parte del público. La vida de Dolores nunca fue sencilla. Nació en el núcleo de una familia humilde y tuvo que trabajar desde antes de cumplir la mayoría de edad. Sin embargo, la música siempre vivió dentro de ella, a los 10 años ya escribía canciones y se mostraba diferente al resto de sus hermanos y compañeros, había nacido para pisar los escenarios y nada la reconfortaba más que eso.

Durante su trayectoria tuvo algunos inconvenientes de salud, canceló varias presentaciones en 2017 debido a problemas en la espalda e incluso fue diagnosticada como bipolar tras un episodio de ira durante un vuelo. Su repentina muerte sacudió al mundo de la música y sin embargo, su voz continuará resonando en las habitaciones, para volver a escuchar aquellos éxitos en vivo, al menos en nuestra imaginación.


U2 estrenó el video animado de “Get Out of Your Own Way”


Esta canción se desprende de su más reciente álbum de estudio, ‘Songs Of Experience’.


POR Bárbara Romo  



U2 estrenó el video animado de “Get Out of Your Own Way”

U2 estrenó el video animado de “Get Out of Your Own Way”, tema que aparece en su más reciente álbum de estudio Songs of Experience.

Las imágenes del clip muestran a una mujer llorando, un cráneo envuelto en llamas y referencias políticas como los miembros del Ku Klux Klan marchando con antorchas en mano, mientras que el presidente Trump observa desde la Oficina Oval.

“2017 para nosotros fue el año en el que los fascistas de todo el mundo se sintieron lo suficientemente seguros para levantar la cabeza nuevamente, alentados por Trump y otros líderes mundiales que utilizan el miedo de la gente para construir más paredes y segregación”, explicó la banda en un comunicado. “La canción es a la vez una carta personal y un clarín a la situación global y de la misma manera, hemos combinado nuestro estilo con imágenes políticas”.

La banda vendió 186,000 unidades en la semana de estreno de su decimocuarto LP de estudio, lo que les otorgó el primer lugar en la lista de Billboard. U2 es la única banda en alcanzar el primer lugar en las listas de las décadas de los ochenta, noventa, dos mil y dos mil diez.

Mira “Get Out of Your Own Way”, el nuevo video de U2 a continuación: