mayo 18, 2021

‘Somebody once told me’: la historia de «All Star», de Smash Mouth

Hace 20 años, Smash Mouth entró en el estudio para demostrar que no eran un 'one hit wonder', y la canción que grabaron se ha reproducido desde entonces. Esta es la historia de "All Star".

«All Star» de Smash Mouth nos ha seguido incesantemente durante las últimas dos décadas. Si tienes menos de 30 años, es una parte del tejido de tu vida, al igual que una hebra del ADN del internet, manteniéndolo divertido y extraño. Pero antes de que «All Star» fuera un éxito ineludible, o el himno para un ogro verde misántropo y protagonista del gran éxito de DreamWorks, Shrek, o la inspiración para innumerables memes en Twitter, Instagram, Tumblr y TikTok actualmente, comenzó como una oportunidad para que Smash Mouth demostrara su valía.

La banda comenzó a mediados de los noventa, nacida de la creciente fatiga del cantante Steve Harwell con su grupo de rap F.O.S. (Freedom of Speech). Los miembros fueron reunidos por el manager Robert Hayes, quien presentó a Harwell y al ahora exbaterista del grupo, Kevin Coleman, al guitarrista Greg Camp y al bajista Paul De Lisle, quienes eran miembros de la banda de hip hop y punk, Lackadaddy, la cual dirigía Hayes. Su sonido inicialmente reflejó el ska punk de la escena de San José en ese momento, pero el álbum debut de la banda, Fush Yu Mang, tuvo una excepción notable: el brillante éxito retro pop «Walkin’ On the Sun». La tercera canción del álbum, se convirtió en el único éxito del grupo, y rápidamente se hizo más grande de lo que nadie anticipaba, encabezando la lista de Modern Rock en 1997. Para casi todos los que escucharon Smash Mouth, esta fue su canción definitoria.

El éxito desbocado de «Walkin’ On the Sun» ayudó a que Smash Mouth firmara contrato con Interscope, y también determinó el tipo de banda que ahora estaban destinados a ser: rock alternativo, pegadizo y centrado en el hook (motivo musical para captar la atención del oyente). Dos años más tarde, los intentos de la banda de replicar su éxito, los llevarían a su álbum revolucionario, Astro Lounge, y, lo más importante, al sencillo principal del LP, un himno de pop alegre que los fanáticos, las estaciones de radio y los estudios de cine no pudieron evitar amar. Se llamó «All Star».

Shrek le daría una segunda vida a la canción en 2001, y YouTube la lanzaría de nuevo a la cultura popular casi una década después. No se ha retirado desde entonces. «All Star» ha cautivado inexplicablemente al mundo durante 20 años, y la banda, su equipo e incluso las personas responsables de encontrar formas nuevas y bastante interesantes de utilizarla, todavía están tratando de descubrir cuál es exactamente la magia de la canción más reconocida de Smash Mouth. Esta es la historia de «All Star».

¿One Hit Wonder?

Después del sorprendente éxito de «Walkin’ On the Sun», Smash Mouth y su mánager Robert Hayes miran hacia el futuro con esperanza y preocupación. Con un nuevo contrato de grabación que se cierne sobre sus cabezas, están preocupados de que su experimento pop pueda haberlos convertido en un one hit wonder, algo que muchos ya asumieron. Después de enfocarse en hacer giras durante dos años seguidos, están decididos a demostrar que todos están equivocados.

Steve Harwell (vocalista): Salimos de Fush Yu Mang y tuvimos un gran éxito con ese disco. Luego nos llevaron a un nivel más alto. Sabía que el sello quería el próximo gran suceso. Y sabía que Greg lo tenía, pero no confiaba en él en ese momento, porque estábamos en un punto extraño.

Greg Camp (compositor/guitarrista): Nuestros fans se dividieron en dos. Algunos de ellos decían, «Vaya, esto es genial. Esto es lo que queremos». Mucho otros se desepcionaron cuando escucharon «Walkin’ On the Sun» en la radio y fueron a comprar el álbum, y luego estaba este rimbombante, ya sabes, álbum basura.

Robert Hayes (mánager desde 1996): «Walkin’ On the Sun» encabezó las listas de éxitos alternativos y pop. Tuvieron mucho éxito allí, por lo que naturalmente se movieron hacia un sonido más pop. «All Star» es el pináculo de ese sonido.

Harwell: «Walkin’ On the Sun» cambió la música. Cambió la forma en que la gente escucha música. He hablado con otros artistas a lo largo de los años y me han dicho que el día que esa canción salió en la radio, fue como: «Estamos jodidos». Fue tan diferente y tan inusual, y fue tan especial. Simplemente tenía ese sonido que creamos. Pregúntale a cualquiera que ha intentado copiarnos, no se puede. Simplemente no se puede.

Eric Valentine (productor): Tenían esta dudosa distinción de tener un disco muy, muy exitoso, pero también fue uno de los álbumes más devueltos porque el sencillo visible, «Walkin’ On the Sun», era muy diferente al resto del disco. La gente conseguía el disco y decía: «¿Qué está pasando? ¿Por qué todo el resto de esta música es tan diferente?»

Hayes: La banda realmente estaba en un buen espacio mental, ya sabes. Estaban ansiosos e impacientes por hacerlo, y emocionados. Acababan de sacar un gran éxito, pero sabían que el nivel de superación era alto, por lo que tenían que hacer algo grandioso.

Harwell: Voy a ser sincero contigo: todos estábamos viviendo la vida con estilo. Viajar por el mundo, hacer giras, ir de fiesta…

Hayes: Sí, eran estrellas de rock, claro. Tienes que entender, estos tipos pasaron de estar completamente arruinados y no tener nada – yo iría a reunirme con ellos en su apartamento y los vería raspar la mantequilla de maní del fondo del frasco y ponerla en un trozo de pan, sólo para que pudieran comer – a repentinamente decir, «Pusimos un récord, se posicionó como Número Uno». Están recorriendo el mundo y tienen más dinero de lo que saben hacer con él. Entonces pensaron: «Oye, ¿sabes qué? Esto es genial, vamos a vivir a la altura». Así que lo hicieron. Estaban de fiesta como estrellas de rock, lo que, por un lado, hizo que fuera un poco más difícil atraerlos y decir: «Está bien, tenemos que concentrarnos. Tenemos que concentrarnos en hacer un disco». Pero estaban tan emocionados de crear música que realmente no fue un gran problema, porque querían hacerlo.

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Camp: Todo el asunto de la «L en la frente» es en realidad una historia real. Estaba en una relación y tocaba en bandas y cosas así. Todas las mañanas, esta persona con la que estaba tenía que levantarse e ir a trabajar, y yo podía quedarme en la cama porque no trabajaba hasta más tarde. Tocaba en bandas que ganaban dinero, como bandas de cóvers y bandas de bodas y cosas así. Podía dormir todo el día y, ya sabes, beber por la noche y festejar, y quedarme fuera y cosas así, así que habían muchos celos, y de alguna manera se presentaban en forma de, «Eres un perdedor, amigo. ¿Qué vas a hacer, dormir todo el día? Esto va a terminar algún día. No vas a hacer esto por el resto de tu vida. Eventualmente vas a tener que madurar y conseguir un trabajo».

Grabando Astro Lounge

Listos para dirigirse al pop total en su segundo álbum, Smash Mouth pone al guitarrista Greg Camp, quien escribió «Walkin’ On the Sun», al mando. Se asociaron nuevamente con el productor Eric Valentine, quien recientemente había producido «Semi-Charmed Life» de Third Eye Blind, y se refugiaron en una casa de Los Gatos que se había convertido en un gran estudio, para escribir y grabar Astro Lounge.

Camp: Habíamos estado de gira desde la primavera de 1997, por el primer disco. No muy lejos de esa gira, la compañía discográfica ya nos estaba pidiendo que comenzáramos a trabajar en el segundo álbum.

Paul De Lisle (bajista): Empezamos a trabajar en Astro Lounge justo cuando llegamos a casa, regresando de nuestra primera gira, que fue el verano del 98.

Hayes: Greg era el compositor principal, y siempre seguía lo que su instinto le decía. Si escuchas el cuerpo del trabajo del primer disco, Fush Yu Mang, es realmente más ska punk. «Walkin’ On the Sun» fue una anomalía allí, sólo era una de estas pistas únicas que no sonaba como ninguna otra cosa. Si escuchas Astro Lounge, es un poco más maduro. El ska ya estaba de camino a la salida, así que no había ska real allí. Se transformó en pop.

Harwell: Éramos niños cuando hicimos Fush Yu Mang. No sabíamos quiénes éramos. Escuché ese disco una y otra vez, suena como a cuatro o cinco géneros o bandas diferentes. No tiene una melodía o tono constante. Parece que alguien no sabía lo que estaba haciendo y estaba confundido.

Camp: El primer disco lo escribimos todos, colectivamente. Nos metíamos todos en una habitación y que pasara lo que pasara, eso es lo que escuchaste en el primer disco. En el segundo disco, era obvio que yo era más la persona pop de la banda, así que dependía de mí tomar el control y escribir algunas canciones.

Valentine: Sé que Steve quería involucrarse más en la composición de canciones. Creo que todos tuvieron un choque en cuanto a la economía del negocio musical, cuando vieron cuánto dinero gana el compositor.

Harwell: Greg siempre fue el tipo de compositor que decía: «Déjame en paz. Déjame hacer lo mío». A Greg nunca le gustó coescribir con nadie. Siempre fue Jekyll y Hyde; simplemente le encantaba hacerlo solo, y por eso lo admiro tanto.

Camp: Disfrutaron del éxito de «Walkin’ On the Sun», y eso fue escrito únicamente por mí, antes de unirme a la banda. Entonces dijeron, «Bueno, esa fórmula funciona. Entonces, ¿por qué no sigues haciéndolo?»

Hayes: Les alquilamos una casa en las colinas de Los Gatos, en el Área de la Bahía. Convirtieron la casa en un gran estudio, y vivieron allí, grabaron y ensayaron, y comenzaron a escribir el álbum allí.

Camp: Nos movimos en esa dirección con bastante facilidad, porque sólo estábamos el productor y yo resolviendo cómo iba a sonar el disco, y la dirección del mismo con un poco de ayuda de Interscope. En su mayoría, notaron que había una punzada de los sesenta en alguna parte, que en realidad fue lo que más me gustó. Es lo que escuché cuando crecí, y me estaba muy adentrado en la música surf instrumental de los años sesenta y la música lounge.

Harwell: Cuando llegó Astro Lounge, teníamos suficiente tiempo en nuestras giras, mejorando. Madurando, básicamente. Me estaba volviendo mejor cantante y nuestro sonido comenzó a desarrollarse. Astro Lounge fue el disco que nos definió, porque era demasiado único.

Un éxito nace

Smash Mouth cree que ha terminado Astro Lounge, pero los ejecutivos del sello, Jimmy Iovine y Tom Whalley, no están de acuerdo. Al escuchar el álbum, la pareja no cree que la banda tenga los sencillos que necesitan para superar su one hit wonder. Camp obedientemente retrocede a la mesa de bocetos y regresa con dos éxitos infalibles: «Then The Morning Comes» y «All Star». La banda regresa al estudio con Eric Valentine y el baterista de sesión, Michael Urbano, para grabar rápidamente las nuevas canciones y terminar el álbum.

Camp: Fue la última canción escrita para el álbum.

Hayes: Vinieron a mí en un punto y me dijeron: «El disco está hecho, aquí está. Queremos que lo entregues a Interscope, a la compañía discográfica, hemos terminado». Así que lo hice. Entregamos el disco, y nuestro chico de A&R era Tom Whalley en ese momento, y Jimmy Iovine era el presidente de la compañía discográfica. Recibí una llamada de Tom y me dijo: «Oye, acabo de escuchar tu disco con Jimmy, y no has terminado. No escuchamos ni un solo, así que sigue trabajando».

Tom Whalley (expresidente de Interscope): Las carreras toman un camino determinado, y el camino que ellos tomaron fue un gran éxito en la radio comercial que impulsó a su base de fans. No repetir eso habría hecho retroceder su carrera de una manera mucho más difícil.

Hayes: Tuve que regresar con los chicos y decirles, «La compañía discográfica no está aceptando el álbum, necesitamos seguir trabajando».

Harwell: Nunca olvidaré este momento. Estábamos en nuestra oficina en Campell, California, y Tom Whalley, quien nos firmó, voló desde L.A. Escuchó el álbum, el cual pensó que estaba terminado, y me dijo, «No escucho el primer sencillo. No escucho el segundo sencillo».

Whalley: Nuestro enfoque en Interscope no era ese cliché de «No tienes un éxito. Ve a escribir un éxito». Íbamos a sentarnos con la banda y les daríamos consejos sobre lo que tenían que hacer y empoderaríamos a la banda para que tomara sus propias decisiones. Cuando les expliqué que no tenían una canción que pudiera seguir a «Walkin’ On the Sun», tomaron ese consejo en serio.

Hayes: Este ciclo se prolongó durante meses y estaban muy frustrados. Tuve muchas conversaciones con la compañía discográfica sobre tratar de averiguar exactamente lo que estaban buscando, y luego filtré esa información y se la transmití a Greg, quien era el compositor.

Camp: En un par de días, «Then The Morning Comes» y «All Star» estaban escritas, y se entregaron, y fue como: «Está bien, estamos listos para lanzar este disco».

Hayes: Una noche senté a Greg, abrí una revista Billboard y le dije: «Amigo, repasemos esto. Quiero un pedacito de cada una de estas canciones». El Top 50, en este momento, era Smash Mouth, Sugar Ray, Third Eye Blind, Vertical Horizon, Barenaked Ladies, Marcy Playground, Chumbawamba. Se fue, y dos días después entra en mi oficina con un casete. Lo metí y había «All Star» en este casete. Me detuve y lo miré. Él dice: «¿Qué? ¿No te gusta?» Le dije: «¿Estás bromeando? ¡Esto es un éxito!».

Whalley: Fue simplemente fantástico. Lo siguiente que le pregunté fue: «¿Cómo hiciste eso?» Cuando una banda decide volver y escribir más para lograr componer un éxito, las posibilidades de que lo logren son muy lejanas. No sucede todos los días. Eso no es algo fácil de lograr. Las probabilidades estaban muy en su contra.

«Lo supe en el segundo que lo escuché. En el segundo que escuché la primera letra, dije, «Esta canción va a cambiar la música para siempre».

Camp: «All Star» se estaba incubando mientras estábamos en la carretera. Paul De Lisle y yo fuimos a unas lavanderías de camino, y traímos una bolsa de ropa sucia y una bolsa de correos de fans, regresando a cuando la gente solía escribir en pedazos de papel. Leíamos el correo y lavábamos la ropa, cuando notamos que había un hilo común en todas esas cartas: los niños nos agradecían por ser «su banda». Eran una especie de marginados. Eran algo como nerds y cosas así.

De Lisle: Era una respuesta a todas estas cartas que estaba recibiendo de los niños, y eran como una especie de charla de ánimo, casi. La canción era para estos niños: «Aguanta. Eres el dueño de tu propio dominio. Tú controlas tu propia nave».

Camp: Smash Mouth estaba entre el pop y el punk en ese momento. Estos eran niños que en realidad no llevaban un uniforme, de ninguna manera. No eran mods, no eran punks, no eran deportistas. Eran sólo niños a los que les gustaba la música, diciendo que los molestaban mucho. Paul y yo nos propusimos verbalmente escribir un himno para ellos. Así es como empezó.

Harwell: El mejor momento de todos fue cuando Greg sacó un casete de su bolsillo y me dijo: «Pon esto para Tom». Y yo digo, «¿Qué diablos es esto?» Él dice, «Solo tócalo». Y era «All Star» y «Then The Morning Comes», y cuando lo escuché, sólo dije: «¿Qué diablos es esto?».

De Lisle: Escuché los demos en la camioneta de Greg. Obviamente, ambas son canciones muy fuertes, pude darme cuenta al momento que nuestro álbum estaba terminado. Esto lo va a lograr. Pero en ese momento, pensé que «Then The Morning Comes» era una canción más fuerte, para ser honesto. Sabía que «All Star» era buena, pero pensé que «Then The Morning Comes» era una mejor canción. Pero ambas fueron ganadoras.

Valentine: Creo que estoy de acuerdo con Paul. «Then The Morning Comes» es solo una canción más vibrante, más escurridiza, con más humor, y suena mejor para mi gusto personal. «All Star» tiene esta cualidad increíble, alegre y juvenil, que es parte de su atractivo. Es simplemente irresistible para los niños. Ellos se vuelven locos con eso.

Harwell: Era Greg cantando el demo, así que no sonó como debería. Sin hablar mierda, pero lo soy. Sonaba un poco femenino, no sonaba como rock and roll. Una vez que lo puse en mis manos, lo convertimos en Smash Mouth.

Valentine: Trajimos un baterista de sesión para la canción, porque teníamos un tiempo muy, muy limitado. Había un chico que conocía, Michael Urbano, que era uno de esos tipos que tocaría la canción a la perfección en una sola pasada y estaría listo.

Michael Urbano (baterista): Creo que estaban teniendo problemas con su baterista. Eric conecta el demo a su consola de mezcla, reproduce el demo de “All Star. Lo escucho una vez. Escribo el arreglo en una hoja de papel. Me siento detrás de la batería y toco la canción dos veces.

Valentine: Hay baterías en vivo en la canción, y también están superpuestas con loops de batería, para darle un sonido más vintage. En ese momento, estaba haciendo mucho eso: usando grabaciones de discos antiguos, baterías de discos antiguos, y superponiéndolos con grabaciones de batería modernas para tratar de darle ese sonido más nostálgico. Algunos de ellos son muy oscuros y otros son un poco más identificables. Debido a que alguien más posee esas grabaciones, probablemente sería mejor si no dijera exactamente de dónde provienen.

De Lisle: Me consideraron el mejor silbador de la banda, así que llegué a ser el tipo que silba.

«Escribimos grandes canciones y eso es icónico».

Harwell: No voy a alagarme a mí mismo, pero nadie más podría haber tocado esa canción. Nunca hubiera sido lo que es ahora. Podría haberle lanzado esa canción a un millón de bandas y ellos hubieran intentado hacerlo, y nunca hubiera sido lo que es.

Camp: Pensé que sería una buena canción de apertura y que saliera sin tener una introducción – como una introducción musical – simplemente golpearte en la cara con la voz inmediata.

Hayes: Todos estábamos muy emocionados. Una vez que todo se juntó, dió escalofríos. Sabías que había algo realmente grande y especial allí. Todos estábamos muy emocionados, al igual que la compañía discográfica, lo que nos hizo felices.

Harwell: Lo vi en la cara de Tom. Él dijo, «Ustedes van a cambiar la música. De nuevo».

Hayes: Fue un éxito rotundo y obvio. No tardó en resonar. Lo lanzamos y se fue a Número Uno.

IV. Viviendo la vida

«All Star» se sintió como un éxito desde el momento en que Camp grabó su demo inicial, pero la canción fue más monstruosa de lo que nadie había anticipado, alcanzando el número cuatro en el Hot 100. Hayes autorizó rápida y ampliamente la canción para ser utilizada en todo, desde películas (Mystery Men) hasta juegos deportivos, y rápidamente se volvió ineludible. Mientras que algunos miembros de la banda tuvieron dificultades para adaptarse a recién descubierta omnipresencia, otros se adaptaron bien al estilo de vida de las estrellas de rock. Las tensiones entre las bandas comenzaron a gestarse, aunque aún tenían más que demostrar.

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Urbano: Mi esposa y yo estábamos en Seattle, un mes después escuché, «Somebody once told me…» en la radio. Empecé a escucharlo constantemente. Le dije: «Creo que esa es la canción que toqué, esa canción de Smash Mouth». Solo la había escuchado tres veces, y luego la escuché tres millones de veces en dos semanas».

Camp: Definitivamente estableció el hecho de que no éramos one hit wonders como mucha gente nos etiquetaba y esperaba que fuéramos. Aparecían muchas publicaciones y críticas que decían: «Oh, esta banda estará aquí y se irá». Nos dio esa seguridad de que tal vez tenemos algo aquí.

Harwell: Definitivamente fue un momento en el que otros artistas y personas finalmente se dieron cuenta de que no éramos un grupo de niños punk. Escribimos grandes canciones y eso es icónico.

Camp: Simplemente nos sentimos muy seguros de nosotros mismos, de que podíamos salir y hacerlo, y eso nos cambió como banda. Comenzamos a tener, ya sabes, producción en nuestros shows en vivo, y la gente cantaba todas las letras de las canciones. Fue agradable. Fue alucinante, pero agradable.

Hayes: Una de las cosas con «All Star es que, al dar la licencia de uso de esa canción, fue muy seleccionada. No podía entrar a una tienda de comestibles o encender la televisión sin escuchar «All Star». Estaba muy, muy saturado.

Camp: Los fanáticos más duros estaban muy decepcionados y se sintieron estafados porque querían otro álbum de punk. Recuerdo estar en la carretera, y escucharla mucho en la radio, escalando las listas de éxitos. Entonces, de repente, empezó a aparecer por todas partes. No podías escapar de ella. Estaba por todos lados. La escuchabas en las tiendas de comestibles y cosas así. Es realmente bizarro.

De Lisle: Fue difícil entender qué diablos acababa de pasar. Mirando hacia atrás es como, «¿Cómo sobrevivimos a eso?»

Hayes: Estaban de gira para siempre. Como dije, estaban muy agotados. Se sintieron como, «Okey, necesitamos un minuto», antes de sumergirse y empezar a escribir. Y luego comenzaron a escribir el álbum homónimo.

Harwell: Simplemente nos metimos en problemas personales y no fue divertido en ese momento. No era lo que era. No era lo que solía ser. Ese tipo de cosas pasan, pero yo quería volver a divertirme. Pero eso será otro día, eso será otra entrevista.

V. ‘Shrek

En 2001, DreamWorks llama al mánager de la banda con una solicitud para utilizar «All Star» en una próxima película para niños. La pregunta lleva a la banda a dudar, a quienes les preocupa que su marca se asocie con una película para niños, especialmente si fracasa en la taquilla. Los productores y directores de la película están decididos a que Smash Mouth y, más específicamente, «All Star», sea una parte importante de la película. La decisión de seguir adelante y licenciar la canción es, en retrospectiva, brillante, tanto para la película como para la banda.

Vicky Jenson (codirector de Shrek): La mayoría de la música para las funciones animadas era compuesta, o las canciones eran creadas para la película. La mayoría de las películas animadas de Disney tenían canciones originales y se les consideraba musicales. Tanto Andrew Adamson como yo amamos el cine independiente, y fuimos influenciados por aquellos que usaban canciones actuales que ayudaron a ilustrar un momento emotivo. Realmente no estaba todo en la animación.

Hayes: Recibí una llamada de Michael Austin, el director de DreamWorks. Y me dijo: «Oye, Robert, antes de que publiques tu álbum, me gustaría que consideraras hacer una canción para esta película animada que estamos haciendo. Tiene un gran ogro verde y será un éxito. Se llama Shrek. Y queremos que hagas una versión de «I’m A Believer».

Camp: Cuando DreamWorks vino a nosotros, algunos estábamos un poco aprensivos, porque una vez que introduces tu canción a una película familiar, te fusionas en esta zona de Disney. Es como si estuvieras fuera de la tierra de la credibilidad.

Hayes: Se lo comenté a los muchachos e inmediatamente dijeron: «No. No queremos hacer eso. No queremos hacer un cóver para una caricatura». Así que lo rechazamos.

Camp: Ahora es totalmente diferente. Pero en ese momento, te estabas pegando un tiro en el pie por ofrecer tu canción a un comercial o televisión. Eso no fue muy bueno de hacer en ese entonces.

Hayes: Siguieron trabajando en su álbuá; DreamWorks seguía llamando: «Vamos, realmente queremos que hagan esto». Seguimos rechazándolos. Le dije a Austin, «Necesito ver esto. Necesito ver esta película». Fueron muy codicioso; no lo dejarían escapar de sus manos. Literalmente pusieron a alguien en un avión y lo trajeron hasta aquí para reproducírnosla. La vimos y pensamos: «Vaya, esto va a ser un éxito. Es una buena pelicula». Los muchachos todavía dudaban, porque no querían entrar en conflicto con su propio disco que estaba saliendo.

Harwell: Nos habían contactado para varias películas que se suponía que eran lo mejor del momento y se esfumaron. Todas eran películas de mierda.

Jenson: Cada vez que teníamos una proyección, discutíamos la música. «All Star» siguió sintiéndose apropiada para el tono de Shrek. Tendríamos proyecciones donde probaríamos la personalidad de Shrek. En cada una, ajustamos su personalidad para que tuviéramos versiones como la «proyección del oso de peluche». Cuando alcanzamos el tono adecuado para él, las canciones continuaron estableciéndolo como un tipo que se siente optimista, que siente que lo tiene todo resuelto. Es feliz en su existencia solitaria y no tiene idea de que tiene mucho que aprender al respecto. «All Star» fue una forma muy divertida y optimista de entender realmente a Shrek desde el principio. Por alguna razón, esta canción familiar continuó de proyección en proyección en proyección, a medida que la película se volvía cada vez más animada, terminaba su apariencia y llenaba todos los vacíos. Simplemente se continuó definiendo al personaje».

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Hayes: Entregamos el tercer disco a la compañía discográfica y, una vez más, «Lo siento chicos, no escuchamos ni un sencillo». Así que volvimos a la mesa de bocetos, todo el proceso. Mientras nos preparábamos para lanzarlo, ocurrió el 11 de septiembre. Tenemos un sencillo llamado «Pacific Coast Party», que básicamente dice «Oye, todos estamos de fiesta aquí en la Costa Oeste», y la Costa Este estaba hecha polvo.

Decidimos postergar eso, lo cual pareció un buen momento para volver a DreamWorks y decir: «Oye, haremos esto para esta película de Shrek«. Llamé a DreamWorks. En realidad, la película estaba terminada. Pero los convencí y también licencié «All Star» para la secuencia de apertura. Hicimos «I’m A Believer» para la secuencia de cierre y «All Star» para la secuencia de apertura. Y terminó siendo la película animada más grande de la historia.

Harwell: No teníamos ni idea de lo grande que iba a ser Shrek. No teníamos ni idea. Eso fue sólo una plataforma de lanzamiento. La canción ya era un sencillo Número Uno, y luego salió Shrek y vendimos millones de discos sólo con eso. La canción renació de nuevo.

Camp: Impulsó a la banda a un mundo diferente.

Hayes: Es un arma de doble filo para la banda, porque algunos de los chicos lo abrazan totalmente y les encanta. Algunos otros odian estar asociados con una película todo el tiempo.

Camp: De repente, teníamos gente vistiéndonos y maquillándonos y llevándonos a estas elegantes entregas de premios y cosas así. Tuvimos que limpiar nuestro acto un poco. No estábamos tirando bombas por todas partes, bebiendo, fumando y haciendo todas las cosas que hacíamos normalmente. Tuvimos que cambiar un poco las cosas.

Hayes: Greg siempre ha ido en contra de la idea del hombre y del corporativo. Es un verdadero artista, así que no le gustan esas connotaciones. Steve es un intérprete. Es un animador. Él es como «¿Ves esta cara? Véndelo. Ponlo en baldes para el almuerzo». Allí había un punto de vista diferente.

Harwell: Nací para ser líder y animador. Greg sabía que no podía hacer lo que yo hago. Y yo supe que no podía hacer lo que él hizo. Pero trabajamos tan bien juntos, y por eso la banda funcionó.

Hayes: Desde un punto de vista gerencial, puedo decir esto: A veces realmente odiaban ganar dinero, pero nunca odiaron gastarlo.

VI. Bueno, los memes empiezan a llegar y no paran de llegar

Después del lanzamiento de su tercer álbum homónimo, en 2001, la producción de Smash Mouth comenzó a ralentizarse y los esfuerzos futuros nunca igualaron el éxito de sus sencillos más importantes. Para 2016, la formación de la banda comenzó a fluctuar; Urbano y luego Camp, abandonaron el grupo. Sin que Smash Mouth lo supiera, los jóvenes fanáticos que resultaron ser el demo perfecto, con «All Star», cuando se lanzó y se presentó Shrek, se convirtieron en los líderes de la explosión temprana de contenido viral en redes sociales. Su continuo amor y nostalgia por la canción se convirtió en una piedra de toque cultural, algo que millones de millennials que sintieron lo mismo, entenderían de inmediato.

Rich Alvarez (coescritor, Mario in Mario, You’re a Plumber): YouTube era una bestia diferente en esa época. Comenzamos a subir videos solo por diversión en 2006. Cuando subimos nuestro primer video de Stupid Mario Bros., no podías ganar dinero con él en ese entonces.

Chris Muller (coescritor, Luigi en Mario, You’re a Plumber): Las personas que tenían el tiempo de crear videos eran niños y estudiantes que estaban haciendo tonterías con sus amigos. 

Alvarez: Para Stupid Mario Bros, habíamos parodiado algunas canciones antes de «All Star» y eran todas las canciones que nos encantaba escuchar en la escuela secundaria, como «Smells Like Teen Spirit». Nos encantaba «All Star» desde la infancia y, dado que YouTube era diferente en ese momento, no estábamos pensando en captar una ola de tendencias.

Muller: Personalmente, no recuerdo que hubiera un montón de bromas sobre «All Star» (alrededor de 2009). Básicamente, estábamos tratando de hacerle un homenaje a Weird Al Yankovic.

Alvarez: Creo que fue al menos un año después cuando comencé a ver que la gente usaba «All Star» y Shrek para hacer un meme. Eso es algo común ahora.

Muller:No aprendimos (fuimos los primeros), hasta hace unos años, cuando estas historias retrospectivas de memes comenzaron a hacerse populares. La gente empezó a etiquetarnos en las redes sociales.

Neil Cicierega (creador de Mouth Sounds): Escuché mezclas de canciones antes de que fueran legitimados por Girl Talk y la cultura pop dominante. Recuerdo que una de las primeras que escuché fue una canción de Nine Inch Nails y Ghostbusters, o algo así, así que siempre asocié las mezclas con la música cómica. Después de que muchos de los temas de las canciones comenzaron a filtrarse – los archivos se incluyeron en los juegos de Rock Band – se volvió realmente fácil obtener las partes de las canciones y comenzar a divertirme.

Jonathan Sudano (YouTuber): Antes de que mi canal de YouTube despegara en 2016, no tenía mucha presencia en línea, pero siempre había sido músico. Me habían interesado las mezclas, viendo qué canciones funcionaban juntas.

Camp: Una de las cosas principales, sólo técnicamente hablando, la canción – la tonalidad en la que está, el tempo en que está, la melodía que tiene – se puede usar y mezclar con casi cualquier canción. Prueba cualquier canción y encajará con ella. Simplemente sucede mágicamente.

Cicierega: Una de las canciones que apareció en Rock Band fue «All Star». No fui la primera persona en mezclar «All Star» con otra música, pero creo que fui uno de los primeros en reconocer que es una canción muy fácil de combinar con casi cualquier cosa, porque la melodía de la canción es casi toda una nota, en la mayor parte. Hay un poco de variación, pero siempre vuelve a la misma nota única que funciona con cualquier canción que esté en la misma tonalidad.

Sudano:La primera mezcla que hice fue «All Star» con «Imagine» de John Lennon. Tuve la idea en una noche de karaoke con mis amigos, en un lugar de barbacoa coreano. Simplemente estábamos cantando «All Star» y luego nos dimos cuenta de que funciona con otras canciones. Sólo hice un pequeño video en Facebook y mucha gente sugirió que migrara los videos a YouTube.

Camp: Es muy humillante. Puedes acceder a YouTube casi todos los días y ver algunas cosas nuevas que alguien ha hecho o mezclado.

Hayes: Tienes que entender que con estos chicos y otras bandas de su generación, no había Internet cuando empezaron. No podían darse el lujo de conectarse y ver todo en tiempo real. No había Twitter ni Facebook, ni ninguno de los sitios de redes sociales.

Harwell: Lo noté cuando recibía llamadas telefónicas. No soy un chico de las redes sociales, en absoluto, pero recibía llamadas telefónicas en las que la gerencia y los amigos decían: «Amigo, ¿estás viendo lo que está pasando?». Otros artistas me llamaban diciendo: “Amigo, ustedes están jodidamente en llamas ahorita. Esta cosa se está volviendo loca en este momento”.

Hayes: Cuando Twitter, Facebook y estos sitios sociales entraron en juego, tuvimos que sumergirnos en ese mercado. Teniendo una canción como «All Star», que estaba en una película tan grande como Shrek, rápidamente nos hizo darnos cuenta de, «Oye, hay una correlación directa aquí. Y podemos aprovechar esto”. Investigamos mucho y trabajamos mucho. No fue sólo por casualidad, no fue sólo por decir, ”Oh, mira, esta es la canción más importante». Eso vino con mucho marketing y mucho trabajo.

Harwell: La canción simplemente no desaparece porque es una de esas canciones. Es como «Stairway to Heaven” de Led Zeppelin. Es como el puto Lynyrd Skynyrd. Hay ciertas canciones que hacen las bandas que simplemente no desaparecen. Fuimos bendecidos con eso, y fue “All Star».

Hayes: Creo que en su mayor parte, lo entienden, entienden quiénes son y dónde están. Aprecian que la gente realmente preste atención y se tome el tiempo para escuchar, mezclar y hacer memes de su canción.

Sudano: Me he hecho conocido de Greg Camp. Él está bastante entusiasmado con todo el asunto.

Camp: Estoy seguro de que a algunas personas les gusta la canción genuinamente. Pero en su mayor parte, es algo estúpido. Es divertido. Es gracioso. Somos una banda de la que puedes reírte, pero estamos de acuerdo con eso.

Sudano: Sé que Steve Harwell no es realmente un fan mío. No creo que le guste que la gente bromee sobre él y haga memes sobre él. Pero creo que les ayudé a conseguir un poco más de influencia en Internet. Los mendigos no tienen la opción de elegir.

Harwell: A veces siento que es un poco irrespetuoso y, al mismo tiempo, siento que es un honor que la gente se esfuerce por hacer esto. Disfruto más al ver a otros artistas cubrirlo en conciertos. Creo que es un genial agradecimiento para nosotros. Pero creo que cada vez que alguien hace todo lo posible para hacer su propia versión, también es un agradecimiento porque se esfuerza por hacer eso. No lo harían si no les encantara.

Cicierega: No creo que sea una mala canción. Creo que gran parte del humor proviene del estilo brusco con el que canta Steve. Si escuchas sólo eso, sin una banda de acompañamiento, suena divertido. No se supone que debas escucharlo por sí solo. No se supone que debas escucharlo con otra música, porque eso puede resaltar lo extraño que es escuchar ese estilo de canto fuera de su elemento.

Alvarez: «All Star» es la única canción en la que puedes empezar a cantar el primer verso, en cualquier lugar, y todo el mundo sabe lo que estás haciendo. Todo el mundo sabe lo que empezaste. Y luego todos continuarán cantando la canción completa contigo.

Muller: Puedes cantarla en un bar de karaoke y todo el mundo cantará.

Urbano: En mi opinión, es un testimonio de la composición de Greg y lo fantásticas que son sus letras. Hay tantos dobles sentidos en esa canción. Es extremadamente inteligente. Es realmente sincero. Si escuchas las palabras, hay relevancia para el mundo de hoy. Hace referencia al calentamiento global en parte de la canción. El chico es brillante.

Camp: El calentamiento global era sólo una de esas cosas de las que la gente hablaba en las noticias. La gente reciclaba y todos intentaban hacer su parte. Luego hubo algunas personas que dijeron que no existía el calentamiento global. Fue justo cuando se empezaba a cuestionar si las noticias eran reales. No tengo idea de por qué eso tiene algo que ver con la canción, a decir verdad. Simplemente aparece de la nada y ahí está. Creo que la canción quiere decir «Sí, están sucediendo algunas cosas serias en el mundo, pero a la mierda, eres una estrella. No te preocupes por eso».

Cicierega: Smash Mouth y el uso de «All Star» se ha convertido en el equivalente de un popular riff de blues en la música rock. Es un estandarte de toda una subcultura.

Part VII. Comienza el espectáculo, comienza la paga

Incluso cuando los miembros se van y regresan a la banda durante la última década, «All Star» sigue siendo la única corbata inquebrantable de Smash Mouth. Todos los involucrados en la pista han tenido una relación continua y complicada con la canción, y todavía luchan por determinar por qué sigue capturando la imaginación de la gente dos décadas después. Con el interés constante en la banda y «All Star», Smash Mouth continúa con actuaciones intermitentes con su formación más famosa y mantiene abierta la posibilidad de un éxito futuro.

Hayes: Pasamos mucho tiempo manteniendo viva esta canción en línea y en Twitter, y asegurándonos de que esté disponible para el ojo público. Los números de Spotify de la banda están por las nubes. Si miras a su próximo competidor, serían, como, sus amigos Sugar Ray o algo así. Hemos tenido más de cien millones de giros al año, más que ellos. «All Star» es simplemente eterna, una gran canción que nunca desaparecerá.

Harwell: Sabía que no iba a tener límite de tiempo. Lo supe en el segundo que la escuché. En el segundo que escuché la primera letra, dije: «Esta canción va a cambiar la música para siempre. Va a tener licencia en todos los deportes, todo lo que se pueda imaginar».

Camp: Es agridulce. Una vez que haces algo así, todos esperan que sigas haciéndolo. Tus compañeros de banda, tus mánagers, tu sello discográfico, todo el mundo dice: «Sí, haz eso de nuevo. Solo escribe otro de esos». Y no es que sea imposible, pero la combinación de todas las cosas que giran en torno a la canción «All Star» es muy difícil de lograr dos veces. Era todo lo que se suponía que debía ser en ese momento y lograrlo de nuevo es una tarea muy difícil, ¿sabes?

Harwell: Todo el mundo quiere escuchar otro «All Star». No va a suceder. Greg y yo tuvimos esta conversación hace un par de semanas y dije: «Quiero escuchar lo nuevo». Le dije: «Amigo, escribe lo nuevo. Escribe el siguiente. Pero no ‘All Star'». No puedes volver a escribir «All Star». Es una cosa de una sola vez. Pero escribe algo especial y nuevo. Es fácil de decir, pero difícil de hacer. Quiero reinventar el motor por tercera vez.

Camp: Por eso ha sido difícil de muchas maneras. Es una gran canción y sigue estando ahí. Pero no hay forma de que vuelva a suceder en nuestro escenario.

Harwell: Lo diré en voz alta, pero Greg duda mucho de sí mismo. Siempre le he dicho a Greg: «Amigo, cuando quieres, eres el mejor compositor que he visto en mi puta vida». Cuando quiere serlo. Tiene que haber un cierto lugar en el tiempo para que él haga su magia, y nunca le quitaré eso.

Hayes: Greg dejó la banda hace unos 10 años. Ahora, oficialmente, ha vuelto, actuando en vivo varias veces. Creo que escribe canciones para películas independientes y cosas así.

Camp: Por mí, sólo me gustaría escribir canciones que suenen como canciones de Smash Mouth para Smash Mouth. Algunas personas en la banda quieren llevarla a un sonido diferente, así que hemos estado escribiendo con compositores externos, e invitando a otras personas y cosas por el estilo, sólo para ver si hay algo más en que la banda pueda transformarse. 

Harwell: La habilidad de Greg lo hizo mucho más fácil, porque yo sabía que él sabía escribir. Sabía que yo podía estar al frente de la banda. Sabía que tenía al mejor bajista. En ese momento no teníamos el mejor baterista, pero lo conseguimos más tarde. Simplemente se desarrolló, pero esta banda es como un matrimonio. Es muy difícil. Realmente lo es.

Camp: No es que Steve y yo nos odiemos. Simplemente no siempre nos agradamos. Nos respetamos mucho el uno al otro.

Urbano (abandona la banda en 2006): Las cosas estaban fuera de control. Creo que solo había diferencias de opinión sobre lo que debíamos hacer y qué dirección debíamos tomar. Era hora de que me fuera.

Hayes: La relación es buena. Todos son amigos. Todos están bien.

Urbano: Amo completamente a esos chicos. Felizmente volvería a tocar con ellos. Toqué con ellos hace como un año.

Harwell: El hecho es que Greg y yo hemos tenido problemas. Es doloroso y lo extraño. El hecho es que Greg y yo no estamos en el mismo punto en el que solíamos estar, pero eso sucede en las bandas. Sólo pasa. A veces simplemente se cansan un poco el uno del otro.

Camp: Steve y yo tenemos un par de ideas diferentes sobre lo que se supone que es la banda. Él wuiere seguir adelante y cambiar el sonido de la banda de forma progresiva. Quiere estar más actualizado. Yo soy de creer que la banda tiene una marca y un sonido, y me gustaría seguir con eso y no alejarme demasiado de él. Cada vez que le pongo una canción que suena como el tipo de canciones que escribo para Smash Mouth, ya no funcionan para él. Está trabajando con otras personas y eso está completamente bien.

Harwell: Sé que es excelente en lo que hace y yo soy excelente en lo que hago. Punto. Fin de la conversación. Eso es todo.

Hayes: La banda ha continuado y continuará, mientras estos chicos puedan hacerlo.

Harwell: Desde el primer día, siempre le dije a Greg: «Tú construye el auto y yo lo conduciré». Siempre vi la música como un deporte, como carreras.

Harwell: Cuando damos conciertos, en el momento en que llega «All Star», la multitud se vuelve loca. Luego tienes a Chainsmokers y todas estas otras bandas haciendo versiones de nuestra canción durante sus conciertos. Crecieron con nuestra mierda, y eso es lo que me enorgullece tanto.

Jenson: Hace varios años, estaba almorzando en un restaurante en Laguna Beach con mi esposo y él podía escuchar a una banda calentar. Mi esposo dijo: «Oye, esa es una canción de Smash Mouth». No pensamos en nada al respecto. Pensamos que era una banda de cóvers. Luego, cuando nos íbamos, todas las cajas de la banda decían «Smash Mouth». Así que me acerqué al cantante principal y le dije: «¡Oye, pusimos tu canción en nuestra película!» Mi esposo me presentó y Steve me dio un gran abrazo y dijo: «Ha sido tanto una maldición como una bendición».

Harwell: «All Star» estaba destinada a ser nuestra. Y por eso fue tan grande, y todavía lo es. Estaba destinada a ser Smash Mouth, y eso es lo mejor de todo. Sé a ciencia cierta que lo volveremos a hacer. Vamos a hacer la siguiente. Lo sé. En mi corazón, lo sé a ciencia cierta. Es solo que… lleva tiempo.

Camp: Estoy casi entumecido con ello. Creo que hubo un punto en el que estábamos cansados ​​de tocar la canción. Pero ahora Steve simplemente sale al escenario y dice la palabra «Some», y la multitud terminará la canción por ti. Cantarán la canción completa. Mi cabello todavía se eriza cuando eso sucede. Es bastante sorprendente que una canción que creaste en tu garaje, en un banco de trabajo, 20 años después esté por todos lados y no va a desaparecer.

Escucha la legendaria «All Star» a continuación:

De RS USA.

En este articulo: All Star,Shrek,Smash Mouth
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